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Un documental sobre la cultura audiovisual, un viaje por las vías oficiales y subterráneas del mundo del cine en la Ciudad de México. Producido por Naranjas de Hiroshima
"Nosotros no hacemos films para morir, sino para vivir, para vivir mejor. Y si se nos va la vida en ello, vendrán otros que continuarán."
Raymundo Gleyzer, 1974
Dirección: Basilio Martín Patino
Guión: Basilio Martín Patino
Producción: La Linterna Mágica para TVE
Fotografía: Luis Cano
Montaje: Fernando Pardo
Música: Dimitri Shostakovich
Intérpretes: Reginald Shave, Ricardo Muñoz Suay, Ciudadanos de Cazalla de la Sierra y El Pedroso
Duración: 61 min.
La represión, por parte de las fuerzas del orden al servicio de la República, de una rebelión campesina de corte libertario en la pequeña localidad gaditana de Casas Viejas, en 1933, “reconstruida” a partir de testimonios, análisis históricos y fragmentos de películas supuestamente recuperadas. Mientras varios historiadores ofrecen datos de los sucesos y de sus antecedentes: paro, hambre, latifundismo, frustración de las esperanzas creadas por la proclamación de la República, etcétera, unos vecinos actuales del pueblo comentan viejas fotos y los descendiente de los protagonistas hablan de sus antepasados.
Basilio Martin Patino es un nombre imprescindible en el Documental en España, con titulos tan fascinantes como Queridisimos Verdugos de 1973 (en proyecto de conversion y subida), Canciones para despues de una Guerra de 1971, Los Paraisos Perdidos de 1985, Paseo por los Letreros de Madrid de 1968 realizado en colaboración con J. L. García Sánchez o Inquisicion y Libertad de 1982 tambien en colaboración con J. L. García Sánchez. Entre otras.
Cortometraje Documental Ruso de la Epoca sobre el suceso ocurrido en Andalucia, cuyas imágenes son utilizadas como archivo en El Grito del Sur - Casas Viejas.
Maravilloso y emocionante documental, sobre todo para l@s que estuvimos alguna vez alli participando, sintiendo, creando.
Han pasado 4 años ya desde que el faraonico Gallardon (ha abierto tantas zanjas como centros sociales, culturales, salas de conciertos ha cerrado) insto al desalojo de uno de los Centros Sociales Okupados mas emblematicos y queridos de Madriz, estaba ubicado justo al lado de La Casa Encendida de Caja Madriz (que casualidad que lo desalojaran a los pocos meses de abrir esta), en pleno centro de Madriz, en el corazon de Lavapies, ahora hay una horrible casa de viviendas, por no hablar de la vergonzona situacion de vigilancia humana y electronica aplicada al edificio de viviendas en desuso desde los 70 reabierto para el Labo 02.
Un proyecto autogestionado y participativo, que duro 6 años, desde el primer Labo en 1997 hasta el Labo 04 en 2003, que tardo un par de semanas en ser desalojado, a pesar de no haber denuncia del propietario. Menos el Labo 04 todos los anteriores estuvieron en la Calle Amparo.
Musica y video por el colectivo la plataforma
Desde el año 2004 un grupo de jovenes sostiene un proyecto de okupación en Alcorcón, Madrid, en una escuela taller abandonada. Desarrollan una alternativa politica y social frente a la especulacion urbanistica que devora la ciudad.
La Casa de Mi Abuela
Dirección y guión: Adán Aliaga.
País: España.
Año: 2005.
Duración: 80 min.
Género: Documental.
Interpretación: Marina Pastor (La niña), Marita Fuentes (La abuela), Elena Pastor (La hija), Rosa Zornoza (La madre), J. Carlos Pastor (El padre).
Producción: Elena Vallejo, Juanjo Giménez, Xose Zapata y Adán Aliaga.
Música: Vincent Barriere.
Fotografía: Adán Aliaga.
Montaje: Nacho Ruiz Capillas y Miguel Garví.
Dirección artística: Andy Gutiérrez.
Estreno en España: 7 Abril 2006.
Estupendo documental del que llevo años oyendo hablar, llevado a cabo casi en solitario al principio por Adan Aliaga y con la ayuda de la Productora Videogenic al final. Por fin se estreno en Abril del 2006 en cines de toda España, aunque injustamente solo duro un par de semanas.
Ha recorrido el mundo ganando premios, como el premio Joris Ivens en IDFA 2006.
Para que luego digan que en Alicante no se hace nada interesante. Tanta Ciudad de la Luz y tanta tonteria, y no se promociona ni se apoya la producción ni la exibición. Por no hablar de la triste costumbre de cerrar los cines de toda la vida y no dejar de contruir montruosos centros comerciales.
Por suerte este mes ha salido en DVD, asi que ya lo podemos disfrutar tod@s.
Trailer
Entrevista con el director del documental La casa de mi abuela, ganador del premio Joris Ivens en IDFA. Realizada por Blog&Docs
Dirección y Guión: Chris Marker
Producción: Anatole Dauman
Fotografía: Chris Marker, Jean Chiabaut
Música: selección de stock a cargo deTrevor Duncan
Edición: Jean Ravel
Elenco: Jean Négroni (voz narradora), Hélène Chatelain (la mujer), Davos Hanich (el hombre), Jacques Ledoux (el científico)
Año: 1962
País de producción: Francia
Idioma: Francés con subtítulos en castellano.
Duración: 28 min.
La Jetée (1962), de Chris Marker, es una película francesa de ciencia ficción de 28 minutos filmada en blanco y negro. En ella, se relata la historia de un experimento de viaje en el tiempo llevado a cabo tras una guerra atómica. Si bien es una película, el director la define como una fotonovela, pues se realizó filmando una serie de fotografías que dan contexto a la narración que las acompaña y apenas cuenta con una breve secuencia de imágenes en movimiento. 12 monos (1995), de Terry Gilliam, se inspiró en La Jetée. David Bowie también se inspiró en esta película para el videoclip de la canción Jump, They Say (1993), dirigido por Mark Romanek.
Argumento
La película empieza narrando la historia de un hombre que quedó marcado desde la niñez por haber visto morir a un sujeto en el aeropuerto. Años más tarde de este suceso se produce una Tercera Guerra Mundial, y una de las ciudades más devastadas es París. Los habitantes deben refugiarse bajo tierra debido a la radiación que impregna la superficie. Entre estas personas se encuentra el mismo hombre, ya adulto.
En las bases subterráneas se llevan a cabo experimentos con los prisioneros de guerra, aparentemente beneficiosos para los que los hacían. Por fin eligien al protagonista para un nuevo experimento: el viaje en el tiempo, con el propósito de conseguir comida, medicina, fuentes de energía, etc.
El hombre vuelve al pasado y conoce a la mujer que se encontraba presente en el momento de la tragedia del aeropuerto. Entabla una relación amistosa y pasa el tiempo disfrutando del pasado con ella, pero siempre termina volviendo al futuro, y un tiempo después vuelve al pasado, apareciendo y desapareciendo, aunque ella no se ve sorprendida. Tras varias misiones, el protagonista es enviado al futuro, donde los seres humanos más avanzados lo rechazan, pero le entregan una fuente de energía suficiente para reconstruir la industria humana.
Cuando vuelve, es trasladado a otro sector del campamento, pero recibe mensajes de los seres del futuro, que le ofrecen vivir con su civilización pacificada. Sin embargo, él decide volver al pasado, donde está la mujer que ama, y la encuentra en el aeropuerto. Se da cuenta de que su yo más joven estaba allí, pero cuando la ve a ella al final del embarcadero, va hacia donde está. A pesar de esto, reconoce al hombre que lo había seguido desde el refugio subterráneo. Entiende entonces que no puede eludir el tiempo, y el hombre misterioso termina sacando un arma y disparándole. Entonces, se deja claro que el hombre que había muerto en el aeropuerto y que había marcado la niñez del protagonista, era él mismo.*1
La jetée vs. 12 monos
Imágenes en movimiento. Tres palabras que encierran de manera bastante llana -pero práctica- el punto medular del concepto cine. Si nos atenemos a esta magra definición, La Jetée, cortometraje dirigido por Chris Marker en 1962, no es cine; sin embargo, sí es una película. 12 Monos, filme realizado en 1995 por Terry Gilliam se basa, casi se roba, el argumento de La Jetée pero, no obstante, no se trata de un remake.
La Jetée se ha convertido en un clásico del cine de ciencia ficción, pero ¿cómo lo hizo, si ya dijimos que no es cine? Expliquemos. Chris Marker, realizador radicalmente experimental, crea una fantasía futurista a partir de una obsesión personal: la memoria como escaparate y bastión del tiempo. En este cortometraje conocemos la historia de un hombre que tiene un sueño recurrente en imágenes fragmentadas: un rostro de mujer, un aeropuerto, un niño.
La fragmentación del tiempo es algo recurrente en los trabajos de
Chris Marker, de la misma forma que lo es su conceptualización de
memoria, que de hecho ya deviene como fragmentaria per se y así lo
explican diversos estudios –aceptándolo, también, cineastas como Oliver
Stone y Agnès Varda– e inclusive así es entendido por el razonamiento
propio: los recuerdos nunca acceden a nuestro cerebro de manera lineal,
sino como saltos temporales.
De ahí parte la premisa de La Jetée y posteriormente
la que utilizaría Gilliam para su docena de changos y, aunque arrancan
desde un mismo punto, ambos realizadores se sitúan en las antípodas para
su ejecución. Marker opta por un recurso de fotografía fija en blanco y
negro para la elaboración de una historia claustrofóbica –y por qué no
decirlo, hasta horrorífica- a la que él mismo gustó de llamar
foto-novela.
Francia (y el mundo entero) ha sucumbido después de una guerra
nuclear. El escaso número de sobrevivientes debió internarse en el
subsuelo para vivir. Experimentos científicos han logrado enviar a
personas en viajes temporales hacia el pasado, sin embargo, los
“voluntarios” mueren o enloquecen a causa del impacto mental de
convergencia de tiempos. Nuestro hombre –del que jamás sabemos su
nombre– ha sido seleccionado por tener una fijación fuera de lo común
con una imagen del pasado.
El director recurre a una narración en off de todo lo que
nuestro hombre logra y observa a través de sus viajes, mientras que en
pantalla la sucesión de fotografías da cuenta de ello. Exposiciones en
claroscuros de marcado realce poético tanto en rostros como en momentos o
de lugares cotidianos. Situaciones y objetos que escapan de la
conciencia del hombre: aves, panteones, niños, sol, luz, aire… ella, la
mujer de sus sueños.
En La Jetée se desarrolla una aparente relación
afectiva entre estos dos personajes, hombre y mujer que
paradigmáticamente carecen de un nombre propio, porque son ellos la
representación de una humanidad en decadencia. Para Marker el ejercico
cognitivo tiene su raíz en la memoria, más en su facultad escolástica
(como potencia del alma) que en la mera concatenación de hechos pasados.*2
(...)
Fuentes de información:*1Wikipedia, *2Artículo deJosé Luis Ortega Torres, publicado en Revista Cinefagia.
Director: Kristina Konrad País: Suiza Título original: Unser America Idioma original: Español, Alemán Categoría: Documental Formato: 16 Tipo: B/N-Color Duración: 84 m. Año: 2005
“Nuestra América” es una producción de la ciudadana suiza Kristina Konrad, quien vivió en Nicaragua del 84 al 86 y conoció a Magaly Cabrera y Ana Cecilia Rojas, comprometidas con el proceso revolucionario en las filas del ejército o en otras ocupaciones.
Veinte años después, Konrad regresó y observó el contraste de sus nuevas vidas, luego del cambio de gobierno en los noventa, lo cual quiso compartir con todos, imprimiendo las imágenes y el pensar de estas mujeres en este documental.
También plasma las experiencias vividas por un trabajador del antiguo Hotel Intercontinental, como punto central en la vida de la capital, además de un indígena que tomó las armas y luchó repeliendo a “la Contra”.
Es un reencuentro con los sentimientos, las memorias y las convicciones de antaño. Las mujeres que antes cantaban, hacían poesía y tomaban las armas en pro de sueños de libertad y justicia, ahora ven que nunca se llegó a erradicar la miseria ni la corrupción.
Ahora, las esperanzas han quedado atrás y su única realidad es levantarse cada día en busca de la sobrevivencia y procurar lo mejor para sus hijos e hijas.
Su directora señala que es una visión de la realidad nicaragüense, planteada como un espacio de reflexión para los nicaragüenses y para donde estan marcando su camino.
No tiene enlace para blogs, con lo cual teneis que ir directamente a GoogleVideo pinchando aqui: Nuestra America
Es ficción, no obstante es un documento imprescidible y necesario para conocer la historia de la independencia de Argel. Esta doblada en castellano (español).
Dir: Gillo Pontecorvo Año: 1965
Auténtico documento de la guerra de Argelia, culminación de la cual fue su independencia con respecto a Francia. Rodado integramente en Argelia y protagonizado por Yacef Saadi, personaje fundamental en la movilización argelina revolucionaria.
Ganadora del Leon de Oro de la Mostra veneciana del mismo año.
La batalla de Argel es una de las películas más emblemáticas de la historia del cine, valores que le otorgan, por supuesto, su calidad excepcional, pero también por resultar el mejor testimonio (el más directo y asequible) de un capítulo que fue “clave de bóveda” en la historia de la revolución argelina, así, como uno de los testimonios más representativas de la revolución anticolonial, un acontecimiento histórico que raramente ha encontrado su expresión cinematográfica, una expresión que, sin excepción tuvo que ser prestada porque las naciones emergentes del Tercer Mundo apenas si contaron con algunos cámaras en las guerrillas. Es igualmente una película distinta, hecha desde arriba, pero también desde abajo.
Dirección: Agnès Varda
Dir. de fotografía: Agnès Varda, David Myers
Producción: Agnès Varda, American Documentary Films, Black Panther Party
País de producción: Francia.
Año: 1968.
"Película que Agnès Varda rodó en Oakland, sobre el Partido Pantera Negra, durante el juicio contra uno de sus fundadores, Huey P. Newton, acusado de asesinato."
"Incredibly insightful and informative documentary. Many, if not all of the statements and perceptions are held true today. Makes you wonder what we've been doing about civil rights the last 30 years."
Sinopsis: Documental del año 1968 que parte del arresto de Huey Newton, uno de los fundadores de Panteras Negras, tras el supuesto asesinato de un policía. El film se centra en las protestas que congregaron a más de 5000 personas, en las que se produjeron durísimos enfrentamientos entre la policía y los manifestantes...
Unos 400.000 palestinos viven refugiados en Líbano. Fueron expulsados de su tierra por los israelíes en 1948. Sufrieron la guerra civil de Líbano donde fueron perseguidos por los israelíes, las milicias libanesas y el movimiento Amal. Hacinados en 12 campos distribuidos por todo el país, estos palestinos viven por debajo del nivel de pobreza. A diferencia de sus compatriotas refugiados en Siria o Jordania, no disfrutan de los derechos sociales del país que los acoge. Su único objetivo es volver a su tierra.
William Klein (n. 19 de abril de 1928) es un fotógrafo y director de cine estadounidense. Aunque nació en Nueva York y fue educado en el City College de esa ciudad, la actividad de Klein se desarrolla principalmente en Francia. Ha dirigido un gran número de largometrajes, incluyendo el filme de 1966 Qui êtes-vous, Polly Maggoo ? y la sátira antiestadounidense Mr. Freedom. La fotografía de Klein ganó el Premio Nadar en 1956.*1
Nueva York, 1926) Fotógrafo estadounidense. Es reconocido tanto por sus
trabajos en el campo de la fotografía sobre moda como por sus reportajes
de ciudades. Los primeros le hicieron célebre a través de la revista
Vogue; los segundos son un testimonio de su certera visión de los
lugares que visitó y muestran su habilidad para el reportaje gracias a
su especial percepción psicológica. También son destacables sus trabajos
en el campo de la cinematografía, a la que se dedicó en los años 60 y
70.
Estudió en el City College
de Nueva York, tras lo cual se alistó en el ejército (1945), justo un
año después de graduarse. Comenzó como dibujante gráfico e ilustrador de
la revista Stars and Stripes. Tras ello se trasladó a Europa,
en lo que sería un viaje fundamental para su futura dedicación. Se
matriculó en Historia del Arte en la Sorbona y llegó a coincidir con el
importante pintor cubista francés Fernand Leger. Practicó la pintura con
fluidez, siempre desde una perspectiva abstracta, aproximación a la
realidad que también está presente en algunas de sus obras fotográficas
mas vanguardistas. Algunos de sus lienzos, de fuerte carácter
geométrico, fueron expuestos en 1952 en la Galería Il Milione de Milán.
No obstante, lo importante de la obra de Klein
es su práctica de la fotografía. Entre 1954 y 1966 fue fotógrafo de la
importante revista Vogue, para la que realizó numerosos reportajes de
moda a los que siempre supo aportar su particular punto de vista,
convirtiendo estas imágenes de consumo en verdaderas obras de arte. Pero
su verdadera vocación fotográfica fue, como él mismo decía, "sus fotos
serias", los reportajes fotográficos que editó en una serie de
monografías y que representaban aspectos cotidianos de ciudades como su
querida Nueva York, Moscú, Tokio o Roma.
Cuando abandonó su empleo en Vogue, y a excepción de
algún trabajo esporádico, se dedicó íntegramente a la cinematografía,
campo que abordó en el contexto cultural politizado y vanguardista de
finales de los sesenta y de la década de los setenta. En 1981 regresó a
la práctica fotográfica, lo que coincidió con una valoración y
reconocimiento públicos de la gran calidad de su obra anterior.*2
Contacts de William Klein
Duración: 14:19
Fotógrafos explican a través de sus contactos fotográficos como y porque hicieron esas fotografías.
GrandsSoirsetpetitsmatins - El Espíritu de Mayo del 68 - Extractos de una pelicula que debió existir..
Cámara y Realización: William Klein
Sonido:Harald Maury
Montaje: Catherine Binet, Valerie Mayoux, Nelly Quettier, Ragnar
País: Francia
Duración: 98 min.
Año: 1968.
Una apasionante crónica de mayo de 68. Los símbolos de la autoridad son impugnados por millones de huelguistas y estudiantes. William Klein rueda día a día asambleas, debates improvisados, manifestaciones, barricadas, trifulcas de calles, utopía en marcha, esperanzas, dimisiones. Rodado en blanco y negro, cámara a puño, es el documento más preciso, mas exacto y más inquietante sobre la gran rebelión francesa del Siglo XX.
De su combate contra Sonny Liston en 1964 a su victoria contra George Foreman en 1974, la increíble trayectoria de Cassius Clay, alias Muhammad Ali, boxeador brillante y orador genial.“Para Ali, the Greatest, Klein evita filmar las peleas, prefiere rodearlas para captar mejor el reverso del asunto y las apuestas en juego. Para eso, crea elipsis mediante un montaje audaz que vuelve a poner en escena el virtuosismo de los cuerpos y su violencia, tal como lo certifica el inicio de la película, donde el enfrentamiento entre Alí y Liston se entrecruza a cada segundo con destellos que transforman la secuencia en una sucesión hábil de chispazos. El objetivo formal es reducir la duración real del encuentro a aquella, furtiva y mental, de un espectador recibiendo los golpes, y despojar al mismo tiempo a ese encuentro de su carácter espectacular y mediático.” Derek Woolfenden, cineasta
País:Francia Año:1999. Guión: William Klein. . Fotografía en C.: William Klein, Francine Filatriau y Pascal Martí. Música: El Mesías, de Georg Friedrich Handel, interpretado por Les Musiciens Du Louvre, bajo la conducción de Marc Minkowski. Edición: Françoise Arnaud y Frédéric Attal. Con: Marc Minkowski
(conductor), Lynne Dawson (soprano), Magdalena Kozená (mezzosoprano),
John Mark Ainsley (tenor), Russell Smythe (barítono), Arjun Spinner
(Jesús), Sebastián Gutiérrez (Jesús en la cruz) Prod: KUIV Productions, France 2 Cinéma, La Sofica Gimages, Michel Rotman. Duración: 120 mins. Dist: Walker Arts Center.
Dirección: Gualtiero Jacopetti, Franco Prosperi
Producción: Angelo Rizzoli
Guión: Gualtiero Jacopetti, Franco Prosperi
Montaje: Gualtiero Jacopetti, Franco Prosperi
Año: 1966
País de producción: Italia
Duración: 140 min.
África, aquella escenografía para la fantasía aventurera, se vino abajo. El espejismo de un continente rústico pero fascinante, salvaje pero dominable que el cine proyectaba a los ojos occidentales se desvaneció de golpe. África, aquel escenario del saqueo europeo, era devuelto a sus verdaderos dueños. Los documentalistas Gualtiero Jacopetti y Franco Prosperi viajaron para ver qué dejaba a sus espaldas la última autoridad colonial al zarpar. El resultado fue “África Addio” (Adiós Africa, 1966), un retrato desolador. El caos, las masacres étnicas, las tiranías sanginarias, eran ahora las postales africanas. Pero Europa prefería mirar a otra parte.
Cuando decir “mondo”, sin ser italiano, era referirse a un nuevo género cinematográfico, la carrera de Gualtiero Jacopetti y Franco Prosperi, realizadores de “Mondo Cane” (1962), peligraba bajo la marea de su propia ola. “Mondo Cane” había traído al público algo completamente nuevo. La realidad podía ser un espectáculo mucho más impactante que cualquier ficción. La inmensa popularidad de la cinta creó un público nuevo que infinidad de “mondos” posteriores aún no han logrado saciar. Por su parte, Jacopetti y Prosperi se vieron presionados a sacar el jugo al material restante de "Mondo Cane" y montaron dos películas medianas “Mondo Cane Nº2” (1963) y “La donna nel mondo” (1963). Afortunadamente, su siguiente proyecto, “Africa Addio”, salvaría su filmografía del estancamiento prematuro. Ahora sobresalir exigía una apuesta mucho más audaz. La oportunidad fue vista en el continente africano que a inicios de los sesenta se independizaba de Europa. El proyecto tomaría tres años y casi costaría la vida de sus realizadores.
“Africa Addio” es una pesadilla con bella fotografía. El espíritu lúdico y el sentido del humor de “Mondo Cane” no tiene cabida en este retrato devastador de la condición humana. Sin la “supervisión europea”, África es presa del caos. El entusiasmo inicial por la partida de los europeos y el fin de las desigualdades que estos instauraron, rápidamente es reemplazado por los resentimientos étnicos y la pobreza extrema. Lo que sigue es el recuento de una realidad atroz. Sin las antiguas restricciones, los parques nacionales son invadidos y la vida silvestre depredada. Largas secuencias de matanza de animales están entre las más famosas de esta película. Vemos cazadores blancos disparando a elefantes desde helicópteros y decenas de cazadores nativos matando a punta de lanza a ciervos, elefantes y hipopótamos. Es arduo matar a un animal de gran tamaño sin armas de fuego, “Africa Addio” nos lo demuestra en tiempo real. La cacería de hombres no se hace esperar. Desde las alturas vemos a toda una población árabe en espera del genocidio, mientras los cadáveres se van amontonando en fosas. Más ejecuciones, guerrillas, linchamientos, la cámara de “Africa Addio” se infiltra en las revueltas y se mancha de sangre.
Sin embargo, todo este horror es mostrado con una fotografía exquisita y una banda sonora de primera. Por momentos se hace difícil creer que toda esa precisión y variedad de planos pueda ser posible ante hechos supuestamente espontáneos. Esta es la sospecha que ha caído desde el principio sobre el cine de Jacopetti y Prosperi ¿Cuánto del material ha sido escenificado? En el documental “Godfathers of Mondo” (2003), Jacopetti, a sus 84 años, asegura que con “Africa Addio” nada podía estar previsto, filmaron lo que iban encontrando en sus tres años de periplo. Algo que muchos no creyeron por aquel tiempo. Antes de estrenarse, “Africa Addio” produjo gran escándalo por la acusación de haberse propiciado para las cámaras la ejecución de un rebelde negro por obra de mercenarios. La denuncia llegó a las instancias más altas en Italia. En el delirio los jueces incluso quisieron saber quién había matado a todos los demás. El equipo entero tuvo que retornar para reunir pruebas de inocencia y sólo con eso pudieron salir librados. Yo sospecho que Jacopetti y Prosperi son responsables de otra horrenda escena de muerte del film: el hipopótamo que muere por cientos de lanzas. La evidencia: en “Godfathers of Mondo”, Prosperi, que de entrada parece un aficionado a la caza (¿por qué se haría entrevistar con un comillo de marfil al costado?), nos enseña entre su colección de recuerdos africanos el cráneo del “famoso hipopótamo”. No explica cómo lo obtuvo (¿no lo habían matado para comérselo?), en cambio destaca que “ahora sería difícil encontrar hipopótamos así de grandes en Mozambique”.
Título original:Madres Coraje - Madres Plaza de Mayo
Director: Emilio Cartoy Díaz
País de producción: Argentina
Año: 2004
Duración: 99 min
Sinopsis: Ocurrió el último jueves de abril de 1977. Cansadas de hacer largas colas para averiguar el destino de sus hijos desaparecidos y escuchar comentarios burlones, Las Madres comenzaron a dar su primera vuelta a la Plaza de Mayo, la puerta misma del poder. Allí nació el símbolo: el pañuelo blanco sobre la cabeza de las madres rebeldes, madres de hijos rebeldes.
Los todopoderosos dictadores.
Este programa rinde un conmovedor homenaje de poesía y música a tantos años de enfrentamiento de las Madres de Plaza de Mayo contra los autoritarismos, en defensa de los derechos del hombre. Personajes de la cultura de todo el mundo: actores, escritores, músicos... expresan su compromiso, al mismo tiempo que recorremos las imágenes de la incansable lucha de estas mujeres desde sus primeras vueltas a la plaza hasta las últimas acciones, que descubren a los responsables del genocidio en sus propios hogares.
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El Último Jueves De Abril De 1977, cansadas de hacer largas colas para averiguar el destino de sus hijos desaparecidos y escuchar comentarios burlones, Las Madres comenzaron a dar su primera vuelta a la Plaza De Mayo, La Puerta misma del poder.
Allí nació el símbolo: el pañuelo blanco sobre la cabeza de Las Madres Rebeldes, Madres de hijos rebeldes.
Hoy las conoce el mundo entero, las respeta el mundo entero. Con su coraje derrotaron a los todopoderosos dictadores. Este programa rinde un conmovedor homenaje de poseía y música a tantos años del enfrentamiento de las Madres de Plaza de Mayo contra los autoritarismos, en defensa de los derechos del hombre. Personajes de la cultura de todo el mundo : actores, escritores, músicos... expresan su compromiso, al mismo tiempo que recorremos las imágenes de la incansable lucha de estas mujeres desde sus primeras vueltas a la Plaza de Mayo hasta las últimas acciones, que descubren a los responsables del genocidio en sus propios hogares.
“Nosotros no hacemos films para morir, sino para vivir, para vivir mejor. Y si se nos va la vida en ello, vendrán otros que continuarán…” Raymundo Gleyzer.
“Interrogar al cine partiendo de su faceta documental significa interrogarse sobre el estatuto de la realidad frente a la cámara, o la relación entre el filme y la realidad: Significa elegir un eje de reflexión, un eje que supone que el cine se reinventa a sí mismo cuando logra hacer visible algo que hasta entonces había permanecido inadvertido en nuestro mundo.” Jean Breschand.
Dirección: Guy Debord Guión: Guy Debord (basado en libro propio) Montaje: Martine Barraqué Director de producción: Christian Lentretien ...
RAM (Revista Archivo Manoseado)
Portada del Nº2 de RAM (Revista Archivo Manoseado), orientada a reflexionar y a divulgar todo lo relacionado al uso de los archivos para la creación de obras derivadas; técnica también conocida como found footage o cine de apropiación, reutilización, re-mezcla, re-edición, re-significación, usurpación, reciclaje, collage, etc.
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