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  • Un documental sobre la cultura audiovisual, un viaje por las vías oficiales y subterráneas del mundo del cine en la Ciudad de México. Producido por Naranjas de Hiroshima
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sábado, 22 de julio de 2017

Jazz on a Summer's Day

Título original: Jazz on a Summer's Day 
Dirección: Aram Avakian & Bert Stern 
Guión: Albert D'Annibale & Arnold Perl
Fotografía: Courtney Hesfela, Raymond Phelan, Bert Stern 
Intervienen: Louis Armstrong, Anita O'Day, Thelonious Monk, Chuck Berry, Mahalia Jackson, Dinah Washington, Sonny Stitt, Jimmy Giuffre, Max Roach  
Productora: Raven Films, Galaxy Attractions
Año: 1959
País de producción: EE.UU.  
Duración: 85 min.    












Documental que muestra a grandes leyendas de la música jazz y gospel, que se reunieron en un mismo escenario con ocasión del festival de Jazz de Newport de 1958. Un conjunto de glorias de la música del siglo XX que es casi imposible de ver juntos en otro evento similar. Seleccionada en 1999 para la Librería del Congreso de los Estados Unidos, como parte del indispensable legado cultural de la nación. *1



“Jazz on a Summer’s Day” es el modelo del concierto documental moderno. Concepto, lenguaje y técnica. Todo está en esta pieza pionera, obra de un joven fotógrafo de moda, Bert Stern, que debutó en el cine con esta cautivadora crónica del festival de jazz de Newport de 1958. 


El ojo de Stern no era el de un documentalista ni el de un melómano. Era el de alguien entrenado a captar y realzar lo bello, lo estilizado. De ahí que “Jazz on a Summer’s Day”, a pesar de contener actuaciones memorables -Mahalia Jackson, Louis Armstrong-, se fije tanto en lo que ocurre fuera del escenario. Que se recree en los rostros del público y en el entorno idílico y chic de Newport. 



Que el solo de un gigante del jazz como Thelonious Monk sea música de fondo para una secuencia de veleros. O que la cantante Anita O’Day, radiante, monopolice la cámara y eclipse a sus músicos, invisibles durante toda la actuación. Son decisiones más que discutibles. Pero aún hoy su importancia histórica es innegable, y su encanto, también. *2    

Roger Roca


Fuentes de información: *1 FilmAffinity, *2  Beefeater In-Edit, The Pirate Bay.




martes, 9 de mayo de 2017

Siguen las proyecciones 10 Aniversario Naranjas de Hiroshima

Seguimos celebrando los 10 años de Naranjas de Hiroshima con proyecciones especiales, hasta ahora hemos proyectado en El77CCA en la Ciudad de México, en junio tendremos una superproyección especial en 35mm en la Cineteca Nacional, dentro del Seminario Experiencias de Archivo. En breve daremos más información. Mientras tanto acá la información de nuestra siguiente proyección, este mes de mayo, especial Sara Gómez.







Proyección Especial: Sara Gómez

Fecha: miércoles 31 horario: 8 pm


#EntradaLibre


“Era mujer y negra, pero esas características no fueron obstáculo para sumergirse en las aguas del cine. Todo lo contrario, Sara Gómez, la primera directora de cine del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos de Cuba (ICAIC), las convirtió en aliadas.”



Material proyectado:

01 - Plaza Vieja (1962) Duración: 4:00 min. 

02 - Fabrica de Tabaco (1962) Duración: 4:44 min.

03 - Ire a Santiago (1964) Duración: 15:03 min. 
04 -  ... Y tenemos sabor (1967) Duración: 30 min.
05 -  Isla del tesoro (1969) Duración: 10 min. 
Duración total:  65 min

Ire a Santiago - Sara Gomez (1964)






Especial de Sara Gómez en Naranjas de Hiroshima

  
Sara Gómez. Recondando a la primera directora de cine del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfico



Era mujer y negra, pero esas características no fueron obstáculo para sumergirse en las aguas del cine. Todo lo contrario, Sara Gómez, la primera directora de cine del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos de Cuba (ICAIC), las convirtió en aliadas.

Murió joven, con apenas 32 años. Sin embargo, su obra perdura. En las décadas de los sesenta y setenta del pasado siglo, Sara incursionó primero en los documentales y luego en la ficción, con su obra De cierta manera, de cuyo estreno se cumplen 30 años en 2007. N.E.

Su obra documental de los sesenta incluye títulos como Sobre horas extras y trabajo voluntario, La otra Isla, Una Isla para Miguel y Mi aporte, que se acercan, desde su mirada, a los cambios sociales tras el triunfo de la revolución cubana, en 1959, y su influencia en la vida de las personas.

En blanco y negro aborda los prejuicios raciales, la discriminación, la marginalidad y sus consecuencias para las familias, el machismo, el rompimiento con el pasado y los programas sociales dirigidos a mejorar la vida y dignificar a cubanas y cubanos.

Los temas y problemas que escogió, el tratamiento que les dio y la originalidad de su enfoque la ubicaron entonces en la vanguardia y hoy, en el contexto de la sociedad actual, muchos de sus mensajes resultan contemporáneos.

Para Jorge Fernández, vicerrector del Instituto Superior de Arte de La Habana, en su obra hay artistas que se anticipan, que trascienden su tiempo. "No sólo se quedó en el lenguaje del cine; su lenguaje fue bastante vanguardista y trasgresor para su época".
"El trabajo de Sara Gómez sigue dialogando con lo que se está haciendo en el cine joven, en el documental cubano y en la ficción", agregó Fernández durante el coloquio "Sara Gómez: imagen múltiple", efectuado la pasada semana en La Habana.

Para Sandra del Valle Casals, investigadora del Centro Juan Marinello y presidenta del comité organizador, el evento rindió homenaje a la obra y la figura no sólo de la primera mujer que hizo un largometraje en el ICAIC, sino también a quien llevó al cine temas de honda actualidad.
El encuentro también permitió apreciar el audiovisual cubano desde una perspectiva de género, "porque consideramos importante ampliar el espectro analítico y revelar los constructos de género que se manifiestan en el audiovisual cubano", comentó del Valle.

"El trabajo de Sara Gómez es muy relevante, por las temáticas que abordó como mujer, negra y revolucionaria. En ella hay una preocupación por el proyecto social de la revolución cubana desde muchas perspectivas y es un legado como análisis de esa realidad", explica.

A juicio de Del Valle, en esta directora hay una búsqueda y perspectiva antropológicas y sociológicas para acercarse a la realidad de su época. Hay aspectos que son producto de su momento, pero hay otros que nos llegan de cerca.

"El realizador cubano Tomás Gutiérrez Alea decía que se sentía feliz cuando su obra envejecía, porque significaba que los problemas que planteaba estaban superados. En los temas de las cintas de Sara, hay historias que no están superadas y por eso, entre otros aspectos, sigue vigente", agregó la especialista.

Para la estudiosa canadiense Susan Lord, se trató de "una mujer muy valiente, muy avanzada para su tiempo en el tema de las posibilidades de cambiar las relaciones entre grupos sociales diferentes".

"Todavía hoy día hay pocas obras con esa imaginación, con esa manera de filmar para hacer un mundo más democrático", agrega. "Ella está en el grupo de la vanguardia. Su obra puede dar al mundo de hoy, lleno de globalización, maneras para inventar relaciones y hacer un puente, un diálogo entre los aspectos éticos, estéticos y políticos", dijo a SEMlac.


Post especial Sara Gómez en Naranjas de Hiroshima:



Aunque ya pasaron, compartimos los carteles y fotos de proyecciones anteriores:




Proyección inaugural The Black Power Mixtape

Suecia, 2011, 96 min.
El 27 de enero 2017















MISS UNIVERSO EN EL PERÚ (1982, Proyección en 16mm)

Miércoles, 7:30pm
22 de marzo
Duración 39 min, Dir. Colectivo Grupo Chaski
Naranjas de Hiroshima

Refleja el enfrentamiento entre las distintas realidades de las mujeres en torno a un concurso de belleza donde más de 70 representantes de diferentes países del mundo se reúnen en el Perú, un país que sufre de hambre y miseria.





These Amazing Shadows
Proyecciones Cine Documental 10º Aniversario Naranjas de Hiroshima
23 de febrero Jueves 7:30pm
Presenta: Naranjas de Hiroshima www.naranjasdehiroshima.com



"El Registro Nacional de Cine incluye desde clásicos de Hollywood a películas huérfanas. La película no requiere ser largometraje o haber sido expuesta comercialmente para su elección. El registro contiene película de actualidades, cine mudo, cine experimental, cortometrajes, películas sin derechos de autor, cine serial, películas caseras, documentales, cine independiente y películas para televisión. Hasta la lista del 2008, hay 500 películas conservadas en el registro."



Más información en Naranjas de Hiroshima.





viernes, 5 de mayo de 2017

La Voz del Gualcarque

Título original: La Voz del Gualcarque 
Dirección y edición: OcoteFilms (Paola Reyes, Domingo Marin) 
Produccion: OcoteFilms 
Música: Karla Lara, Carlos de Alcaucín 
Formato: 1920x 1080 Full HD 
Intervienen: Testimonios de las comunidades de Rio Blanco en resistencia contra el proyecto Agua  Zarca, Berta Cáceres ( ambientalista y activista por los derechos humanos asesinada en marzo  2016)  Idioma: Original castellano, subtitulado en inglés y alemán 
País de producción: Honduras
Año: 2015 
Duración: 47 min. 
Licencia Creative Commons cc/by/nc/sa
Web oficial: documental-web (donde se puede ver online, descargar en alta calidad y  documentación sobre el conflicto en Rio Blanco)  





Sinopsis corta 

A pesar de la imagen “verde”y energía "limpia" que tienen los proyectos hidroeléctricos, en  Honduras y otros países del Sur global las represas tienen consecuencias negativas para las  comunidades indígenas y campesinas. El documental acompaña durante un año a las comunidades  de Rio Blanco que se oponen a la construcción de la represa en su territorio, y utilizan múltiples  formas de protesta para defender sus derechos. 





Fuentes de Información 

Desde abril de 2013 las comunidades indigenas Lencas llevaron a la práctica la oposición a la  represa “Agua Zarca”. Uno de los muchos proyectos privados para la producción de energía  renovable que se han iniciado en Honduras, sobre todo desde el golpe de Estado de 2009. Y van  acompañados por la criminalización de la protesta, represión, amenazas y hasta el asesinato; las  fuerzas de seguridad del Estado y actores privados trabajan juntos para hacer cumplir los  proyectos. 

L@s realizador@s acompañaron intensamente a las comunidades de Rio Blanco durante el primer  año que duró el plantón contra la represa, mientras realizaban trabajo voluntario de Observación de  Derechos Humanos en el país. Las actividades de presencia y documentación en la zona les  proporcionó una interacción muy cercana con las personas que sufren la construcción de la represa  y esto les permitió filmar entrevistas y secuencias cotidianas de la comunidad. Durante 2013-2015   publicó diferentes video-reportes sobre luchas de movimientos  sociales en Honduras. 

El documental acompaña durante un año a las comunidades de Rio Blanco que se oponen a la  construcción de la represa en su territorio, y utilizan múltiples formas de protesta para defender sus  derechos : bloquear una carretera clave de acceso a la represa, manifestaciones, denuncias a nivel  nacional e internacional contra las empresas responsables y para que los bancos financiadores  conozcan la situación. Aunque se consiguió detener la construcción por mas de un año y la  constructora transnacional China SINOHYDRO abandonó el proyecto, en los últimos meses las  obras se han reanudado. Además, la represión contra l@s miembr@s de las comunidades continúa. 


Amenazadas y criminalización, la región fue militarizada; en julio de 2013 el indígena Lenca  Tomás García fue asesinado durante una marcha pacífica por un soldado de las fuerzas armadas  hondureñas. 

A pesar de la imagen “verde”y energía "limpia" que tienen los proyectos hidroeléctricos, en  Honduras y otros países del Sur global las represas tienen consecuencias negativas para las  comunidades indígenas y campesinas, debido entre otros factores a la forma de imposición  autoritaria y violenta. Sin garantizar una consulta previa, libre he informada; son una amenaza a la  soberanía territorial de las comunidades indígenas y destruye sus medios de subsistencia. 

Berta Cáceres 

La noche del 2 de marzo de 2016 Berta Cáceres fue asesinada en su casa de la Esperanza,  Honduras. Era coordinadora general del Consejo Cívico de Organizaciones Populares e Indígenas  de Honduras (COPINH) y estaba muy comprometida en la lucha por los derechos indígenas y de la  mujer. 


En los últimos años Berta se opuso a la construcción ilegal del proyecto Agua Zarca,que estaba  planificado en territorio indígena Lenca y destruiría sus tierras. El proyecto esta financiado por  donantes internacionales como el banco de desarrollo holandés(FMO) y el finlandés Finn- Fund,además la empresa alemana Siemens-Voith Hydro. En los meses anteriores aumentaron las  difamaciones por parte de la empresa constructora Desarrollos Energéticos S.A.(DESA) contra  Berta Cáceres. 

El documental muestra la lucha de Berta Cáceres conjunto con COPINH, en contra del proyecto  hidroeléctrico Agua Zarca. 

A pesar de las permanentes amenazas a muerte recibió, Berta mantuvo una lucha tenaz e  incansable por los derechos humanos en las comunidades indígenas, contra la criminalización de  las autoridades y empresas privadas, quienes pretendían forzar la construcción de Agua Zarca a  cualquier precio. Finalmente su compromiso le costó la vida. 

Sus ideales y convicciones siguen vivos! En todo el mundo se solidarizan personas y exigen una  investigación independiente del crimen. 


Análisis sobre la obra

La realización del documental fue totalmente autofinanciada por nosotrxs, y utilizamos equipo de  grabación y edición mínimo, pese a eso estamos satisfechxs por los resultados. 

El documental lo filmamos entre 2013 y 2014, por mas de un año acompañamos a las comunidades  que comprenden Rio Blanco. 


Nuestra actividad en Honduras eran brigadas de acompañamiento para la protección y defensa de  los Derechos Humanos, un voluntariado que consiste en visitar y acompañar colectivos,  organizaciones, personas defensores de derechos humanos que sufren algún tipo de persecución o  agresión a sus derechos por parte de funcionarios o instituciones del Estado. Documentar,  publicar y compartir información con otras redes era la otra parte del trabajo, el cual tenia como  objetivo principal, disuadir y prevenir de posibles violaciones a los derechos fundamentales de los  actores que acompañamos. 

Nuestra idea inicial no era hacer un documental pero vimos la necesidad de difundir acorto plazo  lo que estábamos viviendo y publicamos en las redes sociales diferentes video reportes entre los  que tocaban el tema de rio Blanco. El documental filma algunos lugares de resistencia como el  plantón en el acceso a la construcción del proyecto, el cabildo que organizó el alcalde del  departamento y la acción de recuperación territorial. 


Las organizaciones indígenas definen la represa como “proyectos de muerte”. Para la cosmovisión  Lenca, la intervención en el rio Gualcarque, donde la empresa pretende construir la represa,  significa destruir a los ancestros Lencas que van por esas aguas personificados en espíritus  femeninos. Significa también, (a consecuencia del cerco que delimita la empresa) perder el acceso  al rio para realizar sus rituales, perder las tierras fértiles aptas para el cultivo del alimento familiar  y comunitario. Por tanto, este proyecto significa la perdida total de su autonomía alimentaria. 

Desde el día que la comunidad decide resistir en contra de este proyecto, han sufrido diferentes  tipos de represión por parte de la empresa y del Estado. El documental habla sobre el asesinato a  Tomas Garcia y la muerte en un accidente de Paula Gonzalez, de los montajes judiciales para  criminalizar a la organización indígena COPINH y la redada policial que sufrió la comunidad de la  Tejera con el objetivo de capturar a miembros de la organización indígena , asustar y amedrentar al  movimiento. Esa parte del documental la utilizamos para lanzar una llamado de alerta en las redes  sociales invitando a ponerse en contacto con responsables del gobierno Hondureño y pedir  explicaciones, creemos que tuvo mucha difusión porque recibió mas de 3000 visitas en esa primera  semana y bajo la intensidad de control policial al menos unos meses. En esta parte del documental  es muy significativo los primeros planos de niñas y niños , pensando que habían pasado 2 semanas  cuando filmamos y en sus caras estaba todavía el reflejo de terror y preocupación. 

Es importante manifestarse en relación con la lucha de los pueblos originarios como es el caso del  pueblo Lenca en honduras que esta afectado por las multinacionales y los países dueños del gran  capital, que fomentan las inversiones e impulsan Megaproyectos sin consultar y sin analizar las  consecuencias sociales y políticas que afectan a la vida de los pueblos indígenas y campesinos.  Esto rompe varias leyes internacionales que el Estado de Honduras se comprometió a respetar  como el 169 de la OIT, sobre pueblos indígenas y es importantísimo que se haga responsable de  los daños que el proyecto ocasione a la naturaleza, al tejido comunitario y a la existencia del  pueblo Lenca.



Fuentes de información: OcoteFilms.

- Ver documental completo en VIMEO.


La Voz del Gualcarque from OCOTE films on Vimeo.

Enlaces  OcoteFilms: puedes encontrar gran parte del material producido y realizado por OcoteFilms en:  https://vimeo.com/user7217567  Mas información a través del documental-web  http://ocotefilms.wixsite.com/lavozdelgualcarque

lunes, 6 de marzo de 2017

Gimme Danger

Dirección: Jim JarmuschProdución: Carter Logan, Fernando Sulichin, Rob Wilson
Guión: Jim Jarmusch
Intervienen: Iggy Pop, Ron Asheton, Scott Asheton, James Williamson, Steve Mackay, Mike Watt, Kathy Ashton, Danny Fields
Fotografía: Tom Krueger
Edición: Affonso Gonçalves, Adam Kurnitz
Productora: Low Mind Films, New Element
Distribución: Amazon Studios, Magnolia Pictures
País de producción: E.E.U.U.
Duración: 108 min.














En Detroit, en el estado de Míchigan, surgía en 1967 un grupo que revolucionaría los cimientos de la música. Con su mezcla de estilos y una actitud arrolladora, se convirtieron en todo un icono, un símbolo que inspiró a cientos de jóvenes y que marcaría a los artistas posteriores. 

Iggy Pop, el carismático líder de los Stooges, hace un relato junto al resto de miembros supervivientes de la banda de su trayectoria artística. Desde sus años de actividad entre 1967 y 1974 hasta su posterior reunión a partir de 2003, todo presentado en estricto orden cronológico. 

Jim Jarmusch (Paterson, Coffee and Cigarettes) dirige este documental sobre una de las bandas que abrieron las puertas al punk, adentrándonos en sus entresijos y mostrando el camino que siguieron hasta su ascenso a la fama. 




El rock'n'roll potente y agresivo de The Stooges, que apareció en Ann Arbor, Michigan, durante una revolución contra-cultural, fue como una bomba en el paisaje musical de finales de los años sesenta. Con su mezcla de rock, blues, R&B y free jazz, el grupo en el que debutó Iggy Pop plantó los cimientos de lo que se conocería posteriormente como rock alternativo. Este documental narra la epopeya de The Stooges, uno de los grupos de rock más importantes de todos los tiempos. "Gimme Danger" presenta el contexto en el que The Stooges evolucionaron musicalmente, culturalmente, políticamente, históricamente, a través de sus aventuras y sus desgracias, evocando sus fuentes de inspiración y las razones de sus primeros desafíos comerciales, hasta su llegada al Panteón del rock. 

THE STOOGES *1


Formación revolucionaria y clave en el desarrollo de la música rock. Surgida a finales de los años 60, los Stooges mixturaban fieramente el rock, la psicodelia y el blues con temáticas sobre drogas y sexo para configurar un atractivo y arrebatador sonido, estableciendo muchas de las actitudes escénicas y posturas sónicas del venidero punk y de la posterior música independiente.

Creados en 1967, los Stooges (primero se hicieron llamar Psychedelic Stooges) estaban formados por el cantante James Osterberg, alias Iggy Pop (nacido el 21 de abril de 1947), el guitarrista Ron Asheton (nacido el 17 de julio de 1948), el bajista Dave Alexander y el hermano de Ron, Scott Asheton a la batería.

Iggy había formado parte de la banda de blues The Prime Movers y posteriormente de The Iguanas, grupo en el que tocaba la batería y de donde surgió su famoso apelativo. En esta época se dedicaban a realizar versiones de grupos, principalmente de los Beatles.



La primaria, brutal capacidad sonora de los Stooges, ejemplificada en la guitarra de Ron Asheton y sobre todo, el imprevisible, feroz y salvaje comportamiento de Iggy encima del escenario con su torso desnudo cubierto de sangre o mantequilla, sus autolesiones con cristales y sus zambullidas entre el público asistente a sus espectaculares conciertos (fue el primero en realizarlo) supusieron una enorme publicidad entre el mundo melómano underground. Los Stooges se convirtieron en toda una sensación en la ciudad de Detroit y al final pudieron fichar con un gran sello como Elektra para publicar su primer disco, “Stooges” (1969), con producción del Velvet Underground John Cale (aunque la primera elección de Iggy fue Jerry Ragovoy, el productor de Dusty Springfield).

El LP facturaba el visceral trabajo de la formación y contenía grandes clásicos como “I Wanna Be Your Dog”, “1969” o “No Fun”.

Su música no estaba preparada para el consumo de la gran masa y las ventas fueron escasas. Sus conciertos eran otra cosa, pues sus admiradores impenitentes asistían sin falta a la orgía visual y sónica del grupo.

Su segundo disco, “Fun House” (1970), producido por Don Gallucci y agradecido por la presencia del saxo de Steven MacKay, a pesar de ser una obra maestra, tampoco logró colmar las expectativas comerciales de Elektra.


Los siete grandes temas del disco (sin desperdicio alguno) presentaban a un Iggy todavía más rabioso que en su álbum debut. Entre ellos se encuentran cortes como “Down On The Street”, “TV Eye”, “Dirt” o “1970”.

El fracaso comercial de “Fun house” provocó su salida del sello Elektra y cambios en el grupo, el bajista Dave Alexander abandonó la formación y se incorporó al guitarrista James Williamson. Ron pasó a tocar el bajo.

Estas frustraciones a nivel de ventas que casi les lleva a su desaparición como banda y a que Iggy ahondara aún más en su adicción a las drogas, en especial a la heroína, no avistaban un óptimo futuro para el devenir de los Stooges. Tuvo que ser un gran fan del grupo como David Bowie el que vivificó a la formación ahora denominada Iggy & The Stooges.

Con producción de Iggy y mezclado por Bowie, los Stooges consiguieron grabar para la Columbia un nuevo disco al que titularon “Raw Power” (1973).

Este trabajo, que contenía clásicos como “Search and destroy”, “Gimme Danger”, “Penetration” o “Raw power”, fue mucho mejor recibido por la crítica de la época y se convirtió en otro trabajo esencial del cuarteto.

A pesar de ello Columbia no renovó el contrato con los Stooges, alegando que sus miembros eran empedernidos adictos a las drogas.

En 1974 la banda terminó por separarse tras un caótico concierto de despedida en Detroit con batalla campal incluida entre el grupo y una facción de los conocidos motoristas Los Ángeles del Infierno, que se encontraban asistentes al mismo y comenzaron a tirar de todo al escenario.

Todo el follón y la magnífica música en directo de este esencial grupo de culto se encuentra recogida en el posterior “Metallic K.O.”.

En el año 2007 apareció un nuevo disco, “The Weirdness” (2007), álbum producido por Steve Albini en el que aparecía Mike Watt, ex Minutemen, al bajo como miembro oficial de la banda. Unos años después publicaron “Ready To Die” (2013)

.
Ron Asheton, que en los años 70 formó el grupo hard rock The New Order, murió a los 60 años tras un ataque al corazón el 6 de enero del año 2009. Cinco años después falleció su hermano Scott, quien murió a los 64 años el 15 de marzo del año 2014.







martes, 31 de enero de 2017

Next Music Station - Fermin Muguruza

Título original: Next Music Station
Director: Fermin Muguruza 
Guión: Fermin Muguruza
Música: Orquesta Chekara, H Kayne, Hamid El Kasri, Karima Skalli, Khadija, Oum
Fotografía: Jordi Abusada 
Sonido: Angel Katarain/Aitor Acosta
Edición: Dani Urdiales / Asier García
Productoras: Talka Records & Films / Al Jazeera Network
País de producción: España, Qatar.
Año: 2011
Duración: 105 min.













Un año de intenso trabajo, 9 países visitados, más de  50 músicos entrevistados y miles de horas de grabación. El músico Fermin Muguruza, con la producción de Al Jazeera Documentary Chanel, dibuja un mapa sonoro de la realidad musical del mundo árabe. Un viaje rítmico a través de las culturas, las tradiciones, la modernidad, la lucha, el resurgimiento, las ganas de futuro y la emoción del presente. Desde Marruecos hasta el Golfo Pérsico, desde Kuwait al Líbano, el equipo de FM completa un largo recorrido de descubrimiento mutuo, apasionado y apasionante que arrastrará a los telespectadores a un universo sonoro inimaginado.



Qatar, País Vasco, 2011. Con apoyo de la cadena de noticias Al-Jazeera, el músico y director vasco Fermín Muguruza nos invita a recorrer algunos países vagamente familiares (si no es que del todo desconocidos) para quienes habitamos el Occidente dominado por la influencia mediática de los Estados Unidos. El fin principal de dicho viaje es conocer las tendencias musicales más representativas que tienen lugar en cada una de las “estaciones” a través de sus artistas. Dentro del 6to. Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México (DOCSDF) se presentaron los capítulos de la serie Next Music Station dedicados a Marruecos, Líbano, Egipto, Túnez, Siria, Yemen y Sudán.


Si bien los episodios de este serial se centran en cantantes, compositores, DJs, MCs, maestros, promotores y demás involucrados en el desarrollo de la música, Muguruza —guiado por un hombre o mujer local en cada estación— nos ofrece una breve radiografía de la vida social, cultural y política en países que generalmente llegan a las ocho columnas del periódico por noticias relacionadas con actos violentos, fanáticos religiosos y —en tiempos recientes— protestas multitudinarias contra regímenes totalitarios. Uno de los grandes aciertos del director radica en el hecho de apartarse de esta mirada superficial, enfocándose, por el contrario, en la gran diversidad existente en cada país y en cada ciudad (especialmente en los casos de Marruecos, Líbano y Egipto). De este modo, el mundo árabe deja de ser una totalidad misteriosa, ajena e incomprensible para los occidentales; detrás de la burka noticiosa que nos ponen los medios de este lado del planeta, podemos notar que hay muchas otras cosas sucediendo de manera muy distinta a como las plantean las notas rojas y amarillas.


Un primer prejuicio está fundado en pensar a las naciones árabes como regiones pobres y estéticamente poco atractivas (con excepción, por supuesto, de los Emiratos Árabes Unidos y su “joya posmoderna”: Dubai). Para contrastar esta idea, Muguruza nos ofrece vistas de la majestuosidad de los arcos y palacios de Siria y Marruecos; incluso un país con carencias económicas tan evidentes como Yemen destaca por su belleza rústica, ancestral: una verdadera invitación a modificar nuestras preconcepciones de estética arquitectónica. En un tenor similar, considerar que estas regiones se encuentran culturalmente anquilosadas en tiempos pasados es un error absoluto. En el panorama musical que nos presenta el director encontramos igualmente al compositor clásico egipcio Omar Khairat, a los rockeros marroquíes Haoussa, a la cantautora pop sudanesa Lisa Shaker; cabe destacar la presencia generalizada del hip-hop y la electrónica en los países documentados, siendo la MC libanesa Malikah uno de los casos más significativos, derrumbando tabúes sobre la posición de la mujer en el Cercano Oriente con su fuerza escénica y destreza verbal.


Como puede notarse en la mayoría de los episodios, Malikah forma parte de una pléyade de mujeres que, enfrentándose a estereotipos y realidades de la figura femenina en el Islam, comparten sus voces y sus dotes musicales con quienes estemos dispuestos a escucharlas. Intérpretes como la yemení Jameela Saad, la tunecina Badiaa y la siria Rasha Rizk (entre varias otras) hacen patente el éxito de mujeres involucradas en la música dentro de sus propios países y en el exterior. Mención aparte merece el conjunto sudanés Al-Balabil, conformado por tres damas, cuyas actuaciones mueven igualmente a hombres y mujeres en la nación donde se encuentra el tristemente célebre territorio de Darfur.

La devoción religiosa del mundo árabe, traducida por lo común a nuestras pantallas de televisión como “fundamentalismo” (olvidando que en naciones “civilizadas” como Noruega también tienen lugar hechos terroristas justificados por malas interpretaciones de la fe), aparece en las estaciones como un motor para la creación musical. En las paradas de Egipto y Sudán, somos testigos de cómo se llevan a cabo los rituales sufi, donde música y baile se conjuntan para conducir a los participantes del rito a un estado de trance que los acerca a la divinidad. El cantar las gracias de Alá constituye, sin duda, una gran parte del tema que, según uno de los entrevistados, domina la expresión artística árabe: el amor; amor hacia Dios, amor por la tierra, por la mujer…


Aunque Next Music Station logra modificar nuestra visión del mundo árabe en los aspectos arriba señalados, tampoco ignora los retos que la música y los músicos tienen ante sí: falta de espacios para presentarse, discriminación de los occidentales por considerarlos “terroristas”, censura gubernamental y líneas de pensamiento radicales que consideran “obscena” la apreciación de sonidos armónicos (esto último comentado por intérpretes yemeníes). A pesar de lo anterior, estos artistas resisten, ya sea conservando las tradiciones ancestrales, levantando la voz en contra de las injusticias o integrándose a los tiempos actuales combinando laúdes y beats. Hay mucho más por decir de esta serie documental, pero yo los invito a disfrutar de ella a través de cualquier medio posible. Aquí, en Revista Registro, los mantendremos informados del momento en que Next Music Station vuelva a hacer una parada en tierras mexicanas. *1

Fuentes de información: Fermin Muguruza, *1 Reseña por Raymundo Rodríguez para Registro.mx, FilmAffinity,












Next Music Station  - Egipto - Marruecos - Túnez - Líbano - Kuwait - Bahrein

lunes, 23 de enero de 2017

10 Aniversario Naranjas de Hiroshima




Ciudad de México, martes 23 de enero de 2017

Naranjas de Hiroshima,
la plataforma digital que difunde el cine documental, 
celebra 10 años de trayectoria

• Reúne más de 600 documentales en su archivo digital.
• Se realizarán proyecciones y charlas en espacios culturales de la Ciudad de México.
• Editará su noveno libro virtual con todos los documentales
publicados en esta enciclopedia desde 2007.

“Nosotros no hacemos films para morir, sino para vivir, para vivir mejor. 
Y si se nos va la vida en ello, vendrán otros que continuarán…”
Raymundo Gleyzer



Con más de 600 documentales en su plataforma digital, Naranjas de Hiroshima, proyecto independiente dedicado a recopilar lo mejor del Cine Documental, cumple diez años de rescatar la memoria audiovisual de resistencia de los pueblos de habla hispana pero con producciones de todas partes del mundo.

El sitio Naranjas de Hiroshima (http://www.naranjasdehiroshima.com/), fue creado el 23 de enero de 2007 por Luis Iborra (Alicante, España 1979), y surge del interés de crear una mediateca única y exclusiva de Cine Documental, sin fines de lucro, para compartir información y cultura audiovisual.

Es una mediateca digital que recopila documentales, incluye reseñas e información relacionada con las obras. “Sitios de documentales hay muchos, éste es más especializado en filmes clásicos, ocultos, olvidados y difíciles de encontrar en el mercado y fuera de. Muchos de los documentales que se han publicado se han subido a solicitud de realizadores y productores cinematográficos”, asegura Iborra.

Este proyecto digital apuesta por el cine documental ya que “siempre ha tenido algo de antropólogo, de visionario y de revolucionario”, dice el documentalista. A diferencia del cine ficción, “éste nos permite mirar de manera más directa a las vidas que retrata y así se convierte en un poderoso sistema generador de empatía”, asegura Iborra.

10 años de camino documentando En el marco del décimo aniversario de Naranjas de Hiroshima, se realizarán de enero a junio proyecciones y charlas en torno al Cine Documental, en diversos espacios culturales en la Ciudad de México.  El Cine Documental “es el mejor espejo de lo que fuimos y de lo que somos, gracias a él podemos acceder desde importantes momentos históricos a instantes cualquiera de una vida ajena, desde historias sociales o políticas hasta oníricas realidades poéticas. En cualquier lugar del planeta y en todas las épocas posibles”.


El 27 de enero se llevará a cabo la proyección inaugural con la cinta The Black Power Mixtape (Suecia, 2011), escrita y dirigida por Göran Olsson, acerca del rodaje de un grupo de periodistas suecos que documentan el Movimiento del Poder Negro en los Estados Unidos. Se proyectará en El 77 Centro Cultural Autogestivo en la colonia Juárez a las 20:00 horas.  “Es uno de los documentales clásicos modernos que tiene Naranjas de Hiroshima. Lo vi al llegar hace seis años a México y es uno de los que me han pedido varias veces, sobre todo para cineclubs. Tanto el documental político, como el black power siempre han estado presentes en este proyecto, además de los clásicos del cine documental”, comenta el documentalista. 


Durante el mes de febrero se realizarán otras proyecciones en esta sede y en otras que se confirmarán más adelante en las redes sociales de Naranjas de Hiroshima. Para marzo y abril se realizará unas proyecciónes especial en 16mm de Grupo Chaski (la sede y la fecha también están por confirmarse).

Así mismo, Luis Iborra participará el 26 de enero en la mesa de debate “Encuentros sobre Dominios Públicos y Acceso” organizada por Fundación Alumnos47, en la que se presentarán proyectos que ofrecen diferentes formas de acceso a materiales multimedia en temas como el arte, la ciencia, la cultura, el cine, la economía, la política y la tecnología. La cita es en Alumnos #47 en la colonia San Miguel Chapultepec, a las 18:30 horas.

La proyección de clausura del 10º aniversario de Naranjas de Hiroshima se realizará el 26 de junio en la Cineteca Nacional, dentro del Seminario Experiencias de Archivo, con la cinta Mourir à Madrid (Morir en Madrid) (Francia, 1963), del cineasta francés Frédéric Rossif, un largometraje sobre la Guerra Civil Española.

Libro digital, registro documental histórico desde su primera edición, Naranjas de Hiroshima publica un extraordinario documento que se constituye como una auténtica enciclopedia en crecimiento, que reúne todas las publicaciones de documentales que se realizan anualmente.


Este año se editó un libro digital en PDF, con 1900 páginas y con información de más de 600 documentales. El libro está dividido por orden de publicación, cada una se especifica con la ficha técnica de la película, además de reseñas, fotografías y videos.

“Hemos impulsado una plataforma desde dónde lanzar cine y promover espacios de aprendizaje y reflexión, siempre intentando dar una visión objetiva de las obras y los hechos que describen, sin ocultar nuestro compromiso con las luchas populares y sus resistencias, identificando, incluso, aquellas que se sirvieron y se sirven del cine documental como herramienta política de visibilización, denuncia y lucha”, asegura Iborra.

Para más información visita:
www.naranjasdehiroshima.com
facebook.com/naranjasdehiroshima
@naranjashiroshi





“Un País que no tiene Cine Documental es como una familia sin álbum de fotografías”
Patricio Guzmán


Libro Digital 10º Aniversario 

Naranjas de Hiroshima 2007-2017

https://archive.org/details/8NaranjasDeHiroshimaBookN820072017

Leer y/o descargar desde Archive.org

También puedes leer y/o descargar todos nuestros libros en Archive.org




Descargar y probar la 1ª versión de la App de Naranjas de Hiroshima para Android.
Descargar aquí la apk

https://drive.google.com/open?id=0B-j0fmdEk7T-WThLNDVSZDB2ZVk


Por último os dejamos un ranking de los documentales más vistos en Naranjas de Hiroshima



Documentales más vistos (Último mes. Enenro 2017)



( La guía perversa de la ideología ) Dirección: Sophie Fiennes Guión: Slavoj Zizek

Dirección: Unai Aranzadi   Fotografía, Sonido, Guión: Unai Aranzadi  Montaje: Unai Aranzadi Producción: Unai Aranzadi   Produce: Ind...

Idea Original: Patricia Louro  Realización: Patricia Louro, Micol Pecoraro, Manewua Gutiérre...

Dirección:  James Hale Guión:  James Hale Música:  David Bowie

Dirección: Unai Aranzadi Guión: Unai Aranzadi Fotografía: Unai Aranzadi 


Dirección: Mark Cousins Guión: Mark Cousins Fotografía: Mark Cousins

Dirección : Carlos Rodríguez Sanz & Manuel Coronado. Fotografía: Miguel Angel Trujillo

(Enmienda XIII) Dirección: Ava DuVernay  Guión: Spencer Averick, Ava DuVernay





Documentales más vistos (2016-2017)


Título original: The Story of Film: An Odyssey  Dirección: Mark Cousins Guión: Mark Cousins

( La guía perversa de la ideología ) Dirección: Sophie Fiennes Guión: Slavoj Zizek

Dirección: Unai Aranzadi   Fotografía, Sonido, Guión: Unai Aranzadi  Montaje: Unai Aranzadi

Idea Original: Patricia Louro  Realización: Patricia Louro, Micol Pecoraro, Manewua Gutiérrez

Título original: JAMBO AMANI? Dirección: Unai Aranzadi Guión: Unai Aranzadi Fotografía: Unai Aranzadi  Editor: Unai Aranzadi Sonido...

Dirección:  James Hale Guión:  James Hale Música:  David Bowie

Dirección y montaje: Chris. Marker. País: Francia.

Dirección: Cecilia M. Bartolomé, José Juan Bartolomé Año: 1981 - 1983 Duración: 190 min. Idiomas: Castellano. País de producción: España...

Dirección: Terry Zwigoff Producción:  Terry Zwigoff, Lynn O'Donnell, David Lynch




Documentales más vistos (2007-2017)