Buscando a Larisa

Título original: Buscando a Larisa 
Dirección: Andrés Pardo Piccone 
Guion: Andrés Pardo Piccone
Música: Yonny Roldán
Fotografía: Santiago Cassarino
Productora: K3 Films
País de producción: México
Año: 2012 
Duración: 79 min.
 

Buscando a Larisa es un documental realizado por el cineasta uruguayo Andrés Pardo, el proyecto surge después de que Andrés compró en un mercado de antigüedades una cámara super 8mm con  dos mil pies de material familiar que datan de 1970 a 1980, material en el que se incluyen escenas de la infancia de Larisa, una pequeña niña rubia, simpática, divertida y muy expresiva frente a la cámara de su papá, que con la cámara llevo un registro de la vida de su familia, los viajes, los días de trabajo, cumpleaños y otros eventos familiares.

La inquietud del cineasta surge en el momento en el que se pregunta por qué se desprendería la familia de tales recuerdos, y es el memento en el que decide junto al fotógrafo Santiago Cassarino comenzar un proyecto de documental en busca del paradero de Larisa y de respuestas a sus interrogantes respecto a ese material.

Un montón de recuerdos perdidos son vendidos al mejor postor en un mercado de antigüedades. Un coleccionista de películas en Súper-8 encuentra diez años de filmaciones familiares protagonizadas por una niña de la que sólo sabe su nombre. Tras el rastro de Larisa, Andrés Pardo construye un documental sobre el papel que juega el registro del pasado en la identidad de las personas. Todo esto mientras trata de encontrar una respuesta a la pregunta: ¿cómo es que alguien vende su memoria?

Fuentes de información: Filmaffinity, IMDB, MUBI, Cineteca Nacional, AgoraGDL.

Ver completo en Youtube.

First Cousin Once Removed

Título original: First Cousin Once Removed (Primo Lejano)

Dirección: Alan Berliner

Música: Miranda Hentoff

Fotografía: Ian Vollmer

Productora: Experiments in Time, Light, Motion

Distribuidora: HBO

País de producción: Estados Unidos

Año: 2012

Duración: 78 min.

En este retrato íntimo, el cineasta Alan Berliner presenta a su primo, amigo y antiguo mentor Edwin Honig, que atraviesa los últimos años de su vida con Alzheimer. En la última fase de la enfermedad, Honig, quien fuera un eminente poeta, traductor, crítico literario y profesor universitario, ha perdido todo contacto con su familia, su pasado y su identidad. Sin embargo, durante la conversación, por momentos se enciende la llama de su espíritu poético y su trabajosa descripción de lo que le ocurre produce escenas de una gran belleza. Este documental sensible y empático ofrece una visión compasiva y humorística de la enfermedad que padece Honig, y narra la historia de su vida con la cruda franqueza que caracteriza su poesía. Los diálogos con la familia y los amigos del protagonista completan el retrato fragmentario de una vida marcada por la tragedia, el amor, la pérdida, la ironía y la audacia literaria. En conjunto, la historia personal de Honig y el estudio del proceso de deterioro mental que atraviesa con más que la suma de la partes. Un ensayo sobre la fragilidad del ser humano y el profundo papel de la memoria en nuestras vidas. (FilmAffinity)

El cineasta Alan Berliner en los dos primeros minutos del documental ya muestra con una edición impecable, con empatía y sensibilidad un ensayo sobre la delicadeza del ser humano y la trascendencia de la memoria en nuestras vidas. Un retrato íntimo de su primo, amigo y antiguo mentor Edwin Honig, se ofrece de manera compasiva y humorísticamente tierna, en la última fase de la enfermedad. Durante las conversaciones que es el fundamento del documental hay momentos de lucidez poética de Honig de gran belleza, (“que se acuerden de como olvidar”), un eminente poeta, traductor (de Federico García Lorca, Fernando Pessoa…), crítico literario y profesor universitario, ha perdido la conexión con su familia, su pasado y su identidad, que en el documental habla con franqueza de su padre. Un documental FRÁGIL (Los Sentidos de la Vida)

Fuentes de información: FilmAffinity , AlanBerliner,  Los Sentidos de la Vida

Ver completo en V.O.S.E. en Youtube.

Descargar completo en V.O.S.E. en Fiuxy.

De-construyendo - parte de mi

Título original: D-construyendo parte de mi
Idea Original: Patricia Louro 
Realización: Patricia Louro, Micol Pecoraro, Manewua Gutiérrez Cornejo, Mercè Salom Parés, Ingrid de la Torre 
Fotografía: Adriana Leira 
Sonido: Alejandra Molina 
Edición: Karla Solé 
Producción Ejecutiva: Elena Molina 
Producción: Centre de Cultura de Dones Francesca Bonnemaison 
Intervienen: Karin Sommer, Carmen Domingo, Verónica Guix Ruiz 
Formato: HD, Color, Dolby SR  
Pasí de producción: España
Año de producción: 2012
Duración: 24 min.

¿Podemos superar aquellas experiencias traumáticas que nos han hecho daño? ¿A través de que métodos? ¿Qué podemos aprender de estas experiencias? ¿Qué podemos enseñar? Nuestras protagonistas se reinventan a sí mismas mientras continúan en él. Tres mujeres y tres caminos que deshacen tópicos e interpelan al espectador.

Fuentes de información: De-construyendo - parte de mi.

Trailer:

D-construyendo - Parte de mi - (trailer) from patrícia louro on Vimeo.

Ver completo en Vimeo (Password: partedemi )

Zuloak

Título original: Zuloak.

Dirección: Fermín Muguruza. 
Guion: Fermín Muguruza y Eider Rodríguez. 
Música: Amanita Muskaria. 
Fotografía: Aritz Moreno. 
Montaje: Daniel Urdiales. 
Distribuidora: Barton Films.Intervenen: Arrate Rodríguez, Naiara Goikoetxea, Ainhoa Unzueta, Tania de Sousa.
País de producción: España. 
Año: 2012. 
Duración: 105 min. 

En “Exit Through The Gift Shop” (2010), Banksy utilizó la figura (¿inventada?) de Thierry Guetta, alias Mr. Brainwash, para realizar un documental en el que, en realidad, se dedicaba a trazar una historia del street art y a ofrecer su particular visión (nada complaciente) del mercado del arte contemporáneo. Siguiendo el modelo, Fermin Muguruza (que admite la influencia de Banksy) cuenta en “Zuloak” (2012) la historia de una banda femenina de rock, pero, de nuevo, las cosas no son lo que parecen.

Para empezar, Zuloak no es un grupo al uso, sino un proyecto artístico de Arrate Rodríguez, quien supuestamente reúne a las componentes y les da las directrices a seguir. Supuestamente, porque Zuloak nunca existió. Su historia es un gran MacGuffin que Muguruza utiliza para vertebrar la parte que la película tiene de mockumentary. Rizando el rizo, hasta ese planteamiento acabará cuestionado, a la vista de cómo se desarrollaron los hechos a medida que se rodaba la película y Zuloak se convertía en una banda real, que ya ha actuado en varias de las presentaciones del filme.

En paralelo a las peripecias del grupo (formación, conciertos, tensiones internas) se articula el auténtico discurso de la película, en el que Muguruza expone la situación de la escena musical femenina en Euskadi (participan Anari, componentes de Matraka, Las Vulpess, etc.), el papel de la mujer en un contexto rock más amplio, el estado actual de la música en euskera, las conexiones ideológicas con el movimiento riot grrrl, la dificultad de mantener el liderazgo en una célula creativa plural y el fundamental papel dinamizador de los gaztetxes en el desarrollo del rock y la cultura vascos. Es decir, vuelve a hacer lo que mejor sabe: una película de resistencia. De las que hacen falta en los tiempos que corren. 

Fuentes de informacion: Rock de Lux, La Butaca, El Abordaje de las Ideas.

Teaser Zuloak en V.O.S.E.:

Ver  Zuloak en V.O.S.E. en VK.

 Presentación del documental "Zuloak"en el DocsDF 2012

Extracto de la presentación del documental "Zuloak" de Fermin Muguruza en el DocsDF 2012, con la presencia del director, de la banda "Zuloak" y del director artístico del DocsDF Pau Montagud.

Zuloak en el Chopo 17-11-2012  

Album de fotos del concierto en el Chopo en Flickr.
Kinoluiggi CC BY-NC-SA

Zuloak en el Tianguis Cultural del Chopo

México D.F., Ciudad de México, El DeFectuoso
Sábado 17 de Noviembre de 2012

@ZuloakBand
#Ursula Strong - Batería
#Mia Davies - Voz
#Ainhoa Unzuet - Guitarra

#Fermín Muguruza
#Koldo Soret

Una miniproducción de:
Naranjas de Hiroshima
http://www.naranjasdehiroshima.com
El Abordaje de las Ideas
http://www.elabordajedelasideas.org

Agradecimientos a:
Zuloak (Ainhoa, Mia, Ursula)
http://www.zuloak.com
Fermín Muguruza
http://www.muguruzafm.com/
Koldo Soret
Tianguis Cultural del Chopo
http://es.wikipedia.org/wiki/Tianguis...
DocsDF
http://www.docsdf.org/

El video que contiene esta obra esta registrado bajo licencia Creative Commons
Atribución-NoComercial-CompartirIgual 3.0 a nombre de "El abordaje de las Ideas".
http://creativecommons.org/licenses/b...

La banda sonora, música y canciones tiene todos los rerechos reservados a nombre de Zuloak.

Esta obra no tiene ni permite uso comercial. Se permite su distribución, exhibición y modificación siempre que se respeten las licencias.

The Pervert's Guide to Ideology

Título original: The Pervert's Guide to Ideology (La guía perversa de la ideología)
Dirección: Sophie Fiennes
Guión: Slavoj Zizek
Música: Magnus Fiennes
Fotografía: Remko Schnorr
Intervienen: Slavoj Zizek
Productoras: Coproducción Reino Unido-Irlanda; P Guide LTD / Blinder Films / Bord Scannán Na Héireann / The Irish Film Board / Film4 / British Film Institute Film Fund / Rooks Nest Entertainment
País de producción: Reino Unido  
Año: 2012
Duración: 136 min.
Web Oficial: http://www.thepervertsguide.com/

Zizek destripa la ideología de Hollywood en la madre de todos los 'blockbusters'

por Carlos Prieto, el 09/10/2013 para El Correo

Consenso sobre Tiburón (Steven Spielberg, 1975): el joven director Steven Spielberg demostró su maestría a la hora de dosificar la intriga en un filme que inauguró la era del blockbuster veraniego. Todos de acuerdo. Ahora bien, si preguntamos ¿qué representaba el tiburón?, comenzarán las discrepancias. Resumen de la guerra ideológica sobre el significado profundo de Tiburón: Fidel Castro, uno de los mayores fans del primer taquillazo de Spielberg, cree que Tiburón era una película marxista sobre la voracidad capitalista que devora al estadounidense medio. Lo que oyen. Por el contrario, según algunos críticos, el tiburón reflejaría la amenaza exterior que acecha EEUU, llámese inmigración o desastre natural.

Dos respuestas "mutuamente excluyentes", según cuenta Slavoj Zizek enGuía ideológica para pervertidos, documental en el que el célebre filósofo esloveno une fuerzas con la directora Sophie Fiennes, con la que ya rodó Manual de cine para pervertidos (2006), para explicar la ideología de taquillazos emblemáticos de Hollywood como Sonrisas y lágrimas (Robert Wise, 1965), Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976), Titanic (James Cameron, 1997) o El caballero oscuro (Christopher Nolan, 2008).

Guía ideológica para pervertidos es una nueva vuelta de rosca al rol de Slavoj Zizek como el Lionel Messi de la filosofía mundial, el hombre de los regates dialécticos imposibles, el maestro del uso de artefactos pop para explicar conceptos políticos, filosóficos y psicoanalíticos enrevesados. Otra muestra explosiva, en definitiva, de lo que Zizek mejor sabe hacer: convertir la divulgación filosófica y la agitación política en espectáculo. Y si uno tiene que disfrazarse para que la gente entienda la relación entre Marx, Lacan y el Titanic de James Cameron, se disfraza. En efecto, Zizek aparece en el filme caracterizado como los personajes de los que habla. Disertando sobre las complejidades de la ideología en una barca a la deriva o postrado en el camastro donde dormía Robert Niro en Taxi Driver. Erudición, humor y comentarios políticos afilados. ¿Quién da más?

Pero volvamos a Tiburón. ¿Quién tiene razón? ¿Fidel Castro o un sector de la crítica? Pues todos y ninguno, según Zizek. "¿Cuál es la respuesta correcta? Yo creo que ninguna de las dos pero, al mismo tiempo, ambas. Los estadounidenses corrientes, o las gentes de cualquier país, tienen gran cantidad de miedos. Tal vez tememos que los inmigrantes, o las personas que percibimos como inferiores, nos ataquen o nos roben. Tememos que alguien viole a nuestros hijos. Tememos los desastres naturales; tornados, terremotos y tsunamis. Tememos a los políticos corruptos. Tememos a las grandes compañías, que básicamente hacen con nosotros lo que les da la gana... Pues bien, la función del tiburón sería unir todos esos miedos para que, en cierto modo, cambiemos todos los miedos por uno solo. De esta forma nuestra experiencia de la realidad es mucho más sencilla", resume Zizek. Y ahora viene la analogía: ¿Qué mejor ejemplo de sociedad que une todos sus miedos en uno que la Alemania de Hitler? O el nazismo y su capacidad para echarle la culpa de todos los problemas de Alemania a los judíos. Tiburóncomo metáfora involuntaria del ascenso del nazismo. Ahí queda eso. 

Zizek utiliza el ejemplo de Tiburón para ir más allá del trasfondo ideológico del filme. Porque Guía ideológica para pervertidos es también una reflexión sobre los efectos de la ideología en la vida cotidiana y los retos a los que se debe enfrentarse uno para superar la estructura ideológica que sostiene la sociedad. Como si fuéramos capaces de desvelar algunas distorsiones políticas que rodean nuestras vidas, pero no todas, como muestra Zizek recurriendo a uno de los clásicos ocultos del Hollywood moderno:Están vivos (1988), de John Carpenter, que sirve como arranque del documental.

Están vivos cuenta la historia de un hombre que encuentra unas gafas que le permiten ver la ideología que se esconde detrás de cada persona y cada objeto. La tramoya de la realidad puesta al descubierto; justo lo que Zizek intenta hacer en Guía ideológica para pervertidos. "Las gafas funcionan como unas gafas de crítica de la ideología. Permiten, por ejemplo, ver el mensaje real que se esconde tras los carteles publicitarios. Ves un gran cartel que te promete las vacaciones de tu vida y cuando te pones las gafas sólo lees: cásate y reprodúcete", resume el filósofo.

El filme de Carpenter le sirve, por tanto, para describir las sutilezas de la ideología en la era de la democracia satisfecha. Nadie nos impone que consumamos; de hecho, nos encanta. Lo que no quita para que dicho proceso esté tan cubierto de ideología como cualquier otro. Y que dicha ideología sea mucho más complicada de quitarse de encima dada su invisibilidad. "Vivimos, dicen, en una sociedad posideológica. La autoridad social no nos dirige como sujetos que deben cumplir sus deberes y sacrificarse, sino como sujetos de los placeres. 'Conoce tu verdadero potencial. Sé tú mismo. Encabeza una vida satisfactoria'. Pero al ponerse las gafas, el protagonista del filme ve la dictadura oculta bajo la democracia. El orden invisible que alimenta su apariencia de libertad... El pesimismo de Ellos viven está justificado. Se trata de la ilusión definitiva. La ideología no sólo no se nos impone. La ideología es una relación espontánea con el mundo social, cómo percibimos cada significado, etc. De algún modo, disfrutamos de nuestra ideología... Y como muestra Carpenter en el filme, salirse de la ideología es una experiencia dolorosa".

(Lee el artículo completo en El Correo)

Fuentes de información: FilmAffinity, El Correo, Documatiático.

Ver en V.O.S.E. en Documaniatv.

Ver en V.O.S.E. en Youtube.

Ver en VO en Archive.org
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30 años de oscuridad

Director: Manuel H. Martín 
Guión: Jorge Laplace

Productor: Olmo Figueredo González-Quevedo Compañía productora: La Claqueta, Pizzel 3D e Irusoin 
Productores Ejecutivos: Miguel A. Reina, Enrique F. Guzmán, Marta Jiménez, Fernando Larrondo 
Jefes de Producción: José Carmona, Ángel Serrano, Sara Gómez 
Director de Animación: Juanma Suárez 
Director Creativo: Miguel Serrano 
Música: Pablo Cervantes 
País de producción: España 
Año: 2012 
Duración: 85 min. 
Web oficial: http://www.30yearsofdarkness.com/es.php

La película

30 años de oscuridad no es un documental sobre la Guerra Civil española. Va más allá. Habla de los años posteriores a la guerra y en este sentido no se trata de uno de los documentales que se acercan al conflicto bélico. Lo peor de las guerras no está solamente en las víctimas que causan, sino en las consecuencias que provocan. Como otros países, España vivió una etapa de régimen dictatorial que pisoteó los derechos humanos. Y, mientras ante el mundo se mostraba un país que vivía un proceso de modernización, en el interior de las casas de los “topos” se vivía el auténtico drama de la pérdida de la libertad.

Los historiadores nos han dicho que la Guerra Civil española terminó en 1939. Para los “topos” la guerra terminó mucho más tarde, treinta años después, en 1969, cuando un documento publicado en el Boletín Oficial del Estado “perdonaba” los supuestos “crímenes” que habían cometido.

30 años de oscuridad habla de cómo afecta la guerra a las familias, sean del bando que sean. Los personajes van desde aquellos que estuvieron claramente implicados políticamente, hasta los que se sintieron encerrados en medio de una lucha fratricida que no entendían. 30 años de oscuridad es, ante todo, una historia de supervivencia. Y en este sentido plantea una mirada universal hacia una problemática local.

La historia de los llamados “topos” españoles tiene un paralelismo con otros conocidos “encierros” provocados por la represión. La adolescente Anna Frank estuvo escondida junto a su familia durante dos años y medio en Amsterdam; el soldado Soichi Yokoi permaneció 28 años en una caverna sin saber que la II Guerra Mundial ya había acabado; el activista político Nelson Mandela permaneció en prisión durante 27 años, víctima del apartheid; la líder opositora birmana Aung San Sun Kyi fue liberada a finales de 2010 tras pasar 15 años de arresto domiciliario. La historia de los “topos” sigue siendo actual. *1

Sinopsis

Tras el final de la Guerra Civil, Manuel Cortés, antiguo alcalde de la localidad malagueña de Mijas, no tuvo ocasión de escapar de España. Tras un largo y peligroso camino de regreso a casa, consiguió llegar de noche a su casa sin ser descubierto. Su mujer, Juliana, le advirtió de los numerosos fusilamientos que se estaban llevando a cabo en el pueblo. Ambos decidieron abrir un pequeño hueco en la pared donde Manuel podría esconderse. Manuel Cortés nunca pudo imaginar que aquel pequeño espacio tras la pared se convertiría en su cárcel particular durante 30 años.

Esta es la historia de los llamados “topos de la posguerra”, que tuvieron que sacrificar una vida entera para huir de la represión. *1

REIVINDICANDO LA MEMORIA HISTÓRICA

“Hay que recuperar, mantener y transmitir la memoria histórica, 

porque se empieza por el olvido y se termina en la indiferencia”. 

José Saramago

Sin duda uno de los objetivos de 30 años de oscuridad es el de reivindicar la memoria histórica, aparcada ahora aún más por las instituciones, abocando su avance a iniciativas privadas y altruistas. En su intento por visibilizar lo sucedido en España durante la dictadura fascista, 30 años de oscuridad cambia aquella socorrida pregunta retórica de “¿hay en Alemania calles y monumentos a Hitler?” por la sentencia “todo el mundo conoce a Anna Frank pero nadie sabe que esto pasó aquí durante el franquismo”. Aportar luz mediante los testimonios de aquellas historias es el propósito de este documental, batallar para que no se olvide lo que supusieron los cuarenta años de dictadura para buena parte de la población española, homenajear a quienes sufrieron el exilio interior, documentar lo acontecido para que se sepa y no se repita. De este modo, 30 años de oscuridad acomete una doble tarea histórica: recorrer la gran Historia a través del camino que adoquinan las otras historias, las pequeñas historias que cimentan a la grande, las anónimas, cotidianas y enmudecidas, la de los “topos”.

En esa labor de recuperación de esas historias silenciadas, el documental se cuestiona sobre cómo habían vivido y sobrevivido todos estos “topos”, a la vez que da voz a la pregunta de sus protagonistas: ¿había valido la pena vivir de aquella manera? Con ese doble cometido hace un recorrido paralelo por esos 30 años en España a través de los 30 años de encierro de los topos, por sus dramas personales y familiares, sus miedos, sus enfermedades, pesadillas, dudas, frustraciones, depresiones, locuras, cegueras y suicidios.

En un punto de la cinta Jesús Torbado dice que a los topos “el miedo les quita la categoría de héroes pero no por ello fueron menos víctimas que otros”. Recuperación de la memoria, sin revancha pero con reconocimiento, con justicia.

NOVELA GRÁFICA Y DOCUMENTAL 

Uno de los grandes atractivos de 30 años de oscuridad es su elección por un formato híbrido que mezcla entrevistas reales con ilustraciones que - mediante la técnica motion comic o novela gráfica animada - recrean los acontecimientos. A través de la creación de imágenes irreales se logra recuperar y representar estampas y situaciones reales que de otra manera serían imposibles de recrear por la ausencia de material. Paradójicamente, a través de un artificio se llega a una narración poderosísima de la realidad. Así 30 años de oscuridad logra combinar alardes estéticos con momentos de gran tensión narrativa y contagio claustrofóbico, sin por ello abandonar el tono verosímil y riguroso.

Aunque esta obra puede ser considerada de animación –senda en la que el cine documental tiene ya mucho recorrido- el mundo al que debe más es al de la novela gráfica. Así pues, 30 años de oscuridad traslada al cine documental una estética y una técnica que evoca más a las obras desarrolladas con éxito en el llamado noveno arte. Entre este éxito muchos coinciden en considerar paradigmático el trabajo de periodismo de investigación que Joe Sacco desarrolla y reúne en sus Reportajes, a cuya estela han ido brotando muchos otros ilustradores que han sabido beber de la no ficción, ya sea ahondando en la investigación histórica como Paco Roca (Los Surcos del Azar), en la etnográfica como Baudoin y Troubs (El sabor de la tierra o Viva la vida), o en la periodística como Robert, Lindingre y Astier (la serie El Negocio de los negocios) o Guy Delisle (Pyongyang o Crónicas de Jerusalén) por mencionar a algunos.

Fuentes de información:  *1 Web oficial de 30 años de oscuridad, Alejandro Sanz Angulo para Naranjas de Hiroshima.

Ver en Documaniatv.

Dirty Wars

Título original: Dirty Wars

Dirección: Rick Rowley

Guión: Jeremy Scahill
Fotografía: Kronos Quartet
Productora: Big Noise Films
País de producción: Estados Unidos  
Web Oficial: http://dirtywars.org/
Año: 2012
Duración: 87 min.

El periodista de investigación Jeremy Scahill, autor del éxito de ventas "Blackwater", persigue la verdad detrás de las guerras encubiertas de Estados Unidos. Lo que empieza como un informe sobre el ataque nocturno de EE.UU. en un remoto rincón de Afganistán se convierte en una investigación global. El reportero Scahill se adentra en un submundo de peligrosas operaciones secretas, dispuesto a destapar una red de guerras encubiertas dirigidas por el gobierno estadounidense. Un trabajo de investigación trepidante e implacable que muestra una de las caras más oscuras de la primera potencia mundial. *1

"Dirty Wars": El infierno de las guerras de Obama

por Amy Goodman. *2

Mientras el Presidente Barack Obama se preparaba para asumir su segundo mandato como el presidente número 44 de Estados Unidos, dos valientes periodistas estrenaban su nuevo documental en el Festival de cine de Sundance. “Dirty Wars: The World Is a Battlefield” (literalmente: “Guerras sucias: el mundo es un campo de batalla”) confirma el papel fundamental que desempeñan los periodistas independientes como el director de la película, Rick Rowley, y su narrador y figura central, Jeremy Scahill. Los cada vez más frecuentes ataques estadounidenses con aviones no tripulados y la utilización del gobierno de Obama de fuerzas especiales secretas para realizar ataques militares que escapan a la vigilancia y la rendición de cuentas fueron omitidos por completo durante el fin de semana de asunción de Obama por los medios masivos, que estaban demasiado ocupados cubriendo el nuevo peinado de la primera dama Michelle Obama. El documental “Dirty Wars”, junto con el próximo libro de Scahill de igual título, pretende romper ese silencio y centrar la atención en asuntos más importantes.

Scahill y Rowley, que conocen muy bien las zonas de guerra, se atrevieron a ir más allá de Kabul, en Afganistán, y viajaron a la localidad de Gardez, en la provincia de Paktia, una región repleta de talibanes armados y de sus aliados de la red Haqqani, para investigar uno de los miles de ataques nocturnos sobre los que los medios no suelen informar.

Scahill me dijo: “Lo que sucedió en Gardez fue que las fuerzas de operaciones especiales de Estados Unidos tenían información de que una célula del Talibán estaba reunida preparando a un atacante suicida. Entonces irrumpieron en la supuesta casa en medio de la noche y terminaron matando a cinco personas, entre ellas a tres mujeres, dos de ellas embarazadas, y a Mohammed Daoud, un alto jefe de la policía afgana que había sido entrenado por Estados Unidos, particularmente, por la empresa de seguridad privada Military Professional Resources Incorporated, una empresa de mercenarios”.

Scahill y Rowley viajaron al lugar de los hechos para escuchar los testimonios de las personas que viven en la mira de la política exterior estadounidense. En Gardez entrevistaron a los sobrevivientes de aquel violento ataque ocurrido en la madrugada del 12 de febrero de 2010. Tras haber visto a las fuerzas especiales estadounidenses matar a su hermano, su esposa, su hermana y su sobrina, Mohammed Sabir fue esposado al suelo. Desde allí observó, indefenso, cómo los soldados estadounidenses extirparon las balas del cadáver de su esposa con un cuchillo. Sabir y los hombres que sobrevivieron fueron luego trasladados en helicóptero a otra provincia.

Sabir describió su calvario ante la cámara de Rowley: “Tenía las manos y la ropa manchadas de sangre. No nos dieron agua para limpiarnos. Los interrogadores estadounidenses tenían barba y no vestían uniforme. Eran musculosos y tenían ataques repentinos de ira”. Y prosiguió: “Cuando regresé a mi casa mis familiares muertos ya habían sido enterrados, y en el hogar tan solo quedaban mi padre y mi hermano. Ya no quería seguir viviendo, quería ponerme un chaleco suicida e inmolarme frente a los estadounidenses. Pero mi hermano y mi padre no me dejaron. Quería una yihad contra los estadounidenses”.

Antes de partir, Scahill y Rowley realizaron copias de los videos captados por los teléfonos celulares de los sobrevivientes. Uno de los videos muestra que no se trataba de una reunión del Talibán, sino de una celebración muy animada del nacimiento de un niño que fue interrumpida por el ataque. Rowley describió otro de los videos: “La imagen está movida y pensamos que se trataba de otro video de los cadáveres, pero luego se escuchan voces con acento estadounidense que hablan de unificar la versión de los asesinatos ocurridos esa noche, de que todos contaran la misma versión de los hechos. Se oye que intentan inventar una historia para mostrar que lo sucedido no había sido una masacre”.

El documental también muestra una imagen tomada en Gardez por el fotógrafo Jeremy Kelly poco después de la masacre en la que puede verse a un almirante estadounidense, llamado McRaven, rodeado de soldados afganos a quienes les ofrece una oveja como gesto tradicional para pedir perdón por la masacre. El encubrimiento de los incidentes no había funcionado.

William McRaven dirigía el Comando de Operaciones Especiales Conjuntas (JSOC, por sus siglas en inglés). La labor periodística de Scahill, junto al increíble trabajo del camarógrafo Rowley, le sigue la pista al JSOC e investiga minuciosamente los ataques nocturnos perpetrados por esta fuerza, que rara vez llegan a la prensa. De Afganistán a Yemen, pasando por Somalia, su documental brinda, por primera vez, una imagen real y exhaustiva del JSOC y del “mundo no tan feliz” del Comandante en Jefe Obama.

El ataque con avión no tripulado perpetrado en Yemen el día de la segunda asunción de Obama fue el cuarto realizado en pocos días. Desde comienzos de año también se produjo un aumento similar de estos ataques en Pakistán. El Washington Post informó que Obama tiene un que detalla las autorizaciones para realizar ataques con aviones no tripulados, pero aparentemente exime de esa autorización a los ataques realizados por la CIA en Afganistán y en Pakistán. El día de la asunción de su segundo mandato, Obama nombró oficialmente a John Brennan como director de la CIA. Brennan es un ferviente defensor de las denominadas “técnicas de interrogatorio mejoradas”, que muchos denominan tortura, y es además el artífice del programa de ataques con aviones no tripulados.

Mediante el documental “Dirty Wars”, realizado en coautoría con David Riker y con la dirección de Rowley, Jeremy Scahill denuncia al JSOC, que recientemente ha salido a la luz pública tras el estreno de la película nominada al Oscar “Zero Dark Thirty”, que trata acerca de la cacería de Osama bin Laden y ha generado controversia por su apoyo de la tortura. Vean “Dirty Wars” en cuanto se estrene en su cine más cercano. El documental muestra que, lamentablemente, el drama de la guerra está en todas partes, o como dice su propio título que “el mundo es un campo de batalla”. Jeremy Scahill concluyó: “En nuestro documental verán una realidad totalmente diferente, y verán el infierno que se ha creado tras diez años de guerra encubierta”.

Fuentes de información: *1 FilmAffinity, *2 Artículo de Amy Goodman publicado en Democracy Now,


 

Ver en V.O.S.E. en ok.ru

Ver en V.O.S.E. en ok.ru

The Act of Killing

Título original: The Act of Killing
Director: Joshua Oppenheimer, Christine Cynn
Guión: Joshua Oppenheimer, Christine Cynn
Música: Karsten Fundal
Fotografía: Carlos Arango De Montis, Lars Skree
Intervienen: Haji Anif, Syamsul Arifin, Sakhyan Asmara, Anwar Congo, Jusuf Kalla, Herman Koto, Haji Marzuki, Safit Pardede, Ibrahim Sinik, Soaduon Siregar, Yapto Soerjosoemarno, Adi Zulkadry
Productora: Coproducción Dinamarca-Noruega-Reino Unido; Final Cut for Real / Arts and Humanities Research Council (AHRC) / Danmarks Radio (DR)
Productores: Signe Byrge Sørensen 
Productores ejecutivos: Joram ten Brink, Bjarte Mørner Tveit, Werner Herzog, Errol Morris
País de producción: Dinamarca 
Año: 2012
Duración: 159 min.
Web Oficial: http://theactofkilling.com/

El documental de Joshua Oppenheimer habla de la masacre indonesia de 1965 Suharto ordenó una persecución a comunistas que dejó un millón de muertos. La obra producida por Werner Herzog ha sido multipremiada.

Con un estilo visual que podríamos considerar loquísima mezcla entre Quentin Tarantino, Pedro Almodóvar y Apichatpong Weerasethakul, y heredero de Werner Herzog -que produce la cinta-, Oppenheimer ha creado una magnífica obra documental que ha cosechado desde dicho estreno numerosos premios, incluyendo el Primer Premio y el Premio del Público de Documenta Madrid, y que aspira a ser el Searching for Sugar Man de esta temporada.

La premisa de la película es jugosa. En 1965, el gobierno indonesio del dictador Suharto llevó a cabo una persecución contra el comunismo que dejó un millón de muertos en el país asiático. Esas matanzas fueron perpetradas por mercenarios, por bandas de gánsteres sin inclinaciones ideológicas.*1

“Nos temen porque tenemos el poder de matar arbitrariamente. Un hombre comete un crimen, debería haberlo pensado mejor. Ordenamos matarle y nos sentimos bien. O le matamos nosotros y nos sentimos mejor. Pero eso no es poder. Es justicia, que es diferente del poder. Poder es cuando tenemos justificación para matar… y no lo hacemos”.

The Act of Killing es, en contenido, esta reflexión, una de las más poderosas de la historia del cine, repetida hasta la saciedad. Pero esto es solo el principio. El film está centrado en los responsables de las matanzas de Indonesia a mediados de los 60, quienes deciden recrear a petición de los responsables del documental sus asesinatos en una serie de películas donde participan familiares de las víctimas. Este escenario, que a servidor le parte la cintura porque nunca se ha encontrado algo así, plantea un viaje en dos partes: primero, explora el crimen sin arrepentimiento, sin complejos, sin dudas y sin temores. Habla del poder absoluto. Pero después –y aquí llega una parte aún más fascinante– explora cómo el cine es capaz de transformar al individuo. “Tus crímenes”, dice, “no son crímenes hasta que los ves reproducidos en una pantalla, ficcionalizados. Es en ese momento cuando te sientes culpable”. Y en ambas mitades supera con creces todo lo que he visto en este año y solo un milagro impediría que se convirtiera en lo mejor que voy a ver en 2013. Extraordinaria, sin paliativos.

Lo cierto es que su director, Joshua Oppenheimer, se encontró con el tema por casualidad. Una investigación de crímenes de guerra en Indonesia durante los años 60 se convirtió, inesperadamente –y bajo las recomendaciones de las víctimas– en un estudio de las bandas de gángsters (o, como ellos se definen, “los hombres libres”) que han aterrorizado a la población durante los últimos 40 años. Todos ellos han ignorado las amenazas de la comunidad internacional, y muestran constantemente a lo largo del documental su orgullo por haber participado en las numerosas purgas contra el enemigo comunista –largo tiempo aniquilado (ver El Año que Vivimos Peligrosamente), y que desde entonces se ha convertido en una suerte de excusa para prolongar su dominio–.

The Act of Killing abraza sin prejuicios esta parte de realidad (digo “esta parte” porque algunos expertos políticos en Indonesia han tachado esta pieza de “tan poderosa como descaradamente manipuladora”, tema que abordamos en un momento). Los protagonistas son un estrambótico dúo, Anwar Congo (padre fundador de las milicias de ultraderecha Pemuda Pancasila) y su compadre, Herman Koto. Llevados por su afán de protagonismo, ambos deciden recrear para Oppenheimer los asesinatos de los que formaron parte. Pasean por las calles en uniformes paramilitares de brillante camuflaje anaranjado reclutando a residentes atemorizados, muchos de los cuales se niegan a intervenir. Ambos deciden representar sus crímenes ante la cámara, contando con la ayuda obligada de hijos o hijas de las víctimas reales. The Act of Killing es, al mismo tiempo y en sus momentos más poderosos, el “acto” de matar y es “la actuación” de matar. Vemos a uno de los actores bromeando con Anwar y su compadre, los mismos que mataron al padre del “actor” hace 40 años. No hay ni rastro de incomodidad entre los asesinos. Ni culpa, ni dudas, ni complejos. La víctima es más que eso, si es posible: ha terminado aparcando su dignidad  y su capacidad de respuesta humana por puro terror. Su sumisión es completa.

Estos momentos evocan una sensación de repulsión por motivos iba a decir extraños pero la verdad es que sé de dónde salen y salen de un lugar bastante repugnante. Veo en Anwar y en Koto la alegría del poder sin medida. La ausencia de remordimientos y “moralidad”. Comprendo la existencia de seres humanos que justifican, defienden y reviven el genocidio. Mi mente de señorito me hace regates. The Act of Killing llama a mis instintos más bajos. Presenta un contexto, la Indonesia contemporánea, dominado por la impunidad, donde los gángsters caminan libres, desdeñan el Derecho Internacional, se cagan virtualmente en los principios de la justicia social y no solo no son castigados, sino que son objeto de sumisión por parte de las víctimas, de admiración por sus superiores (varios funcionarios y periodistas defienden la actuación de estos individuos) y viven como reyes. Y la cámara de Oppenheimer aguanta en todo momento.*2 

Fuentes de información: Film Affinity, *1 RTVE, *2 Artículo completo por Rafa Martín en Las Horas Perdidas, Películas HD Latino.

Ver en V.O.S.E. en ok.ru

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15m Libre te quiero

Dirección: Basilio Martín Patino
Guión: Basilio Martín Patino
Música: Amancio Prada
Fotografía: Alfonso Parra
Montaje: Aldo Elipe, Jorge Lacaci
Productora: La Linterna Mágica
País de producción: España
Año: 2012
Duración: 60 min.

Sinopsis extendida

Hay proyectos cinematográficos que nacen de un deseo planificado, de una elaboración larga. Libre te Quiero nace de un encuentro. Cuando el 15 de mayo una veintena de las personas que habían acudido a la manifestación convocada por el minoritario movimiento Democracia Real Ya decidieron acampar en la Puerta del Sol madrileña y prorrogar así su protesta, Basilio Martín Patino estaba allí. Desde su oficina, desde su casa, se oía la manifestación.

Cuando se acercó a la Puerta del Sol decidió que quería rodar aquello. La alegría y la espontaneidad de aquella gente le empujaron a hacerlo. Y a hacerlo con la misma alegría y la misma espontaneidad que apreció en aquel incipiente movimiento asambleario.

Allí se encontró con el director de fotografía Alfonso Parra, colaborador habitual, que enseguida aceptó participar en el proyecto. Con su dirección, un equipo de varios cámaras, dirigidos de cerca por el veterano realizador ha rodado medio centenar de horas de documentos, con los que se confeccionará una película de algo mas de una hora de duración.

Para esta ocasión, Patino ha decidido adoptar un nuevo estilo, impresionista y próximo a otros esfuerzos de documental puro, dejando que las imágenes se expliquen por sí solas, sin comentarios, entrevistas a cámara o texto en off explicativo alguno.

La película arranca con la confluencia de los manifestantes en la Puerta del Sol, retratando su llegada al ritmo de batucadas y canciones populares y coreando las consignas que se convertirán en la marca del movimiento. Una riada de personas de toda edad y condición que reivindican su derecho a no ser tratados como mercancias en manos de banqueros y políticos.

Especialmente sorprendente es la simpatía hacia los manifestantes que parecen mostrar los policías encargados de vigilarlos, contagiados del ambiente festivo.

A partir de ahi, sigue la construcción de la Acampada Sol, una especie de ciudad paralela, auto organizada y asamblearia, en la que las tareas se reparten democráticamente, cada uno ofrece su conocimiento y su trabajo y participa como puede.

Surgen áreas de debate espécifico, de animación musical y teatral, servicios de todo tipo para garantizar a los acampados una experiencia lo mas cómoda posible. Hay que distribuir comida, montar tiendas y alojamientos precarios en que cobijarse, delimitar zonas de encuentro...

En unos dias la ciudad, el ágora, está construida. La vida cotidiana establece ritmos parecidos a los de cualquier otra villa. Los participantes duermen, se despiertan comparten, comen, trabajan... Ante el calor axfisiante, algunos deciden utilizar las fuentes para refrescarse.

Algunos se esfuerzan en organizar el flujo de información, para que llegue al mayor número de gente posible. Otros construyen invernaderos y plantan tímidamente algunas especies.

La organización se extiende a los barrios y ciudades próximas. Pronto empieza a recibir a representantes del movimiento venidos de todos los rincones de España.

En los debates se oye a expertos en materias específicas que aportan su sabiduría, tanto como a ciudadanos que posiblemente nunca se habrían imaginado discutiendo de política o economía en un lugar público, ante desconocidos.

La asamblea reorganiza el espacio para acomodar las sugerencias de los comerciantes de la zona y para hacer mas fácil el tránsito.

En la Puerta del Sol convergen columnas que llevan semanas caminando hacia ella, recogiendo ideas en el camino, debatiendo en plazas y pueblos.

Poco a poco las asambleas van centrando la idea del desalojo, después de 4 semanas en las que, contra todo pronóstico, han conseguido una a fluencia masiva, un eco enorme para sus propuestas, elaboradas de forma colectiva, recogidas y difundidas en los medios del mundo entero, y hacer despertar a un número importante de ciudadanos que han comprendido que la política no es solo lo que hacen los políticos.

Para muchos, los mas jóvenes, supone una revelación: es la primera vez que se sienten parte de algo así. Para otros, los mas viejos, la experiencia les recuerda otras por las que pasaron en el 68 o durante la transición.

La película, después de dar fe de lo ocurrido, sin mediación o intención, dejando que las imágenes hablen, termina con el final de la experiencia.

En el aniversario se ha rodado también la manifestación del 12M15M, de la que posiblemente se incluyan algunas imágenes.

Fuentes de información: 15m Libre te quiero, Wikipedia, Gila Grupo de Intervención, 400 Golpes.


Ver en Vimeo parte 1.


Libre te quiero (1ª parte) from G.I.L.A. Grupo de Intervención on Vimeo.

Ver en Vimeo parte 2.


Libre te quiero (2ª parte) from G.I.L.A. Grupo de Intervención on Vimeo.