• Siguenos en las redes sociales. Facebook y Twitter.
  • Visita nuestra nueva tienda donde tenemos algunas de nuestros nuevos y viejos diseños
  • Las licencias Creative Commons, nacen para compartir y reutilizar las obras de creación bajo ciertas condiciones. Con las licencias Crative Commons, el autor autoriza el uso de su obra, pero la obra continua estando protegida. Frente al COPYRIGHT que quiere decir “todos los derechos reservados”, las Creative Commons proponen “algunos derechos reservados”.
  • " Posters Cine Documental Diseñados por NAranjas de Hiroshima en su 10º Aniversario"
  • Ahora ya puedes publicar tu documental en Naranjas de Hiroshima
  • Cine documental cubano, con especialidad en los 60´s y 70´s
  • Un documental sobre la cultura audiovisual, un viaje por las vías oficiales y subterráneas del mundo del cine en la Ciudad de México. Producido por Naranjas de Hiroshima
  • "Un país que no tiene cine documental es como una familia sin álbum familiar." Patricio Guzmán
  • "Nosotros no hacemos films para morir, sino para vivir, para vivir mejor. Y si se nos va la vida en ello, vendrán otros que continuarán." Raymundo Gleyzer, 1974
Mostrando entradas con la etiqueta Documental Brasileño. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Documental Brasileño. Mostrar todas las entradas

Edifício Master

Dirección y guión: Eduardo Coutinho. 
Producción: Beth Formaggini, Mauricio Andrade Ramos, João Moreira Salles. 
Fotografía: Jacques Cheuiche. 
Edición: Jordana Berg. 
Sonido: Valéria Ferro
País de producción: Brasil
Año: 2002 
Duración: 110 min.
















Siete días compartidos con la vida diaria de las familias que habitan en un edificio residencial de 276 apartamentos en Copacabana. Las historias que la cámara va revelando son, entre otras, la de una pareja de edad madura que se ha encontrado por medio de un aviso clasificado; la de una prostituta que mantiene a su hija y a una hermana; y la de un portero que sospecha que su padre adoptivo es en realidad su verdadero padre, entre otras. Ellas van formando un panorama de la actual vida urbana en Brasil. *1


Edificio Master 
por Carolina Astudillo *2 

Una de las características del cine de Eduardo Coutinho es su particular mirada de Brasil, alejada de las postales turísticas o de los reportajes de denuncia social a los que estamos habituados. Heredero del cinéma verité el director retrata a su país a través de unas personas quienes, la mayoría de las veces, habitan en espacios reducidos y cuya voz puede extrapolarse a cualquier temporalidad. Y si Babilônia 2000, refleja la vida de los habitantes de una favela, Edificio Master indaga en la existencia de treinta y siete vecinos de un edificio de doce pisos ubicado en Copacabana, Río de Janeiro.

Las vivencias de sus personajes, a menudo conmovedoras, y la posibilidad que tienen de reinventarse en su capacidad imaginaria, es lo que hace de Edificio Master, una película que reivindica al cine de la palabra. A Coutinho, como comenta él mismo a menudo, le interesa lo que el personaje transmite durante el rodaje. Ese momento ritual que se produce gracias a la presencia de la cámara, un momento único e irrepetible, capaz de trasformarlo todo.

Por esta razón, el realizador opta por una economía narrativa. No existen imágenes de archivo que apoyen los testimonios de los protagonistas, ni banda sonora. Sólo sus gestos, el tono de la voz, los silencios y la postura del cuerpo. Tampoco vemos el edificio en su totalidad, únicamente los pasillos, algunas habitaciones vacías y los espacios donde los personajes cuentan sus historias.

El director descubre a sus entrevistados en el momento del rodaje. De ahí que el azar también sea un elemento importante en su cine, pues no sabe el modo en que actuarán frente a su presencia. En una opción que pretende abrirle la puerta a la espontaneidad, el brasileño prescinde del “luz, cámara, acción”, y sus preguntas no se relacionan con temas que puedan suscitar juicios de valor, ya que para él lo central está en las historias de vida.

En Edificio Master Coutinho y su equipo participan en la acción. Al inicio del documental la voz en off (que sólo se escuchará en esa oportunidad) relata que la producción alquiló un departamento por un mes y filmó durante una semana. Así los vemos en varias ocasiones, a través de la pantalla de una cámara de seguridad, caminando por los estrechos pasillos de uno de los pisos del edificio (imágenes utilizadas reiteradamente como transición de una escena a otra), entrando en las habitaciones, pidiendo silencio a los vecinos o conversando con los entrevistados. Con este recurso autorreferencial, el cineasta no sólo quiere enfatizar que se trata de un meta-filme, como lo ha hecho desde Cabra marcado para morrer, (mostrando las cámaras, el equipo e informando sobre las circunstancias del rodaje), sino que deja claro que no hace películas sobre los otros, sino con los otros. En una de las escenas, Juan, un desempleado que aun sufre por la muerte de sus padres, le pregunta a Coutinho si éste puede darle trabajo, a lo que él responde con un “No tengo empleo, pero lo entiendo”. En otra, una joven prostituta confiesa haberle mentido al equipo de producción el día anterior.

En palabras del director “Lo único que es real es el encuentro entre el documentalista y el personaje –el acto de rodar-, y esa realidad ya me basta. Yo registro ese encuentro. Es un filme. Mi cámara es visible y yo, (…) estoy allí interactuando con las personas. Es un intercambio. Los propios personajes se refieren a ese acto.”

Aunque la mayoría de los habitantes de Edificio Master han lidiado con la adversidad, la mirada de Coutinho dista de ser piadosa. Se trata de sobrevivientes que se reinventan a través de los recuerdos, la expresión artística o la compañía de otro. Y es que tal como lo sentencia el administrador: “La realidad es el funeral de las ilusiones”. Por lo mismo, no es casual que muchos de sus personajes canten, como Enrique, un solitario que resume su vida en cada estrofa de My Way; Jasón, autor de la samba Favela o Nadir, interpretando una canción que apela a la nostalgia.

Solitarios, desolados, melancólicos, esperanzados, una fauna de seres humanos que habitan un edificio de doce pisos, emplazado a metros de una de las playas de Copacabana.


Fuentes de información: *1 FimlAffinity, *2 Blogs&Docs.

Ver en V.O.. en Youtube.

Masterclass Eduardo Coutinho




Entrevista realizada por Sergio Oskman a Eduardo Coutinho en la ECAM, Madrid el 22/02/2013 después de la proyección de la película "Edificio Master".

Eduardo Coutinho está considerado uno de los documentalistas más importantes en la actualidad. Su trabajo se caracteriza por la sensibilidad y por la capacidad de oír al prójimo, registrando sin sentimentalismos las emociones y aspiraciones de las personas comunes, sean campesinos delante de procesos históricos (Cabra Marcado para Morrer), o vecinos de un enorme edificio de clase media-baja en Rio de Janeiro (Edificio Master), entre otros.



Luz

Titulo original: Luz
Dirección, guión: Left Hand Rotation, Proyecto Memoria Interditada, Plataforma Museo de los Desplazados.
Producción: Pensart (Mediacion Cultural), Instituto Cervantes, Matilha Cultural.
País de producción: Brasil.
Idioma: Portugues (Brasileño) con subtítulos en castellano.
Año: 2012
Duración: 24 min.






El centro de São Paulo es un foco de resistencia política.

Bairro da Luz, estigmatizado como "cracolandia" por el poder público, resiste a un intento de gentrificación en tentativa desde los años 70. El último capítulo en la historia de la política urbana del centro histórico de São Paulo, la última estrategia, es el exterminio. Bajo el nombre de Proyecto Nova Luz, más del 30% del barrio amenaza con ser desapropiado y demolido como parte de un plan para transformar la zona y expulsar a sus actuales moradores, aquellos que luchan hoy por afirmar la existencia de ese territorio y de su cultura.

Contado a través de los testimonios de tres personas implicadas en su resistencia, este documental pretende dar voz a los que luchan por el derecho a la ciudad.
Gracias Paula, Simone y Raquel, por hacernos ver la luz.
_

Paula Ribas es periodista, fotógrafa y fundadora de la asociación Amoaluz, creada para defender los derechos de los habitantes del Bairro da Santa Ifigênia e Luz. Forma parte del Consejo Gestor de las ZEIS de Santa Ifigênia y Luz

Simone Gatti es arquitecta y urbanista doctorada por la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo. Investigadora que tiene como foco de estudio la gentrificación en centros urbanos, colabora desde el inicio con la asociación Amoaluz.

Raquel Rolnik es urbanista, profesora de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo y relatora especial de la ONU para el Derecho a la Vivienda.

El proyecto Nova Luz no aborda tampoco el problema de los dependientes químicos en la zona, situación a la que se ha llegado tras años de abandono del barrio por parte del ayuntamiento.  Más por el contrario, se demoniza la zona mediante la etiqueta oficial de Crackolandia, vendiendo una imagen a los medios de comunicación que esperan justifique el proyecto de arrasamiento en el barrio.

Tiene además el barrio una característica muy específica y es que contiene dentro de sus límites una “Zona de Especial Interés Social” (ZEIS 3),  zonas protegidas en centros urbanos de forma que cualquier intervención urbanística debe asegurar un determinado porcentaje de construcción de viviendas  destinadas a la población de más bajos ingresos.  Un consejo gestor para estas zonas debería haber aprobado las directrices del Proyecto Nova Luz para las ZEIS del barrio de Luz.

Ante esta nueva amenaza de gentrificación, ante este nuevo intento de arrancar la ciudad a sus habitantes para entregarla al interés privado, una vez más el barrio responde y resiste desde las distintas asociaciones de comerciantes y vecinos de la zona, articulándose con los movimientos sociales que en el barrio operan , y sobre todo desde la afirmación de que la gentrificación no es un proceso inevitable, de que su impacto puede ser evitado mediante mecanismos de inclusión que aseguren la permanencia de los más vulnerables.

A día de hoy sus conquistas arrojan luz sobre las luchas por la resistencia de tantas comunidades enfrentadas a procesos financieros y globales que, como éste, tienen muchas veces su origen en la gestión de la ciudad como una empresa. Los megaeventos que acogerá Brasil en los próximos años, tales como Olimpiadas 2016 y el Mundial de Futbol 2014, son el escaparate y la excusa perfecta para vender la ciudad a la iniciativa privada, cuyos intereses fagocitan los derechos de sus habitantes.

Contada a través de los testimonios de tres personas implicadas en su resistencia, esta pieza documental pretende dar voz a los que luchan por el derecho a la ciudad.

Gracias Paula, Simone y Raquel, por hacernos ver la luz.
 



Paula Ribas
es periodista, fotógrafa y fundadora de la asociación Amoaluz, creada para defender los derechos de los habitantes del Bairro da Santa Ifigênia e Luz. Forma parte del Consejo Gestor de las ZEIS de Santa Ifigênia y Luz

Simone Gatti es arquitecta y urbanista doctorada por la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo. Investigadora que tiene como foco de estudio la gentrificación en centros urbanos, colabora desde el inicio con la asociación Amoaluz.

Raquel Rolnik es urbanista, profesora de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo y relatora especial de la ONU para el Derecho a la Vivienda. 

27 Enero 2012 - Suspensión del Proyecto Nova Luz

Justicia suspende la aplicación de la ley de Concesión Urbanística el el area del proyecto Nova Luz.

Para el juez Adriano Marcos Laroca, "la decisión política de aplicar en el proyecto Nova Luz el instrumento de la Concesión Urbanística, no contó con la participación popular de la comunidad heterogénea (habitantes de baja reda, pequeños comercianes, empresarios) afectada por la intervención urbanística".


Proyecto Memoria Interditada : Acción Informativa
 

Dentro del contexto de taller "Gentrificação: colonização urbana e instrumentalização da cultura" impartido en septiembre de 2011 en el espacio Matilha Cultural en las proximidades del Bairro da Luz se planteó una acción informativa a realizar con los participantes al taller, bajo el concepto Memoria Interditada (memoria restringida).

ANTECEDENTES

El Proyecto Nova Luz tiene planificadas cinco fases de demolición en los próximos 15 años. El mapa oficial muestra, con una leyenda de colores, qué zonas del barrio serán demolidas en cada una de las fases. El plan de derribo ignora lugares que representan la memoria e historia del barrio e incluye edificios recientemente rehabilitados.

ACCIÓN INFORMATIVA

Se planteó con los participantes al taller un recorrido por las calles del barrio identificando que edificios y zonas desaparecerán mediante el plan de exterminio del proyecto Nova Luz, y "etiquetándolas" mediante carteles y pegatinas que advertían del tiempo que a esos lugares les restaba, según las fases de demolición, para desaparecer.

En el recorrido se identificaban los espacios y locales que forman parte de la historia y la memoria del barrio, en pié algunos desde principios del siglo pasado, y que están amenazados de derribo.

Durante la acción se llevó a cabo una labor informativa con personas del barrio que desconocían el proyecto Nova Luz y entrevistas con dueños de locales amenazados que están luchando por la resistencia al proceso de gentrificación.

Gracias a todos lor participantes en el taller y en la acción y al espacio Matilha Cultural.
Fuentes de Información: Left Hand Rotation, Museo de Desplazados, Docverdade.


Waste Land

Dirección: Lucy Walker
Fotografía: Dudu Miranda
Edición: Pedro Kos
Guión: Lucy Walker
Música: Moby
Productores: Angus Aynsley, Hank Levine
Compañía de producción: Almega Projects & O2 Filmes 
País de producción: Brasil, Reino Unido.
Idioma: Inglés, Portugués con subtítulos en castellano.
Año: 2010
Duración: 98 min.
Web oficial: http://www.wastelandmovie.com/ 









El Jardim Gramacho (Jardín Gramacho, en portugués) está considerado el mayor vertedero del mundo. Ubicado en Río de Janeiro (Brasil), cada día recibe 7.000 toneladas de basura, lo que supone el 70% de los desechos producidos por esta gran urbe y sus alrededores. Actualmente cerca de 3.000 personas trabajan en el vertedero recolectando y vendiendo chatarra y materiales reciclables. Son los llamados catadores, de los cuales solo 1.752 estaban registrados oficialmente. Gracias a su esforzada y poco gratificada y gratificante labor, se ha podido ampliar la vida útil del relleno y se recuperan unas 200 toneladas de materiales reciclables cada día. Esto supone que el Jardim Gramacho posee uno de los mayores índices de reciclaje del mundo. Más de 13.000 personas son totalmente dependientes de una economía que gira en torno al comercio de materiales reciclables.  La directora londinense Lucy Walker quiso dar testimonio de la vida y dignidad de estos recolectores de desperdicios todavía reciclables. Para ello rodó durante nada menos que tres años el documental “Waste Land”, acreedor de numerosos premios internacionales y de una magnífica acogida entre público y crítica. 

En él, podemos ver cómo el artista Vik Muniz (Sao Paulo, 1961) viaja de su residencia en Brooklyn (EEUU) a Río con el objetivo de retratar con basura a diferentes catadores del Jardim Gramacho. Con este proyecto cultural, tanto Walker como Muniz desean dar a conocer a estas personas y sus distintas realidades cotidianas a través del arte. De la basura convertida en arte.


También aspiran a que el documental, que vio la luz en 2010, sirva para mejorar las condiciones de vida de los miles de trabajadores del vertedero y para darles dignidad. Diginidad a ellos como personas y dignidad a su trabajo como recicladores, que tanto bien hace al medio ambiente. Desde Amarillo, verde y azul os animamos a ver este gran documental en clase para que sirva también para comprender la imperiosa necesidad de seguir reciclando nuestros envases y otros objetos y materiales.



El Jardim Gramacho tiene previsto su cierre en 2012 y grupos como ACAMJG luchan por obtener apoyos para impartir formación a los catadores y darles una salida profesional alternativa y digna para esa fecha.


Ver en Versión doblada al castellano España en VK.
Ver en Peliculasmas.


Fuentes de información: Artículo de "Amarillo, Verde y Azul", Documaniático (info y video online).

Cabra Marcado Para Morrer

Título original: Cabra Marcado Para Morrer (Cabra, Marcado Para Morir o Hombre marcado para morir o Twenty Years Later).
Dirección: Eduardo Coutinho.  
Guión: Eduardo Coutinho.
Fotografía: Fernando Duarte (1964), Edgar Moura (1984). 
Música: Rogério Rossini.  
Edición: Eduardo Escorel.
Intervienen: Eduardo Coutinho, Elizabeth Teixeira, João Virginio Silva.
Narración: Ferreira Gillar,Tite De Lemos 
Producción: Eduardo Coutinho Produções Cinematográficas, Produções Cinematográficas Mapa, Zelito Viana, Vladimir Carvalho, Eduardo Coutinho.  
Formato: 35mm, Color y B/N.
Idioma: Portugués con subtítulos en castellano.
País de producción: Brasil  
Año: 1964-1984. Estreno: 1985.
Duración: 119 mins.




Cuando se comenzó este filme, en 1964, relataba la vida de Joao Pedro Teixeira, líder campesino asesinado en 1962. Interrumpido por el golpe militar, la cinta fue recomenzada en 1981. Con material del pasado y del presente, de ficción y documental, narra la historia de las ligas campesinas y de Joao Pedro. Testimonios de los testigos de 1964 y de la viuda, Elizabeth Teixeira. *1

Reinventarse a sí mismo: el paso de la ficción al documental a partir de “Hombre marcado para morir” (Por Pablo Russo) 

No era la primera vez que Eduardo Coutinho se probaba el traje de director, aunque posiblemente Cabra marcado para morrer (1984) implique una dimensión fundante que sería esencial para su recorrido cinematográfico futuro. Se trata de la película considerada por el mismo Coutinho como el verdadero inicio de su carrera como documentalista, que realizó con 50 años cumplidos, mientras aún trabajaba para Globo Reporter. Y este comienzo implicó a su género opuesto, la ficción, a partir de la generación de una intertextualidad con su propio cine: una película dentro de otra.

Para entender este juego de implicancias es necesario desandar el tiempo hasta el año 1964. Coutinho, que entonces tenía 28 años, fue elegido para dirigir una película de ficción basada en hechos reales: el asesinato por orden de terratenientes de Joao Pedro Teixeira, un líder campesino del nordeste brasilero, ocurrido poco tiempo antes. La producción estaba a cargo del Centro Popular de Cultura de la Unidad Nacional de Estudiantes, y del Movimiento de Cultura Popular de Pernambuco. Quienes oficiaron de actores eran campesinos de la zona y algunos de los mismísimos protagonistas de los hechos, como ser Elizabeth Teixeira, la mujer del dirigente asesinado. La filmación comenzó en marzo del 64, pero el 1 de abril fue paralizada por el golpe militar que tuvo lugar la noche anterior contra el presidente Joao Goulart, y que duró hasta 1985. Al día siguiente de derrocar a Goulart, el ejército interrumpió la filmación, que derivó en parte del equipo en fuga, actores prisioneros y expropiación del material filmado. Cabra marcado para morrer se convirtió en una película violentamente interrumpida, con sus integrantes en éxodo y dispersión. Lo increíble es que algo del material filmado pudo salvarse, y es precisamente de esas imágenes recuperadas que parte Coutinho para finalizar su película, casi veinte años más tarde, desde una óptica de trabajo muy diferente a la de 1964.

A principios de los años ochenta, Coutinho carga con una copia de lo que pudo salvar del primer Cabra…, el de los años sesenta, y dos cámaras, con la idea de encontrar a quienes habían trabajado en la película. Al rescate histórico de imágenes (found footage de sí mismo), el director le agrega reportajes a los participantes, indagando así en las memorias individuales y en la memoria colectiva sobre los acontecimientos traumáticos. Es decir, Coutinho recupera el material antiguo, pero lo actualiza y reelabora generando nuevos significados a partir de una nueva interacción en el montaje con otro tipo de material (entrevistas, por ejemplo). La película conserva su contenido original, que a su vez también se ha transformado por su innegable valor de archivo. Con la primera cámara, el director busca, averigua, entrevista. Con la segunda filma a la cámara principal, dejando en claro las condiciones de producción de la película, que además son explicadas desde la propia voz en off de Coutinho. El realizador produce el acontecimiento a ser filmado a partir del trabajo con su propio metraje recuperado: les proyecta las imágenes de la película trunca a quienes va reencontrando en su investigación, estableciendo conexiones entre los acontecimientos de 1964 y el presente (de los años ochenta) de esas personas. Los campesinos que se van reconociendo en la pantalla en el momento de la proyección también son entrevistados, y conocemos entonces sus recorridos particulares en los años posteriores a la filmación interrumpida. El rescate histórico a partir de los testimonios contiene la reconstrucción del último día de filmación. Además, el reencuentro de Coutinho con Elizabeth Teixeira generó profundas transformaciones en la vida de la mujer, ya que hasta ese entonces ella vivía en la clandestinidad y no sabía del destino de varios de sus hijos. Elizabeth se convierte en un personaje principal de Cabra marcado para morrer. Coutinho también es un personaje más, que le imprime al trabajo una dimensión subjetiva con su sola presencia. En varios momentos la narración es en primera persona, ya que el fue también protagonista de la filmación y los sucesos del 64.

El resultado final incluye imágenes documentales de inicios de los años sesenta, fragmentos del primer Cabra marcado para morrer, fotografías de la filmación que se pudieron salvar, recortes de diarios de época, imágenes del proceso de filmación, reportajes a los participantes, y búsquedas e investigaciones sobre el paradero de las personas que trabajaron en 1964, así también como de los hijos de Elizabeth Teixeira.

El director podría haber elegido el final feliz de Elizabeth recuperando su identidad luego de tantos años de clandestinidad, pero la narración informa que al momento de la edición, ella sólo había reencontrado a dos de sus ocho hijos vivos. Esto tiene que ver con una concepción medular del pensamiento de Coutinho: las películas no resuelven las vidas de las personas. Ni cambian el mundo. A lo sumo, sirven para pensarlo, e intentar conocerlo. *2






Glauber Rocha


Nacido en Vitória da Conquista (Bahía, 1939) y muerto en Río de Janeiro por exceso de creatividad, el funeral del cineasta Glauber Rocha fue propio de un guión suyo: aquel acto espontáneo y catártico de masas, que el 22 de agosto de 1981 puso a cantar y a bailar, en el céntrico parque Lage, a millares de brasileños poseídos de tristeza y alegría.

Nada distinto (aunque más espectacular), que la filmación del velorio del pintor Emiliano Di Cavalcanti (1897-1976) en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, que Glauber narró como si se tratase de un partido de futbol y con música de carnaval: "¡Soy protestante y no lloro ante la muerte!", gritó a los medios mientras la policía se lo llevaba detenido.

Como Brasil es un país donde algunos muertos viven, el famoso pintor de mulatas gozó con el escándalo. En el legendario Diario Carioca, Di Cavalcanti había escrito: "Vivimos en una época de combate, en una época de lucha, y todo hombre actual debe enfrentar los antagonismos" Y con el bolchevique Bogdanov, remataba: "Donde no hay imágenes vivas no hay arte ni poesía (15 de octubre de 1933)".

Glauber Rocha fue hijo de Di Cavalcanti. Aunque con precisión su espíritu sintonizaba mejor con el Manifiesto antropófago (1926), del poeta Oswald de Andrade, uno de cuyos puntos decía: "Le pregunté a un hombre lo que era el derecho. Me respondió que era la garantía del ejercicio de la posibilidad. Ese hombre se llamaba José de Galimatías. Me lo comí".

Niño aún (13 años), Glauber participó como crítico de cine en un programa infantil de radio. A los 15 frecuentaba un cine-club, a los 17 realizó el cortometraje El Patio y fundó una productora de cine, y en los periódicos de Bahía escribió crónicas policiales y de cultura.

En Sao Paulo, Glauber conoció a los fundadores del Cinema Novo, asistiendo a la proyección y debate de obras emblemáticas del neorrealismo italiano: Ladrón de bicicletas, Rocco y sus hermanos, La Strada, Mamma Roma. Realizados con recursos precarios, actores no necesariamente profesionales, y descarnados testimonios de la clase obrera italiana de la posguerra, aquellos filmes marcaron el norte de su creación: no una escuela estética, no un partido político. Sí un cine nacional que deje para siempre el neocolonialismo cinematográfico que condena repetir las fórmulas y hallazgos de otros.

Del neorrealismo de Barravento (1962), con actores no profesionales y pescadores de Bahía, hasta la poesía barroca de Tierra en trance (1967), el cine de Glauber Rocha empleó un lenguaje preciso, despojado de adjetivos inútiles e insustanciales.

Escribía o declaraba Glauber: "el cine no será una máscara porque el cine no hace la revolución; el cine es uno de los instrumentos revolucionarios. La colonización amenaza continuar incluso después de la revolución. La Fox, la Paramount, la Metro son nuestros enemigos, necesitamos de los santos y orixás, hay que negar la razón colonizadora y superar el moralismo dogmático que mezquina los héroes."

La historia de Dios y el Diablo en la tierra del sol, una de sus películas más impactantes, transcurre en la escenografía descrita por Euclides da Cunha en Os Sertoes (1902). La crónica, magistral, narra la gran guerra campesina de Canudos (1895-97), donde el gobierno de la época sufrió la derrota de cuatro expediciones y el ejército brasileño tomó cuatro prisioneros: un viejo, un niño y dos hombres agotados. Nadie se rindió.

En Canudos, precisamente, las cámaras de Glauber sorprenden al extraño Antonio Das Mortes, matador de cangaceiros (bandidos), platicando en el viejo mercado con el ciego Julio, quien recuerda los motivos centrales de la rebelión. Das Mortes trabaja para los terratenientes y anda en busca del bandido Corisco para matarlo. Pero al ciego confiesa que si bien su oficio es matar, no quiere hacerlo más; y que si lo hace es porque "no puede vivir descansando en esta miseria".

El ciego Julio replica que el pueblo es inocente. Entonces, el matador clava la mirada en el espectador: "Un día va a haber una guerra en este sertao (desierto del nordeste de Brasil), una guerra sin la ceguera de Dios y el Diablo. Yo, para que esa guerra venga algún día, yo, que maté a Sebastiao (santón de la región) voy a matar al Corisco para después morir a mi vez, pues nosotros somos todos la misma cosa".

Corisco, el bandido, dice que los poderes del pueblo son invencibles. Pero la realidad, según Glauber, "es la fuerza del inconsciente en dos planos: uno, hecho por la conciencia hacia los cultos y la civilización, y el otro determinado en la imagen del inconsciente, a la cual se le llama poesía o magia".

En el ensayo Estética del hambre (1965), Glauber Rocha afirma que el factor elemental de la liberación radica en la condición objetiva de los pueblos. El ensayo ataca a los partidos políticos nacionalistas y de la izquierda, a los que califica de "representantes de la concepción festiva de la revolución y de ser producto de una concepción intelectual aristocrática y burguesa, heredada del academicismo, privilegios, vedettes, concursos, premios y festivales"

En Italia, la película Antes de la revolución (Bertolucci, 1964), sostiene iguales críticas a personajes de la izquierda que "parecen estar más comprometidos con sus propias lujurias que con el marxismo, y esta actitud es la que impide el triunfo de su proyecto político".

Rocha sostenía que la credibilidad de un presupuesto revolucionario depende de su permanencia en el tiempo, de la firmeza y decisión para impulsar la acción que en términos de arte y cultura debe girar en torno a una premisa central: no mentir al pueblo.

En 1968, un grupo de estudiantes de La Sorbona afirmó que Antes de la Revolución, Week End (Godard, 1967) y Tierra en trance (Rocha, 1967) fueron las películas que más influyeron en el mayo parisino.

Todas las copias de Dios y el Diablo... fueron destruidas por la dictadura militar brasileña (1964-85), menos la que llegó clandestinamente al Festival de Cannes. La censura prohibió la exhibición de Barravento (premiada en Karlovy Vary, 1962), Tierra en trance (1967), El dragón de la maldad contra el santo guerrero (premio al mejor director en Cannes 1969), El león de siete cabezas y Cabezas cortadas (1970).

Sin embargo, en el último tramo de su corta vida, ciertas declaraciones de Glauber parecían acercarlo a las alucinaciones de los santos y los justicieros de vanguardia con crisis de conciencia, sumergido en angustias de intelectuales como el Paulo Martins de Tierra en trance, o las del guerrillero que viaja al Congo y allí queda estremecido porque una cosa es hablar de relativismo cultural, y otra observar in-situ prácticas culturales que se liberan devorando el hígado o el corazón, y cortando cabezas del enemigo con gritos, música y danzas guerreras.

Los desconcertantes comentarios de quien ya era expresión viva de la cultura brasileña, descolocaron a muchos de sus amigos, y a más de un crítico de arte. En 1974, el cineasta declaró a la revista Visión que el general Golbery do Couto e Silva era un "militar nacionalista, uno de los genios de la raza". La dictadura de Brasil, pensaba, daría un giro tras objetivos como los del general peruano Juan Velasco Alvarado y el libio Kadafi que vendrían a realizar, como Antonio Das Mortes, "los cambios que la izquierda no supo o no pudo hacer."

No obstante, en una época donde todo parece centrifugarse en el relativismo cultural, la confusión ideológica y el adocenamiento político, las palabras de Darcy Ribeiro cobran fuerza y razón: "Glauber Rocha nos ha dejado como herencia su indignación".

Con 12 películas realizadas, el director de Dios y el Diablo... perteneció a una generación de creadores que antes de cumplir los 30 años todo lo habían dado de sí y después de los 30 se preguntaban por dónde seguía la exégesis de la revolución, no dejaban de firmar sus cartas y comunicados tal como lo hacía Glauber:

A esquerda, tudo. A direita, nada. A la izquierda, todo. A la derecha, nada.

Fuentes de Información: Artículo de José Steinsleger, publicado en Rebelion, CientoSeis (info y descarga directa), DivxClasico (info y descargas de la filmografía), Tipete (info y descarga directa).

Pátio
Título original: O Pátio
Dirigida por: Glauber Rocha
Reparto: Solon Barreto, Helena Ignez
Idioma: Sin diálogos.
Año: 1959
Duración: 11 min.











Tierra en trance
Título Original: Terra em transe
Dirección: Glauber Rocha
País de producción: Brasil
Idioma Original: Portugués (con subtítulos en castellano)
Formato: 35 mm
Categoría: Ficción
Formto: 16mm, B/N
Año de producción: 1967
Productora: Mapa Filmes, DIFILM
Distribuidora: DIFILM
Guión: Glauber Rocha
Fotografía: Luiz Carlos Barreto, Dib Lutfi
Edición: Eduardo Escorel
Música: Sérgio Ricardo
Sonido: Aluizio Viana
Dirección Artística: Paulo Gil Soares
Intérpretes: Jardel Filho, Paulo Autran, José Lewgoy, Glauce Rocha, Paulo Gracindo, Hugo Carvana
Duración: 115 min.



Con un estilo casi documental, Glauber Rocha rueda una crítica sin ambages al sistema político y social de Latinoamerica, a través de las andanzas de un grupo de personajes de la pequeña burguesía que coquetean con la política: un demagogo fascista, un político reformista y un intelectual. Pocos meses después de su estreno, en abril de 1967, la censura brasileña prohibió la película en todas las ciudades del país por su contenido irreverente y subversivo.




Di
Título original: Di (o Di-Glauber y Di Cavalcanti).
Dirigida por: Glauber Rocha
Idioma: Portugúes brasileño, sin subtítulos.
Año: 1977
Duración: 15 min.

Esta película, de Glauber Rocha, fué prohibida en Brasil durante la ditadura, por orden de la familia de Di Cavalcanti.

Cavalcanti es uno de los pintores más importantes en Brasil, sin embargo él ayudó a crear la semana del arte moderno. Glauber es uno de los directores más importantes del Movimiento Marginal durante los años sesenta en Brasil.

Se dice que cuando él vino en el cementerio a ver el cuerpo de su amigo Di, el segurança lo paró y preguntó por qué él vino con cámaras y película. Sobre esto, el fotógrafo y cineasta Mario Carneiro dice: "El dijo "Oye Mario, Di murió" yo nem havía leído en el periódico y él dijo "Haçámos una película acerca del último gran pintor modernista". Llegando en el museo, un guardia vino y dijo "Para que es todo este material ?" Glauber contestó "Esto es el Cinema Novo que vino al homenagear Di Cavalcanti. Tiene usted algo contra?". El guardia dijo "Yo fué informado que sólo la Globo puede filmar". Glauber contestó "Globo es una televisión, no es nuestra área, usted va vigiar nuestro coche". Y el guardia fue allí y nos ayudó a traer el equipamento adentro. "Ahora vamos al cuerpo y yo tomaré la servilleta. Cuándo usted viene a su cara que tomaré la servilleta", dice Glauber. Entonces filmé, filmé las manos. Cuándo él tomó la servilleta, Di estaba con una sonrisa en su cara. El tuvo una vida buena, e izquierdo sin deudas"

Enterro de Di Cavalcanti ganó un premio especial en Cannes en 1977, pero hoy es todavía prohibido, excepto en la red.

Di
- Watch more Sports Videos at Vodpod.






“El cineasta pasa a ser artista comprometido con los grandes
problemas de su tiempo; queremos películas de combate a la
hora del combate. La técnica de la alta costura es una insolen-
cia para que la burguesía se divierta” (1963)

“La cámara es un objeto que miente” (1963)

“Donde haya un cineasta, de cualquier edad o de cualquier
procedencia, presto a poner a poner su cine y su profesión al
servicio de las causas importantes de su época, allá habrá un
germen del cinema novo” (1965)

Glauber Rocha

Vinicius


Título original: Vinicius
Dirección: Miguel Faria Jr.
Guión: Miguel Faria Jr., Rubem Braga
Interviernen: Maria Bethânia, Ricardo Blat, Chico Buarque, M.S. Bom
Idioma: Portugués con subs en castellano.
Año: 2005
País de producción: España, Brasil
Duración: 121 min.

Vinicius de Moraes. ¿Quién pagará el entierro y las flores si yo me muero de amores?, es el título completo de este filme documental, en referencia a uno de los poemas que el autor de Garota de Ipanema realizó junto a Tom Jobim. Dirigido por Miguel Faria Jr., esta película se sumerge en la vida de uno de los padres de la bossa nova, autor de más de 400 poemas y de otras tantas letras de canciones.

En "Vinicius" desfilan por la pantalla artistas que fueron amigos y colaboradores de Vinicius como Chico Buarque, Caetano Veloso, Joao Gilberto, María Bethania, Toquinho, o Baden Powell, quienes recuerdan sus textos y poesías que versaban sobre los temas que fueron la constante en su obra: la pasión, la alegría, la amistad, la belleza, la delicadeza o el perdón. Además, relatan anécdotas sobre un personaje complejo, generoso y de una inconmensurable humanidad.

La película combina entrevistas y comentarios de amigos y familiares de Vinicius con una parte de ficción, en la que dos actores recitan algunas de sus poesías, mientras cantantes de las nuevas generaciones interpretan temas suyos.


Ver completo directamente en Vimeo.
Ver completo en Naranjas de Hiroshima TV.

Fuentes de información: Tinerguia, Patio de Butacas (info y descarga directa). Cinemaclic (info y video online).

Ilha das Flores - La Isla de las Flores


Título original: Ilha das Flores
Año: 1989
Duración: 13 min.
Idioma: Portugués (Brasileño), doblado al castellano.
Formato: 35 mm, Color.
País de Producción: Brasil
Dirección: Jorge Furtado
Producción Ejecutiva: Monica Schmiedt, Giba Assis Brasil e Nora Goulart
Guión: Jorge Furtado
Dirección de Fotografia: Roberto Henkin, Sérgio Amon
Dirección de Arte: Fiapo Barth
Música: Geraldo Flach
Dirección de Producción: Nora Goulart
Montaje: Giba Assis Brasil
Asistente de Dirección: Ana Luiza Azevedo



La isla de las flores empieza como una clase de economía para niños: ¿qué es un tomate, qué es un hombre, qué es el dinero? Con cada nueva palabra, Jorge Furtado presenta una definición mediante animaciones humorísticas. De esta manera el espectador sigue la historia de un simple tomate, su cultivo, embalaje y envío hasta su llegada a la isla de las flores. A partir de ahí, la comedia se transforma en crítica. Mediante esta mezcla de documental y ensayo poético-político, el director descompone de manera sencilla los mecanismos de la globalización. Una película indispensable, divertida, mordaz.

“Sin duda alguna, los 12 minutos más potentes del cine brasileño. (…) El texto está dirigido en tono irónico por Jorge Furtado a ’extraterrestres’ – que desconocen todo sobre los seres humanos, su planeta, sus sistemas económicos, sus creencias, sus prioridades, su concepto de libertad. En el fondo, Jorge Furtado y equipo (el grupo de la Casa de Cinema de Porto Alegre) promueven densa reflexión sobre el destino del hombre pobre, aquél que no conquistó sus derechos de ciudadano, y por eso disputa la basura con cerdos.”
Maria do Rosário Caetano, Jornal do MEC, Brasília, outubro/1998

"La mejor película del Festival de Gramado dura menos de 20 minutos y narra la trayectoria de un tomate. Después de la exhibición de 'Isla de Las Flores', el Cine Embaixador oyó la mayor aclamación de este año. Todos los otros cortometrajistas que esperaban llevarse el trofeo Kikito de mejor película se quedaron cabizbajos (...) No hay duda: 'Isla de Las Flores' es una obra prima. Después de él, el documental nunca más será lo mismo."
Artur Xexéo, Jornal do Brasil, Rio de Janeiro, 17/06/1989

"Desarma con originalidad y vigor creativo el discurso paternalista que fundamenta la mayoría de los documentales brasileños (...), con una narrativa ingeniosa que sigue en un creciente de dejarnos sin aliento. (...) ISLA DE LAS FLORES es el resultado de una alquimia muy especial, donde todo sale bien. Es un corto bien humorado, sin que con eso transforme la desgracia (...) en materia de risas. Jorge Furtado inventa así el documental de crueldad."
Maria do Rosário Caetano, Correio Braziliense, Brasília, 17/06/1989

"El tomate, plantado por el señor Suzuki, cambiado por dinero al supermercado, cambiado por el dinero que Doña Anita cambió por los perfumes extraidos de las flores, rechazado para la salsa del cerdo, tirado a la basura, rechazado por los cerdos como alimento, está disponible ahora para los seres humanos de la Isla de las Flores, y todo por no tener dinero, ni dueño.
"
La Ilha das flores. Cortometraje Jorge Furtado. 1989. Brasil

Fuentes de Información: Monjes, El Proyecto Matriz.
Descarga Directa del Video: Taringa, Monjes.



Ver en Versión Original con subtítulos en Inglés. Parte 1. Parte 2.

Hace ya mucho que queríamos publicar este documental aquí, en Naranjas, pero entre unas cosas y otras lo fuimos retrasando, justo hoy, en un comentario nos pidieron mas información sobre este documental y la forma de conseguirlo, pues aquí esta. Recomendamos, otra vez, instalar el plug-in Download Helper, para el navegador Mozilla Firefox, te permite descargar cualquier video online o mp3, de un solo click.

Onibus 174

Título Original: Ônibus 174 (Autobus 174)
Dirección: José Padilha / Felipe Lacerda
Producción: José Padilha / Marcos Prado
Guión: José Padilha
Fotografía: Marcelo 'Guru' Duarte / Cezar Moraes
Música: Sacha Amback / João Nabuco
Productora: Zazen Produçoes
Idioma Original: Portugués
País de producción: Brasil
Año: 2002
Formato: Color
Duración: 135 min.









Autobús 174 (portugués, Ônibus 174) es la película debut del director José Padilha y co-director Felipe Lacerda. El 12 de junio de 2000 el autobús 174 fue secuestrado en Río de Janeiro. Sandro do Nascimento, un joven de los bajos fondos, termino con pasajeros de un autobús como rehenes durante cuatro horas. El evento fue capturado vivo por televisión. La película examina el incidente y lo que es la vida en las chabolas y las favelas de Río de Janeiro y la forma en que el sistema de justicia penal en Brasil trata a las clases bajas.

En la superficie, todo lo que necesita saber acerca de''Bus 174'' esta prefacio de la película . Una tarde en Junio de 2000, un joven llamado Sandro do Nascimento abordó un autobús público en una zona de lujo de Río de Janeiro, sacó una pistola, y tomó los 11 pasajeros como rehenes. Agentes de policía y equipos de televisión llegaron, enormes multitudes se reunieron. Y todo de Brasil fue espectador. Eventualmente, la policía disparó a muerte Nascimento, y una pasajera murió.

Dirigido por José Padilha, inteligentemente nos lleva a través de las cuatro horas de enfrentamiento y, algo más impresionante, las circunstancias que pueden haber incitado a Nascimento a tener un brote de presión. ''Bus 174'' forma un ensayo social a traves de las escenas del secuestro sacadas de televisión, fotografías, resmas de informes de la policía y las evaluaciones psiquiátricas, entrevistas enn el asedio del negociador de rehenes, periodistas, camarógrafos, los guardias de la prisión, académicos, matones, rehenes supervivientes, el trabajador social de Nascimento, su tía, y sus viejos amigos. Lo que obtiene es una acusación de una sociedad en la que una inclinación a la violencia es lo que el poder tienen en común con el poder.

Traumatizados, devuelto alrededor de Río como un delincuente y criminal, convirtiendo a mugging para subsistir y apoyar el hábito de drogas que él desarrolló. (En la película, más de una persona que sugiere que él debe haber sido alta en el momento de su secuestro.) Según la mayoría de las cuentas, Nascimento fue una típica calle de Brasil chico, de los cuales hay un gran número penosamente (varios millones en un país de 175 millones), y el gobierno del típico respuesta a su difícil situación fue encerrarlos o tomar su vida - en ocasiones ambas cosas.

En 1993, algunos policías abrieron fuego contra un grupo de niños durmiendo en Río de la Plaza de Candelaria. Nascimento fue uno de los supervivientes de los ocho muertos y algunos de los heridos.

La película oscila entre las entrevistas, imágenes de exploración tales como las celdas, y el caso real del secuestro, que adquiere una inquietante calidad teatral. Nascimento hace crudas amenazas mientras señala con su arma a una mujer la cabeza, insistiendo en que no se trata de una película de acción, a pesar de todas las apariencias de lo contrario. Para la consternación de la gente en el autobús, la policía no hizo nada.

Info via: Rotten Tomatoes, Wikipedia.

Bus 174 from Tiago Figueiredo on Vimeo.

Ver en V.O. en Vimeo.


Manda Bala (2007)


Titulo Original: Manda bala
Dirección: Jason Kohn
País(es): U.S.A., Brasil
Idioma Original: Portugués
Tipo: Color
Duración: 85 min.
Año de producción: 2007
Productora: Kilo Films
Guión: Jason Kohn
Producción: Jason Kohn, Jared Ian Goldman, Joey Frank
Fotografía: Heloisa Passos
Edición: Doug Abel, Andy Grieve, Jenny Golden
Sonido: Coll Anderson


Manda Bala es un ingenioso y vanguardista documental que conecta con habilidad algunos de los elementos que forman parte de la imagen de Brasil en el extranjero: maravillosas playas, lujuriosas selvas, vibrante cultura, políticos corruptos, secuestros, cirugías plásticas... en un examen del efecto dominó que afecta el rostro de un país y conforma toda una industria en función de la corrupción.

Una historia estremecedora sobre la corrupción y el crimen en este país, donde los secuestradores suelen comunicar a las familias que uno de sus miembros ha sido secuestrado enviando una bala o un trozo de su oreja o dedo.
El documental examina la corrupción y la lucha de clases en la complicada sociedad de Sao Paulo, donde habitan 20 millones de personas, algunas muy ricas y muchas muy pobres
En Brasil, una de las prácticas de extorsión que más cuerpo está tomando en las últimas décadas es la del secuestro. Hemos llegado al punto en el que la sociedad brasileña, tan radicalmente dividida entre ricos y pobres, se organiza alrededor de la posibilidad de un rapto. Esa es la realidad que retrata y denuncia Manda bala.

Info via: Portal del cine latinoamericano y caribeño
Video via: vidok71




Online Videos by Veoh.com