• Siguenos en las redes sociales. Facebook y Twitter.
  • Visita nuestra nueva tienda donde tenemos algunas de nuestros nuevos y viejos diseños
  • Las licencias Creative Commons, nacen para compartir y reutilizar las obras de creación bajo ciertas condiciones. Con las licencias Crative Commons, el autor autoriza el uso de su obra, pero la obra continua estando protegida. Frente al COPYRIGHT que quiere decir “todos los derechos reservados”, las Creative Commons proponen “algunos derechos reservados”.
  • " Posters Cine Documental Diseñados por NAranjas de Hiroshima en su 10º Aniversario"
  • Ahora ya puedes publicar tu documental en Naranjas de Hiroshima
  • Cine documental cubano, con especialidad en los 60´s y 70´s
  • Un documental sobre la cultura audiovisual, un viaje por las vías oficiales y subterráneas del mundo del cine en la Ciudad de México. Producido por Naranjas de Hiroshima
  • "Un país que no tiene cine documental es como una familia sin álbum familiar." Patricio Guzmán
  • "Nosotros no hacemos films para morir, sino para vivir, para vivir mejor. Y si se nos va la vida en ello, vendrán otros que continuarán." Raymundo Gleyzer, 1974
Mostrando entradas con la etiqueta Censura. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Censura. Mostrar todas las entradas

Una mosca en una botella de Coca-Cola



Director: Javier Couso Permuy
Guionista: Pablo Iglesias Turrión
Producción: Producciones CMI y OMAL-Paz con Dignidad
País de producción: España
Año: 2013
Duración: 23 min.





Sinopsis

El documental Una mosca en una botella de Coca-Cola, una producción audiovisual de Producciones CMI para el Observatorio de Multinacionales en América Latina (OMAL) - Paz con Dignidad, analiza los medios de comunicación que operan en el Estado español y su forma de tratar a los gobiernos populares de América Latina. Tomando como referencia varios textos de Pascual Serrano, en el documental se pregunta hasta qué punto los grupos privados que controlan casi todo lo que se lee, se ve y se oye, obligan a sus medios a defender sus intereses económicos a costa de la verdad y la ética periodística.*1


LA VOZ DE SU AMO
  La propaganda es a la democracia lo que la cachiporra al estado totalitario” 
Noam Chomsky

Le invito a hacer un experimento: pregunte a un español al azar por Hugo Chávez. Lo más probable es que después de algunos insultos acaben saliendo expresiones como caudillo, dictador, perpetuarse en el poder, régimen, monopolio de los medios, o el celebrado y maleducadamente monárquico “¿por qué no te callas?”. Estas reacciones son una consecuencia probable del trato que los medios daban y dan al fallecido presidente venezolano y a tantos otros líderes latinoamericanos de izquierda. Un trato y una información más cercanos a la persuasión y la desinformación que a la responsabilidad periodística. Una “información” que emana de unos medios de comunicación completamente sesgados por el control de sus amos, grandes grupos empresariales que obligan a anteponer sus intereses a la verdad, en detrimento de una población dócil.

Como ya ha señalado Vicenç Navarro en varios de sus artículos (p.e. 1 y 2) uno de los varemos con los que medir la calidad democrática de un país es la diversidad ideológica de sus medios. En España esta diversidad es más que cuestionable y, como apunta Navarro, es más fácil encontrar en Venezuela un artículo contrario al chavismo que uno que lo defienda en la prensa española. Una prensa que se dice independiente y valedora de la democracia, y que como apunta Una mosca en una botella de Coca-Cola está condicionada por los intereses de sus dueños.

Una mosca en una botella de Coca-Cola a través de la denuncia de la parcialidad de los medios españoles a la hora de tratar los procesos políticos de América Latina, pone el foco en los verdaderos intereses que mueven sus inclinaciones, que no son otros que los de los grupos empresariales que les auspician y poseen. A eso responde el título del documental: los medios pueden criticar a políticos e instituciones (con mayor o menor virulencia) pero nunca publicarán la noticia de que se ha encontrado una mosca en una botella de Coca-Cola, o por miedo a que le retiren la publicidad, o por pertenecer el medio en cuestión al mismo grupo empresarial que la marca criticada.

En su denuncia de la escasa diversidad informativa de nuestros quioscos y cadenas, el documental se muestra coherente al presentar interlocutores y visiones plurales, sin por ello abandonar su posicionamiento y su intención. Esta postura por la que opta el documental se sitúa del lado de los procesos latinoamericanos de izquierdas -desde el bloque del ALBA hasta los menos radicales como es el caso de Argentina- tratando de aportar nitidez a la enturbiada imagen que se difunde en España, y culminando su defensa con un contundente “Democracia significa exprópiese”.

Que los medios de comunicación no son objetivos lo aprendimos hace mucho. Que todos tienen una ideología, una tendencia y unas afinidades también. Que hay ciertos intereses ocultos detrás de ellos es algo que sospechábamos desde la guardería, pero documentales como Una mosca en una botella de Coca-Cola nos ayudan a poner cara/marca a los hilos que mueven esos medios y de paso alejarnos de las posibles acusaciones de conspiranoias. Para informarse y mantener el pensamiento crítico es importante saber quién te está informando, para así entender el por qué de su enfoque, cuáles son su intención y sus intereses.





UNA MOSCA vs. CUARTO PODER

Aunque se agradece la aparición de documentales como Una mosca…, su propósito no es nada novedoso. En 2012 ya vio la luz un documental con la misma meta que éste aunque con menor visibilidad: Cuarto Poder- los medios en la sociedad de la información realizado con licencia Creative Commons por el colectivo audiovisual Tres y un Perro, y que ya fue posteado en su momento en este blog.

Sin intención de situar a uno por encima de otro, ni de entrar en competiciones ridículas, a continuación se realiza una comparación entre ambos con el único propósito de animar al lector a verlos, disfrutarlos y analizarlos bajo su propio criterio.

Más a allá del ya mencionado propósito común, las diferencias entre estos dos documentales se dan en dos frentes: uno estético y otro de profundidad de análisis. En el plano estético, Una mosca… se caracteriza por un formato más cercano al televisivo, con infografías más elaboradas, un narrador en off y acompañamiento musical; mientras que Cuarto Poder tiene un estilo más sobrio y austero, y se apoya casi exclusivamente en los testimonios de los entrevistados.

En el nivel de análisis, Cuarto Poder alcanza mayor profundidad, buceando en los orígenes del problema, desde lo histórico hasta lo ya establecido como estructural. Alcanza así un tono más académico, gracias en parte a que los entrevistados están en buena medida escogidos del mundo universitario. Su propia estructura recuerda más a una investigación académica, concluyendo con un brillante análisis de caso centrado en Venezuela. E impagables son los 15 primeros minutos de trabajo de campo en el que con entrevistas callejeras se realiza un experimento similar al que se proponía al iniciar este artículo.


 


Por su parte, Una mosca en una botella de Coca-Cola se apoya mucho en la experiencia de periodistas, y pretende una diversidad de opiniones de la que carece Cuarto Poder, dedicando un bloque al debate sobre la ética periodística entre sus profesionales. Además aborda un tema ignoto en el lado europeo del Atlántico como es el de las leyes por la diversidad mediática que se practican en algunos países de América Latina, y que aquí son descalificadas unívocamente desde los más oscuros desconocimientos y prejuicios.

No cabe duda que ambas cintas, además de compartir algunos entrevistados (como Pascual Serrano y Juan Carlos Monedero), tienen en común el planteamiento de la información como derecho y la denuncia de la concentración de los medios de comunicación en pocas y poderosas manos, que aúnan lo político, lo mediático y lo económico. Además ambos documentales dan la sensación de nacer motivados por el hartazgo ante el (mal)trato que se da en los medios de comunicación españoles mayoritarios hacia ciertas ideas y políticas latinoamericanas. Su visionado alimenta una perspectiva crítica, tanto hacia los medios como hacia los poderes fácticos que los poseen y manejan, bajo unos intereses alejados de los de la ciudadanía. Difícilmente encenderás tu televisión y encontrarás que están poniendo Una mosca en una botella de Coca-Cola o Cuarto Poder. Por algo será.


Fuentes de información:  *1 Observatorio de multinacionales en América Latina (OMAL)Alejandro Sanz Angulo para Naranjas de Hiroshima.
 

Para no olvidar, la censura del franquismo

Título original: Para no olvidar; la censura del franquismo
Dirección: Manuel Esteban Marquilles
Guión: Manuel Esteban Marquilles
País de producción: España
Año: 1971
Duración: 29 min




















Para no olvidar; la censura del franquismo

Muchos creadores vieron mutiladas o prohibidas sus obras, por parte del Ministerio. El cine y el teatro fueron dos de las artes más perjudicadas. Sus voces críticas quedaron ahogadas. La incontestable arbitrariedad en las decisiones de la administración provocó la deserción de algunos de ellos. Pero también precipitó la búsqueda infructuosa de otros caminos de expresión. Inevitablemente, éstos desencadenaron en la marginalidad y la clandestinidad.

Por Albert Alcoz | 09 Sep 08. Publicado en Blog&Docs.


El título de este reportaje documental realizado por Manuel Esteban Marquilles resulta del todo explícito. Demuestra la voluntad por informar un hecho sabido: la represión de la libertad de expresión durante el régimen franquista. Reclama poder filmar para denunciar. Pero también presupone la necesidad de perdurar. Filmar para recordar. Bajo un posicionamiento claramente disidente, Para no olvidar; la censura del franquismo (1971) se estructura como un conjunto de entrevistas a autores que relatan la existencia de una censura sufrida en primera persona.

Muchos creadores vieron mutiladas o prohibidas sus obras, por parte del Ministerio de Información y Turismo. El cine y el teatro fueron dos de las artes más perjudicadas. Sus voces críticas quedaron ahogadas. La incontestable arbitrariedad en las decisiones de la administración provocó la deserción de algunos de ellos. Pero también precipitó la búsqueda infructuosa de otros caminos de expresión. Inevitablemente, éstos desencadenaron en la marginalidad y la clandestinidad.


Un hombre corre aturdido por la playa. Un plano aéreo persigue velozmente esa víctima. La sombra de un helicóptero queda dibujada en la arena. El joven se para y descubre cuatro hombres armados. Acto seguido le ametrallan indiscriminadamente. Son las primeras imágenes de un mediometraje documental que empieza como una ficción, tremendamente realista. La voice over que acompaña estos primeros planos reza así: “En España, no es un secreto para nadie, toda expresión cultural está sometida a una fuerte represión. El cine y el teatro, en cuanto medios de amplia difusión cultural, sufren condiciones específicas de tutela represiva. Los hombres que trabajan en este campo se encuentran ante distintas opciones, la más extrema es la marginación. Sus palabras, que se recogen en este documental, denuncian de una u otra forma, la situación en que se desenvuelve su trabajo. Denuncian, con mayor o menor claridad, la represión; única arma que le queda al régimen para asegurar su supervivencia.”

El director, guionista, cámara y montador Manuel Esteban Marquilles distribuye, a partir de aquí, una serie de entrevistas a directores de cine y teatro, contrastadas con fragmentos de películas y ensayos teatrales. El resultado es un documento de investigación, hecho con urgencia comunicativa. Adolfo Marsillach, víctima de la censura a raíz del montaje de la obra Sócrates, insiste en la obligación de luchar por la abolición de esas decisiones, mientras se intercalan filmaciones de esa misma pieza teatral. El cineasta Basilio Martín Patino manifiesta en su propio estudio la renuncia a la creación de películas homologadas, debidamente registradas, aún a pesar de la demora en su posible, aunque poco probable, comercialización. Mientras tanto, la voz en off de Carlos Trías explica la terrible afirmación que una alta personalidad del gobierno dijo sobre el director de Canciones para después de una guerra: “No es un problema de autorizar o prohibir, sino de fusilarle o no fusilarle”. Sacar partido de las mínimas posibilidades legales, pero negándose a aceptar la autoritaria moral de las instituciones que rigen la profesión, es la decisión de un realizador de documentales ensayísticos que ve como le secuestran los negativos y le confiscan las copias. El director y actor teatral Fernando Fernán Gómez comenta a cámara la dificultad por saber si su obra será o no aceptada. Es una arbitrariedad que según él, está determinada por subjetivismos a menudo inexplicables. Las previsibles palabras del productor Elías Querejeta vienen acompañadas por la muestra de un fragmento censurado del film El Jardín de las Delicias de Carlos Saura. El escenógrafo Fabià Puigcerver y la actriz Núria Espert denuncian la prohibición del montaje teatral de Yerma, escrita por Federico García Lorca, mientras el cineasta Carles Durán explica concienzudamente la insostenible situación en la que se ve inmersa la cinematografía española. Escenas censuradas de su film Liberxina 90 recuerdan la incapacidad por elaborar discursos críticos -ante una política estatal de tal calado-, que cuestionen la situación socio-política y sirvan como testimonio social de lo que sucede en el país. J. A. Codina reclama la necesidad de ofrecer un teatro vanguardista, no tanto desde un punto de vista formalista como de una postura ideológicamente comprometida. El autor teatral y ensayista Alfonso Sastre es la última voz cedida a esta manifestación artística. Su voz reclama un cambio de posicionamiento y una apertura de miras ante la evidencia de esa insostenible dominación.


Pere Portabella cierra el reportaje criticando los mecanismos de censura desde su propia experiencia como productor y realizador. En este último caso la selección del formato subestándard de 16 mm es inevitable, por tal de  esquivar el registro de la obra y su posible demora administrativa. Manuel Esteban introduce hábilmente un fragmento del film Umbracle (1970) en el que Christopher Lee se pasea por el Museo de Zoología del Parc de la Ciutadella de Barcelona, mientras un taxidermista encierra la figura de una ave en una vitrina. Es una poderosa imagen, en un blanco y negro contrastado, que sirve como metáfora de la situación política del país. Una voz víctima de la represión y la libertad de expresión. Una voz acallada, silenciosamente reprimida, observada con detenimiento por el actor inglés. Manuel Estaban Marquilles, operador de cámara de la mayoría de películas del cineasta de vanguardia Pere Portabella, finaliza así un valioso documento de aproximadamente veinte minutos, cuya fuerza expresiva recae en la presencia de unos nombres víctimas de la represión. Su absoluta invisibilidad es una consecuencia más de su época.

El film ha podido recuperarse gracias al soporte DVD, ya que fue incluida en la publicación del cofre Crònica d’una Mirada. Esta producción de seis capítulos de media hora, realizados para la televisión autonómica catalana, trató de cartografiar el panorama del cine independiente catalán de los años sesenta y setenta. Los extras de los seis DVDs ofrecen películas que, como ocurre con Para no olvidar; la censura del franquismo, han sido completamente olvidadas. Ni siquiera un trabajo historiográfico sobre el documental, de referencia a nivel nacional, como Imagen, memoria y fascinación. Notas sobre el documental en España (Ed. Ocho Y Medio, 2001) da cuenta de su existencia. Pero es que tampoco lo hace otro título paradigmático, adscrito al papel de la censura durante el franquismo, como Un cine para el cadalso de Román Gubern y Doménec Font. Hecho que demuestra, una vez más, la necesidad por descubrir obras cinematográficas, no ya mutiladas o tergiversadas, sino directamente silenciadas.

Fuentes de Información: Patio de Butacas, Blogs&Docs,


Para no olvidar; la censura del franquismo from naranjasdehiroshima on Vimeo.

Ver en Vimeo.
Ver el resto de la colección Crònica d’una Mirada en Naranjas de Hiroshima.

Historia de un documento

Título original: Histoire d'un document / Historia de un documento
Dirección: Óscar Menéndez
Guionista: Rodolfo Alcaraz
Fotografía: Óscar Menéndez
Edición: Janine Martin
Música original: Edgardo Cantón
País de producción: Francia, México
Año: 1971 
Formato: 16 mm, 8 mm. B/N. 
Duración: 43 min.




















"En 1970 Óscar Menéndez viajó a Europa con los materiales originales que filmó durante el movimiento estudiantil de 1968. El motivo del viaje fue salvar los materiales fílmicos ante la persecución política de la época, con el propósito de hacer una película que denunciara los hechos del 2 de octubre. Después de recorrer varios países, fue aceptado en Francia. Sin embargo, el documental no se transmitió en la televisión francesa por la intervención del gobierno de Luis Echeverría. Finalmente, se proyectó en México a finales de los noventa."

"En 1970, huyendo de la represión ejercida contra los militantes del 68, Oscar Menéndez y Rodolfo Alcaraz se trasladaron a Europa con el material fílmico del movimiento estudiantil en busca de productores para realizar la película. A principios de 1971, la Radio y Televisión Francesa (O.R.T.F.) aceptó el proyecto de los mexicanos, quienes trabajaron durante casi un año que duró la producción de este film con la promesa de la O.R.T.F. de que al terminar, se proyectaría en la red de televisión europea. Esto no fue posible por la intervención directa contra la película del entonces gobierno de Luis Echeverría Álvarez. En noviembre del 2004 en el V Foro Internacional sobre las Nuevas Tendencias del Documental, Escenarios 2004, que realizó el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) en la Ciudad de México, se pudo exhibir la película por primera vez. Ahora, 34 años después, presentamos esta película narrada en francés y subtitulada en español que nos ofrece un episodio cinematográfico inédito ya que la película está realizada clandestinamente en 1970 en el penal de Lecumberri con los presos políticos de esa época. Esta obra reconfirma la vigencia de la lucha democrática sostenida por el movimiento estudiantil del 68."



"Sus películas más difundidas son las del Movimiento del 68. Supo integrar imágenes de orígenes diversos de manera similar a como hizo Leobardo López, el legendario CUEC (Delegado del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos) con El Grito. Oscar fue a dar a Praga y a Paris, como becario y luego como perseguido político con todo y los materiales culminados en Aquí México, 2 de octubre. Tarde pero a tiempo, la televisión francesa editó una joya testimonial titulada Historia de un documento para narrar las dificultades y recursos de la filmación adentro de la siniestra cárcel de Lecumberri, gracias a la valentía de una atribulada esposa de preso político para introducir la cámara en la canasta con alimentos y con una módica gratificación a los custodios."



"Documental de 49 minutos de duración que presenta testimonios e imágenes originales de la represión del movimiento estudiantil del 2 de octubre de 1968 en la ciudad de México y tomas, captadas clandestinamente con una cámara de súper ocho milímetros en 1970, de participantes del movimiento encarcelados por el Estado en la prisión preventiva de Lecumberri. Tras filmar la película en México, el cineasta Oscar Menéndez abandonó el país y recibió apoyo de la Oficina de la Radio y la Televisión Francesa (ORTF) para su post-producción, pero según explicó la intervención directa del gobierno de Luis Echeverría Alvarez impidió que fuera cumplida la promesa de transmitirla en la televisión europea y su primera exhibición en México ocurrió hasta noviembre de 2004, en el V Foro Internacional sobre las Nuevas Tendencias del Documental. Menéndez realizó en junio de 1968 el trabajo de media hora Unete pueblo, primera de varias producciones que ha dedicado al movimiento estudiantil de 1968 y que las ha presentado en distintas formas y ediciones, en salas universitarias o privadas y a través de los formatos domésticos de video y DVD: Dos de octubre, aquí México (1968-1970, 55 minutos); 1968: En memoria de José Revueltas (1978, 50 minutos), que el especialista José Rovirosa identifica como el primer título en español que recibió Histoire d’un document; México 68: a 25 años (1992, 72 minutos) y México 68-98 (1998) han sido sucesivas aproximaciones, algunas de ellas puestas al día, a los registros documentales que captó originalmente en 1968. La presentación en DVD se complementa con una hoja informativa, que reproduce un testimonio escrito firmado por Menéndez y su guionista Rodolfo Alcaraz."

Fuentes de información: Pentagrama, FICG, FICUNAM, Apiavirtual, Biblioteca Universia.




Newen Mapuche


Títutlo original: Newen mapuche, la fuerza de la gente de la tierra
Dirección:  Elena Varela
Guión: Elena Varela
Produce:  Ojo Film
Producción: Encarnación Martínez, José Cid, Paula Talloni, Pablo Stephens, Alejandra Holzapfel, Rosita Ayress
Fotografía: Andrés Urrutia, Freddie Hayes
Dirección de arte: Marcelo Quintrileo
Montaje: Elena Varela, Marcelo Vega
Música: Patricio Wang, Elisa Avendaño, José Necul
Sonido:  Alejandro Contreras

Formato: HDV / Color
País de producción: Chile
Duración: 120 min.
Web Oficial: http://www.newenmapuche.com/








...Esta película es una es para mi no solo un deber de humanidad sino que además la reivindicación de lucha de los documentalistas que luchamos por registrar las manifestaciones sociales y políticas de nuestros pueblo”…
Elena Varela


A minutos de un allanamiento de las fuerzas especiales de carabineros, la realizadora, recibe los testimonios de mujeres respecto al trato. Entonces, ella empieza a indagar respecto a la reforma procesal penal y la aplicación de la ley de seguridad interior del estado en el conflicto mapuche. Busca información a través de informes y entrevistas a abogados y profesionales de ONG y organismos de derechos humanos, así va descubriendo la estrategia y la política comunicacional orquestada por las empresas forestales para judicializar y criminalizar al movimiento mapuche.


Documental que comenzó a producirse en el año 2006 y que se vio interrumpido por la detención de la directora por parte de la policía chilena y fue imputada por asociación ilícita para delinquir y por robo con violencia, luego de que se le involucrara en el asalto al BancoEstado de Loncoche el año 2004 y también estuvo imputada por el robo con homicidio en una plaza de pagos del INP en Machalí, el año 2005, hecho que terminó con la vida de 4 personas. Tras una investigación en donde permaneció encarcelada, salió libre y su detención abrió todo un tema respecto a la libertad de expresión y a la protección del registro que había obtenido para la película, pues todo el material que había grabado fue decomisado por la policía.








Newen mapuche, la fuerza de la gente de la tierra

Por Pablo Gamba

En Newen mapuche, la fuerza de la gente de la tierra, de Elena Varela (Chile, 2010), el documental se combina con la película de espionaje. Es un filme sobre la lucha de los indígenas mapuches contra las empresas forestales que se han instalado en sus tierras y consumen su agua, pero está lleno de los tópicos del segundo género: entrevistas a escondidas en bares, conversaciones registradas en grandes planos generales para hacer indiscernible el rostro del interlocutor; entrega de sobres con información confidencial y una cesta que alguien deja en la puerta de la casa; llamadas telefónicas en las que no se pronuncian nombres, y frases como "si usted se cuida, nos cuida a nosotros". Hay incluso una burla de la iconografía de los procedimientos policiales: el filme comienza con unos planos de una bandera del MIR, uniformes militares, fotos, diversos documentos y latas de película bajo la luz de flashes, una puesta en escena típica para la prensa de lo incautado en un allanamiento. 


La estrategia retórica es reforzar en el espectador la impresión de que lo que relata la cinta tendría que ser ficción. En una democracia no deberían ocurrir cosas como la que relata Newen mapuche, tanto en lo que respecta a la represión como a las razones por las cuales se reprime. Y la realidad es como una mala película de Hollywood: los indígenas deben actuar como agentes secretos porque la respuesta a sus reclamos y desobediencia civil ha sido la aplicación de las leyes contra el terrorismo promulgadas por la dictadura. La documentalista también fue víctima de una represión similar a la que sufrió cuando era estudiante bajo el régimen militar. A Elena Varela la detuvieron y la acusaron de estar vinculada con un grupo subversivo, y en el allanamiento de su casa le incautaron lo que había grabado para Newen mapuche. Evidentemente esa era la verdadera razón del arresto, apoderarse de un material posiblemente útil para la desarticulación del movimiento de resistencia de los indígenas.


El documental responde así a los cambios en las circunstancias políticas. Bajo una dictadura, la difusión de las películas de denuncia está forzosamente limitada a círculos clandestinos de resistencia, en el país, o de gente que simpatiza con ellos, en el exterior. Eso permite entender por qué muchas veces parecen o son filmes hechos para convencer a los convencidos, como se dice. Pero cuando hay democracia, incluso a pesar de las leyes antiterroristas está abierta la posibilidad de llegar a un público más amplio, ante el cual pueden funcionar argumentos como el "aunque usted no lo crea", apoyado en referencias al cine comercial. Y si se gana su favor de esa manera, posiblemente también la gente esté dispuesta a considerar el fondo del problema ocasionado por la actividad de las empresas Arauco y Mininco, y a entender que, si los indígenas han violado y violan la ley, lo hacen para recuperar sus tierras y tener agua.


Con su manera de presentar a los mapuches, Newen mapuche plantea también una pregunta sobre la democracia. A los que no están familiarizados con el discurso de las resistencias indígenas probablemente les sorprenda la serenidad de una razón que suele desplegar sus argumentos sin hacer casi ningún tipo de teatro. Las secuencias grabadas en el estudio de Marichiweu, la radio de la resistencia mapuche, mantienen el tono de tertulia aunque el tema de conversación sea una cuestión de vida o muerte para ese pueblo. La líder Patricia Troncoso sabe que su defensa ante el tribunal es registrada por las cámaras, pero aunque sabe que a través de ella habla su pueblo y aspira a ser escuchada por la ciudadanía, no se exalta. 


El discurso indígena en la película es así la antítesis perfecta de El triunfo de la voluntad de Leni Riefenstahl (Triumph des Willens, 1935), en el que los ladridos de Hitler tienen la fuerza de un odio terrible que los impulsa a convertirse en actos, pero sin ningún sentido, sin ninguna razón. Además de llamar la atención sobre las historias de agentes secretos que no deberían estarse desarrollando en un país democrático, Newen mapuche recuerda de esa manera que debe existir una diferencia entre la verdadera democracia, que es la del debate racional, y el espectáculo que montan los políticos, por ejemplo, cuando visitan a los mapuches. Tanto ellos como los indígenas saben que esas palabras en el fondo no tienen ningún significado, pero tienen una fuerza que históricamente se ha traducido en el exterminio, lo que no deja de guardar cierto parecido con los discursos en los actos de los nazis en Nuremberg, en 1934.




Fuentes de Información: Cine Chile, Newen Mapuche, Artículo "Newen mapuche, la fuerza de la gente de la tierra" de Pablo Gamba, publicado en El Espectador ImaginarioArtículo "Newen Mapuche de Elena Varela en FICViña" Blog 7ºArte.
Ver también en Naranjas: Newen Mapuche Libertad Elena Varela.





Cuarto Poder - los medios en la sociedad de la información

Realización y montaje: Pablo M. Roldán
Guión: Miriam Díaz-Crespo, Pablo M. Roldán.
Sonido e Imagen: Pablo M. Roldán
Documentación: Miriam Díaz-Crespo, Pablo M. Roldán
Produce: Tres y un perro
País de producción: España
Licencia: Creative Commons 3.0
Año: 2012
Duración: 62 min.













¿Lee usted la prensa?, ¿ve las noticias en televisión o escucha la radio?, ¿considera que los medios de comunicación ofrecen una información veraz?, ¿se considera bien informado?, ¿sabría nombrar al primer ministro británico o a los presidentes francés, mexicano o venezolano?, ¿qué opina de éste?
A partir de este cuestionario básico Cuarto Poder nos propone una reflexión sobre los medios de comunicación, la calidad de las informaciones que consumimos, la creación de opinión pública y, en última instancia, la salud democrática de nuestras sociedades en la era de la información.

Cuarto Poder es un análisis riguroso de las estructuras mediáticas y de sus intereses económicos e ideológicos que pone al descubierto los mecanismos ocultos de estas enormes maquinarias de seducción.*1


A pesar de las supuestas diferencias idelógicas de los grandes medios de comunicación españoles, sus informaciones coinciden unánimemente en condenar y caracterizar al gobierno venezolano como una amenaza para la paz en la región y la democracia.

El equipo de Tres y Un Perro sale a la calle para indagar en los hábitos de consumo de información de los españoles, su percepción acerca del papel de los medios y sus conocimientos de política nacional e internacional.

Sorprendentemente, los encuestados pueden no saber quién es el primer ministro italiano o británico, el presidente ruso o la presidenta argentina, pero todos conocen al presidente venezolano, Hugo Chávez, a quien consideran un dictador.

Este es el punto de Partida de Cuarto Poder, un documental que indaga en la función social de los medios de comunicación, abordando cuestiones como la concentración mediática, la libertad de expresión, el derecho a la información, la propaganda y la creación de opinión pública.

"Cuarto Poder" posee un estilo austero y directo, premeditadamente desprovisto de todo adorno. La propaganda y la manipulación, como afirma Ignacio Ramonet, se basan en la idea de que "sólo aquello que se siente es verdad". "Cuarto Poder", por el contrario, parte de la idea de que sólo aquello que se comprende plenamente puede conducir a un sentimiento profundo y sincero.

"Cuarto Poder" apela, por tanto, a la razón, a la comprensión, y renuncia a todo efecto visual o musical que pretendar buscar la complicidad sentimental de su audiencia por encima de la razón. "Cuarto Poder" expone hechos, datos e informaciones en un discurso caleidoscópico pronunciado por sociólogos, filósofos y periodistas, entre ellos Pascual Serrano, Ángeles Díez Rodríguez, J.C. Monedero y Carlos Fdez Liria, y articulado en una estructura narrativa entendida como proceso de reflexión.

Tres y un perro

En Tres y Un Perro no tenemos el talento de Getino, Solanas, Guzmán o Santiago Álvarez.

Reivindicamos, sin embargo, su legado. Una manera de entender el documental como espacio crítico: instrumento para la reflexión, el debate, la acción y la emoción.
Un "espacio liberado" desde donde comenzar a transformar nuestra realidad económica, política y social, derribando los mitos, los prejuicios y las certidumbres sobre las que se asienta.

En Tres y Un Perro no nos interesan la crítica nostálgica y sentimental, descontextualizada, distante en el espacio, en el tiempo, en la marginalidad, en el exotismo, en la periferia o en la anécdota. Esa crítica-denuncia que nos dice: "El yugo existe, pero tu cuello está libre".

No entendemos la "crítica social" como "juicio moral", sino como análisis de los límites y contradicciones de nuestras sociedades. Una crítica donde la razón se sobreponga al sentimentalismo, la cercanía a la distancia, la norma a la marginalidad, lo cotidiano a lo exótico y lo universal a lo anecdótico.

Con estas intuiciones comenzamos, a finales de 2009, la producción de nuestro primer documental,Cuarto Poder: los medios en la sociedad de la información, un análisis de la función social de los medios de comunicación, donde se abordan cuestiones como la libertad de expresión, el derecho a la información, la propiedad de los medios, la concentración de la industria cultural y mediática, la propaganda y la creación de opinión pública.

La película fue estrenada en el XII Festival Internacioal de Documentales Santiago Álvarez in Memoriam, Cuba, donde Tres y Un Perro obtuvo el galardón al Mejor Colectivo Joven.
Desde aquí te invitamos a verla y a difundirla

Cabra Marcado Para Morrer

Título original: Cabra Marcado Para Morrer (Cabra, Marcado Para Morir o Hombre marcado para morir o Twenty Years Later).
Dirección: Eduardo Coutinho.  
Guión: Eduardo Coutinho.
Fotografía: Fernando Duarte (1964), Edgar Moura (1984). 
Música: Rogério Rossini.  
Edición: Eduardo Escorel.
Intervienen: Eduardo Coutinho, Elizabeth Teixeira, João Virginio Silva.
Narración: Ferreira Gillar,Tite De Lemos 
Producción: Eduardo Coutinho Produções Cinematográficas, Produções Cinematográficas Mapa, Zelito Viana, Vladimir Carvalho, Eduardo Coutinho.  
Formato: 35mm, Color y B/N.
Idioma: Portugués con subtítulos en castellano.
País de producción: Brasil  
Año: 1964-1984. Estreno: 1985.
Duración: 119 mins.




Cuando se comenzó este filme, en 1964, relataba la vida de Joao Pedro Teixeira, líder campesino asesinado en 1962. Interrumpido por el golpe militar, la cinta fue recomenzada en 1981. Con material del pasado y del presente, de ficción y documental, narra la historia de las ligas campesinas y de Joao Pedro. Testimonios de los testigos de 1964 y de la viuda, Elizabeth Teixeira. *1

Reinventarse a sí mismo: el paso de la ficción al documental a partir de “Hombre marcado para morir” (Por Pablo Russo) 

No era la primera vez que Eduardo Coutinho se probaba el traje de director, aunque posiblemente Cabra marcado para morrer (1984) implique una dimensión fundante que sería esencial para su recorrido cinematográfico futuro. Se trata de la película considerada por el mismo Coutinho como el verdadero inicio de su carrera como documentalista, que realizó con 50 años cumplidos, mientras aún trabajaba para Globo Reporter. Y este comienzo implicó a su género opuesto, la ficción, a partir de la generación de una intertextualidad con su propio cine: una película dentro de otra.

Para entender este juego de implicancias es necesario desandar el tiempo hasta el año 1964. Coutinho, que entonces tenía 28 años, fue elegido para dirigir una película de ficción basada en hechos reales: el asesinato por orden de terratenientes de Joao Pedro Teixeira, un líder campesino del nordeste brasilero, ocurrido poco tiempo antes. La producción estaba a cargo del Centro Popular de Cultura de la Unidad Nacional de Estudiantes, y del Movimiento de Cultura Popular de Pernambuco. Quienes oficiaron de actores eran campesinos de la zona y algunos de los mismísimos protagonistas de los hechos, como ser Elizabeth Teixeira, la mujer del dirigente asesinado. La filmación comenzó en marzo del 64, pero el 1 de abril fue paralizada por el golpe militar que tuvo lugar la noche anterior contra el presidente Joao Goulart, y que duró hasta 1985. Al día siguiente de derrocar a Goulart, el ejército interrumpió la filmación, que derivó en parte del equipo en fuga, actores prisioneros y expropiación del material filmado. Cabra marcado para morrer se convirtió en una película violentamente interrumpida, con sus integrantes en éxodo y dispersión. Lo increíble es que algo del material filmado pudo salvarse, y es precisamente de esas imágenes recuperadas que parte Coutinho para finalizar su película, casi veinte años más tarde, desde una óptica de trabajo muy diferente a la de 1964.

A principios de los años ochenta, Coutinho carga con una copia de lo que pudo salvar del primer Cabra…, el de los años sesenta, y dos cámaras, con la idea de encontrar a quienes habían trabajado en la película. Al rescate histórico de imágenes (found footage de sí mismo), el director le agrega reportajes a los participantes, indagando así en las memorias individuales y en la memoria colectiva sobre los acontecimientos traumáticos. Es decir, Coutinho recupera el material antiguo, pero lo actualiza y reelabora generando nuevos significados a partir de una nueva interacción en el montaje con otro tipo de material (entrevistas, por ejemplo). La película conserva su contenido original, que a su vez también se ha transformado por su innegable valor de archivo. Con la primera cámara, el director busca, averigua, entrevista. Con la segunda filma a la cámara principal, dejando en claro las condiciones de producción de la película, que además son explicadas desde la propia voz en off de Coutinho. El realizador produce el acontecimiento a ser filmado a partir del trabajo con su propio metraje recuperado: les proyecta las imágenes de la película trunca a quienes va reencontrando en su investigación, estableciendo conexiones entre los acontecimientos de 1964 y el presente (de los años ochenta) de esas personas. Los campesinos que se van reconociendo en la pantalla en el momento de la proyección también son entrevistados, y conocemos entonces sus recorridos particulares en los años posteriores a la filmación interrumpida. El rescate histórico a partir de los testimonios contiene la reconstrucción del último día de filmación. Además, el reencuentro de Coutinho con Elizabeth Teixeira generó profundas transformaciones en la vida de la mujer, ya que hasta ese entonces ella vivía en la clandestinidad y no sabía del destino de varios de sus hijos. Elizabeth se convierte en un personaje principal de Cabra marcado para morrer. Coutinho también es un personaje más, que le imprime al trabajo una dimensión subjetiva con su sola presencia. En varios momentos la narración es en primera persona, ya que el fue también protagonista de la filmación y los sucesos del 64.

El resultado final incluye imágenes documentales de inicios de los años sesenta, fragmentos del primer Cabra marcado para morrer, fotografías de la filmación que se pudieron salvar, recortes de diarios de época, imágenes del proceso de filmación, reportajes a los participantes, y búsquedas e investigaciones sobre el paradero de las personas que trabajaron en 1964, así también como de los hijos de Elizabeth Teixeira.

El director podría haber elegido el final feliz de Elizabeth recuperando su identidad luego de tantos años de clandestinidad, pero la narración informa que al momento de la edición, ella sólo había reencontrado a dos de sus ocho hijos vivos. Esto tiene que ver con una concepción medular del pensamiento de Coutinho: las películas no resuelven las vidas de las personas. Ni cambian el mundo. A lo sumo, sirven para pensarlo, e intentar conocerlo. *2






Presunto Culpable


Dirección: Roberto Hernández
Guión: Roberto Hernández, Layda Negrete
Fotografía: Amir Galván, John Grillo
Montaje: Felipe Gómez
Producción: Roberto Hernández, Layda Negrete
Sonido: Tania Negrete
Música: Alejandro Colavita, Alejandro Rosso
País de producción: México
Formato: HDV, Color.
Año: 2008
Duración: 88 min.













Presunto culpable es la desgarradora historia de un hombre que tuvo la mala suerte de estar en el lugar equivocado en el momento equivocado. En diciembre de 2005, en Iztapalapa, Ciudad de México, Toño deseó que Dios lo sacara de su desesperada situación. "Mátame o méteme en la cárcel", recuerda haber suplicado. Una semana después fue detenido por tres judiciales y conducido al Reclusorio Oriente, cárcel de alta seguridad que aloja a una tercera parte de los prisioneros de la Ciudad de México. Más tarde, un juez que nunca asistió a las audiencias del juicio lo condenó, sin prueba alguna, a veinte años de prisión por el homicidio de un hombre. Toño jamás había conocido a la víctima. Dos estudiantes de Derecho de la Universidad de California, Berkeley, se transformaron en cineastas, siguieron a Toño durante dos años y documentaron su lucha por recuperar la libertad y la dignidad perdidas. La cinta expone las contradicciones de un sistema judicial en el que todos somos culpables de antemano y es prácticamente imposible demostrar lo contrario.*1

Sales de tu casa y estás seguro que regresarás en unas cuantas horas; que podrás llegar y descansar tal vez en tu sillón favorito o por qué no ver una película acostado en tu cama. Confías en que verás, cuando estés de vuelta, a tu familia y que cumplirás con un estilo de vida repetitivo y monótono pero que estás dispuesto a sobrellevar. Sin embargo nunca imaginarías que justo a unos metros de tu casa puedes ser detenido sólo por estar en el momento, lugar y tiempo equivocado.

Por más dramático que eso suene, es una historia real, es la historia que nos cuenta Presunto Culpable. Toño, como cualquier otro día regresaba a su casa cuando es detenido por un grupo de policías y sin saber por qué pasa por un vía crucis que culmina con una sentencia de poco más de 20 años de prisión por homicidio; ¿la víctima? Una persona que Toño no conoce y que el día que fue asesinado, se encontraba a kilómetros del puesto que atendía el protagonista.
Toda emoción humana posible está registrada gracias a la astucia de Layda Negrete y Roberto Hernández, abogados de profesión y productores de la cinta por decisión, quienes logran introducir cámaras al reclusorio y contarnos la historia de Toño, quien además proporciona la música (hip-hop) que él mismo compuso estando dentro siendo apoyado nada menos que por Pato Machete, ex integrante de Control Machete.

Presunto Culpable llega, después de su exhibición en diferentes festivales como el Festival de Cine de los Ángeles o el Festival Internacional de Cine de Morelia, a las salas de los complejos más grandes; con un total de 120 copias poco a poco irá recorriendo al país exponiendo las claras deficiencias que tiene el sistema judicial mexicano.
En mi opinión, éste es uno de esos documentales que se tienen que ver para entender lo que está mal no sólo en el sistema de Gobierno o la manera en la que se aplica justicia, sino también expone lo mal que estamos como sociedad, hecho que tenemos que empezar a cambiar para salir de la mala racha que aguantamos por muchos años.*2

Fuentes de información: Ambulante *1, Mariana Rosas Fomperosa publicado en Radio Análoga *2. PeliculasYonkis (descarga directa en Megaupload), Tipete (descarga directa en Megaupload).



Ama Lur - Tierra Madre


Titulo original: Ama Lur / Tierra Madre
Dirección y guión: Néstor Basterretxea, Fernando Larruquert
Producción "Frontera Films Irún" para "Distribuidora Cinematográfica Ama Lur, S.A.".
Fotografía: Luis Cuadrado, Julio Amostegi
Montaje: Pedro del Rey, Néstor Basterretxea, Fernando Larruquert
Música: Seleccionada entre diversos autores vascos y aires populares
Año: 1968 (Remasterizada en DVD en 2007)
País de producción: España
Formato: 35mm, Eastmancolor, Techniscope
Formato copia: DVDRip
Duración: 103 min.
Distribución: DVD a la venta por 17,10 €, disponible en Elkar.








Amalur nombre de origen Vasco. En euskera significa "Madre Tierra" o "Tierra Madre". Es una diosa de la mitología vasca y creadora de la hermana luna, la hermana sol y "eguzkilore", flor parecida al cardo muy abundante en el País Vasco y que se coloca en las puertas de las casas para ahuyentar a los genios, las brujas, las lamias y los espíritus malignos.

"Ama Lur' fue una lección de la fuerza que tiene la gente unida;
demostró que estábamos vivos"

Basterretxea y Larruquert recuerdan la creación del primer filme que habló euskera:

La cinta, que cumplió 40 años en 2008 y que estaba muy deteriorada, fue recuperada en formato digital.

"Ama Lur fue una lección de la fuerza que se tiene cuando está unida la gente, una película triunfalista porque tenía que ser así. Hoy sería imposible hacerla, ya no existe esa unidad, habría que tomar partido por unos o por otros".

Después de numerosos cortes y cambios a los que les obligó la censura, el 10 de julio de 1968 el Festival de Cine de Donostia, en una sala abarrotada en la que tampoco faltaban agentes de la Guardia Civil, estrenó la película, que por primera vez en la dictadura hablaba euskera desde la pantalla grande y que, incluso, mostraba una pequeña ikurriña durante doce segundos de una secuencia.

La copia original de la cinta estaba muy deteriorada y Euskal Komunikabideen Hedapenarako Elkartea decidió hace un año recuperar el largometraje en formato digital. "Hay gente que no conocía la película y no tiene mucha noción de qué Euskadi era aquella", señaló Basterretxea.

A lo largo de 90 minutos, las secuencias de Ama Lur muestran en tono romántico y épico tradiciones ancestrales, leyendas, ritos y costumbres de Euskal Herria, a las que ponen música, letra y caras anónimas. Paisajes rurales, montes y mar dan paso a las obras de vanguardia en las que trabajaban entonces grandes artistas vascos en plena madurez.

"La censura nos hizo cambiar la imagen del árbol de Gernika, que aparecía nevado, por otra en la que estuviera en flor", recordó Larruquert. También les hicieron incluir en el metraje tres veces la palabra España e incluso añadir texto al original: "Cuando se hablaba de los arrantzales había que añadir una coletilla que decía hermanados con los demás marineros españoles . No soportaban la concreción vasca", recalcó el escultor. Al final, y a pesar de que fue "la película más censurada de la historia", les llegaron a proponer incluso que produjeran un Ama Lur de Andalucía: "No entendieron nada".

Por eso, cuando se proyectó ante el público en el teatro Victoria Eugenia de Donostia "el disgusto de Madrid fue tan grande como la alegría aquí", recordó Basterretxea. El hecho de que la producción fuera posible gracias a miles de donativos populares -el escultor recordó que un fogonero dio el sueldo de todo un mes- y el resultado final "demostraban que estábamos vivos: Y esa rabia que sintieron nos daba la razón".

Poca cultura En estos cuarenta años han desaparecido los cortes originales que la censura les impidió incluir en la cinta, y tanto Larruquert como Basterretxea creen que sería imposible recuperar la versión original: "El roble de Gernika ya no sería el mismo y habría que resucitar al locutor", señaló Larruquert. Tampoco la realidad social, cultural y política actual es la misma. "Frente a la dictadura estábamos unidos y hoy en día hay una desunión profunda", insistió Basterretxea. Sin embargo, el hecho de recuperar una cinta que peligraba y volver a editar Ama Lur demuestra que la obra sigue vigente y que sigue mostrando la identidad y realidad vasca.

A pesar de tratarse de un referente del cine vasco, Larruquert denunció que se haya permitido el deterioro de la copia original: "Tenemos un país que dedica muchísimo más dinero a la policía que a la cultura. Y sin cultura no hay país", censuró.

En ese sentido, Larruquert explicó que mostrando la producción artística de la época en Ama Lur, pretendían animar a los ciudadanos a trabajar por la cultura: "Aquí no se genera tanta cultura como creemos, y entonces se generaba menos".

"Por eso lo más importante de la película en mi opinión es la frase en la que Nestor pregunta¿Qué día es hoy?, ¿De qué año?. Eso nos hace pensar qué he hecho hoy", añadió Larruquert.

Fuentes de información: WikipediaRebeldeMule (info y E-Links), Vagos (info y descarga directa).



Ver directamente en VK.
Ver en Youtube.