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The War Game

Dirección: Peter Watkins        
Guión:  Peter Watkins   
Voz en off: Michael Aspel, Peter Graham   
Producción: Peter Watkins
Asistente de producción: Peter Norton   
Productora: BBC
Fotografía: Peter Bartlett, Peter Suschitzky        
Montaje: Michael Bradsell        
Vestuario: Vanessa Clarke        
Maquillaje: Lilias Munro   
Sonido: Lou Hanks, Stan Morcom, Derek Williams   
Diseño artístico: Tony Cornell, Anne Davey
Secuencias de acción: Derek Ware
Pais de producción: E.E.U.U.
Año: 1965
Duración: 48 min.







Las hostilidades entre China e Inglaterra cada vez son más candentes y, finalmente, el país del Este bombardea la ciudad de Kent con una bomba atómica. Los supervivientes habrán de enfrentarse a los efectos de la radiación así como a las revueltas de los saqueadores...



En 1962, Kennedy y Jrushchov jugaron, con el pretexto de los misiles cubanos (y sus equivalentes turcos, por el bando americano), a decidir la pertinencia de la muerte de centenares de millones de personas, según cifra reconocida por el líder soviético en su Declaración a los partidos comunistas obreros. Fue el punto climático de una tensión que amenazaba con hacer estallar la Tercera Guerra Mundial, una guerra nuclear de consecuencias impensables. Apenas dos años después de que aquello quedase en tablas con el acuerdo táctico de mantener desinformada a la opinión pública durante seis meses, Harold Wilson y su recién elegido gobierno laborista comienzan a desarrollar un programa de armas nucleares a gran escala en Gran Bretaña, rompiendo su promesa electoral de desarmar el país unilateralmente, e ignorando las protestas de la población. Peter Watkins, cineasta inglés que ha ido madurando en los años previos un lenguaje de falso documental influido por la Escuela Documental Británica, se propone cumplir con un deber que los aparatos de información estatal están evitando: informar sobre las consecuencias reales y concretas de un inminente ataque nuclear.

“La televisión británica de la época se mostraba bastante reacia a tratar el tema de la carrera armamentística, y había un silencio significativo sobre los efectos de las armas nucleares –un tema del que la gran mayoría del público carecía totalmente de información. Por lo tanto, propuse a la BBC hacer una película mostrando los posibles efectos de un ataque nuclear en Gran Bretaña, durante un estallido bélico entre la OTAN y la URSS, utilizando una pequeña parte de Kent, en el sureste de Inglaterra para representar un microcosmos.” En efecto, la BBC produjo el documental y estableció como fecha de estreno el 6 de agosto de 1966, aniversario de la destrucción de Hiroshima; pero una vez terminado, gobierno y BBC quedaron tan consternados que la cadena censuró la retransmisión, declarando que “el efecto de la película ha sido juzgado por la BBC como demasiado terrible para la televisión”. La película fue estrenada en salas comerciales (en Inglaterra con calificación X), y en 1966 recibió el Oscar al mejor documental, a pesar de ser una obra de ficción.

La enorme efectividad del documental de Watkins se basa en la perfecta sintonía entre forma y objetivo. El director construye su relato inscribiéndolo en el hueco que reclamaba ser cubierto, y por ello rueda imitando las técnicas de los noticiarios de la BBC, porque ésta es la noticia que no estaban dando, y es la principal que debían dar. La obra de Watkins se articula, en primer lugar, en función de una premisa histórica, partiendo de la escalada de tensión contemporánea entre los bloques de la Guerra Fría, y adelantándose en una serie de movimientos estratégicos perfectamente lógicos y posibles; prosigue con la documentación visual del acontecimiento y sus consecuencias, tomando como ejemplo a individuos concretos con los que todo británico (y en realidad, todo ser humano) podía empatizar; y se completa con entrevistas realizadas de la misma forma seca que las mostradas en los noticiarios. La credibilidad de los datos ofrecidos se sostiene en varias fuentes de primer orden, desde experiencias tomadas directamente de los efectos causados en la población civil de Hiroshima y Nagasaki, hasta consultas específicas a científicos, que después son expuestas por actores en el documental. Watkins deja claro que el país no está preparado ni por asomo para afrontar en términos de seguridad civil una catástrofe de una magnitud tan brutal, y que la gente tiene derecho a saberlo; los realojamientos forzosos excesivos darían paso al malestar y a los prejuicios, la racionalización y canalización de los alimentos, a la violencia civil. La voluntad de Watkins es explicarles a sus compatriotas que en las altas instancias se está jugando con sus vidas sin su conocimiento o permiso: a través de la información les devuelve el poder para decidir si alguien tiene el derecho de seguir haciéndolo. 

El esfuerzo de Watkins se inscribe dentro de una tendencia propia de la época, de crítica entre desquiciada y melancólica ante la catástrofe definitiva, por parte de algunos de los mejores directores del momento. El más importante y recordado análisis de las causas lo realizó Stanley Kubrick en ¿Teléfono Rojo? Volamos hacia Moscú (Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, 1963), donde el neoyorkino trazaba un retrato desde el absurdo de las causas (absurdas, insondables) del conflicto que había llevado a la actual situación. Aparte del tratamiento pop del tema de la bomba en las películas de ciencia-ficción americana de los 50, en Europa las consecuencias humanas son exploradas desde la cosmovisión particular de los autores, produciendo reflexiones tan dispares como la de Alain Resnais en Hiroshima mon amour (1959), Chris Marker en La Jetée (1962), Godard en Il nuovo mondo (1963), o el propio Watkins en The war game (1965) y su especie de segunda parte The gladiators (Gladiatorerne, 1969), rodada desde su autoexilio creativo en Suecia y también conocida como The peace game, donde imagina un futuro próximo en el que los países han acordado un medio alternativo de hacer estallar su violencia latente, enfrentando en espectáculos mediáticos a muerte a una selección de personas de cada país. En Japón, donde los documentales de ficción producidos para ilustrar lo que había pasado se construyeron desde una realidad tristemente cercana, surgirá la serie de filmes hibakusha (en japonés, “persona afectada por la bomba”) representada por Godzilla (Gojira, 1954); mucho después, se producirá una reflexión profunda en dos obras maestras: Lluvia negra (1989) de Imamura, y Rapsodia en agosto (1991), de Kurosawa.

En la actualidad, el ejemplo de The War Game y su voluntad de suministrar información fundamental ocultada o manipulada por los medios oficiales parece animar el empeño de cineastas como Michael Moore, quien en Fahrenheit 9/11 (2004) le regala al público americano imágenes de Irak tras los primeros bombardeos, pero no de la Irak virtual con aspecto de videojuego inocuo que retransmite en directo espectacular la CNN (y que aún le permitirá afirmar a algún dirigente que se trata de una guerra de precisión quirúrgica), sino de la Irak real vista desde el suelo, con sus calles arrasadas y sus víctimas civiles. El ejemplo antibelicista de la película de Watkins, aunque relegado al olvido oficial quizá por ser demasiado efectivo para su época y contexto, se ha prolongado sin embargo en silencio por algunas obras fundamentales de los últimos años, desde las descorazonadoras entrevistas ficticias a los soldados en La chaqueta metálica (Full metal jacket, 1989) hasta las aún más descorazonadoras entrevistas no ficticias a los soldados americanos que patrullan Irak en Fahrenheit 9/11. Siguiendo a Watkins, el juego de la guerra, del que asistimos en la actualidad a un ejemplo inquietante por ostensible, debería encontrarse siempre con alguna presencia incomodísima que completara los espacios omitidos, para devolverles a los directamente afectados la capacidad de decidir si lo inevitable no es en realidad provocado, firmado en función de beneficios particulares. Quizá lo verdaderamente terrible hoy, superado el equilibrio de potencias y demostrada la búsqueda de beneficios particulares, sea que los directamente afectados de una de las partes en conflicto sólo puedan asistir mudos a su propia destrucción, invasión, y saqueo, viendo cómo el resto del mundo aprueba y archiva notas de condena que no solucionan nada. Quizá el juego de la guerra, enfermedad terminal, incurable del ser humano, sólo se extinga con él, quizá en una próxima guerra nuclear como la imaginada por Watkins.*1


Fuentes de información: IMDB, *1 Artículo de Guillermo G. Peydro, publicado en su blog "Le Jardin imaginaire",  Patio de Butacas & Vagos (info y descarga directa), Subdivx (subtitulos), DivxClasico (info y descargas P2P).




Cielo Abierto

Título original: Cielo Abierto, Exploración Minera en el Famatina.
Guión y Dirección: Carlos Ruiz
Producción Ejecutiva: Carlos Ruiz / Fabián Luelmo
Cámara y Montaje: Fabián Luelmo
Música Original: Santiago Ruiz
Asistente de Cámara: Lucas Luelmo
Producción: Claudia Illanes / Sebastián Ruiz
Diseño Gráfico: Estudio Varela Díaz Parada Larrosa
Archivo Periodístico: Omar Alarcón
Otros Archivos: Carlos Larrache ("Famatina Resiste"), Patricio Schwaneck ("Asecho a la ilusión"), Gringa Crabbé, Miguel Arca Ruiz, Ismael Fuentes Navarro, Revista Random, pobladores de Famatina y Chilecito
Productora: Rioxa Films
País de producción: Argentina
Año: 2007 
Duración: 98 min.
Web oficial: Cielo Abierto





Los pobladores de Famatina y de Chilecito, en la provincia de La Rioja (Argentina), resisten la instalación de una mina de oro a cielo abierto en el Nevado del Famatina (6.109 msnm). En medio de una convulsión política, logran echar a la empresa Barrick Gold y sancionar una Ley Provincial que prohíbe este tipo de minería, pero nada es seguro. Pocos días después, la ley es desconocida por los mismos que la sancionaron.


 Cielo Abierto Crear Resistencia *1


A Cielo Abierto es, técnicamente, uno de los métodos de extracción de minerales que más perjudica el medio ambiente y la vida humana. Pero "Cielo Abierto", el documental, refleja con exactitud la lucha sin precedentes de dos humildes pueblos contra el goliath encarnado por una conocida minera canadiense y sus secuaces.

Carlos Ruiz, realizador riojano del documental, plasmó con precisión la resistencia que los habitantes de Famatina y Chilecito (La Rioja - Argentina) llevan a cabo. Una resistencia digna de conocer e imitar.
Un grupo de vecinos y vecinas se autoconvocaron para conocer en profundidad un proyecto minero internacional que, según anunciaban en los medios masivos de información, se instalaría en su territorio -sin su consentimiento ni consulta previa-. Justamente es el compromiso, principalmente femenino, el que convoca a asambleas y encuentros que van produciendo mayor nivel de conciencia social.

Así es como logran develar que lo que prometía ser una fuente de trabajo y recursos para la región, no era más que "la Barrick" buscando instalar su fábrica de muerte.

Pero el documental no sólo se detiene en la denuncia, demostrando la complicidad de políticos y dirigentes para que las multinacionales hagan "su negocio". Sino que reivindica el noble espíritu de lucha de los riojanos, que debieron enfrentar a las amenazas externas e internas -como la represión sufrida-, para pronunciarse y dar su contundente NO a la contaminación.

Con valiosísimo material de archivo, "Cielo Abierto" pone al descubierto flagrantes oportunismos políticos, casos serios de desertificación ignorada, la contaminación solapada o encubierta, las concesiones y corrupción de muchos y, como contraparte, la lucha de un grupo de pobladores que deben pelear a la multinacional en diversos frentes.

Es una historia que moviliza. Como bien lo expresó Ruiz: "Después de ver la película te movilizas. Indigna lo que pasa, te identificás con la gente y, entonces, te dan ganas de participar, de contactarte y de hacer algo".

Fuentes de información: *1 Artículo "Cielo Abierto Crear Resistencia" por Miguel Roth publicado en Fuseres.org, Mineria y Agroindustria del Peru (info y descarga directa).

The Czech Dream

Título original: Český Sen ("El Sueño Checo" en castellano).
Dirección: Vít Klusák y Filip Remunda
Producción: Vít Klusák y Filip Remunda
Música: Hynek Schneider
Fotografía: Vít Klusák
Montaje: Zdeněk Marek
Dirección artística: Štěpán Malovec
Idioma: Checo con subtítulos en castellano.
País de produccción: República Checa
Productora: Czech Television/ FAMU/ Hypermarket Film/ Studio Mirage. 
Intervienen: Varhan Orchestrovich Bauer, Jaromír Kalina, Vít Klusák, Martin Prikryl, Filip Remunda, Eva Williams.
Año: 2004
Duración: 86 min.
Web oficial: http://ceskysen.cz






En 2004 dos estudiantes de la escuela de cine de Praga realizaron como proyecto final de su carrera, una campaña publicitaria enorme con vallas, spots de televisión, jingles, lógos, volantes, etc., para el supermercado: El Sueño Checo (Ceský Sen). La apertura de éste se realizaría en un retirado paraje en la periferia de la capital. El día de la inauguración los estudiantes con sus cámaras de cine, se ubicaron estratégicamente. La gente comenzaba a llegar, los anuncios de ofertas y descuentos del Sueño Checo parecían haber funcionado. Tras unas horas estaba reunida una considerable multitud. Terminada de cortar la cinta inaugral, la impaciente masa se dirigió apresurada hacia su sueño, El Sueño Checo. El acceso era angosto, de tierra, alrededor solo llanuras. En un soleado día de verano el Sueño Checo resultó siendo una fachada y nada más. No había supermercado, sólo una pared plana con un logotipo gigante. La gente estaba desconcertada, sudorosa, ensimismada. Un par de personas se disgustaron y se marcharon refunfuñando. Otras, las más, reían de sí mismos y contemplaban el paisaje. Parecían haber recordado el mensaje: no hay certezas; tampoco detrás de todas las fanfarrias del capitalismo.

M'Český Sen', exquisita radiografía de un fraudeockumentary

por Luisfer Romero Calero  

*1


Vít Klusák y Filip Remunda, dos estudiantes de cine de Praga, pusieron en marcha un importantísimo estudio sociológico que conmocionó al país, dejó en evidencia la actitud del pueblo checo frente a la posible inclusión en la Unión Europea, y de paso, consiguieron un documental redondo, que tuve la oportunidad de ver en el Festival de Cine Europeo de Sevilla en el año 2004.
Con una introducción cronológica que resume el fervor de los ciudadanos ante la apertura de nuevos centros comerciales, Klusák y Remunda pronto nos explican en qué consiste la película. Son los directores, guionistas y protagonistas de ‘Český Sen’, así que por suerte son dos tipos simpáticos que caen bien desde el principio, para lograr que el espectador se sienta cómodo durante el proceso que se está llevando a cabo a lo largo del metraje. 

Su objetivo es hacer creer a la ciudadanía que se va a abrir un nuevo centro comercial con precios increíblemente bajos (chuletas de cerdo a un euro, una cámara digital a cuarenta euros…), y con una política de mercado revolucionaria. Su nombre será Český Sen (el sueño checo), y su logotipo consiste en un bocadillo de cómic de cuando un personaje está pensando o soñando. Los eslogan publicitarios revelan frases como “no vengas”, “no gastes”, etc. Český Sen aparece en las paradas de autobús, en la TV, en la prensa, y pronto estará en boca de todo el mundo. La cuestión es que todo es un fraude. Český Sen no existirá nunca, y donde se supone se está construyendo el complejo, sólo hay una enorme fachada publicitaria. Un fake en toda regla que no va a dejar indiferente a nadie, o eso esperan ellos.

Los dos jóvenes directores van a Hugo Boss, donde les asesoran para que parezcan ejecutivos importantes, hacen encuestas a transeúntes, llevan a familias a comprar para hacer un estudio de mercado, contratan a una empresa publicitaria y a una orquesta para que componga una canción que sea el emblema de la ficticia compañía. Todo con una naturalidad y unas dosis de humor muy efectivas, que mantienen a uno expectante por la reacción de los checos ante tamaño fraude. La realización juega un poco con el uso de la ficción, ya que hay escenas que parecen actuadas, aunque las situaciones sean sin embargo efectivamente reales. De todas formas, el uso excesivo de la cámara en mano delata el espíritu de improvisación obligado por las circunstancias, ya que muchas escenas son de una sola toma posible para obtener un resultado final satisfactorio.

Todo parece indicar que los ciudadanos acogen muy bien la noticia, y que Český Sen será un éxito. El clímax tarda en llegar, pero merece mucho la pena la espera. No pienso desvelar los detalles, pero la trascendencia de la artimaña fue muchísimo mayor de lo esperado por Klusák y Remunda, y desde luego sacó a relucir una serie de conclusiones sobre una República Checa que no hace mucho todavía vivía bajo el yugo comunista. La película muestra que los checos admiten que el ir a comprar es una actividad placentera, que les llena y les divierte, y por ello Český Sen no es sólo una broma, una falacia o un chiste. Es la consolidación de esa afirmación no escrita antes de que el consumismo mueve masas, y lo mejor de todo es que cabe preguntarse si habría ocurrido lo mismo en nuestro país, o en cualquier otro (personalmente, me acuerdo a la perfección de cuando abrió Ikea en Sevilla…).

La última media hora, por supuesto, es genial, y desternillante
. Además revela algo que no deja de ser importante: ¿de dónde sacaron Klusák y Remunda el dinero para una campaña tan enorme? Los arreglos de la canción tradicional inglesa ‘Hey ho’ son sobresalientes, realizados por el compositor Varhan Bauer. La película fue anunciada como la primera “de realidad” en la República Checa, y se estrenó en 2004 con un éxito casi sin precedentes. Varias distribuidoras internacionales han comprado los derechos para poder lanzarla en DVD y emitirla por televisión. Pero de momento, al menos en España, Internet es el único medio por el que puede verse Český Sen, una obra documental necesaria, muy entretenida y de gran contenido social. Sin mucho esfuerzo, es posible encontrarla con subtítulos en español o en inglés. Un documental de amplísima relevancia, no en vano alabada hasta la saciedad por figuras del género como Morgan Spurlock o Michael Moore.

Una escena que particularmente adoro, cuando Klusák y Remunda hablan con una encuestada y les pide que cante algo junto a sus hijos, a lo que ella accede con la mencionada ‘Hey ho’, a la que poco a poco se va añadiendo una deliciosa orquestación. Es muy probable que ‘Hey ho’ no fuera elegida por la mujer, ya que la letra es muy representativa de lo que se expresa en la película: “Hola, nadie está en casa / no tengo comida, no tengo bebida / no tengo dinero todavía / todo el mundo será feliz”.
*1


Fuentes de información, descargas y subtítulos: DivxClasico, RebeldeMuleDiario Intimo de un Conde, Artículo "El Falso documental (Mockumentary)" publicado por marlowe62 en Divx Clásico, *1 (M'Český Sen', exquisita radiografía de un fraudeockumentary) por Luisfer Romero Calero publicado en Blog de Cine.


Percebeiros

Dirección: David Beriain
Guión: Fernando Ureña, David Beriain
Idea original e investigación: Fernando Ureña
Cámara Principal: Sergio Caro
Cámara terrestre: Ernesto Villalba
Cámara submarino: Sergio Carmona
Cámara aérea: Helifilm
Realización, postproducción: Nuria Gómez. Quique de la Vara
Sonido: Suso Ramallo
Asistente de sonido y realizadora del Making Of: Elena Delgado
Música: Anxo Pintos
Diseño gráfico: Chiqui Esteban
Asistente de Dirección y Producción: Leire Ariz
Responsable de seguridad: Joaquín Bilbao
Producción ejecutiva: Alfredo Triviño, David Beriain
Intervienen: Serxo Ces
Idioma: Galego con subtítulos en castellano.
Año: 2011
Duración: 11 min.
Web oficial: http://www.enpiedeguerra.tv/percebeiros/




Ruge el viento. El mar golpea los acantilados. Dos metros de roca, ésa es la franja de agua y oxígeno en la que crece el percebe. Dos metros donde el mar se ensaña, donde bate con fuerza milenaria.

Una frontera de olas y espuma en la que Serxo y sus compañeros luchan por un bocado de mar.

Una frontera de valor y miedo. De temeridad y sentido común. Dos metros sin margen de error.

Ahí vive el percebe. Ahí vive Serxo.

Percebeiros es la batalla contra el mar de unos guerreros que no se consideran héroes.


'Percebeiros', guerreros entre el valor y el miedo *1


Son héroes sin saberlo, de esos que arriesgan a diario su vida por un exquisito bocado de mar. Un modo de vida sin tregua en un rincón de la costa atlántica gallega donde a diario libran su particular batalla contra la saña milenaria de las olas. Son los percebeiros, esos guerreros anónimos a los que un día el periodista David Beriain y el guionista Fernando Ureña decidieron dedicarles un fiel retrato. El resultado es 'Percebeiros', un cortometraje documental que narra el trabajo de Serxo Ces en la agreste costa de Cedeira.

Un grupo de 12 personas se desplazó en agosto a la localidad coruñesa durante una semana en la que tomaron contacto con la realidad de Serxo. "Queríamos buscar gente al límite y ver cómo se relacionaba con ciertos peligros", explica Ureña. De Serxo les apasionó "su lucha interior" y su experiencia tras 17 años recogiendo percebes y se pusieron manos a la obra. "Yo les expliqué que no me podían estorbar en el trabajo y ellos lo entendieron perfectamente", asegura el percebeiro, muy satisfecho con el resultado. "Es el mejor de los reportajes en los que participé y refleja esto con exactitud", asegura.

La intención del equipo dirigido por Beriain era contar una historia a través de la visión de un percebeiro. Para ello dispusieron un gran despliegue técnico, salieron al mar en una lancha acompañando a Serxo y a otros dos compañeros. "Queríamos estar lo más cerca de ellos pero sin entorpecerlos". Y lo consiguieron, especialmente a través de la cámara acuática que captó imágenes y situaciones de riesgo en esas rocas donde vive el tan valorado crustáceo, esos dos metros donde no se puede permitir un margen de error.


Equipo técnico *2

Las historias de calidad se cuentan mejor a través de formatos de calidad. Durante décadas, periódicos y demás medios impresos han usado técnicas narrativas que tradicionalmente pertenecían a la ficción. Es hora de que el periodismo audiovisual siga su ejemplo. Nuestro objetivo es aplicar las técnicas narrativas de ficción a la realidad. Y eso no se consigue sólo a través del guión, sino que es una idea presente en todas las fases de elaboración del documental. Nuestro equipo planificó todos los aspectos de la historia para proveer al espectador con una experiencia que es, no sólo interesante y convincente, sino también bella.

Las cámaras principales en Percebeiros “Sea Bites” fueron la Canon EOS 5D y Canon EOS7D. Las dos primeras, habitualmente utilizadas para la fotografía y por consiguiente más pequeñas que otras cámaras tradicionales, fueron una gran opción para las condiciones adversas que nuestros cámaras encontraron así en el mar como en las rocas. Al mismo tiempo, el sensor 35.8 mm nos permitió alcanzar una textura similar a la del cine, que estimula la vista y encaja con nuestra intención de crear arte visual.

La Sony HVR-Z1 fue usada como cámara submarina para filmar desde el mismo mar, lo que nos llevó a descubrir nuevas perspectivas de la actividad de los percebeiros.





Fuentes de información: *1 Extracto de articulo por Marcos Nebreda, publicado en El Mundo, *2 Información técnica en web oficial y dossier.

Waste Land

Dirección: Lucy Walker
Fotografía: Dudu Miranda
Edición: Pedro Kos
Guión: Lucy Walker
Música: Moby
Productores: Angus Aynsley, Hank Levine
Compañía de producción: Almega Projects & O2 Filmes 
País de producción: Brasil, Reino Unido.
Idioma: Inglés, Portugués con subtítulos en castellano.
Año: 2010
Duración: 98 min.
Web oficial: http://www.wastelandmovie.com/ 









El Jardim Gramacho (Jardín Gramacho, en portugués) está considerado el mayor vertedero del mundo. Ubicado en Río de Janeiro (Brasil), cada día recibe 7.000 toneladas de basura, lo que supone el 70% de los desechos producidos por esta gran urbe y sus alrededores. Actualmente cerca de 3.000 personas trabajan en el vertedero recolectando y vendiendo chatarra y materiales reciclables. Son los llamados catadores, de los cuales solo 1.752 estaban registrados oficialmente. Gracias a su esforzada y poco gratificada y gratificante labor, se ha podido ampliar la vida útil del relleno y se recuperan unas 200 toneladas de materiales reciclables cada día. Esto supone que el Jardim Gramacho posee uno de los mayores índices de reciclaje del mundo. Más de 13.000 personas son totalmente dependientes de una economía que gira en torno al comercio de materiales reciclables.  La directora londinense Lucy Walker quiso dar testimonio de la vida y dignidad de estos recolectores de desperdicios todavía reciclables. Para ello rodó durante nada menos que tres años el documental “Waste Land”, acreedor de numerosos premios internacionales y de una magnífica acogida entre público y crítica. 

En él, podemos ver cómo el artista Vik Muniz (Sao Paulo, 1961) viaja de su residencia en Brooklyn (EEUU) a Río con el objetivo de retratar con basura a diferentes catadores del Jardim Gramacho. Con este proyecto cultural, tanto Walker como Muniz desean dar a conocer a estas personas y sus distintas realidades cotidianas a través del arte. De la basura convertida en arte.


También aspiran a que el documental, que vio la luz en 2010, sirva para mejorar las condiciones de vida de los miles de trabajadores del vertedero y para darles dignidad. Diginidad a ellos como personas y dignidad a su trabajo como recicladores, que tanto bien hace al medio ambiente. Desde Amarillo, verde y azul os animamos a ver este gran documental en clase para que sirva también para comprender la imperiosa necesidad de seguir reciclando nuestros envases y otros objetos y materiales.



El Jardim Gramacho tiene previsto su cierre en 2012 y grupos como ACAMJG luchan por obtener apoyos para impartir formación a los catadores y darles una salida profesional alternativa y digna para esa fecha.


Ver en Versión doblada al castellano España en VK.
Ver en Peliculasmas.


Fuentes de información: Artículo de "Amarillo, Verde y Azul", Documaniático (info y video online).

Room 666

Título original: Chambre 666
Dirección: Wim Wenders
Guión: Wim Wenders
Cámara: Agnés Godard
Múscia: Jürgen Knieper
Directores en orden de aparición: Jean Luc Godard, Paul Morrisey, Mike de Leon, Monte Hellman, Romain Goupil, Susan Seidelman, Noël Simsolo, R.W Fassbinder, Werner Herzog, Robert Kramer, Ana Carolina, Mahroun Bagdadi, Steven Spielberg, Michelangelo Antonioni, Wim Wenders, Yilmaz Güney.
Idioma: Francés, Ingles y Aleman con subtitulos en castellano.
País de produccion: Alemania, Francia
Año: 1982
Duracion: 44 min. 







En la autopista que lleva
al aeropuerto de París,
un árbol majestuoso
señala mis llegadas y salidas
de Europa.

Es un cedro del Líbano
de unos 150 años…

…había visto nacer la fotografía
y toda la historia del cine,
al que quizá sobreviviría.

Llegué a Cannes con una pregunta
para mis colegas…”



Durante la celebración de la trigésimo quinta edición del festival de Cannes en la primavera del año 1982, una angustiosa inquietud asalta a uno de los directores en competición. ¿Estamos asistiendo al final del cine como lenguaje, como arte y como forma de expresión? ¿Claudicará el cine ante la ubicuidad televisiva? La desconsolada preocupación no se hace esperar y se hará eco entre los directores en competición  de películas como Missing (Costa Gavras, 1982); Passion (J.L Godard, 1982); E.T (S. Spielberg, 1982); Moonllighting (J. Skolimowski, 1982) o Fitzcarraldo (W. Herzog, 1982). Todo ello desembocará en el documental Hotel Room 666 que buscará encontrar una respuesta a las preguntas inicialmente planteadas por el director alemán, Wim Wenders.

El documental, en sus apenas 45 minutos, plantea una estructura sencilla, la urgencia sugerida del momento así lo requiere. 15 entrevistas a los principales directores que se encuentran en ese momento en el festival jalonan el heterogéneo elenco de entrevistados entre los que podemos algunas figuras destacadas del momento como R.W Fassbinder, Spielberg, Antonioni, Godard, Romain Goupil o Robert Kramer. El mecanismo es sencillo, una habitación en el conocido “Hotel Martínez”, una televisión, una cámara, un magnetófono y unas notas del propio director conjugan la sencilla puesta en escena al que los propios entrevistados se confrontan accionando la cámara a su voluntad.

Probablemente una de las mayores virtudes de este documental sea ciertamente
la de acercarnos en perspectiva a un periodo de transición, en lo que hoy denominaríamos “el audiovisual”, desde el punto de vista la confrontación de una determinada mirada sobre la concepción de la imagen frente al contra campo  del contexto que se perfila y en el que se inscribe el documental.  Precisamente esta multiplicidad -e incluso disparidad- de visiones particulares en torno a la imagen (cinematográfica y televisiva), su producción y su inscripción institucional a principios de la década de los ochenta evidencia el complejo entramado de discursos y relaciones interdependientes entre los distintos niveles (político, económico, cultural y tecnológico) en un momento de numerosas mutaciones y redefiniciones del panorama audiovisual y mediático general.


El documental no se hace esperar y ya desde sus primeros segundos una tensa y pesadumbrosa música extradiegética, casi de forma premonitoria, acompaña los rótulos rojos de los créditos que se suceden en pantalla, en una apertura más bien propia de un thriller. El texto fílmico se carga así desde su arranque de un cierto pesar existencial del “cine como arte” a cuyo pronosticado funeral parecemos invitados a asistir. Sin embargo, es la prolongada imagen -en plano fijo- de un vasto cedro junto a una autopista la que introduce una poética reflexión que puntualizará todo el documental y dotará de sentido temporal al mismo. La seria y dura voz en off del propio director reflexiona sobre el árbol en cuestión -observado por éste durante cada viaje al festival- pero en esta ocasión, su dilatada proyección en la pantalla nos anuncia al ritmo de la voz en off  que la longevidad del mismo, de más de 150 años de antigüedad, había visto nacer a la propia fotografía y acompañado toda la historia del cine, a la que puede que también incluso sobreviva, ante las adversas circunstancias que se le plantean. Imagen (representación) y voz dialogan de esta manera bajo la unidad de la mirada a partir de la cual se enuncia el discurso que ante nosotros se abre. Contemplamos así, la imagen del árbol cuyo referente trascenderá en el tiempo a la propia representación que observamos, como si por un momento pudiéramos sentirnos agradecidos y al mismo tiempo consternados de poder vislumbrar dicha imagen, lenguaje, soporte y expresión únicas a punto de perecer. Esta es en definitiva la preocupación que motiva la causalidad que da lugar al interrogatorio a los colegas cineastas presentes en el festival cuyas intervenciones abordaremos a continuación. Sin embargo, en un ejercicio de distanciamiento con nuestro objeto de estudio y de manera análoga al diálogo que el propio discurso de apertura establece entre voz, imagen y realidad, es preciso dialogar a su vez en perspectiva con este mismo discurso y revelar al menos que estas imágenes no nos llegan ni gracias a un soporte fotoquímico, ni a un privilegiado visionado en una sala de cine, sino en forma de dvd (copiado) de una edición especial retrospectiva de films del director visualizado así numerosas veces sobre la superficie de una pantalla de televisión. Es precisamente el soporte físico (disco) a nuestro alcance una de las causas por las que ahora mismo escribimos estas mismas líneas.

(...) 


La primera aparición en pantalla corresponde a la intervención de Jean-Luc Godard:


 “El contexto. Las películas se parecen cada vez más a las series de televisión por la iluminación, el encuadre y el montaje. Parece que para muchos espectadores la estética de la televisión ha reemplazado a la del cine”

(...)

No obstante, no cabe la duda de que muchos de los interrogantes en torno a la imagen contemporánea y el cine y la televisión inmersas en la era digital plantean en el complejo contexto de la actualidad no pocas incertidumbres y cuestiones que nos invitan a revisitar la Habitación 666 del Hotel Martínez de Cannes desde donde volver esgrimir una nueva mirada sobre la presente realidad imagen cinematográfica y televisiva en una coyuntura donde ambas conviven con la proliferación exponencial de nuevas y cambiantes soportes-ventana al mundo.

Fuentes de información:  Extracto del articulo "Discursos enfrentados: Cine y Televisión a debate en Chambre 666 de Wenders" publicado completo en Cuadernos de la Atalaya, Patio de Butacas (info y descargas), DivxClasico (info y descargas), Vagos (info y descargas),




Patagonia (1915-1928)

Título original: Patagonia 
Dirección: Alberto Maria De Agostini
Fotografía: Alberto Maria De Agostini
Guión: Alberto Maria De Agostini 
Idioma: Muda con titulos en castellano e ingles
Año: 1915-1928
País de  producción: Chile
Duración: 63 min.












A principios de siglo llegó hasta Tierra del Fuego un sacerdote italiano llamado Alberto Agostini. Su amor por esas tierras sureñas y por quienes las habitaban lo llevó a filmar con una cámara de la época extensos registros de paisajes, pueblos y personas.El material -filmado entre 1915 y 1928 y rescatado hace poco- fue reunido en las mismas condiciones en que se encontró. Eso quiere decir que las imágenes tienen las rayas y marcas del tiempo (y la copia es muda) pero el resultado es asombroso: esta verdadera cápsula del tiempo permite evocar un momento y lugar de nuestro pasado nacional que creíamos olvidados para siempre. Como precario documental aficionado, es interesante. Como objeto histórico y de apoyo educacional, es inapreciable.

OTRA INFORMACIÓN

Con la fuerza y la originalidad de quien sabe medir la dimensión de una obra humana, el gran alpinista italiano Walter Bonatti (68 años) definió así la importancia de la obra del célebre sacerdote salesiano que exploró y describió la Patagonia como nadie.

La comparación de Bonatti es impecable. Tal como lo expresó anteayer en una reunión en la embajada italiana donde se informó sobre el film que recordará a Alberto De Agostini (1883-1960), los descubrimientos del cura montañista tuvieron una importancia fundamental en el conocimiento de los Andes patagónicos.

Avido de llegar siempre a lo desconocido y de subir lo más alto posible para describir la geografía, Agostini logró pisar antes que nadie los pocos lugares a los que no pudo llegar el perito Francisco P. Moreno en el siglo XIX.

Con una vocación montañista comparable -si no mayor, como duda, sonriente, Bonatti- a la del misionero salesiano, Agostini inició desde su llegada a Punta Arenas, luego Ushuaia y toda la Patagonia una serie de expediciones de alcances asombrosos.

Había traído de sus Alpes natal (era piamontés, nacido en Pollone) la misión de Don Bosco y la pasión de la montaña, y la cordillera de los Andes lo atrapó para siempre. Desde 1912 comenzó a escalar montañas en Tierra del Fuego, con la cumbre del Monte Sarmiento como objetivo inexpugnable durante muchos años, por su extrema dificultad, y que sólo alcanzó en 1957, a los 70 años.

Comenzó con los grupos montañosos de Balmaceda y del Paine, en Chile, y entre 1930 y 1932 se dedicó a la exploración detallada de la región de montañas y glaciares de los lagos Argentino, Viedma y San Martín.

Sus expediciones fueron de una extraordinaria audacia para la época, coronadas por varios ascensos a cumbres nunca alcanzadas hasta entonces. Así, el 14 de enero de 1931, De Agostini llegó por primera vez a la cima del cerro Mayo, al oeste del lago Argentino, y vislumbró desde allí el imponente escenario de los hielos continentales, que se extendían hacia el norte hasta perderse de vista. Su descripción, prolijamente anotada en sus libros, refleja a la perfección la emoción del momento: "Un panorama estupendo, indescriptible por la profunda vastedad del horizonte y por la sublime grandiosidad de los centenares de cumbres. Son las primeras miradas humanas que contemplan estas soledades de hielo entre arrebatos de alegría y atónito recogimiento".

Subyugado por la región, Agostini completó ese verano una larga travesía por el hielo continental con el ascenso a otra cumbre virgen -a la que bautizó como cerro Torino- desde la cual divisó el Océano Pacífico, por primera vez para alguien llegado por el hielo continental desde el Este.

Su exploración continuó hacia la zona del Fitz Roy - "El señor de toda esa vasta región, una de las montañas más bellas e imponentes de la Patagonia", describe- y luego el San Lorenzo, el Lanín y hasta el Aconcagua, aunque Agostini prefería abiertamente el sur patagónico.

Sus trabajos quedaron registrados en 22 libros, miles de fotos y varias películas. Todo eso está hoy en el Museo de la Montaña de Turín, la institución que, dirigida por Aldo Audisio, llegó este verano a la Patagonia, con Bonatti y el director de cine Fulvio Mariani, para filmar un documental para la RAI sobre la vida del sacerdote explorador.

El homenaje no puede ser más merecido. Si bien Agostini es un nombre vigente en el Sur, la importancia de su obra necesitaba una recordación de esta envergadura.

Fuentes de información: Patio de Butacas (información y descarga), Cine-Clasico (información y descarga),  Wikipedia, Cinechile.


Awka Liwen

 Título original: Awka Liwen (Rebelde amanecer)
Autoría y guión: Osvaldo Bayer, Mariano Aiello y Kristina Hille
Narración: Osvaldo Bayer
Dirección, fotografía y montaje: Mariano Aiello. Kristina Hille
Producción: Macanudo Films/Mariano Aiello
Música Original: Tremor – Leonardo Martinelli
Sonido: Juan Molteni y Enrique Migliorelli
Formato de rodaje: HD
Formato de exhibición: HD/DVCAM/DVD
Año: 2010
País de producción: Argentina
Duración: 77 min.










El lugar que “los ideólogos de la Independencia” les dieron a los pueblos originarios asentados en Argentina mucho antes de que ésta fuera un país; su exterminio y el robo de las tierras comunitarias donde vivieron, implementado desde la Campaña del Desierto y otros operativos similares; el restablecimiento de la esclavitud, medio siglo después de su eliminación con la Asamblea del año XIII, cuyas víctimas ya no fueron los negros de Africa sino los aborígenes que sobrevivieron a la matanza. El reemplazo en el centro de prácticas racistas, entrado el siglo XX, de las comunidades indígenas por los obreros inmigrantes, anarquistas y socialistas, para culminar en la “batalla por las retenciones” que llevaron a cabo los mismos terratenientes que hace 200 años. Ese es el recorrido que el documental Awka Liwen propone, en el que la voz de su guionista, el escritor Osvaldo Bayer, hila hechos históricos con documentos nunca revelados y la experiencia de descendientes de aquellos pobladores originarios, “los primeros desaparecidos de la historia argentina que, por primera vez, expresan sus experiencias y su forma de ver a la sociedad que los excluye y los excluyó siempre. Es la voz de ellos”.

Luego de tres años de iniciado el proyecto, Awka Liwen está listo para salir a escena y sacar a relucir aquello que, según sus realizadores, Bayer y los cineastas Mariano Aiello y Kristina Hille, la historia oficial escondió siempre, a propósito. “Es hora de revisar las cosas. Nadie nunca lo dijo, pero fue un genocidio. El primero del país”, consideró el escritor en referencia al violento racismo que sufrieron los pueblos originarios en manos de los que, hasta hoy, son los próceres enarbolados de la patria.*1

Análisis y crítica a la película Awka Liwen

Dentro de una estructura didáctica y en la que puede apreciarse una solemnidad que pedagógicamente está algo pasada de moda, Osvaldo Bayer como narrador da cuenta sobre el tratamiento que se le ha dado a través de 200 años de historia nacional a los pueblos originarios del territorio argentino.

Los fotogramas insertados hacen que el documental comience a reflejar un paralelismo con lo sucedido en años cercanos, cuando los tataranietos de muchos de los fundadores de la Sociedad Rural se negaron a pagar un incremento a los impuestos por el monocultivo de soja en sus campos y bloquearon el abastecimiento de alimentos a los habitantes de la ciudad de Buenos Aires.

En esta película se ha desplegado de tal manera el lenguaje didáctico basado en investigaciones científicas que ha quedado poco lugar para lo cinematográfico, aunque dentro de la trama audiovisual tienen espacio para dar su visión de los temas tratados personajes tales como los historiadores Felipe Pigna y Norberto Galasso, el antropólogo Marcelo Valko y hay testimonios de una familia indígena que trata de resistir los avances de una empresa multinacional, ligada a la moda, que pretende apoderarse de las 300 hectáreas de tierras patagónicas en las que viven y en las que siempre vivieron sus ancestros. Además se ven, de manera testimonial, algunos pasajes del legendario informativo cinematográfico Sucesos Argentinos.

Las narraciones, tanto la de Bayer como las de los profesionales que participan, inducen a que el espectador forme opinión al elaborar las conclusiones a las que los guionistas e investigadores han llegado.

Se trata de una película documental ágil y amena que muestra la investigación hecha por los realizadores sobre un capítulo de la historia argentina que aún repercute en la vida del país.

Reposición, demanda judicial y censura


En 2011, los descendientes de José Toribio Martínez de Hoz, primer presidente de la Sociedad Rural Argentina, presentaron una demanda judicial contra el periodista Osvado Bayer, el director cinematográfico Mariano Aiello y el historiador Felipe Pigna, reclamándoles a los dos primeros la suma de un millón de pesos por sentirse agraviados por la inserción de los fotogramas en las que se muestra a su tatarabuelo y exigiendo que esas imágenes sean retiradas del filme, se prohíba la exhibición de la película en los establecimientos educativos y los demandados les pidan disculpas públicamente mediante solicitadas (avisos) en los periódicos.

A partir del día 20 de octubre de 2011 Awka Liwen se repuso en el cine Gaumont, ubicado en la Av. Rivadavia 1650 de la ciudad de Buenos Aires, con entradas a un valor de $ 8 (u$a 2), con descuentos a estudiantes y jubilados.*2



Fuentes de información: *1 Awka Liwen, la otra historia, por Ailín Bullentini, publicado por Página12; *2 Crítica a "Awka Liwen", el genocidio de los pueblos originarios, por Carlos Herrera, publicada en Suite101. Web oficial Awka Liwen. Taringa y Taringa (info y descargas).

Yo no se que me han hecho tus ojos

Dirección: Sergio Wolf, Lorena Muñoz
Guión: Lorena Muñoz, Sergio Wolf
Música: Ada Falcón
Fotografía: Segundo Cerrato, Federico Ransenberg, Marcelo Lavintman
Intervienen: Ada Falcón, Aníbal Ford, Rolando Goyaud, José A. Martínez Suárez, Miguel Ciacci y Sergio Wolf
País de producción: Argentina
Año: 2003
Duración: 65 min.












Yo no sé que me han hecho tus ojos es una pelicula sobre la vida enigmatica de la diva Ada Falcon, una de las mas grandes leyendas del tango.

En 1942, en la cumbre de su gloria, ella decide de retirarse a un monasterio franciscano y terminara su vida en la pobreza. Hizo votos de no volver a cantar, ni dar entrevistas ni que la tomen en foto. Aqui se dejo filmar por primera vez y cuenta su historia.

Ada Falcon comenzo su carrera en 1925 como cantante de tangos.

Nacio en Buenos Aires el 17 de agosto del 1905, y fué una de las primeras mujeres que alcanzo la gloria en el genero. En sus primeras grabaciones estuvo acompañada de la orquesta de Osvaldo Fresedo. Un gran especialista del tango, Nestor Pinson, decia de ella "que daba a su canto una emocion sincera, que parecia hablaba de un amor perdido, y, a pesar de la gravedad del color de su voz, tenia un fondo quejumbroso".

En 1929 ella une su carrera artistica a la de F. Canaro, con quien grabara 180 titulos en discos 78 rpm, y cantara en todas las radios de Buenos Aires.

La relacion entre Ada Falcon y Francisco Canaro fue una relacion amorosa y sera por los bellos ojos esmeralda de la cantante que Canaro compuso el vals Yo no se que me han hecho tus ojos.

Gran vedette, cubierta de fama, se comportaba como tal: se movia en un descapotable rojo, viva una casa de tres pisos en uno de los barrios mas elegantes de Buenos Aires. Se ligo de amistad con Discepolo, con Gardel, quien venia a escucharla cuando grababa.

Ada queria casarse con Canaro, e insistio para que él se separase de su mujer. Pero cuando el musico supo lo que le iba a costar en dinero separarse de su mujer, decidio no hacerlo.

Se cuenta que en una ocasion Ada Falcon estaba sentada en las rodillas de Canaro, y la mujer de este la amenazo con un revolver. Luego de este episodio Ada y Canaro se separaron. La carrera de Ada Falcon se corto, se ocultaba de los musicos para cantar, huia la gente, se encerro en su casa, visitaba las iglesias.

En 1942 graba sus dos ultimas canciones, a titulos reveladores: Corazones encadenados y Vivire con tu recuerdo.

Ella va a comprar una casa en la provincai de Cordoba y deja definitivamente Buenos Aires. Luego se retira junto a su madre en un convento de monjas franciscanas, donde muere en el 2002.*1


Extracto del artículo: Usos del archivo en el cine documental latinoamericano contemporáneo: los documentos sobrevivientes 
 (...)
En Yo no sé qué me han hecho tus ojos (Lorena Muñoz y Sergio Wolf, 2003), la cuestión precedente sí es tratada con mayor profundidad. El documental narra los intentos del protagonista/director Wolf   por  encontrar  a  la enigmática cantante y actriz Ada Falcón, retirada prematuramente de la escena pública y de quien no se tuvo noticias por más de sesenta años.

Por un lado, el archivo es utilizado para evocar un tiempo pasado, pero también resulta que las imágenes que el protagonista busca no existen debido a que pertenecían a una película antigua que ha desaparecido (Wolf a lo largo del film se reúne con especialistas que mencionan la desaparición de gran parte de la producción del cine argentino de los primeros años). Ante esta situación, mientras se proyectan imágenes musicales de una película, el relato en off de Wolf indica: “Esta no es Ada Falcón; pero si hubieran imágenes documentales de ese momento seguramente se parecerían a esta”. Apelando a los planos de recurso, pero dejando en claro simultáneamente gracias a la narración su naturaleza discursiva, se muestra el artificio a la vez que se comenta sobre el penoso estado de conservación de los archivos fílmicos en el país.*2



REDD - La codicia por los árboles

Titulo original: REDD : la codicia por los árboles (El Caso Chiapas: la Selva Lacandona al mejor postor)
Direccion: Domingo M. Lechón
Guión: Ángel Galán, Jesica Ciacci, Néstor Jiménez, Domingo M. Lechón
Imagen y sonido: Ángel Galán, Mario Nájera, Néstor Jiménez, Luis Iborra, Fuyumi Labra, Jesica Ciacci
Producción: Jesica Ciacci
Producido por: Otros Mundos AC - Amigos de la Tierra México
Con el apoyo de: Amigos de la Tierra Internacional, Fundación Siemenpuu, Global Justice Ecology Project
Entrevistas: Domingo M. Lechón, Claudia Ramos, Jeff Conant, Jesica Ciacci
Animaciones: Jesica Ciacci, Néstor Jiménez, Domingo M. Lechón
Dirección de arte: Jesica Ciacci
Voz en off: Saskia Hernández
Diseño: Domingo M. Lechón
Edición: Néstor Jiménez, Domingo M. Lechón
Imágenes extras: Canal10 Tv Chiapas, Comunicación de Gobierno de Chiapas, Organización de las Naciones Unidas ONU, Convención Marco de las Naciones Unidas sobre el Cambio Climático (CMNUCC), Notimex, Amigos de la Tierra Internacional, Maderas del Pueblo del Sureste AC, Diario de Chiapas
Música: Calle 13, Balam, F-Steel
Agradecimientos: Sociedad Civil Las Abejas de Acteal, Ranchería Huitepec-Alcanfores, Comunidad de Betania, Comunidad de Amador Hernández, Enlace, Comunicación y Capacitación AC,  Maderas del Pueblo del Sureste AC, Cooperativa Ambio, Conservation International, SEMAHN Gobierno de Chiapas, Koman Ilel, Naranjas de Hiroshima, ECO - Estrategias en Comunicación, Amigos de la Tierra Internacional, RECOMA, Isaac Rojas, Javier Balderas Castillo y a todas las personas que hicieron posible este trabajo.
Grabado en: Quintana Roo: Cancún (dic 2010) y Chiapas: Amador Hernández, San Cristóbal de Las Casas, Tuxtla Gutiérrez, Ocosingo, Betania, Acteal (abril-julio 2011)
Licencia: Creative Commons . Algunos derechos reservados :
Permitido difundir este trabajo por cualquier medio
Permitido utilizar este trabajo, menos con fines comerciales
Permitida obra derivada, manteniendo esta licencia
En todo caso referenciar la autoría

Pais de produccion: México
Año: 2011



El mecanismo REDD (Reducción de Emisiones por la Deforestación y la Degradación de los bosques) resuena en la actualidad de Chiapas, México y muchos otros lugares del mundo. Fue propuesto hace unos años en la ONU como un mecanismo de compensación que ayudara para combatir el cambio climático. Sin embargo en la Cumbre del Clima de Cancún en 2010 (COP16), esta propuesta se afianzó fuertemente gracias al impulso del Gobierno de México, quien presentó algunas “acciones tempranas” de REDD e introdujo a comunidades rurales en el mercado del carbono…  En este video documental distintas partes implicadas dan argumentos sobre REDD, sobre el interés que hay en la implentación de este mecanismo y sobre lo que implica para Chiapas. Aquí mostramos algunos comentarios de las partes implicadas que los medios de comunicación comerciales ocultan.  REDD ¿aporta una solución real a la crisis climática? ¿Qué relación existe con la brecha lacandona? ¿Qué lo hace un tema tan importante?*1

ENREDDAR A CHIAPAS

En el mundo, la situación de la capa forestal es grave. La tasa anual de variación de la superficie forestal de 2000 a 2005 fue del -0,51% (y -0,46% de la década de los 90). De 1990 a 2005, en quince años, se perdió el 3% del área total de bosques representado un 5% de reducción de depósitos de carbono. Aproximadamente 13 millones de hectáreas se deforestan anualmente, lo que equivale liberar a la atmósfera aproximadamente 2 billones de CO2 por año. Se calcula que para la totalidad de los trópicos, las emisiones por deforestación equivalieron a 1.500 millones de toneladas de CO2 anuales en el periodo mencionado. Esto representa el 17% de las emisiones mundiales de Gases Efecto Invernadero (GEI). Los bosques almacenan 289 Gt de Carbono y solo el 12 % de los bosques del mundo han sido designados para la conservación de la biodiversidad biológica.

América Latina y el Caribe cuenta con abundantes recursos forestales, un 47% de las tierras, que equivalen al 22% de la superficie forestal mundial. Al menos diez países cuentan con 1.000 especies de árboles y la región es considerada en primer lugar en el mundo en cuanto al número de especies de árboles en peligro o vulnerables a la extinción. Alrededor del 12% de toda su superficie forestal está destinada principalmente a fines de producción (el promedio mundial es de 32%). En Brasil solo el 5,5% de sus bosques pertenece a esa categoría, en Uruguay el 60%; en Chile el 45% y en Perú el 37%. La región es responsable del 12% de las emisiones globales de GEI y a nivel mundial genera más en dos sectores como porcentaje de sus emisiones totales. Una, en el cambio de uso de suelo por deforestación (47% contra el 19% en el mundo); y otra, en la agricultura (20% contra el 14%) por el uso de fertilizantes y de las emisiones de metano originadas en la actividad ganadera. De 2000 a 2005, la región perdió 4,5 millones de hectáreas de cubierta boscosa. Los volúmenes más altos de emisiones los produjo América Latina con 71.000 millones de toneladas de CO2 por año.

En México, los bosques cubren el 31% del área total de la superficie. En los últimos 13 años, con el financiamiento del Baco Mundial, éste asegura que el país ha logrado la protección de 800 mil hectáreas de bosques comunitarios y se ha evitado la migración de seis mil 204 campesinos. Se establecieron 353 regulaciones y estatutos sobre la protección de bosques y 51 esquemas de pago por servicios ambientales. Además han sido fortalecidas 41 asociaciones y 179 empresas comunitarias de bosques, mientras más de un millón 783 mil hectáreas se encuentran reguladas bajo 274 planes de zonificación comunitaria. Todo esto generado a raíz de un plan piloto desde 1997. Gracias a ello, el Banco Mundial asegura que México se ha convertido en líder mundial en materia de manejo sustentable de bosques comunitario.[3] Sin embargo, esto es muy contrastante con la pobreza en aumento no sólo de la población rural, del hecho en que México ocupa el primer lugar en migración en el mundo y que la deforestación avanza a un ritmo acelerado por medio de la implementación de diversos megaproyectos.
La Estrategia de REDD en Chiapas.

La estrategia de REDD del Estado de Chiapas que se alinea a las decisiones federales en materia de cambio climático. Las Directrices del gobierno mexicano para la mitigación es la preservación y aumento de sumideros de carbono, lograr que en 30 años se reduzca al 0% la deforestación, reconvertir las tierras agropecuarias degradadas, mejorar la cobertura en 60 millones de tierras ganaderas, fortalecer el combate de incendios, incorporar ecosistemas forestales a las Unidades de manejo para la Conservación de la vida silvestre (Uma), a las Áreas Naturales Protegidas (ANP), o al Manejo Forestal Sustentable (MFS), entre otras. También se propone un Fondo Verde para adaptación, mitigación, investigación y difusión alimentado con fondos gubernamentales, contribuciones y sanciones por emisiones, aportaciones y donaciones deducibles, aportaciones internacionales, ventas de reducción o permisos de emisión, y sanciones administrativas.

Chiapas se lanza a la delantera en la carrera por el negocio del Cambio Climático, poniendo a sus bosques, selvas y plantaciones de monocultivos al servicio del mercado de carbono. Nuevamente, el subsidio del estado a las empresas se plasma en el negocio de la crisis climática con la participación de ONGs conservacionistas empresariales, trasnacionales, al servicio del lucro ambiental. Con varios argumentos: que el 62% de las emisiones en Chiapas proviene de cambio de uso de suelo; que REDD traerá progreso y combate a la pobreza, y que promete un negocio rentable.

Para el gobierno de Chiapas “REDD+ ha demostrado ser una estrategia de mitigación rentable, con varios co-beneficios como “la reducción de la pobreza a través de pagos de monitoreo biológico y social, e indirectamente brindando estímulos para el ecoturismo, el mantenimiento de los servicios ecosistémicos y conservación de la biodiversidad.” Así, desde el 2009, el Gobierno de Chiapas inició la construcción del Programa de Acción ante el Cambio Climático en Chiapas (PACCCH) financiado por la Embajada Británica, y Conservación Internacional (CI) como actor clave en su conducción. En esta construcción participan los gobiernos federal y estatal: la Secretaría de Medio Ambiente, Vivienda e Historia Natural (SEMAVIHN); la Secretaría de Medio Ambiente y Recursos Naturales (SEMARNAT); la Comisión Nacional Forestal (CONAFOR); el Instituto Nacional de Ecología (INE); y la Comisión Nacional de Áreas Naturales Protegidas (CONANP). Además las ONGs conservacionistas empresariales como Pronatura y AMBIO; y con instituciones académicos como Colegio de Posgraduados (COLPOS), el Colegio de la Frontera Sur (ECOSUR), la Universidad de Ciencias y Artes de Chiapas (UNICACH), el Tecnológico Regional del Tuxtla Gutiérrez (ITTG) y la Universidad Autónoma de México (UNAM).



Para lograr sus propósitos, el PACCCH puso las bases legales y políticas con una propuesta de una Ley general de Cambio Climático para el Estado; la conformación de una Comisión Intersecretarial de Cambio Climático para las dependencias gubernamentales con el fin de elaborar las estrategias de mitigación y adaptación; y un Consejo Estatal de Cambio Climático. En lo financiero propuso la creación del Fondo Ambiental del Estado de Chiapas. También el PACCCH aceleró su marcha para definir tres productos fundamentales como son el inventario de GEI; los escenarios climáticos futuros; y la línea base de Reducción de Emisiones de Deforestación y Degradación (REDD+) con cálculos de la cantidad de carbono contenido en la biomasa viva y en el suelo del Estado para el periodo de 1990 a 2008 y proyecciones hasta 2020, usando tier 2 y 3 de la metodología de la IPCC.

Por otro lado, el gobierno creó el grupo de REDD+ y un grupo Estatal de Servicios Ecosistémicos (GESE) con la idea de mitigar los GEI por medio de la identificación de lugares prioritarios para el pago de “servicios ecosistémicos” (captura de carbono, conservación de biodiversidad, servicios hidrológicos y sistemas agroforestales). El grupo identificó los sitios de Monitoreo, Reporte y Verificación (MRV) en la Sierra Madre, capacitó a personas en la medición y monitoreo de carbono y ejecutó proyectos piloto a nivel comunitario en la Reserva la Biosfera El Ocote. El componente final de PACCCH es la construcción de una línea base de REDD+ para reducir las emisiones de los bosques y selvas por medio de la conservación, reforestación y restauración de los mismos. Con ello, los proveedores de este servicio ambiental (las comunidades y/o gobiernos que conservan o reforestan sus bosques, por lo pronto) recibirían beneficios financieros de gobiernos y/o empresas extranjeras que compran los bonos de carbonos. El objetivo es captar los recursos que los países emisores de GEI han destinado para compensar su contaminación global. Por ejemplo, China ha destinado 1 billón de dólares de inversiones en su mercado de carbono (captura de metano y gases industriales, la conversión de desechos a energía). Sin embargo, lo que no dicen es el fracaso de los proyectos de pagos por servicios ambientales que ya se han implementado ni tampoco los montos raquíticos que reciben las comunidades indígenas y campesinas por compensar y paliar a los países en desarrollo la crisis ambiental que han generado

Tampoco se hace referencia a que las inversiones en el mercado de carbono tienen muchas deficiencias e incertidumbres políticas y administrativas. No hay certidumbre ni transparencia en los Mecanismos de Desarrollo Limpio (MDL) cuyos proyectos aprobados muchos ya estaban planeados o en proceso de construcción; que falsedades en las emisiones reportadas y que están obligadas a reducirse; que el precio de la tonelada de CO2 no es rentable; que no están fortalecidas las obligaciones vinculantes en los países emisores; que no hay garantías jurídicas, administrativas o institucionales en los países sumideros para implementar el mecanismo de REDD. Faltan mecanismos confiables de medición y, sobre todo, para el sector privado que busca cómo obtener más ganancias de la crisis climática, reclaman burocratismos y rechazan todos aquellos instrumentos o medidas que no les faciliten la rápida y fácil ganancia. *2

Fuentes de información: *1 Otros Mundos (información y descarga del vídeo y la tapa),*2 Extracto del articulo ENREDDAR A CHIAPAS, de Gustavo Castro Soto. 
Otra información complementaria: Nuevas formas de despojo territorial: RED, REDD y Represas (El Caso de Onduras).