FASCISM INC.

Título original: Fasismos A.E. (Fascismo S.A)
Dirección: Aris Chatzistefanou
Guión: Aris Chatzistefanou
Productora: Infowar Productions
Música: Giannis Angelakas, The Last Drive
Pais de producción: Grecia
Año: 2014
Duración: 73 min.

Fascismo S.A. una nueva produccion de Aris Jatsistefanou el director de Debtocracy y Catastroika .

“Porque el fascismo es algo mas que  los ganster  de Amanecer Dorado sino  también  son los políticos, los empresarios y los editores que lo alimentaron”

“Porque la crisis económica que favorece el crecimiento del fascismo y del nacismo está frente a nosotros y no en nuestro pasado”

“Porque toda europa está sumida en la oscuridad de la ultraderecha…”

Los creadores de Deudocracia y Catastroika vuelven con un documental nuevo.

Queremos contaros historias cortas, desconocidas del pasado, el presente y el futuro del fascismo y sus conexiones con los intereses económicos de cada época. Viajaremos desde la Italia de Musolini, a la Grecia de la ocupación Nazi, de la guerra civil y la dictadura y desde la Alemania Nazi de Hitler hasta hoy en día. El documental nuevo seguirá los pasos de Deudocracia y de Catastroika, donde hemos descrito las causas de la crisis de deuda, las consecuencias del memorándum, la abolición de la democracia y la liquidación absoluta del país.

El documental FASCISMO SL. aspira a estar inspirado e inspirar los movimientos antifascistas de toda Europa y al mismo tiempo de continuar uno de los experimentos más grandes del periodismo independiente. Por una vez mas rechazamos cualquier financiación de partidos y compañías y comunicamos que el documental circulará libremente, sin restricciones de uso y transmisión. En este caso también os queremos a todos como nuestros coproductores. Podéis contribuir económicamente para la finalización del documental

Fuentes de información: InfoGrecia, ThePirateBay, InfoWar, IMDB.

Ver en Youtube en V.O.S.E.

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Fotográfia

Título original: Fotográfia   
Dirección: Pál Zolnay
Guión: Miklós Köllo, Orsolya Szekely, Pál Zolnay 
Música: Ferenc Sebö 
Fotografía: Elmér Ragályi
Reparto:  István Iglodi, Ferenc Sebö, Mark Zala
Género: Drama, Documental.
Formato: 35mm, B/N.
País de producción: Hungría 
Año: 1973
Duración: 82 min  

Un hombre se gana la vida fotografiando a las personas que llaman su atención entre la multitud, solicitándoles después su dirección, y enviándoles a casa las fotos reveladas. Si les gustan, han de pagar por el trabajo.

Varios jóvenes, entre los cuales un músico y un fotógrafo dejan Budapest para ir al campo a fotografiar a la gente del pueblo y venderles las fotos. Pero pronto se encuentran con que los pueblerinos rechazan las fotos de los jóvenes. Prefieren las fotos retocadas de toda la vida, sin nada que les demuestre lo envejecidos que están o las poses artísticas que le proponen.Los jóvenes son actores, los campesinos no, van en serio. Hablan en serio. El intercambio es real y está filmado de una manera entre la cámara escondida y la rendición al encuadre, a la belleza, a la mirada del de afuera. Pero todos nos van contando sus historias, con lo cual nos vamos formando otra fotografía más. La de la(s) vida(s) de esta Hungría profunda.

Fuentes de información: HankMenBlues, FimlAffinity, Patio de Butacas,



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Stop! Rodando el cambio

Título: Stop! Rodando el cambio
Dirección: Alba González de Molina Soler, Blanca Ordóñez de Tena
Ayudante de dirección: Paula Pérez-Cossio Arias
Cámaras: Irene Tomé Magán, Alba González de Molina Soler, Paula Pérez-Cossio Arias, Blanca Ordóñez de Tena
Periodismo e investigación: Elena Muñoz Martínez, Jenn Dávila Arencibia, Alba González de Molina Soler, Blanca Ordóñez de Tena, Paula Pérez-Cossio Arias
Entrevistadoras: Jenn Dávila Arencibia, Elena Muñoz Martínez, Paula Pérez-Cossio Arias
Montaje: Blanca Ordóñez de Tena, Alba González de Molina Soler, Paula Pérez-Cossio Arias
Postproducción de video: Blanca Ordóñez
Postproducción de sonido: JL Canalejo
Música original: Javier Ochoa
Locución: Katy Lema
Diseño gráfico: Blanca Ordóñez, Paula Cano
Diseño de cartelería: Jara Bustos Martín /web
Productora: La Semilla
Formato: Full HD
País de producción: España
Año: 2013
Duración: 90 min.

Decrecimiento, cámaras y acción

'Stop! Rodando el cambio' es el primer documental que se realiza en España abordando el decrecimiento, una corriente que advierte contra los perjuicios del desarrollo incontrolado y la explotación sin límite de los recursos naturales

Producido por La Semilla y próximamente disponible de forma gratuita en su página web, la idea del documental surgió hace dos años y ha permitido que su media docena de realizadoras recorrieran España y Francia en busca de alternativas prácticas y teóricas. En el mes que ha durado la grabación han visitado ecoaldeas como las de Matavenero o Valdepiélagos; viajado a Ibort y Aineto, dos pueblos cedidos legalmente en Huesca que autogestionan sus actividades; y descubierto fincas ecológicas como La Garma en Cantabria o Permablitz en Barcelona. Pero, además, en aproximadamente noventa minutos tienen tiempo de mostrar de primera mano los argumentos de algunos de los defensores más conocidos del decrecimiento, como el profesor de Ciencia Política Carlos Taibo, la periodista Esther Vivas, el profesor de Filosofía Jorge Riechmann o la antropóloga Yayo Herrero.

 A camino entre la teoría y la teórica se encuentran también los activistas Florent Marcellesi y Enric Durán, entrevistados igualmente para el documental. El primero, investigador del partido ecologista EQUO, define ilustrativamente cuál es la motivación última del decrecimiento para ponerse en marcha: "El crecimiento infinito en un planeta finito es imposible". Aunque quizás, más que decrecimiento en singular, sería más acertado hablar de 'los decrecimientos', pues la obra muestra, ante todo, una visión plural de las diversas manifestaciones en las que aquél puede tomar forma. Por su parte, el catalán Enric Durán encarna hoy una de las mayores representaciones de la desobediencia civil en España y sus declaraciones denunciando la estrechez de la legalidad para emprender un cambio real son de las más enriquecedoras de este trabajo.*1

Proyecto

Con este documental presentado  en forma de road-movie y formado por un equipo de mujeres, pretendemos mostrar una alternativa real y factible que puede hacerse tanto a nivel individual como colectivo. La corriente decrecentista agrupa a día de hoy diversas prácticas o formas de vida que muchas personas y colectivos ya están llevando a cabo. En el viaje mostraremos todas estas maneras de entender la vida , el consumo, el respeto por el medio ambiente, el trabajo, y el deseo y la necesidad latente de participar activamente en las tomas de decisiones tanto políticas como sociales que rigen nuestras vidas. Todas tienen algo en común: vivimos en el mismo planeta, y este planeta es finito.

Comenzaremos nuestro viaje en furgoneta por España, seguido de Portugal y Francia. Para acercar al espectador las prácticas decrecentistas recorreremos desde ciudades hasta ecoaldeas y pueblos en transición en busca de modos de vida alternativos y conociendo de cerca a esas personas que ya están llevando a cabo el cambio. Para ello contaremos, además, con la opinión de expertos y teóricos que nos hablarán de la necesidad de un modelo alternativo que beneficie a todas las personas.

Ofreceremos al espectador una visión diferente de entender la sociedad, dando otras opciones al modo de vida imperante.

¿POR QUÉ REALIZAR ESTE DOCUMENTAL?

Si paramos y observamos a nuestro alrededor comprenderemos la importancia que tiene el hecho de llevar a cabo un cambio. Un cambio no sólo social, económico o político, sino en primer lugar un cambio de mentalidad, una necesaria concienciación masiva.

Este crecimiento económico es insostenible. Los recursos naturales son limitados y nuestro crecimiento está siendo tal que está superando los niveles naturales de bioproductividad de la tierra.

El crecimiento genera agresiones medioambientales irreparables, además de concebir el trabajo por dinero, para luego generar necesidades obsesivas de consumo, adentrándonos en una rueda insostenible que dentro de poco caerá por su propio peso.

Por ello, el decrecimiento plantea una serie  alternativas totalmente viables para disminuir o eliminar todas las prácticas perjudiciales para el ecosistema, y también para eliminar esa concepción del modelo de vida esclavo imperante en nuestra sociedad.

El decrecimiento implica la autosuficiencia y la simplicidad voluntaria, un rechazo profundo al consumo irracional. Si no decrecemos voluntariamente tendremos que hacerlo de manera obligatoria debido a la carestía de energías y el cambio climático que viene dado por el capitalismo global. Como propuesta alternativa el decrecimiento plantea: la simplicidad voluntaria, la defensa del ocio frente al trabajo bajo el lema de “ trabajar menos, para trabajar todos”, el triunfo de la vida social frente a la propiedad privada y el consumo, más oferta de servicios sociales y menos venta de productos poco duraderos, relocalizar el mercado, darle vida a las PYMES, recuperar el tiempo como tal y no como herramienta para ser productivo y eficaz, redistribuir la renta y establecer un máximo y un mínimo de ingresos.

Según Serge Latouche, se puede resumir las propuestas decrecentistas en ocho palabras, todas empiezan por “re”; revaluar, reconceptualizar, reestructurar, relocalizar, redistribuir, reducir, reutilizar, reciclar. En contra posición del “sobre” impuesto en las sociedades capitalistas: sobreactividad, sobreproducción, sobreabundancia, sobreconsumo, sobreendeudamiento, sobreequipamiento, etc Para Gandhi la cima de la civilización no la determinaba el designio de poseer, de acumular, cada vez más, sino el de reducir y limitar las necesidades.*2

Fuentes de información: *1 Público, *2 Rodando el Cambio.

Ver en Youtube.

Fata Morgana

Título original: Fata Morgana 
Dirección: Werner Herzog  
Guión: Werner Herzog
Música: Blind Faith, The Third Ear Band            
Fotografía: Jörg Schmidt-Reitwei 
Reparto: Eugen Des Montagnes, James William Gledhill, Wolfgang von Ungern-Sternberg
País de producción: R.F. de Alemania  
Año: 1971  
Duración: 74 min

Estructurada en tres partes (Creación, Paraíso y La era dorada) y rodada en el desierto del Sahara, esta es sin duda la película menos convencional del director alemán. Sin argumento ni guión determinado, Herzog nos regala una serie de imágenes, palabras y música que funcionan conjuntamente dando un resultado singular. La sensación resultante viene reforzada por una banda sonora con temas de Leonard Cohen, Mozart o la Third Ear Band. *1

Espejismos del creador solitario *2

Por Anna Petrus

Estaremos de acuerdo en que Werner Herzog es un caso aislado, un verdadero outsider, un cineasta con una trayectoria personalísima que no admite categoría alguna. Aunque en la década de los sesenta fue considerado por la crítica como uno de los cineastas fundamentales del llamado Nuevo Cine Alemán (junto a Wim Wenders, Rainer Werner Fassbinder o Volker Schlöndorff), con el paso de los años y el discurrir de sus obras, Herzog ha conseguido erigirse como una gran isla, como un creador extremadamente singular y con una sorprendente capacidad para entrelazar un poderoso imaginario ficticio con una experiencia más factual del mundo que a menudo ha concretado a través de sus viajes, a la manera como lo entendió el primer cineasta aventurero, Robert J. Flaherty.

Fata Morgana es el tercer largometraje del cineasta alemán y una película extremadamente compleja donde dibuja a la perfección esa dicotomía interna que caracterizará todo su cine, hasta Grizzly Man (2005) y Encuentros en el fin del mundo (Encounters at the end of the World, 2007) pasando por Fitzcarraldo (1982) y Aguirre, la cólera de Dios (Aguirre, der Zorn Gottes, 1972). Una escisión que sitúa su cine en un lugar impreciso, un espacio donde se derriba cualquier atisbo de objetividad y donde, por supuesto, se vienen abajo todas las verdades socialmente aceptadas. El cine de Herzog es, sin duda, el cine del extrañamiento, donde lo más absurdo parece tener sentido mientras que lo más razonable parece no tener cabida. Donde lo imaginado es quizás lo verdadero mientras que lo que puede tocarse parece desvanecerse constantemente. De ahí que el título de la película que nos ocupa sea tan elocuente y preciso. Fata Morgana significa espejismo o efecto óptico que, debido a cambios térmicos extremos, permite ver a una ciudad o a un paisaje situado a miles de kilómetros como si fuera una ciudad fantasma, un paisaje construido sobre la niebla. Un imagen intangible, ¿real o imaginada?

Es quizás porque Herzog se crió aislado en las montañas de Baviera, y que solamente estuvo en contacto con la naturaleza, que a través del cine ha sabido plasmar el desarrollo extraordinario de su imaginación y, al mismo tiempo, el deseo de conocer nuevos territorios. Fata Morgana fue rodada en el Sáhara, aunque de hecho, sus películas le han llevado por todo el mundo: Nicaragua, Perú, la Antártida, y un largo etcétera, y se trata de una película que muestra una sensibilidad especial por saber situarse en el lugar del “otro”. Huyendo del miedo occidental hacia lo desconocido, Herzog acaba por erigir un cuento con el que critica el colonialismo como forma de destrucción y muerte de formas de vida ajenas, singulares y de indudable valor.

Dividida en tres partes, tituladas “La creación”, “El paraíso”, y “Tiempos Dorados”, Fata Morgana combina imágenes subyugantes de una naturaleza árida donde predomina el sentido de lo estético —muchas de ellas son espejismos que Herzog consiguió capturar con su cámara—, con una narración en voz en off que desgrana una (imaginaria) historia mítica del lugar, no exenta de referencias explícitas al Antiguo Testamento. Así las cosas, mientras en la primera parte se narra el principio de la creación de ese mundo imaginario, en la segunda parte se cuenta la llegada del hombre y sus misterios inexplicables, sus deseos de dominación y sus instintos de destrucción. La última parte, muestra la victoria de las formas de vida de los colonos y la desaparición de lo que caracterizaba el paraíso. Existe, en definitiva, un discurso que es claramente partidario de los sometidos, como en toda la filmografía de Herzog (repleta de personajes que son grandes perdedores, locos con propósitos inalcanzables, minorías con deseos imposibles). Así lo expresa la voz en off al decir: “En el paraíso, los hombres ya llegan muertos al mundo”.  De hecho, la primera imagen del film ya contiene esa desolación: Herzog repite hasta siete veces seguidas el plano de un avión aterrizando en el aeropuerto. Una vívida composición del sentimiento de invasión que necesariamente recorre todo el film puesto que la imagen no se constriñe a lo que en ella se ve si no que va más allá sirviendo a un propósito mayor. Un propósito que, sin duda, no se encuentra en otro lugar que en la imaginación del cineasta.

Fuentes de información: *1 Filmaffinity, *2 Artículo publicado en Miradas de Cine, IMDB.
Descargas en: Filmoteca HankMenBlues, PirateBay.



Ver en Youtube en V.O., con posibilidad de subtítulos en Castellano e Inglés.

Debtocracy - Deudocracia

Título original: Χρεοκρατία – Debtocracy
Dirección: Katerina Kitidi, Aris Chatzistefanou
Productor: Costas Efimeros
País de producción: Grecia
Idioma: Griego con subtítulos en castellano.
Productora: BitsnBytes.gr
Investigación: Leonidas Vatikiotis
Licencia: Copyleft 3.0
Año: 2011
Duración: 74 min.
Web oficial: http://www.debtocracy.gr/

En Internet se ha difundido un documental que proyecta la historia de la deuda griega y señala las responsabilidades de la clase política. Se trata de una película comprometida que ha suscitado un gran debate.
Argyris Papastathis - Lina Psaila

Todo el mundo habla en Internet de "Debtocracy" (Deudocracia), un documental de los periodistas Katerina Kitidi y Ari Hatzistefanou sobre la crisis griega. Rodado con su dinero personal y las donaciones de algunos amigos, se ha difundido gratuitamente en el sitio web debtocracy.gr. En menos de diez días, lo han visto cerca de 600.000 visitantes. Cada día, tanto partidarios como adversarios del documental intercambian opiniones en Facebook, Twitter o en los blogs.

Los principales actores de este documental (alrededor de 200 personalidades) firman una demanda para que se establezca un comité de auditoría internacional, cuyo fin sería determinar los motivos de la generación de una deuda soberana y condenar a sus responsables. En este caso, Grecia tendría derecho a negarse a reembolsar su "deuda injustificada", es decir, la deuda constituida por actos de corrupción contra el interés de la sociedad.
Los "cómplices" en la quiebra no tienen la palabra

Debtocracy es una acción política. Presenta un punto de vista sobre el análisis de los acontecimientos que han llevado a Grecia al borde del abismo. Todas las opiniones van en la misma dirección, sin contrapunto. Es la elección de los autores, que exponen su manera de ver las cosas desde los primeros minutos: "En cerca de 40 años, dos partidos, tres familias políticas y algunos grandes empresarios han llevado a Grecia a la quiebra. Han dejado de pagar a los ciudadanos para salvar a sus acreedores".

Los autores del documental no ceden la palabra a los que consideran "cómplices" de esta quiebra. Los primeros ministros y los ministros de Finanzas de estos últimos diez años en Grecia se presentan como los eslabones de una cadena de cómplices que han empujado al país al vacío. El director general del FMI, Dominique Strauss-Kahn, que se presenta ante los griegos como el médico del país, se compara al dictador Georgios Papadopoulos [primer ministro bajo la Dictadura de los Coroneles, de 1967 a 1974].

Este paralelismo se establece con una notable facilidad desde el inicio del documental, pero el personaje en cuestión (DSK) no tiene derecho a hablar. Ante la pregunta "¿Por qué no se obliga a intervenir a las personas señaladas con el dedo?", Katerina Kitidi, una de las autoras, responde que "es una pregunta que se debería plantear a muchos medios de comunicación que, últimamente, transmiten de forma permanente un solo punto de vista sobre la situación. Nosotros consideramos que ofrecemos otro enfoque, que hacía falta desde hace tiempo".
El público, garante de la independencia del documental

Para su compañero Aris Hatzistefanou, lo que cuenta es la independencia del documental: "No teníamos elección", señala. "Para evitar las limitaciones sobre el contenido de la película, que sin duda habrían exigido las productoras, las instituciones o los partidos, nos hemos dirigido al público para cubrir los gastos de la producción. Por lo tanto, el documental pertenece a nuestros "coproductores" que han realizado donaciones en Internet y por este motivo, no hay problemas de derechos. En cualquier caso, nuestra intención es difundirlo al máximo", explica.

El documental expone el problema de Ecuador y de Argentina para respaldar el argumento según el cual, se puede utilizar el informe de un comité de auditoría como herramienta de negociación para eliminar una parte de la deuda y la congelación de los salarios y las pensiones de jubilación.

"Intentamos exponer los ejemplos de países como Argentina y Ecuador, que dijeron no al FMI y a los acreedores extranjeros que han hecho que los ciudadanos se arrodillen, aunque sea en parte. Para ello, hemos hablado con personas que han realizado una auditoría en Ecuador y han demostrado que gran parte de la deuda es ilegal", prosigue Katerina Kitidi. No obstante, Debtocracy evita señalar las principales y evidentes diferencias entre Ecuador y Grecia. En otras, el hecho de que Ecuador posee petróleo.

Fuentes de información: DivX Clásico (info y descarga directa), Presseurope.eu (artículo).

Ver en Youtube en V.O.S.E.

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Jean Vigo - A Proposito de Niza - Taris - Cero en Conducta - El Atalante

Jean Vigo

Jean Vigo (París, 26 de abril de 1905 - París, 5 de octubre de 1934) fue un director de cine francés.

Se le conoce sobre todo por dos películas que tuvieron una gran influencia en el desarrollo posterior del cine
francés: Cero en conducta (1933) y L'Atalante (1934).

Era hijo del militante anarquista español Eugène-Bonaventure de Vigo, de origen ítalo-francés, conocido con el sobrenombre de Miguel Almereyda(anagrama de "y a de la merde"), director del periódico Le Bonnet Rouge. Su padre fue arrestado y encerrado en la prisión de Fresnes, donde, en1917, fue hallado muerto, estrangulado con los cordones de sus propios zapatos. A causa de la reputación de su padre, Jean debió adoptar un nombre supuesto, Jean Sales. Entre 1918 y 1922 fue alumno en un internado de Millau, experiencia en la que se basó para rodar su película Cero en conducta.

Su primera película, el mediometraje mudo À propos de Nice (1930), es una especie de ensayo fílmico de tono satírico que explora las desigualdades sociales de la Niza de los años 20, lanzando una feroz diatriba contra los veraneantes burgueses. En el filme colaboró con él el director de fotografía ruso Boris Kaufman (hermano del director Dziga Vertov), quien intervendría después en todas las obras de Vigo.

En 1930, Vigo crea en Niza un cine-club llamado "Les Amis du Cinéma", donde programa, entre otras muchas, películas soviéticas. Su siguiente filme, de encargo, fue Taris, roi de l'eau (1931), un documental sobre el campeón de natación Jean Taris, destacable sobre todo por las tomas submarinas.

Cero en conducta (Zéro de conduite) es una obra mucho más personal. Rodado con bajo presupuesto, es un mediometraje de 45 minutos que narra la insurrección de los estudiantes de un internado contra sus estrictos profesores. Gran parte del argumento de Cero en conducta se basa en los recuerdos de Vigo, que pasó gran parte de su infancia en internados. El filme es un canto al anarquismo infantil, y tuvo una gran influencia sobre la ópera prima de Truffaut, Los cuatrocientos golpes, una de las películas clave de la nouvelle vague. Considerada antipatriótica, la película estuvo prohibida en Francia hasta 1945.

Al año siguiente, en colaboración con Boris Kaufman, produjo su obra maestra, L'Atalante (1934). En la película se cuenta la historia de amor entre un joven marinero sin objetivos y su joven esposa. La acción transcurre en un pequeño carguero, donde la pareja recién casada se ve obligada a convivir con un viejo piloto, interpretado por Michel Simon.

Jean Vigo falleció en París de tuberculosis, y fue enterrado en el cementerio de Bagneux, en la capital francesa.

Jean-Luc Godard le dedicó su película Les Carabiniers.

Jean Vigo

Filmografía

• 1930 : À propos de Nice
• 1931 : Taris, roi de l'eau
• 1933 : Cero en conducta (Zéro de conduite)
• 1934 : L'Atalante

À Propos de Nice (1930)

El punto de vista documental de Jean Vigo sobre una ciudad donde el juego, el ocio y el carnaval contrastan intencionalmente con los desposeídos: la "Promenade des Anglais" opuesta a los lugares pobres de la ciudad.

Todo se encamina a la idea de la muerte, o si se prefiere a la muerte de los ociosos y de una clase social: una suerte de danza en medio del carnaval de Niza, con ridículas esculturas funerarias, un humor negro sarcástico gobernando esta lírica, violenta y subversiva polémica social llena de metáforas (los pies encerados, una mujer de pronto desnuda en un sillón), que ocasionaron su violenta prohibición en la época.

Utilizó en ocasiones la cámara oculta para conseguir interesantes tomas de los habitantes de la ciudad.




Ver en Youtube.

Ver y descargar en Archive.org

Taris (Taris, roi de l'eau) 1931 

Documental sobre Jean Taris, el nadador olímpico y 29 veces campeón francés. Estudia el estilo de natación del antiguo campeón del mundo explicando los mecanismos del arrastre, breaststroke y otras técnicas de la natación. Vigo emplea técnicas como la cámara lenta, fotografía subacuática y uso dramático de la iluminación subacuática. (FILMAFFINITY)

Zero de condutei (1933)

Zéro de conduite (en español: Cero en conducta) es una película francesa de 1933 dirigida por el director francés Jean Vigo. Estrenada por primera vez el 7 de abril de 1933. Desde entonces, estuvo prohibida en Francia hasta el 15 de febrero de 1946.

Argumento

La película trata exhaustivamente las experiencias escolares de Vigo para retratar un sistema educativo burocrático y represivo en el que tienen lugar actos de rebelión surrealistas, producto de una lectura libertaria de la infancia. El título se refiere a la calificación que el chico obtendría y que le impediría salir en domingo. También muestra la influencia de la obra de teatro Ubu Roi, de Alfred Jarry.

Influencia

Aunque la película no tuvo un éxito inmediato, ha demostrado poseer una influencia duradera. François Truffaut rindió un homenaje a Zéro de conduite en su película de 1959 Los 400 golpes copiando, prácticamente fotograma a fotograma, la escena en la que una línea de escolares que corren por París va perdiendo uno a un sus miembros debido a las atracciones de la ciudad. La película If.... de Lindsay Anderson es en su totalidad una reinvención menos caprichosa de Zéro.






Ver en Youtube en V.O.S.Inglés.

Ver y descargar en Archive.org

L'atalante (1934)

L'atalante es una película francesa de 1934 dirigida por Jean Vigo (y protagonizado por Dita Parlo) que tras hacer algunos cortometrajes tan solo pudo realizar este largometraje porque murió muy poco después de terminarla. Su tema: el amor. Las imágenes que nos ofrece esta historia parecen sacadas de un sueño más que de la realidad, contándonos cosas sobre nuestra vida pero a través de un mundo de fantasía.




L'atalante from quartopotere on Vimeo.



Jean Vigo y el documental social

Pero yo querría hablaros de un cine social más concreto, y del que me hallo más próximo: del documental social, o dicho con más exactitud, del punto de vista documentado. En este terreno a investigar, afirmo que el tomavistas es rey o al menos presidente de la República. Ignoro si el resultado ser una obra de arte, pero de lo que sí estoy seguro es de que será cine. Cine, en ese sentido de que ningún arte, ninguna ciencia, puede desempeñar su función.

El señor que hace documentales sociales es ese tipo suficientemente flaco como para introducirse por el agujero de una cerradura rumana y capaz de filmar al salir de la cama al príncipe Carol en camisón, admitiendo que fuese un espectáculo digno de interés. El señor que hace documental social es este buen hombre lo bastante diminuto como para apostarse bajo la silla del croupier, gran dios del Casino de Montecarlo, lo que, podéis creerme, no es nada fácil.

Este documental social se diferencia del documental sin más y de los noticiarios semanales de actualidades por el punto de vista defendido inequívocamente por el autor. Este documental exige que se tome postura, porque pone los puntos sobre las íes. Si no implica a un artista, por lo menos implica a un hombre. Una cosa vale la otra. El tomavistas estará dirigido a lo que debe ser considerado como un documento y que, a la hora del montaje, ser interpretado como tal documento.

Fuentes de información: Wikipedia,  Kinoki (información y descargas), Archive.org (información y descargas), FilmAffinity,