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Un documental sobre la cultura audiovisual, un viaje por las vías oficiales y subterráneas del mundo del cine en la Ciudad de México. Producido por Naranjas de Hiroshima
"Nosotros no hacemos films para morir, sino para vivir, para vivir mejor. Y si se nos va la vida en ello, vendrán otros que continuarán."
Raymundo Gleyzer, 1974
Título original: Goddo supiido yuu! Burakku emparaa (God Speed You! Black Emperor)
Director: Mitsuo Yanagimachi
Guión: Mitsuo Yanagimachi
Fotografía: Mitsuo Yanagimachi
Formato: 16mm, B&W
Idioma: Japonés con subtítulos en inglés (Nunca editado con subtítulos en castellano).
Productora: Gunro, Toei Company, Production Genro.
País de producción: Japón
Año: 1976
Duración: 90 min.
Documental japonés grabado en blanco y negro en 16 mm del año 1976, dirigido por Mitsuo Yanagimachi, y que sigue las hazañas de un joven grupo de motoristas, los Black Emperors. En la década de los 70 surgió en Japón un importante movimiento motorista, que fue llamado Bosozoku y que pronto atrajao la mirada de los medios. El film sigue a un miembro de la banda y sus relaciones familiares, antes y despues de meterse en problemas con la policía.
Black 卐 Emperor
Famoso hoy en día por prestarle su nombre al colectivo canadiense de
post-rock, el documental del año 1976 del director Mitsuo Yanagimachi
sigue a una banda de motociclistas llamada The Black Emperors. A
diferencia de las bandas al margen de la ley en «Los angeles del
Infierno» de Hunter S. Thompson The Black Emperors son descritos como
machos-adolescentes obsesionados con las motos y complaciéndose en la de
anarquia -pintando su logo en un muro (en inglés con una swastica
colocada entre las palabras Black y Emperor); hay charlas sobre
reuniones y peleas con grupos rivales, pero la banda se acalora más es
cuando los policas irrumpen en su reunión, o cuando los cachean buscando
armas y drogas. Al principio del filme uno de los black emperors le
pide a su madre que lo acompañe a la corte, como testigo para que él
pueda escapar de cumplir sentencia en la carcel. Con esto dicho, el
filme incluye una más bien cortante secuencia donde uno de ellos es
golpeado y pateado en el rostro como castigo por algunas transgresiones
contra el grupo. Es una secuencia clave dentro del filme, pues parece
que Yanagiamchi capturó al grupo en lo que quiza sea la agonia de sus 8
años de existencia; al principio del filme un dirigente de los
emperadores negros le pide a los motociclistas por una unidad mayor,
pero al final de del filme, el grupo enfrenta un futuro incierto e
intenta con desesperación la adición de los miembros salientes. *1
Las películas de motociclistas eran populares en japón desde principios
de los '70, y el filme de Yanagimachi, producido de manera
independiente, fue elegido para su distribución por Toei con un éxito
considerable. El filme, rodado en 16mm en blanco y negro tiene una
apropiada apariencia sucia con una visualisación de tinta negra y el
siempre constante giro de la camara con el soundtrack. El soundtrack
mismo presenta una muy buena muestra del rock japonés de los '70 y del
proto-punk.
El filme esta disponible en dvd en Japón (trsitemente, sin subtítulos), y
en varias ediciones pirata en el mercado en otros países. *2
Título original: Jazz on a Summer's Day
Dirección: Aram Avakian & Bert Stern
Guión: Albert D'Annibale & Arnold Perl
Fotografía: Courtney Hesfela, Raymond Phelan, Bert Stern
Intervienen: Louis Armstrong, Anita O'Day, Thelonious Monk, Chuck Berry, Mahalia Jackson, Dinah Washington, Sonny Stitt, Jimmy Giuffre, Max Roach
Productora: Raven Films, Galaxy Attractions
Año: 1959
País de producción: EE.UU.
Duración: 85 min.
Documental que muestra a grandes leyendas de la música jazz y gospel, que se reunieron en un mismo escenario con ocasión del festival de Jazz de Newport de 1958. Un conjunto de glorias de la música del siglo XX que es casi imposible de ver juntos en otro evento similar. Seleccionada en 1999 para la Librería del Congreso de los Estados Unidos, como parte del indispensable legado cultural de la nación. *1
El gran festival de jazz en vivo del verano de 1958 en Newport, New Jersey, Estados Unidos, fue el momento y el lugar elegido por el director y aclamado fotógrafo Bert Stern para probar sus nuevas lentes cinematográficas y un revolucionario celuloide a color, y para desplegar con soltura y en un espacio sinigual, todo su talento detrás de las cámaras, filmando todo un día de jazz, de la mañana a la noche, retratando el arte musical de luminarias como Thelonius Monk, Mahalia Jackson, Anita O’Day, Chuck Berry, Dinah Washington, Big Maybelle y el gran Louis Armstrong, entre muchos otros, intercalando con escenas del fascinante paisaje de la ciudad y de una audiencia exultante, mostrando el costumbrismo y glamour de los años cincuenta, y trazando, en tan sólo 90 minutos, medio siglo de historia del jazz. *2
“Jazz on a Summer’s Day” es el modelo del concierto documental moderno. Concepto, lenguaje y técnica. Todo está en esta pieza pionera, obra de un joven fotógrafo de moda, Bert Stern, que debutó en el cine con esta cautivadora crónica del festival de jazz de Newport de 1958.
El ojo de Stern no era el de un documentalista ni el de un melómano. Era el de alguien entrenado a captar y realzar lo bello, lo estilizado. De ahí que “Jazz on a Summer’s Day”, a pesar de contener actuaciones memorables -Mahalia Jackson, Louis Armstrong-, se fije tanto en lo que ocurre fuera del escenario. Que se recree en los rostros del público y en el entorno idílico y chic de Newport.
Que el solo de un gigante del jazz como Thelonious Monk sea música de fondo para una secuencia de veleros. O que la cantante Anita O’Day, radiante, monopolice la cámara y eclipse a sus músicos, invisibles durante toda la actuación. Son decisiones más que discutibles. Pero aún hoy su importancia histórica es innegable, y su encanto, también. *3
Seguimos celebrando los 10 años de Naranjas de Hiroshima con proyecciones especiales, hasta ahora hemos proyectado en El77CCA en la Ciudad de México, en junio tendremos una superproyección especial en 35mm en la Cineteca Nacional, dentro del Seminario Experiencias de Archivo. En breve daremos más información. Mientras tanto acá la información de nuestra siguiente proyección, este mes de mayo, especial Sara Gómez.
Proyección Especial: Sara Gómez
Fecha: miércoles 31 horario: 8 pm
#EntradaLibre
“Era mujer y negra, pero esas características no fueron obstáculo para sumergirse en las aguas del cine. Todo lo contrario, Sara Gómez, la primera directora de cine del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos de Cuba (ICAIC), las convirtió en aliadas.”
Sara Gómez. Recondando a la primera directora de cine del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfico
Era mujer y negra, pero esas características no fueron obstáculo para
sumergirse en las aguas del cine. Todo lo contrario, Sara Gómez, la
primera directora de cine del Instituto Cubano de Arte e Industria
Cinematográficos de Cuba (ICAIC), las convirtió en aliadas.
Murió joven, con apenas 32 años. Sin embargo, su obra perdura. En las
décadas de los sesenta y setenta del pasado siglo, Sara incursionó
primero en los documentales y luego en la ficción, con su obra De cierta
manera, de cuyo estreno se cumplen 30 años en 2007. N.E.
Su obra documental de los sesenta incluye títulos como Sobre horas
extras y trabajo voluntario, La otra Isla, Una Isla para Miguel y Mi
aporte, que se acercan, desde su mirada, a los cambios sociales tras el
triunfo de la revolución cubana, en 1959, y su influencia en la vida de
las personas.
En blanco y negro aborda los prejuicios raciales, la discriminación, la
marginalidad y sus consecuencias para las familias, el machismo, el
rompimiento con el pasado y los programas sociales dirigidos a mejorar
la vida y dignificar a cubanas y cubanos.
Los temas y problemas que escogió, el tratamiento que les dio y la
originalidad de su enfoque la ubicaron entonces en la vanguardia y hoy,
en el contexto de la sociedad actual, muchos de sus mensajes resultan
contemporáneos.
Para Jorge Fernández, vicerrector del Instituto Superior de Arte de La
Habana, en su obra hay artistas que se anticipan, que trascienden su
tiempo. "No sólo se quedó en el lenguaje del cine; su lenguaje fue
bastante vanguardista y trasgresor para su época".
"El
trabajo de Sara Gómez sigue dialogando con lo que se está haciendo en
el cine joven, en el documental cubano y en la ficción", agregó
Fernández durante el coloquio "Sara Gómez: imagen múltiple", efectuado
la pasada semana en La Habana.
Para Sandra del Valle Casals, investigadora del Centro Juan Marinello y
presidenta del comité organizador, el evento rindió homenaje a la obra y
la figura no sólo de la primera mujer que hizo un largometraje en el
ICAIC, sino también a quien llevó al cine temas de honda actualidad.
El encuentro también permitió apreciar el audiovisual cubano desde una
perspectiva de género, "porque consideramos importante ampliar el
espectro analítico y revelar los constructos de género que se
manifiestan en el audiovisual cubano", comentó del Valle.
"El trabajo de Sara Gómez es muy relevante, por las temáticas que abordó
como mujer, negra y revolucionaria. En ella hay una preocupación por el
proyecto social de la revolución cubana desde muchas perspectivas y es
un legado como análisis de esa realidad", explica.
A juicio de Del Valle, en esta directora hay una búsqueda y perspectiva
antropológicas y sociológicas para acercarse a la realidad de su época.
Hay aspectos que son producto de su momento, pero hay otros que nos
llegan de cerca.
"El realizador cubano Tomás Gutiérrez Alea decía que se sentía feliz
cuando su obra envejecía, porque significaba que los problemas que
planteaba estaban superados. En los temas de las cintas de Sara, hay
historias que no están superadas y por eso, entre otros aspectos, sigue
vigente", agregó la especialista.
Para la estudiosa canadiense Susan Lord, se trató de "una mujer muy
valiente, muy avanzada para su tiempo en el tema de las posibilidades de
cambiar las relaciones entre grupos sociales diferentes".
"Todavía hoy día hay pocas obras con esa imaginación, con esa manera de
filmar para hacer un mundo más democrático", agrega. "Ella está en el
grupo de la vanguardia. Su obra puede dar al mundo de hoy, lleno de
globalización, maneras para inventar relaciones y hacer un puente, un
diálogo entre los aspectos éticos, estéticos y políticos", dijo a
SEMlac.
Post especial Sara Gómez en Naranjas de Hiroshima:
MISS
UNIVERSO EN EL PERÚ (1982, Proyección en 16mm)
Miércoles,
7:30pm
22 de marzo
Duración 39 min,
Dir. Colectivo Grupo Chaski
Naranjas de
Hiroshima
Refleja
el enfrentamiento entre las distintas realidades de las mujeres en
torno a un concurso de belleza donde más de 70 representantes de
diferentes países del mundo se reúnen en el Perú, un país que
sufre de hambre y miseria.
"El Registro Nacional de Cine incluye desde clásicos de Hollywood a películas huérfanas. La película no requiere ser largometraje o haber sido expuesta comercialmente para su elección. El registro contiene película de actualidades, cine mudo, cine experimental, cortometrajes, películas sin derechos de autor, cine serial, películas caseras, documentales, cine independiente y películas para televisión. Hasta la lista del 2008, hay 500 películas conservadas en el registro."
Título original: La Voz del Gualcarque
Dirección y edición: OcoteFilms (Paola Reyes, Domingo Marin)
Produccion: OcoteFilms
Música: Karla Lara, Carlos de Alcaucín
Formato: 1920x 1080 Full HD
Intervienen: Testimonios de las comunidades de Rio Blanco en resistencia contra el proyecto Agua Zarca, Berta Cáceres ( ambientalista y activista por los derechos humanos asesinada en marzo 2016) Idioma: Original castellano, subtitulado en inglés y alemán
País de producción: Honduras
Año: 2015
Duración: 47 min.
Licencia Creative Commons cc/by/nc/sa
Web oficial: documental-web (donde se puede ver online, descargar en alta calidad y documentación sobre el conflicto en Rio Blanco)
Sinopsis corta
A pesar de la imagen “verde”y energía "limpia" que tienen los proyectos hidroeléctricos, en Honduras y otros países del Sur global las represas tienen consecuencias negativas para las comunidades indígenas y campesinas. El documental acompaña durante un año a las comunidades de Rio Blanco que se oponen a la construcción de la represa en su territorio, y utilizan múltiples formas de protesta para defender sus derechos.
Fuentes de Información
Desde abril de 2013 las comunidades indigenas Lencas llevaron a la práctica la oposición a la represa “Agua Zarca”. Uno de los muchos proyectos privados para la producción de energía renovable que se han iniciado en Honduras, sobre todo desde el golpe de Estado de 2009. Y van acompañados por la criminalización de la protesta, represión, amenazas y hasta el asesinato; las fuerzas de seguridad del Estado y actores privados trabajan juntos para hacer cumplir los proyectos.
L@s realizador@s acompañaron intensamente a las comunidades de Rio Blanco durante el primer año que duró el plantón contra la represa, mientras realizaban trabajo voluntario de Observación de Derechos Humanos en el país. Las actividades de presencia y documentación en la zona les proporcionó una interacción muy cercana con las personas que sufren la construcción de la represa y esto les permitió filmar entrevistas y secuencias cotidianas de la comunidad. Durante 2013-2015 publicó diferentes video-reportes sobre luchas de movimientos sociales en Honduras.
El documental acompaña durante un año a las comunidades de Rio Blanco que se oponen a la construcción de la represa en su territorio, y utilizan múltiples formas de protesta para defender sus derechos : bloquear una carretera clave de acceso a la represa, manifestaciones, denuncias a nivel nacional e internacional contra las empresas responsables y para que los bancos financiadores conozcan la situación. Aunque se consiguió detener la construcción por mas de un año y la constructora transnacional China SINOHYDRO abandonó el proyecto, en los últimos meses las obras se han reanudado. Además, la represión contra l@s miembr@s de las comunidades continúa.
Amenazadas y criminalización, la región fue militarizada; en julio de 2013 el indígena Lenca Tomás García fue asesinado durante una marcha pacífica por un soldado de las fuerzas armadas hondureñas.
A pesar de la imagen “verde”y energía "limpia" que tienen los proyectos hidroeléctricos, en Honduras y otros países del Sur global las represas tienen consecuencias negativas para las comunidades indígenas y campesinas, debido entre otros factores a la forma de imposición autoritaria y violenta. Sin garantizar una consulta previa, libre he informada; son una amenaza a la soberanía territorial de las comunidades indígenas y destruye sus medios de subsistencia.
Berta Cáceres
La noche del 2 de marzo de 2016 Berta Cáceres fue asesinada en su casa de la Esperanza, Honduras. Era coordinadora general del Consejo Cívico de Organizaciones Populares e Indígenas de Honduras (COPINH) y estaba muy comprometida en la lucha por los derechos indígenas y de la mujer.
En los últimos años Berta se opuso a la construcción ilegal del proyecto Agua Zarca,que estaba planificado en territorio indígena Lenca y destruiría sus tierras. El proyecto esta financiado por donantes internacionales como el banco de desarrollo holandés(FMO) y el finlandés Finn- Fund,además la empresa alemana Siemens-Voith Hydro. En los meses anteriores aumentaron las difamaciones por parte de la empresa constructora Desarrollos Energéticos S.A.(DESA) contra Berta Cáceres.
El documental muestra la lucha de Berta Cáceres conjunto con COPINH, en contra del proyecto hidroeléctrico Agua Zarca.
A pesar de las permanentes amenazas a muerte recibió, Berta mantuvo una lucha tenaz e incansable por los derechos humanos en las comunidades indígenas, contra la criminalización de las autoridades y empresas privadas, quienes pretendían forzar la construcción de Agua Zarca a cualquier precio. Finalmente su compromiso le costó la vida.
Sus ideales y convicciones siguen vivos! En todo el mundo se solidarizan personas y exigen una investigación independiente del crimen.
Análisis sobre la obra:
La realización del documental fue totalmente autofinanciada por nosotrxs, y utilizamos equipo de grabación y edición mínimo, pese a eso estamos satisfechxs por los resultados.
El documental lo filmamos entre 2013 y 2014, por mas de un año acompañamos a las comunidades que comprenden Rio Blanco.
Nuestra actividad en Honduras eran brigadas de acompañamiento para la protección y defensa de los Derechos Humanos, un voluntariado que consiste en visitar y acompañar colectivos, organizaciones, personas defensores de derechos humanos que sufren algún tipo de persecución o agresión a sus derechos por parte de funcionarios o instituciones del Estado. Documentar, publicar y compartir información con otras redes era la otra parte del trabajo, el cual tenia como objetivo principal, disuadir y prevenir de posibles violaciones a los derechos fundamentales de los actores que acompañamos.
Nuestra idea inicial no era hacer un documental pero vimos la necesidad de difundir acorto plazo lo que estábamos viviendo y publicamos en las redes sociales diferentes video reportes entre los que tocaban el tema de rio Blanco. El documental filma algunos lugares de resistencia como el plantón en el acceso a la construcción del proyecto, el cabildo que organizó el alcalde del departamento y la acción de recuperación territorial.
Las organizaciones indígenas definen la represa como “proyectos de muerte”. Para la cosmovisión Lenca, la intervención en el rio Gualcarque, donde la empresa pretende construir la represa, significa destruir a los ancestros Lencas que van por esas aguas personificados en espíritus femeninos. Significa también, (a consecuencia del cerco que delimita la empresa) perder el acceso al rio para realizar sus rituales, perder las tierras fértiles aptas para el cultivo del alimento familiar y comunitario. Por tanto, este proyecto significa la perdida total de su autonomía alimentaria.
Desde el día que la comunidad decide resistir en contra de este proyecto, han sufrido diferentes tipos de represión por parte de la empresa y del Estado. El documental habla sobre el asesinato a Tomas Garcia y la muerte en un accidente de Paula Gonzalez, de los montajes judiciales para criminalizar a la organización indígena COPINH y la redada policial que sufrió la comunidad de la Tejera con el objetivo de capturar a miembros de la organización indígena , asustar y amedrentar al movimiento. Esa parte del documental la utilizamos para lanzar una llamado de alerta en las redes sociales invitando a ponerse en contacto con responsables del gobierno Hondureño y pedir explicaciones, creemos que tuvo mucha difusión porque recibió mas de 3000 visitas en esa primera semana y bajo la intensidad de control policial al menos unos meses. En esta parte del documental es muy significativo los primeros planos de niñas y niños , pensando que habían pasado 2 semanas cuando filmamos y en sus caras estaba todavía el reflejo de terror y preocupación.
Es importante manifestarse en relación con la lucha de los pueblos originarios como es el caso del pueblo Lenca en honduras que esta afectado por las multinacionales y los países dueños del gran capital, que fomentan las inversiones e impulsan Megaproyectos sin consultar y sin analizar las consecuencias sociales y políticas que afectan a la vida de los pueblos indígenas y campesinos. Esto rompe varias leyes internacionales que el Estado de Honduras se comprometió a respetar como el 169 de la OIT, sobre pueblos indígenas y es importantísimo que se haga responsable de los daños que el proyecto ocasione a la naturaleza, al tejido comunitario y a la existencia del pueblo Lenca.
Dirección: Jim JarmuschProdución: Carter Logan, Fernando Sulichin, Rob Wilson
Guión: Jim Jarmusch
Intervienen: Iggy Pop, Ron Asheton, Scott Asheton, James Williamson, Steve Mackay, Mike Watt, Kathy Ashton, Danny Fields
Fotografía: Tom Krueger
Edición: Affonso Gonçalves, Adam Kurnitz
Productora: Low Mind Films, New Element
Distribución: Amazon Studios, Magnolia Pictures
País de producción: E.E.U.U.
Duración: 108 min.
En Detroit, en el estado de Míchigan, surgía en 1967 un grupo que
revolucionaría los cimientos de la música. Con su mezcla de estilos y
una actitud arrolladora, se convirtieron en todo un icono, un símbolo
que inspiró a cientos de jóvenes y que marcaría a los artistas
posteriores.
Iggy Pop, el carismático líder de los Stooges, hace
un relato junto al resto de miembros supervivientes de la banda de su
trayectoria artística. Desde sus años de actividad entre 1967 y 1974
hasta su posterior reunión a partir de 2003, todo presentado en estricto
orden cronológico.
Jim Jarmusch (Paterson, Coffee and Cigarettes)
dirige este documental sobre una de las bandas que abrieron las puertas
al punk, adentrándonos en sus entresijos y mostrando el camino que
siguieron hasta su ascenso a la fama.
El rock'n'roll potente y agresivo de The Stooges, que apareció en Ann
Arbor, Michigan, durante una revolución contra-cultural, fue como una
bomba en el paisaje musical de finales de los años sesenta. Con su
mezcla de rock, blues, R&B y free jazz, el grupo en el que debutó
Iggy Pop plantó los cimientos de lo que se conocería posteriormente como
rock alternativo. Este documental narra la epopeya de The Stooges, uno
de los grupos de rock más importantes de todos los tiempos. "Gimme
Danger" presenta el contexto en el que The Stooges evolucionaron
musicalmente, culturalmente, políticamente, históricamente, a través de
sus aventuras y sus desgracias, evocando sus fuentes de inspiración y
las razones de sus primeros desafíos comerciales, hasta su llegada al
Panteón del rock.
THE STOOGES *1
Formación revolucionaria y clave en el desarrollo de la música rock. Surgida a finales de los años 60, los Stooges mixturaban fieramente el rock, la psicodelia y el blues con temáticas sobre drogas y sexo para configurar un atractivo y arrebatador sonido, estableciendo muchas de las actitudes escénicas y posturas sónicas del venidero punk y de la posterior música independiente.
Creados en 1967, los Stooges (primero se hicieron llamar Psychedelic Stooges) estaban formados por el cantante James Osterberg, alias Iggy Pop (nacido el 21 de abril de 1947), el guitarrista Ron Asheton (nacido el 17 de julio de 1948), el bajista Dave Alexander y el hermano de Ron, Scott Asheton a la batería.
Iggy había formado parte de la banda de blues The Prime Movers y posteriormente de The Iguanas, grupo en el que tocaba la batería y de donde surgió su famoso apelativo. En esta época se dedicaban a realizar versiones de grupos, principalmente de los Beatles.
La primaria, brutal capacidad sonora de los Stooges, ejemplificada en la guitarra de Ron Asheton y sobre todo, el imprevisible, feroz y salvaje comportamiento de Iggy encima del escenario con su torso desnudo cubierto de sangre o mantequilla, sus autolesiones con cristales y sus zambullidas entre el público asistente a sus espectaculares conciertos (fue el primero en realizarlo) supusieron una enorme publicidad entre el mundo melómano underground. Los Stooges se convirtieron en toda una sensación en la ciudad de Detroit y al final pudieron fichar con un gran sello como Elektra para publicar su primer disco, “Stooges” (1969), con producción del Velvet Underground John Cale (aunque la primera elección de Iggy fue Jerry Ragovoy, el productor de Dusty Springfield).
Su música no estaba preparada para el consumo de la gran masa y las ventas fueron escasas. Sus conciertos eran otra cosa, pues sus admiradores impenitentes asistían sin falta a la orgía visual y sónica del grupo.
Su segundo disco, “Fun House” (1970), producido por Don Gallucci y agradecido por la presencia del saxo de Steven MacKay, a pesar de ser una obra maestra, tampoco logró colmar las expectativas comerciales de Elektra.
Los siete grandes temas del disco (sin desperdicio alguno) presentaban a un Iggy todavía más rabioso que en su álbum debut. Entre ellos se encuentran cortes como “Down On The Street”, “TV Eye”, “Dirt” o “1970”.
El fracaso comercial de “Fun house” provocó su salida del sello Elektra y cambios en el grupo, el bajista Dave Alexander abandonó la formación y se incorporó al guitarrista James Williamson. Ron pasó a tocar el bajo.
Estas frustraciones a nivel de ventas que casi les lleva a su desaparición como banda y a que Iggy ahondara aún más en su adicción a las drogas, en especial a la heroína, no avistaban un óptimo futuro para el devenir de los Stooges. Tuvo que ser un gran fan del grupo como David Bowie el que vivificó a la formación ahora denominada Iggy & The Stooges.
Con producción de Iggy y mezclado por Bowie, los Stooges consiguieron grabar para la Columbia un nuevo disco al que titularon “Raw Power” (1973).
Este trabajo, que contenía clásicos como “Search and destroy”, “Gimme Danger”, “Penetration” o “Raw power”, fue mucho mejor recibido por la crítica de la época y se convirtió en otro trabajo esencial del cuarteto.
A pesar de ello Columbia no renovó el contrato con los Stooges, alegando que sus miembros eran empedernidos adictos a las drogas.
En 1974 la banda terminó por separarse tras un caótico concierto de despedida en Detroit con batalla campal incluida entre el grupo y una facción de los conocidos motoristas Los Ángeles del Infierno, que se encontraban asistentes al mismo y comenzaron a tirar de todo al escenario.
Todo el follón y la magnífica música en directo de este esencial grupo de culto se encuentra recogida en el posterior “Metallic K.O.”.
En el año 2007 apareció un nuevo disco, “The Weirdness” (2007), álbum producido por Steve Albini en el que aparecía Mike Watt, ex Minutemen, al bajo como miembro oficial de la banda. Unos años después publicaron “Ready To Die” (2013)
.
Ron Asheton, que en los años 70 formó el grupo hard rock The New Order, murió a los 60 años tras un ataque al corazón el 6 de enero del año 2009. Cinco años después falleció su hermano Scott, quien murió a los 64 años el 15 de marzo del año 2014.
Título original: Next Music Station
Director: Fermin Muguruza
Guión: Fermin Muguruza
Música: Orquesta Chekara, H Kayne, Hamid El Kasri, Karima Skalli, Khadija, Oum
Fotografía: Jordi Abusada
Sonido: Angel Katarain/Aitor Acosta Edición: Dani Urdiales / Asier García
Productoras: Talka Records & Films / Al Jazeera Network
País de producción: España, Qatar.
Año: 2011
Duración: 105 min.
Un año de intenso trabajo, 9 países visitados, más de 50 músicos
entrevistados y miles de horas de grabación. El músico Fermin Muguruza,
con la producción de Al Jazeera Documentary Chanel, dibuja un mapa
sonoro de la realidad musical del mundo árabe. Un viaje rítmico a través
de las culturas, las tradiciones, la modernidad, la lucha, el
resurgimiento, las ganas de futuro y la emoción del presente. Desde
Marruecos hasta el Golfo Pérsico, desde Kuwait al Líbano, el equipo de
FM completa un largo recorrido de descubrimiento mutuo, apasionado y
apasionante que arrastrará a los telespectadores a un universo sonoro
inimaginado.
Qatar, País Vasco, 2011. Con apoyo de la cadena de noticias
Al-Jazeera, el músico y director vasco Fermín Muguruza nos invita a
recorrer algunos países vagamente familiares (si no es que del todo
desconocidos) para quienes habitamos el Occidente dominado por la
influencia mediática de los Estados Unidos. El fin principal de dicho
viaje es conocer las tendencias musicales más representativas que tienen
lugar en cada una de las “estaciones” a través de sus artistas. Dentro
del 6to. Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de
México (DOCSDF) se presentaron los capítulos de la serie Next Music Station dedicados a Marruecos, Líbano, Egipto, Túnez, Siria, Yemen y Sudán.
Si
bien los episodios de este serial se centran en cantantes,
compositores, DJs, MCs, maestros, promotores y demás involucrados en el
desarrollo de la música, Muguruza —guiado por un hombre o mujer local en
cada estación— nos ofrece una breve radiografía de la vida social,
cultural y política en países que generalmente llegan a las ocho
columnas del periódico por noticias relacionadas con actos violentos,
fanáticos religiosos y —en tiempos recientes— protestas multitudinarias
contra regímenes totalitarios. Uno de los grandes aciertos del director
radica en el hecho de apartarse de esta mirada superficial, enfocándose,
por el contrario, en la gran diversidad existente en cada país y en
cada ciudad (especialmente en los casos de Marruecos, Líbano y Egipto).
De este modo, el mundo árabe deja de ser una totalidad misteriosa, ajena
e incomprensible para los occidentales; detrás de la burka noticiosa
que nos ponen los medios de este lado del planeta, podemos notar que
hay muchas otras cosas sucediendo de manera muy distinta a como las
plantean las notas rojas y amarillas.
Un primer prejuicio
está fundado en pensar a las naciones árabes como regiones pobres y
estéticamente poco atractivas (con excepción, por supuesto, de los
Emiratos Árabes Unidos y su “joya posmoderna”: Dubai). Para contrastar
esta idea, Muguruza nos ofrece vistas de la majestuosidad de los arcos y
palacios de Siria y Marruecos; incluso un país con carencias económicas
tan evidentes como Yemen destaca por su belleza rústica, ancestral: una
verdadera invitación a modificar nuestras preconcepciones de estética
arquitectónica. En un tenor similar, considerar que estas regiones se
encuentran culturalmente anquilosadas en tiempos pasados es un error
absoluto. En el panorama musical que nos presenta el director
encontramos igualmente al compositor clásico egipcio Omar Khairat, a los
rockeros marroquíes Haoussa, a la cantautora pop sudanesa Lisa Shaker; cabe destacar la presencia generalizada del hip-hop y
la electrónica en los países documentados, siendo la MC libanesa
Malikah uno de los casos más significativos, derrumbando tabúes sobre la
posición de la mujer en el Cercano Oriente con su fuerza escénica y
destreza verbal.
Como puede notarse en la mayoría de los episodios, Malikah forma parte
de una pléyade de mujeres que, enfrentándose a estereotipos y realidades
de la figura femenina en el Islam, comparten sus voces y sus dotes
musicales con quienes estemos dispuestos a escucharlas. Intérpretes como
la yemení Jameela Saad, la tunecina Badiaa y la siria Rasha Rizk (entre
varias otras) hacen patente el éxito de mujeres involucradas en la
música dentro de sus propios países y en el exterior. Mención aparte
merece el conjunto sudanés Al-Balabil, conformado por tres damas, cuyas
actuaciones mueven igualmente a hombres y mujeres en la nación donde se
encuentra el tristemente célebre territorio de Darfur.
La devoción religiosa del mundo árabe, traducida por lo común a
nuestras pantallas de televisión como “fundamentalismo” (olvidando que
en naciones “civilizadas” como Noruega también tienen lugar hechos
terroristas justificados por malas interpretaciones de la fe), aparece
en las estaciones como un motor para la creación musical. En las paradas
de Egipto y Sudán, somos testigos de cómo se llevan a cabo los
rituales sufi, donde música y baile se conjuntan para conducir a
los participantes del rito a un estado de trance que los acerca a la
divinidad. El cantar las gracias de Alá constituye, sin duda, una gran
parte del tema que, según uno de los entrevistados, domina la expresión
artística árabe: el amor; amor hacia Dios, amor por la tierra, por la
mujer…
Aunque Next Music Station logra
modificar nuestra visión del mundo árabe en los aspectos arriba
señalados, tampoco ignora los retos que la música y los músicos tienen
ante sí: falta de espacios para presentarse, discriminación de los
occidentales por considerarlos “terroristas”, censura gubernamental y
líneas de pensamiento radicales que consideran “obscena” la apreciación
de sonidos armónicos (esto último comentado por intérpretes yemeníes). A
pesar de lo anterior, estos artistas resisten, ya sea conservando las
tradiciones ancestrales, levantando la voz en contra de las injusticias o
integrándose a los tiempos actuales combinando laúdes y beats.
Hay mucho más por decir de esta serie documental, pero yo los invito a
disfrutar de ella a través de cualquier medio posible. Aquí, en Revista
Registro, los mantendremos informados del momento en que Next Music Station vuelva a hacer una parada en tierras mexicanas.*1
“Nosotros no hacemos films para morir, sino para vivir, para vivir mejor. Y si se nos va la vida en ello, vendrán otros que continuarán…” Raymundo Gleyzer.
“Interrogar al cine partiendo de su faceta documental significa interrogarse sobre el estatuto de la realidad frente a la cámara, o la relación entre el filme y la realidad: Significa elegir un eje de reflexión, un eje que supone que el cine se reinventa a sí mismo cuando logra hacer visible algo que hasta entonces había permanecido inadvertido en nuestro mundo.” Jean Breschand.
Título original: All power to the people! The Black Panther Party and Beyond Dirección: Lee Lew Lee Producción: Lee Lew Lee Montaje: R...
RAM (Revista Archivo Manoseado)
Portada del Nº2 de RAM (Revista Archivo Manoseado), orientada a reflexionar y a divulgar todo lo relacionado al uso de los archivos para la creación de obras derivadas; técnica también conocida como found footage o cine de apropiación, reutilización, re-mezcla, re-edición, re-significación, usurpación, reciclaje, collage, etc.
Título original: Goddo supiido yuu! Burakku emparaa (God Speed You! Black Emperor) 
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