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jueves, 13 de junio de 2019

Tot Inclòs. Danys i conseqüències del turisme a les nostres illes

Título original: Tot Inclòs. Danys i conseqüències del turisme a les nostres illes
/ Todo incluido. Daños y consecuencias del turismo en las islas Baleares
Guión: Colectivo Tot Inclòs
Equipo técnico y creativo: Elisa Banal-Juaneda, Marc Farré, Xesc Llinàs, Joan Lluís Oliver, Tomeu Mulet, Jaume Mesquida, Sònia Domènech, Juan González, Felipe Rico, David Serra, Ivan Ramírez, Nanda Hernández, Pedro de Echave, Nena Blanquer
Intervenciones: Joan Buades, Ivan Murray, Celestí Alomar, Rafel Cortés, Macià Blàzquez, Margalida Ramis, Jaume Adrover, Antonio Turiel, Manel Domènech, Magdalena Jaume, Marc Morell, Mariano Reaño, Tolo Ramis, Sònia Vives, Xim Valdivielso, Neus Prats, Ángeles Matas, Ernest Cañadas, Antonio Copete, Joan López, Shirley Siles, Francisca Martínez, Gemma Bernabé, Rosa Quintana 
Idioma: Catalán, castellano
Subtítulos: Catalán, castellano, gallego, euskera, esperanto, inglés, francés, italiano, alemán, portugués, griego
Web oficial: http://totinclos.cat
País de producción: España
Año: 2018
Duración: 65 minutos









Desde los años 60, las Baleares –especialmente Mallorca e Ibiza– quedaron deslumbradas por el turismo. Todo lo relacionado con el turismo era positivo y la industria turística fue introducida y recibida como la locomotora que nos transportaba al tren de la modernidad, de la sociedad de consumo y de la vida urbana. Desde entonces, los cambios han sido tan rápidos y profundos que conviene analizarlos desde un punto de vista crítico que ponga en cuestión si el turismo es beneficioso. En los últimos tiempos, la leyenda que dice que «vivimos del turismo» ha comenzado a ser fuertemente cuestionada. Se habla de turismo sostenible, del alquiler vacacional, de playas saturadas, de falta de acceso a la vivienda, etc. Aspectos que entendemos que tienen un denominador común: el monocultivo turístico. La intención del documental «Todo incluido. Daños y consecuencias del turismo en las islas Baleares» es romper el discurso hegemónico acerca del turismo y tratar aspectos relacionados con el turismo que habitualmente no salen en los medios de comunicación. Para llevar a cabo esta narración entrevistaremos a personajes relacionados con el mundo del turismo, el mundo académico, el mundo del ecologismo y personas anónimas que viven en Mallorca. Incluiremos imágenes de Mallorca para ilustren el conjunto de discursos diversos que aparecerán y que muestren una isla sorprendente que tal vez no salgan los catálogos turísticos.





'Todo incluido' y el cáncer de la clase media
‘Tot inclòs’ i el càncer de la classe mitjana
por Antoni Trobat, publicado en Ara Balears




Viernes tarde en Barcelona había, como es habitual, un abanico importante de actividades interesantes. El editor de Txalaparta, el navarro José Mari Esparza, presentaba sus 'Memorias de un editor rojo-separatista', de la mano del periodista y ex diputado David Fernández. Hubiera sido un buen plan. Entre mil. No fue la opción que elegí, sin embargo, una vez liquidada mi jornada laboral. Había una llamada, imperiosa, que no podía desatender. La gente de Tot Inclòs presentaba en la capital principatina, en el auditorio de Can Batlló, en el barrio de Sants, el documental 'Tot Inclòs. Danys i conseqüències del turisme a les nostres illes'.




El audiovisual, que está girando por muchos lugares de las Islas, es extraordinario. Como dijo Nena Blanquer, su productora, el hecho de que las voces antagonistas al contrarelato que se quería proyectar no quisieran participar -algo comprensible en algunos casos, incomprensible en otros- en el fondo terminó siendo casi mejor. Quizá no en el ámbito periodístico, pero sí desde la perspectiva de generar un proyecto que explicara lo que ha sido silenciado durante años. Escuchar Macià Blázquez, Sonia Vives, Margalida Ramis, Joan Buades, Ernest Cañada, Antonio Turiel, Ivan Murray, Marc Morell, Nieves Prats, Celestí Alomar, Jaume Adrover, Manel Domènech, Magdalena Jaume y Xim Valdivielso es un gusto, un aprendizaje y pura vitamina rebelde. A algunos de ellos no los conozco. Con la mayoría, en algún momento vital he tenido relación más o menos intensa. Si esto de las trincheras tiene sentido, que creo que tiene, su trinchera es la mía. Sin duda. Sin ningún tipo de duda.





Como dice mi estimado Buades, durante demasiados años los políticos isleños, fueran de la tendencia que fueran, han sido las camareras de hotel de los grandes linajes casi aristocráticos de la gran burguesía turística que "con una llamada telefónica", en palabras del profesor Blázquez, son capaces de cambiar el sentido de las políticas turísticas de la CAIB. Pero no todo está perdido. Creo que es el valenciano Turiel quien lo explica clarísimamente: aunque es factible revertir, girar la tortilla, hacer que no sea del todo irreversible. A pesar del mal hecho. A pesar de la tierra quemada. Si es así, creo que convendría que todo el mundo que tiene responsabilidades en el área que, desde el monocultivo, centraliza el grueso de la actividad económica balear y pitiusa vez de ver el documental.



Yo reconozco que he salido aún más concienciado, aliviado de saber que aún estamos a tiempo, pero con algunos interrogantes importantes en el buche. El primero de ellos no es menor. ¿Como gestionaremos colectivamente el cambio de modelo? Nadie, en todos estos años de debates y polémicas, me ha acabado de dar luz del todo, en este sentido. ¿Podemos vertebrar nuevas industrias? No lo sé. Deseo que sí, pero el hecho, que a pesar incluido se visualiza, que nos cueste tanto mantener una red productiva local mínima me preocupa y me alarma. Un país que no sabe ni puede ni quiere impulsar formas nuevas y enlazadas con el mundo de generar riqueza se puede salir? La segunda cuestión es aún menos "menor" y daría para muchos artículos. Es la clase media de extracción rural mallorquina -y menorquina y pitiüsa-, exproletària y sin conciencia, mezclada con otros elementos foráneos, uno de los principales cánceres de la isla? De eso no hablan, pero me inquieta pensar que, acaso, el gran cambio de mentalidad colectiva de los "viejos mallorquines" será el reto más importante a afrontar. Y para asumir es necesario hacer una revisión, en clave de psicología comunal, que no tengo claro que amplios sectores quieran hacer. La derecha colonial española -subordinada los intereses de Madrid y del capital neoliberal- y el lumpen proletariado turístico sé más o menos qué piensa y cómo se mueve, sin embargo, y los sectores centrales de la 'intelligentsia' isleña? Son capaces de ver el pan que se cuece? Vienen años cruciales en que serán necesarias alianzas entre gente que piensa parecido y valentía para hacer girar el timón del destino que para las Islas Baleares reservó el capitalismo internacional ya los años de la Guerra Fría. Nos ponemos? Parece que nos van la vida y el país. Si no, como apunta el filósofo Valdivielso -que fue profe mío- "vamos a un suicidio seguro".




Fuentes de información: Tot Inclòs , artículo ‘Tot inclòs’ i el càncer de la classe mitjana
por Antoni Trobat, publicado en Ara Balears.









martes, 7 de mayo de 2019

Cameraman: The Life and Work of Jack Cardiff

Título original: Cameraman: The Life and Work of Jack Cardiff
Dirección: Craig McCall
Música: Mark Sayer-Wade
Fotografía: Steven Chivers, Ricardo Coll, Simon Fanthorpe, Nicholas Hoffman, Jonathan Rho, Ian Salvage, John Walker, James Welland, Bob Williams
Intervienen: Jack Cardiff,  Martin Scorsese,  Kirk Douglas,  Lauren Bacall, Charlton Heston,  Kim Hunter,  John Mills,  Alan Parker,  Thelma Schoonmaker, Freddie Francis,  Raffaella De Laurentiis,  Richard Fleischer,  Peter Yates, Kathleen Byron,  Christopher Challis,  Kevin McClory,  Ian Christie,  Moira Shearer, Peter Handford,  George E. Turner,  Michel Ciment,  Michael Powell,  Dustin Hoffman, Humphrey Bogart,  Sophia Loren,  Craig McCall,  Niki Cardiff,  Deborah Kerr
Productora: Modus Operandi Films, UK Film Council, National Lottery
País de producción: Reino Unido 
Año: 2010
Duración: 86 min.









El cameraman: vida y obra de Jack Cardiff presenta lo más destacado de una figura del cine británico e internacional, el multi-ganador de Premios Óscar, Jack Cardiff. Él era hombre cuya vida estuvo entretejida con la historia del cine en una carrera que abarca nueve décadas de imágenes en movimiento. La palabra “leyenda” se utiliza con demasiada frecuencia en Hollywood, sin embargo, la historia de Jack Cardiff demuestra lo verdaderamente digno del título.
En esta visión única de la vida y la obra de Cardiff, el propio director y cinematógrafo explica cómo ayudó a elevar la cinematografía a una forma de arte e hizo historia con su visión innovadora y magia técnica en Escalera al cielo (1946), Narciso Negro (1947), Las zapatillas rojas (1948), La reina africana(1951), Los vikingos (1958) y muchos otros.
Entre muchas revelaciones fascinantes y anécdotas de la película, Cardiff relata lo que era trabajar con grandes íconos de Hollywood como Marilyn Monroe, Audrey Hepburn, Humphrey Bogart, Kirk Douglas y Sophia Loren. Para el deleite de los televidentes, Martin Scorsese les lleva con pasión a través de películas de Jack y cuenta por qué han tenido tanta influencia en su obra: “empecé a tener una fuerte afinidad hacia el cine británico por cuenta causa de mi reconocimiento a Jack Cardiff”, dice Scorsese.
Enriquecida con varias escenas de películas clásicas restauradas recientemente y más de 20 entrevistas originales con grandes actores, directores y técnicos del mundo, esta producción explora la vida y la obra de Cardiff en convincente detalle e intimidad. El documental no es sólo un testimonio único y valioso sobre la historia del cine británico e internacional; también ofrece una humorística e informativa aventura.


Sinopsis:
En 2001 Jack Cardiff (1914-2009) se convirtió en el primer director de fotografía en la historia de los premios de la Academia en ganar un Oscar honorífico. Pero la primera vez que cogió la famosa estatuilla fue medio siglo antes, cuando su trabajo de cámara Technicolor fue premiado por  Narciso Negro, de  Powell Pressburger. Más allá de La reina de África, las películas del dúo creativo británico-húngaro (Las zapatillas rojas y A vida o muerte) garantizó la inmortalidad del reconocido camarógrafo, cuya carrera abarcó más de 70 años.



jueves, 25 de abril de 2019

Noticieros ICAIC Latinoamericano Vol.01 - 1960-1976

Título original: Noticiero ICAIC Latinoamericano - Actualidades nacionales e internacionales
Dirección: Alfredo Guevara (56), Santiago Álvarez (233),  Julio Batista (2), Manuel Perez (2), Jorge Fraga (1), Miguel Torres (16).
Fotografía: 16mm, B/N.
Productora: Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos ICAIC.
País de producción: Cuba
Año: 1960-1976
Duración: 50s - 20min.
















Noticiero ICAIC Latinoamericano - Actualidades nacionales e internacionales





Compuesto por 1.490 emisiones semanales, producidas y exhibidas entre los años 1960 y 1990, el Noticiero ICAIC Latinoamericano fue testigo de grandes acontecimientos nacionales e internacionales de la segunda mitad del siglo XX.

El 21 de junio de 2012, El Institut National de l'Audiovisuel (INA) y el Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) firmaron un acuerdo de colaboración para la restauración, digitalización y mejora de las imágenes de noticias latinoamericanas de ICAIC.

Este fondo, denominado "Noticiero ICAIC Latinoamericano" fue declarado Patrimonio Nacional de Cuba e inscrito en el "Registro de la Memoria del Mundo" de la Unesco en 2009.

En total, se digitalizarán 1490 ediciones de noticias cinematográficas producidas y difundidas entre junio de 1960 y julio de 1990, también miles de extractos estarán disponibles en Ina.fr.

Hasta la fecha han digitalizado y subido a su web un total de 292 Noticieros ICAIC Latinoamericano, se pueden ver a una calidad media de forma gratuita y sin registros.
El Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) recibió oficialmente el primer grupo de copias restauradas del Noticiero ICAIC Latinoamericano. La entrega se realizó este viernes por directivos del Instituto Nacional del Audiovisual (INA) de Francia, quien corrió a cargo del proceso tecnológico.

La recuperación del afamado Noticiero, dirigido por el fallecido y gran documentalista cubano Santiago Alvarez (1919-1998), y considerado desde 2009 como Registro de la Memoria del Mundo de la Organización de Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO), es fruto de un acuerdo entre el ICAIC y el INA.

El convenio establece la restauración de las copias de 35 milímetros y la realización de copias digitales en formato de Alta Definición, de esta significativa obra del audiovisual cubano.

También asegura la explotación conjunta de los fondos digitalizados con beneficios para ambas partes, aunque el ICAIC se reserva los derechos patrimoniales y la titularidad de los fondos originales del Noticiero, que constituyó todo un suceso cultural en la isla.

La entrega de este viernes formó parte del XXXV Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, que concluye mañana en La Habana, e incluyó al primer rollo del lote de 250 emisiones entregado a la institución francesa en una prueba de confianza, no sólo institucional, sino del nivel de colaboración internacional entre Cuba y Francia.

El director adjunto del INA, Michel Raynal, explicó que se trata un pequeño grupo de 54 programas emitidos entre 1960 y 1963, y anunció que ya se encuentra terminada la digitalización de casi la totalidad de ese primer grupo de Noticieros entregados por Cuba.

Raynal, quien está al frente de los trabajos, señaló que la mayor dificultad estuvo en el sonido, que se encontraba en muy malas condiciones, e insistió en que tuvieron muy en cuenta el respeto a la estética original de las obras.


Algunos de los contenidos recogidos en esta colección abordan hechos históricos vinculados a figuras como el ex presidente cubano Fidel Castro y el guerrillero argentino-cubano Ernesto Che Guevara, y a los procesos culturales y políticos de Europa y Asia, así como de Africa, en su lucha contra el colonialismo, y las gestas en América Latina.

Dirigido por Alvarez, el Noticiero se convirtió en escuela de cineastas cubanos y latinoamericanos, y en un fenómeno cultural capaz de despertar el interés de amplias audiencias.

La institución francesa se propone ahora la elaboración de un catálogo en español sobre los Noticieros, y dar a conocer a los franceses el contexto y el nombre de las figuras que aparecen en las películas, desconocidos prácticamente en el ámbito europeo actual.

El INA es una institución pública con la responsabilidad de archivar y compartir todas las producciones francesas de radio y televisión, con los escritos y otros materiales a partir de imágenes fijas, sonido, imágenes en movimiento, grabaciones musicales, mapas y planos.

Desde 1974, el INA se centró en la recopilación y conservación de las imágenes y sonidos que conforman la memoria histórica colectiva, con el propósito de compartirlos con el mayor público posible, de ahí que constituya en la actualidad un referente en materia de innovación tecnológica en esta rama.

En la actualidad, la institución francesa, reconocida como el primer centro audiovisual del mundo para el archivo digital y la valorización de fondos, trabaja de conjunto con Rusia en la digitalización de materiales de radio y televisión producidos por la antigua Unión Soviética.

El ICAIC se propone ahora emprender experiencias similares en un futuro con los fondos que agrupan las obras de otros significativos cineastas cubanos, como Tomás Gutiérrez Alea y Humberto Solás.


La colección que han llamado "Les archives cubaines / Los archivos cubanos" contiene descripción y datos de cada capítulo, así como su fecha exacta de emisión en las pantallas de los cines cubanos.

En Naranjas de Hiroshima hemos querido reunir todo lo que se ha publicado de este magnifico trabajo de recuperación del archivo cinematográfico latinoamericano, para apoyar con su difusión, ya que creemos en la importancia y el valor de los acervos del cine documental cubano, el cual siempre hemos difundido deste esta plataforma de difusión cultural.













Noticiero ICAIC Latinoamericano

Noticiero ICAIC Latinoamericano. Informativo fílmico semanal creado por Santiago Álvarez en 1960, con producción del ICAIC para mostrar al mundo la verdad de Cuba y América Latina.

Historia

A partir del 6 de junio de 1960, el Noticiero ICAIC Latinoamericano contaba cada año en medio centenar de salidas al aire, con capítulos distintos de las memorias y andar cotidiano del país. Grandes reportajes o principios de documentales, historias hiladas con el sabor de la ficción, armadas de una coherencia casi impecable en el discurso, abren los vestidos de un pueblo y un país que se muestra “real maravilloso” sobre las aguas que lo comunican con los puertos de la antigua URSS, América Latina, Viet Nam o Angola.

Ejemplo de periodismo cabal, comprometido con su tiempo y con su público, responsable e incisivo, crítico y solidario, el Noticiero ICAIC Latinoamericano, en sus muchas ediciones de los años 60, 70 y 80 lo mismo empleaba el tono emotivo de la crónica, que la ironía y el sarcasmo para burlarse de agujeros oscuros, que la entrevista en contrapunto de puntos de vistas contrapuestos.

Hubo muchas ediciones célebres, que hicieron llorar o reír a miles de cubanos. Los hacedores del Noticiero, sobre todo en las postrimerías de los años setenta, y hacia finales de los ochenta, se buscaron mil problemas con funcionarios holgazanes, corruptos, indolentes.
Forja de talentos

Son memorables algunos números realizados por directores que luego integrarían la llamada generación intermedia de directores, los que debutaron en los años ochenta. Entre ellos los luego famosos Fernando Pérez (Clandestinos, Hello Hemingway), Rolando Díaz (Los pájaros tirándole a la escopeta, En tres y dos) y Daniel Díaz Torres (Jíbaro, Alicia en el pueblo de Maravillas), quienes evidenciaron en sus primeras películas de ficción un acercamiento complejo, crítico, a la realidad y la historia de Cuba que mucho le debía conceptualmente a sus respectivos aprendizajes en el Noticiero ICAIC Latinoamericano, de la mano de Santiago Álvarez, quien los dejaba trabajar, indagar, cuestionar, siempre y cuando las críticas estuvieran de parte de la objetividad y la responsabilidad.

El movimiento documental fue la verdadera base del séptimo arte en la Isla, y por supuesto, el Noticiero ICAIC Latinoamericano fue la forja de graduación para la mayor parte de los cineastas cubanos, quienes nos legaron importantes obras de ese género antes de incursionar en la ficción.

Aparte de los fundadores Tomás Gutiérrez Alea y Julio García Espinosa (formados en el periodo prerrevolucionario), Manuel Octavio Gómez] firmó la excepcional y emotiva Historia de una batalla antes de entregarnos esa clásica entremezcla de ficción y documental que fuera La primera carga al machete; Humberto Solás realizó un paréntesis con Simparelé y Wifredo Lam entre largometrajes de ficción tan memorables como Lucía o Cecilia, Fernando Pérez presentó credenciales con Camilo y Omara previamente a los mayores opus que significaron Clandestinos o Madagascar; Orlando Rojas se le recuerda casi tanto por A veces miro mi vida como gracias a Una novia para David y Papeles secundarios; Octavio Cortázar hizo Por primera vez antes de El brigadista, Pastor Vega solo igualó el éxito artístico de Viva la República con Retrato de Teresa; Manuel Herrera es el autor de Girón y Enrique Pineda Barnet de David aunque después se dedicaran con éxito a la puesta en escena de películas históricas y espectaculares.

También se recuerdan ediciones problemáticas de la segunda mitad de los años 80, hechos con muy alta temperatura crítica y dirigidos por José Padrón, al calor del proceso de rectificación de errores, consagrados a la situación nefasta del Río Almendares, de los albergados o del transporte público.
Imagen de Cuba al mundo

En cuanto al pálpito internacional, o al papel de Cuba en las guerras de independencia del Tercer Mundo, el Noticiero posee imágenes excepcionales del Comandante en Jefe en sus viajes por todo el mundo durante tres décadas; numerosas secuencias consagradas a Che Guevara, Ho Chi Minh, Salvador Allende, la guerra de Angola, terremotos y acontecimientos políticos en treinta años de historia latinoamericana, la Revolución de los Claveles… todo lo cual le ha valido la incorporación por parte de la Organización de Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) a su lista Memoria del Mundo. 




Santiago Álvarez habla de los Noticieros del ICAIC


Aquí una pequeña muestra algunos de los noticieros:


 


Con motivo del décimo aniversario de la creación del ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos), una retrospectiva sobre la invención de la cinematografía, ilustrada por dibujos, grabados, fotografías y películas. Este aniversario es la ocasión en La Habana de una exposición de carteles de películas, fotografías de personalidades del mundo del cine que llegaron a Cuba entre 1959 y 1969 (Joris Ivens, Peter Brook, Jean-Luc Godard, Agnès Varda, Francesco). Rosi, Chris Marker, Gérard Philipe, etc.) y fotografías de eventos filmados por el ICAIC. Desde 1959, las profesiones cinematográficas se han abierto a las mujeres con la capacitación de proyeccionistas cubanos. Se están creando nuevos cines en todo el país. Una nueva tendencia cinematográfica está apareciendo en Cuba, uno de cuyos objetivos es capturar la "revolución" y las luchas de liberación en todo el mundo. La principal misión del ICAIC es llevar el cine a las regiones más remotas del país. Demostración en imágenes de: taumatropo; bandeja fenakistiscopio; zoetrope, zoopraxiscope.Rappel utilizando grabados de la primera proyección pública de los hermanos Lumière; Imágenes de la cámara de los hermanos Lumière y transmisión de dos de sus primeras películas: "Desembarco del congreso de fotografía en Lyon" y "La llegada de un tren a La Ciotat"; escena de ropa ajustada por tres mujeres jóvenes; Escena de una película muda burlesca. Archivos: Eisenstein dirigiendo su película "Yvan el terrible"; Cuba a principios de siglo (escena callejera, primer tractor); Pinturas rupestres de altamira.


Ignacio Villa, Bola de nieve - Santiago Álvarez - Noticiero ICAIC - (1967)





Historia a través de los ojos cubanos: Noticiero ICAIC 


'Noticiero ICAIC Latinoamericano' fue una serie de noticiarios cinematográficos producidos entre 1960 y 1990 por el cine cubano Instituto ICAIC. El programa de noticias semanal que cubre los principales eventos locales y mundiales se mostraría antes de las proyecciones de películas en la capital, La Habana, y en ciudades y pueblos de la isla.

Muchos de esos 1,493 noticiarios podrían ser ridiculizados como propaganda, pero empujaron los límites de las noticias, de la narración visual que ha dejado un legado.

Al principio, los noticiarios de Noticiero estaban destinados a "defender la posición de la revolución y al mismo tiempo apoyar una posición firmemente antiimperialista ... En 1962-1963, se podía ver que el noticiario era más que una reseña semanal de noticias, no importa cuán ágil, dinámico - militante. Había también una visión artística ", dice Manuel Pérez Parades, el ex director de Noticiero ICAIC.

A medida que comenzó a desarrollar su creatividad, "fue capaz de alterar ciertas reglas establecidas sobre cómo deberían decirse las cosas ... El ICAIC adoptó una postura particular hacia la expresión artística, que asumió riesgos. También existía el peligro de que se cometieran errores. . Y sin embargo, era un riesgo que valía la pena tomar ".

Los noticieros de cine ahora son anacronismos, pero en aquel entonces, los cubanos cubrían las noticias a su manera. Y no hemos visto nada como lo que produjeron desde entonces.





Fuentes de información: Ecured, Cubacine. Portal del ICAIC, INA.fr, Cubadebate

jueves, 4 de abril de 2019

Agnès Varda




Agnès Varda (Bruselas, 30 de mayo de 1928-París, 29 de marzo de 2019) fue una directora de cine francesa, considerada por algunos críticos de cine la «abuela de la Nueva Ola» (Nouvelle vague) y una de las pioneras del cine hecho por mujeres y del cine feminista. Sus películas, documentales y vídeo-instalaciones guardan un carácter realista y social. Toda su obra presenta un estilo experimental distintivo. A lo largo de su trayectoria recibió numerosos premios, entre ellos en 1985 con la película Sans toit ni loi (Sin techo ni ley) obtuvo el León de Oro del Festival de Cine de Venecia y su biografía documentada en Las playas de Agnès el Premio César en 2009 o el Premio René Clair de la Academia francesa. En 2017, recibió el Óscar Honorífico por su carrera.


Agnès Varda nació con el nombre de Arlette Varda en Bruselas, Bélgica. Su padre pertenecía a una familia de refugiados griegos de Asia Menor y su madre era francesa. Estudió Historia del Arte en la École du Louvre antes de conseguir un trabajo como fotógrafa oficial del Teatro Nacional Popular o Théâtre National Populaire (TNP) de París. Le gustaba la fotografía, pero estaba más interesada en el cine. Después de pasar unos días grabando la pequeña ciudad pesquera francesa de Sète, en el barrio «La Pointe Courte», para un amigo con una enfermedad terminal que no podría visitarla por sí solo, Varda decidió hacer una película. De este modo aparece en 1954 su primera película, La Pointe Courte, que narraba la historia de una triste pareja y su relación en la pequeña ciudad. La película fue la precursora estilística de la Nouvelle vague francesa.

Varda fue pionera en la apertura de la dirección cinematográfica a las mujeres. "Sugerí a las mujeres que estudiasen cine. Les dije: "Salid de las cocinas, de vuestras casas, haceos con las herramientas para hacer películas".​



Más tarde se la encuadrará definitivamente en este género, asemejándosela así a autores como Chris Marker, Marguerite Duras, Alain Robbe-Grillet, Jean Cayrol y Henri Colpi. Este grupo estaba fuertemente ligado al Nouveau roman, estilo literario que estaba posicionado políticamente en la izquierda.

Varda dirigió una cuarentena de piezas entre cortometrajes, documentales y largos de ficción. Su formación previa en fotografía le permitió captar los pequeños detalles de la realidad que la circundaba. "La combinación de la textura documental con un desarrollo narrativo (tan utilizado en el cine realista actual) puede ser el rasgo más característico de su extensa obra, lo mismo que la irrupción de la subjetividad del autor (por medio de la voz en off, de la presencia física, del metalenguaje) en el universo objetivo que se retrata" señala el crítico Sergio Fernández Piniña.​

Su primera película fue La pointe courte, donde se observa la influencia de Rosellini. Sus primeras obras reflejan el impacto del cine francés de la Nueva Ola destacando Cleo de 5 a 7 (1961)


La segunda fase de su obra se sitúa a partir del Mayo del 68 contagiada según la crítica del espíritu optimista de la época. La felicidad (1965), Las criaturas (1966), Lion´s Love (1969), cuestionan la rigidez de la sociedad burguesa. Destaca Una canta, otra no (1977), con un estilo jovial transformando las luchas feministas en una danza de colores kitsch.​

Uno de sus trabajos más destacados fue Sin techo ni ley (1985), protagonizado por Sandrine Bonnaire, dando vida a una vagabunda que sobrevive sometida al azar. En la película cohabitaron actores y personas del lugar, siendo el germen de toda una corriente de cine realista contemporáneo, encabezado por los hermanos Dardenne y Ken Loach. Black panthers (1968), Daguerréotypes (1975), Murs, murs (1980), Jane B. par Agnès V. (1987), Cinévardaphoto (2004), por no hablar de Los espigadores... y su secuela Dos años después (2002), están consideradas por la crítica pequeñas obras maestras del género y testimonios históricos y del paso del tiempo.​


En 2017 presentó su película, Caras y lugares, realizada junto al artista JR, y en la que vuelve a plantear esa intersección entre documental, juego y exploración social de su cine. La película logró financiarse a través de un crowdfunding y el apoyo de su hija que buscó financiación en el MoMA que compró una copia para su fondo archivístico antes de que empezase el rodaje y la Fundación Cartier.



Filmografía:

 2019 Varda par Agnès (Documental)
 2017 Caras y lugares (Documental)
 2015 Les 3 boutons (Cortometraje)
 2011 Agnès de ci de là Varda (TV Mini-Serie documental) (5 episodios)
 2010 P.O.V. (TV Serie documental) (1 episodio) - The Beaches of Agnes (2010)
 2008 Les plages d'Agnès (Documental)
 2007 Vive les courts metrages: Agnès Varda présente les siens en DVD (Video documental corto)
 2006 Quelques veuves de Noirmoutier (Documental)
 2005 Cléo de 5 à 7: souvenirs et anecdotes (Video corto)
 2005 Les dites cariatides bis (Video documental corto)
 2004 Viennale Walzer (Cortometraje)
 2004 Cinévardaphoto (Documental)
 2004 Ydessa, les ours et etc. (Corto Documental)
 2003 Le lion volatil (Cortometraje)
 2002 Hommage à Zgougou (et salut à Sabine Mamou) (Video documental corto)
 2002 Dos años después (Los espigadores y la espigadora 2) (Documental) Ver en Naranjas de Hiroshima
 2000 Short 4: Seduction (Video)
 2000 Los espigadores y la espigadora (Documental) Ver en Naranjas de Hiroshima
 1995 L'univers de Jacques Demy (Documental)
 1995 Las cien y una noches
 1993 Les demoiselles ont eu 25 ans (Documental)
 1991 Jacquot de Nantes
 1988 Jane B. par Agnès V.
 1988 Kung-fu master!
 1986 T'as de beaux escaliers, tu sais (Cortometraje)
 1985 Histoire d'une vieille dame (Cortometraje)
 1985 Sin techo ni ley
 1984 7p., cuis., s. de b., ... à saisir (Cortometraje)
 1984 Les dites cariatides (Corto Documental)
 1983 Ulysse (Corto Documental)
 1983 Une minute pour une image (TV Serie documental)
 1981 Documenteur
 1981 Mur murs (Documental)
 1977 Una canta, otra no
 1976 Placer de amor en Irán (Corto Documental)
 1976 Daguerréotypes (Documental) Ver en Naranjas de Hiroshima
 1975 Réponse de femmes: Notre corps, notre sexe (Corto Documental)
 1971 Salut les Cubains (Corto Documental)
 1970 Nausicaa (TV Movie)
 1969 Lions Love (as Agnes Varda)
 1968 Black Panthers (Corto Documental) Ver en Naranjas de Hiroshima
 1967 Oncle Yanco (Corto Documental)
 1967 Loin du Vietnam (Documental)
 1966 Elsa la rose (Corto Documental)
 1966 Las criaturas
 1965 Crónicas de Francia (TV Serie documental (1 episodio)
- Chroniques de France N° 4 (1965) ... (segment "Les enfants du musée")
 1965 La felicidad
 1962 Cleo de 5 a 7
 1961 Les fiancés du pont Mac Donald ou (Méfiez-vous des lunettes noires) (Cortometraje)
 1958 Du côté de la côte (Corto Documental)
 1958 La cocotte d'azur (Corto Documental)
 1958 O saisons, ô châteaux (Corto Documental)
 1958 L'opéra-mouffe (Cortometraje)
 1955 La Pointe-Courte


En Naranjas de Hiroshima ya habíamos publicado algunos documentales de Agnés Varda, puedes ver sus fichas completas en lo siguientes enlaces:
1968 Black Panthers Ver en Naranjas de Hiroshima
1976 Daguerréotypes  Ver en Naranjas de Hiroshima
2000 Los espigadores y la espigadora  Ver en Naranjas de Hiroshima
2002 Dos años después (Los espigadores y la espigadora 2) Ver en Naranjas de Hiroshima


Fuentes de Información: Wikipedia, IMDB, Filmaffinity, Hawkmenblues.


Lista de reproducción en Youtube sobre Agnés Varda de Naranjas de Hiroshima, incluye trailers, clips, algún corto completo, entrevistas, reflexiones y master class:



O puedes ver algunas de sus obras por separado:


1958 Du côté de la côte (Corto Documental) (Intro)



 1965 La felicidad/Le bonheur (Ver completo en V.O.S.E. en Archive.org)

"François es un joven carpintero casado y con dos hijos. A pesar de que su vida conyugal con Thérese es placentera, cuando conoce a Emilie, no puede evitar sentirse atraído por ella y acaban teniendo una aventura. El verdadero problema es que no consigue aclararse con sus sentimientos: ama a su mujer y también a su amante, pero no sabe a cuál de las dos ama más. "



1966 Elsa la rose (Corto Documental) (Extracto)



 1968 Black Panthers (Corto Documental) Ver en Naranjas de Hiroshima


1975 Réponse de femmes: Notre corps, notre sexe (Corto Documental) (Completo)

"En 1975, el programa "F come femme" del canal televisivo francés Antenne 2, lanza al público la pregunta: ¿Qué es ser mujer?. Siete directoras esbozan una respuesta.
"Réponse de femmes: Notre corps, notre sexe" es la respuesta de Varda: un corto de agit-prop (o cine panfleto) que enfrenta a la sociedad patriarcal a través de los testimonios de múltiples mujeres."


1976 Daguerréotypes (Documental) Ver completo en Naranjas de Hiroshima


 2000 Los espigadores y la espigadora (Documental) Ver completa en Naranjas de Hiroshima

"Recorriendo Francia, Agnès Varda se ha encontrado con espigadores, recolectores, gente que busca entre la basura. Por necesidad, o por puro azar, estas gentes recogen los objetos desechados por otros. Su mundo es sorprendente. Y la directora, a su manera, es también una especie de espigadora que selecciona y recoge imágenes aquí y allá. "



 2008 Les plages d'Agnès (Documental) Ver completa en Archive.org

"Documental autobiográfico de la directora Agnes Várda. La realizadora francesa explora sus memorias, de forma cronológica, a través de fotografías, videos, entrevistas, representaciones y narraciones de su vida."



2015 Les 3 boutons (Cortometraje)

"Cuenta la historia de una adolescente que vive en el campo, cuidando cabras en una granja, y que recibe un paquete. Al abrirlo surge de él un vestido de baile de color fucsia de una talla diez veces mayor que la suya. Como es muy curiosa, se adentra en los pliegues del vestido. Desde ese instante esta joven soñadora se ve envuelta en una anti-fábula moderna entre grutas y estalagmitas, calles y escaparates, obsesiones y un cada día mayor conocimiento de sí misma. "



 2017 Faces, places (Ver en Filmin, Cuevana2)

"Colaboración entre la veterana directora Agnès Varda y el artista gráfico urbano y fotógrafo JR (Jean René), un joven francés conocido por sus impactantes obras visuales que consisten en enormes intervenciones gráficas en calles y tejados de diversas ciudades de todo el mundo."


 2019 Varda par Agnès (Documental) Próximamente en cines y plataformas de VOD.

"Un documental de Agnès Varda que arroja luz sobre su experiencia como directora, brindando una visión personal de lo que ella llama "escritura de cine", viajando desde la Rue Daguerre de París a Los Ángeles y Pekín."


viernes, 29 de marzo de 2019

La urbe


Título original: La urbe
Dirección: Óscar Menéndez. 
Fotografía: Rubén Gámez.
Edición: Enrique Puente Portillo. 
Dibujos: Naranjo
Coordinación: Manuel Michel
Supervisión:  Carlos Velo
Produce: Centro de Producción de Cortometraje (CPC),  Banco Nacional Cinematográfico.
País de producción: México
Año: 1975
Duración: 8 min.












"Recuperemos la ciudad
para cada uno de nosotros.
No la convirtamos en
un aterrador laberinto
de asfixia y muerte..."






Fuentes de información: Cineteca Nacional, IMDB,






viernes, 15 de marzo de 2019

Por primera vez

Título original: Por primera vez (For the First Time)
Dirección: Octavio Cortázar
Montaje: Caita Villalón.
Iluminación: Antonio Chao.
Música: Raúl Gómez.
Sonido: Ricardo Istueta, Eugenio Vesa.
Fotografía: José López "Lopito" (B&W).
Títulos: Delia Quesada.
Producción: Manuel J. Mora.
Productora: Instituto Cubano del Arte e Industrias Cinematográficos (ICAIC) / Lombarda Industria Cinematografia.
Intervienen: Equipo de cine móvil del ICAIC, habitantes de Los Mulos, Cuba.
País de Producción: Cuba
Año: 1967
Duración: 09 min.







El cine llega "por primera vez" al monte... Este cortometraje documental cubano, dirigido por Octavio Cortázar, recoge la experiencia de una comunidad rural de las sierras del oriente de la isla, donde llega por primera vez el cine, gracias a los cines móviles creados con este fin por la Revolución. El espectador recibe las diferentes emociones que a un público de hombres, mujeres y niños del campo le provoca el ver el primer film de sus vidas: "Tiempos modernos", de Charles Chaplin. 




Cuando uno entra en el viejo edificio del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos –el famoso ICAIC–, el más visible de la céntrica Avenida 23 que parece partir en dos la zona de El Vedado, en La Habana, difícilmente se imagina que de ese gran bloque blanco de concreto y ventanas en hileras al estilo más elemental de Bauhaus emergió en la década de los sesenta eso que algunos todavía se empeñan en llamar “el nuevo cine cubano”. Y eso que el lobby, sólo separado de la calle por algunas escalinatas y una mesita de registro en donde un vigilante toma de mal modo tus datos antes de dejarte pasar, anticipa las antiguas glorias del Instituto con un despliegue de artefactos cinematográficos en desuso, colocados ahí como en un homenaje a las tres décadas que siguieron a su fundación en 1959: cámaras de 35 mm., grandes lámparas y una que otra butaca de madera rodeadas por los muros del salón, completamente llenos de carteles del cine nacional, esos que se hicieron famosos por sus dotes gráficos, resplandecientes de influencias soviéticas en la revolución socialista del Caribe, y cuyas copias en serigrafía nos llevamos algunos turistas melancólicos para colgarlos en la sala de nuestras casas.

Tal vez, el de Por primera vez, de 1967, perdido entre la multitud de esos afiches apretados uno junto a otro en el lobby del ICAIC, no es el mejor si se le compara con los trabajos más destacados de toda la portentosa producción gráfica a la sombra del Instituto, resultado de la labor de una generación de buenos diseñadores reclutados para promocionar tanto al cine cubano de la Revolución como a las películas extranjeras que pasaban por sus filtros y se proyectaban en las salas de la isla durante los años sesenta y setenta. Del fondo verde olivo del cartel emerge la figura infantil de un Chaplin que se asoma cubierto hasta la cintura por plantas y flores de colores en un arreglo de intención psicodélica, pero no wow. En su lado derecho, la tipografía, también desigual, que anuncia los créditos de la película: «Documental cubano de Octavio Cortázar. Premio San Gregorio en el Festival de Valladolid, España». La verdad, nada que le haga suficiente justicia a un filme como ese, que con apenas nueve minutos de duración y unos cuantos segundos más, es, seguramente, la obra más corta en haber alcanzado el aura de clásico dentro la vasta filmografía cubana de ese tiempo.



Aunque su director, Octavio Cortázar (La Habana, 1935), quien estudió en Europa al igual que otros cineastas agrupados en torno al ICAIC como Tomás Gutiérrez Alea o Julio García Espinosa –si bien a diferencia de aquellos, no lo hizo en el Centro Experimental de Cinematografía de Roma, sino en la entonces más socialista Academia de Cine de Praga (FAMU)– ­llegó a dirigir por lo menos dos largometrajes de ficción –entre ellos el popular drama revolucionario y juvenil de 1978 El brigadista–, Por primera vez debe ser su película más importante; y definitivamente no por eso de haber ganado ese «premio San Gregorio del Festival de Valladolid», sino por representar, a fuerza de entusiasmo, ternura y oficio documental, uno de los panfletos cinematográficos más dulces y sinceros producidos por la maquinaria audiovisual de la Revolución cubana.

En un tono muy similar al de los noticieros cinematográficos producidos en aquel tiempo por el mismo ICAIC para exhibirse los fines de semana en las salas cubanas y dar a conocer los avances de la Revolución, Por primera vez capta la esencia de uno de los proyectos de los años sesenta más recordados del Instituto, el de Cine Móvil, y con una premisa bastante simple: el camioncito del ICAIC, tripulado por dos señores y equipado con un proyector, una pantalla, bocinas, una planta de energía eléctrica y latas de películas, sale de La Habana –casi seguramente de ese mismo icónico edificio de la Avenida 23– para viajar por semanas e ir alcanzando los lugares más recónditos del país recién reorganizado por el régimen revolucionario. Por el día se instala en las escuelas y por la noche ocupa las plazas de los pueblitos con una encomienda principal: la de proyectar películas frente a muchos campesinos, niños y adultos, para quienes aquella podría ser su primera vez ante –como dicen los cursis– el milagro del cine. Tiempos modernos (Modern Times, 1937), por cierto, la cinta de Charles Chaplin seleccionada para tan especial ocasión en los alrededores de Guantánamo y Baracoa, la regiones del extremo oriental cubano donde fue filmado este pequeño documental, no es nada políticamente ingenua en un momento como el de 1967.

Puede ser que Por primera vez no sea una película muy elaborada; su estructura no tiene la osadía del montaje en las películas del también documentalista del ICAIC Santiago Álvarez o la profundidad estética y discursiva de los ensayos, transversales entre la ficción y el documental, de Tomás Gutiérrez Alea. Es más, su acercamiento a los personajes campesinos que retrata no va, en la mayoría de los casos, más allá de un emplazamiento de cámara reporteril y unas preguntas simples que cuando no se escuchan de la voz de Cortázar podrían adivinarse a través de las simples respuestas de los niños y mujeres que dan su testimonio. Aparte de en el uso un tanto sui generis de una música parecida al surf –obra, como en casi todas películas cubanas de la época, del heroico Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC–, o en la bella y funcional fotografía a cargo de un tal “Lopito”, el verdadero valor del filme está en otro lugar, y ahí sí que es absolutamente único: por un lado, en la hermosa instantánea que hace de ese ejercicio moderno de alfabetización audiovisual, si bien emulado en la política audiovisual de otros países de Latinoamérica (incluido México), único en su concepción y embebido de todo el espíritu utópico de un proyecto de revolución cultural en su cenit; por el otro, en la mirada sorprendida de los nuevos espectadores, fascinados bajo las luces y los sonidos de una nueva manera de entender el mundo, capturada ahí en toda su magnitud, y empacada y sellada para la posteridad.



Fuentes de información:  Reseña Por Gustavo E. Ramírez Carrasco, publicado en Icónica el 17 de julio de 2017, Arsenal Berlin, IMDB, RebeldeMule, Tabakalera, Wikipedia (Octavio Cortazar), Filmaffinity.


jueves, 14 de marzo de 2019

Khaneh siah ast

Título original: Khaneh siah ast (The House is Black / La casa es negra) 
Dirección: Forugh Farrokhzad
Guion: Forugh Farrokhzad 
Fotografía: Soleiman Minasian 
Productora: Studio Golestan
País de producción: Irán 
Año: 1963  
Duración: 22 min. 


















"Hundiré en el jardín mis manos,

germinarán, lo sé, lo sé, lo sé..."
Forugh Farrokhzad 







The house is black  El nombre de Forugh Farrojzad está ligado a la cultura persa como una de las eminentes voces en la renovación de la poesía persa del siglo pasado. De vida corta y azarosa, la poetisa dejó para el cine una única película, The house is black, demoledora visualmente aún hoy día, sobre la desamparada vida en una colonia de leprosos.  



En El viento nos llevará (Abbas Kiarostami, 1999) un hombre pasea con un niño por las calles de un herrumbroso barrio del Kurdistán iraní. Comienza a recitar un poema en voz alta. El niño se adelanta y termina los versos. “¿Cómo conoces el poema?”, “En la escuela”, responde, “el profesor nos lo recita constantemente”.  


Vilipendiada en su corta vida (falleció en 1967 a los 32 años, en un accidente) la obra de Forugh Farrojzad estuvo castigada durante años. Por su condición de mujer contestataria en un país de costumbres tan arcaicas, unida a su renovadora actitud poética frente a la anquilosada poesía tradicional persa, hasta hace unas décadas no ha sido cuando su nombre ha sido rescatado para ubicarse entre los poetas relevantes del siglo en su país. Su poesía se ha valorado por el uso de un lenguaje coloquial y popular, por querer acercarla a cualquier lector, tanto es así que hoy es de lectura habitual en las escuelas. Kiarostami hace recitar estos versos suyos en la película, incluso el mismo título remite a un bello poema de Farrojzad.  

La única cinta que dirigió fue la alabada The house is black (1963). Documental de 22 minutos, ofrece el día a día dentro de una colonia de leprosos, ajena a todo contacto con la civilización. Los elogios que rodean la cinta son múltiples: Kiarostami y Makhmalbaf hablan de ella como la película que más ha influido en el cine contemporáneo iraní, y Jonathan Rosenbaum, eminente figura de la crítica cinematográfica, la tiene como “el más exitoso ejemplo de fusión de cine y poesía que ha conocido” (1). The house is black emerge en su inicio como una denuncia a la indiferencia. Podría parecer en principio una pieza institucional o divulgativa sobre la enfermedad: “No hay escasez de fealdad en el mundo. Si un hombre cierra sus ojos a ella, habrá más”, reza un rótulo. Es más, durante la primera parte se introducen breves explicaciones médicas en torno a la lepra y sus posibilidades de erradicación, quizá las secuencias que más desentonan dentro del conjunto. Aún así, el resto del documental es de una fuerza visual persistente. Del rótulo inicial pasamos a la primera imagen de la película, el rostro de un leproso escondido tras un pañuelo, avergonzado y trémulo, mirándose en un espejo. La cámara se acerca pausadamente, temerosa en sus movimientos, mientras intuimos las marcas de la enfermedad. Farrojzad empieza mostrando sus cartas: su destreza con el lenguaje cinematográfico y en especial con la edición, así como su interés por conjugar la voz en off con las imágenes, que comienza a tomar partido y no abandonará el resto del documental. Una voz recita pasajes conocidos del antiguo testamento: “gracias Dios por las manos que nos has dado para comer, por nuestros oídos para oír…”. La denuncia de Farrojzad se hace latente, atiende a la ironía de un castigo divino. Los leprosos que leen estos fragmentos se presentan físicamente, como vergel abandonado de la obra de Dios.  



A partir de aquí, la habilidad en el montaje de Farrojzad es digna de mención. Alterna un montaje vertiginoso, acompasado por el sonido directo o por una música sutil y embriagadora, intercalando entre ellos primeros planos de leprosos. La crueldad de la enfermedad se ofrece sin ambages ni recovecos, mostrando sin pudor las marcas en los rostros que miran a la cámara. The house is black tiene la crudeza de documentales europeos como Tierra sin pan (Luis Buñuel, 1933) pero también la mirada y la pausa característica del cine de oriente: ese montaje intenso al que hacemos referencia se dinamita con la imagen de unos pájaros al vuelo, o con bellos planos de la naturaleza que actúan como intersticios en la narración. No es de extrañar: revisando su poemario, Farrojzad acoge la natura como concepto irrefutable y la introduce sutilmente en la melodía de sus poemas, al igual que la filtra con la misma espontaneidad en las imágenes de su documental.  



Farrojzad aplica preceptos de su poesía en la propia película: expertos en su obra poética (2) hablan de la repetición como una de sus señas de identidad; la reproducción constante de una palabra en un mismo poema sirve para remarcar una imagen, convencer al lector, hacer hincapié en su idea. La directora adopta también esta forma de la repetición: tenemos el primer plano de algunos rostros carcomidos por la enfermedad que nos son familiares por planos anteriores, o la escena del leproso caminando junto a un muro mientras repite los días de la semana también surge en varios momentos. Es la intención de remarcar la contundencia de estos rostros, en un caso, o el tedio y la cotidianeidad de sus existencias en otros.  

La fama del documental viene dada por la huella que deja en el espectador la potencia visual de gran parte de sus planos. Rostros aberrantes que no conocemos y que la imagen cinematográfica permite documentar. Aún así, no debemos dejar pasar la belleza poética con la que Farrojzad acompaña esta cruda realidad. Lo aséptico de gran parte del filme, esa cámara enfrentada a los incómodos rostros maleados por la desgracia, no solapa esa otra forma de filmar que encuentra la directora iraní, la elegancia registrando momentos concretos, aquellas imágenes del exterior construidas por la mente de la poetisa y que dotan de un barniz poético al discurso.  

“Mis ojos bebían […]/ todo cuanto contemplaban/ como si entre mis pestañas/ hubiese un nervioso y alegre conejo/ que cada mañana junto al viejo sol/ fuese a las desconocidas praderas de la búsqueda/ y por las noches se hundiese en la oscuridad de los bosques”, escribe Farrojzad en uno de sus poemas (3). Estos bellos versos nos pueden ayudar a intuir la intención primigenia de la directora al acercarse a la colonia de leprosos. Ciertamente, sus ojos beben todo cuanto contemplan, su mirada es capaz de extraer belleza dentro de la fealdad y de filmar planos de imborrable impronta, como aquel en el que un lisiado leproso avanza en muletas por un camino custodiado por acechantes árboles, acercándose hasta invadir la cámara ceremoniosamente.  



Su prematura muerte en accidente de coche (muchos quisieron ver una conspiración en ella por su incómoda posición dentro de la atávica sociedad persa) privó de futuras muestras de su incipiente talento fílmico e incrementó el aura de obra de culto que, hoy día, The house is black atesora.  


– – –  (1) Texto de Jonathan Rosenbaum sobre The house is black en el Chicago Reader. (2) Recomendable la edición a cargo de Nazanín Amirian, autora y filósofa iraní, editada por El Bardo, colección de poesía, titulada Noche en Teherán. (3) Versos pertenecientes al poema Aquellos días, dentro de la selección de poemas de El bardo recogida bajo el nombre Noche en Teherán.

Fuentes de información: Blogs&Docs, Patio de Butacas, IMDB, Filmaffinity, Scalisto