Memoria Iluminada : Julio Cortázar

Dirección y Producción: Ernesto Ardito y Virna Molina
Arte y fotografía: Ernesto Ardito y Virna Molina
Guión, cámara, sonido y montaje: Ernesto Ardito y Virna Molina
Música Original compuesta e interpretada por Ernesto Ardito y Virna Molina
Animaciones: Virna Molina
Voz de Cortázar: Lucas FInocchi.
Produce: Canal Encuentro
País de Producción: Argentina
Año: 2014
Duración: 4 capítulos de 28 min.
Web con todos los films y series de Virna Molina y Ernesto Ardito: virnayernesto.com.ar

Miniserie documental de cuatro capítulos, sobre la vida y obra de Julio Cortázar. Realizado y producido por Ernesto Ardito y Virna Molina para canal Encuentro.

“Memoria Iluminada es una serie que aborda la vida de los principales artistas argentinos, allí narramos en las temporadas anteriores las historias de Alejandra Pizarnik, Raymundo Gleyzer, María Elena Walsh y Paco Urondo. En esta tercera temporada se estrena Julio Cortázar. Su estructura cronológica hace que se pueda ver por episodios (está compuesto de cuatro capítulos) o como documental de largometraje”, contó Ardito sobre el trabajo que producen desde 2012, y que logró una destacada popularidad en la Argentina.

El programa presenta una mirada fuertemente anclada en el contexto cultural e histórico que le tocó vivir al autor de Rayuela, recorriendo el interior de este cronopio parisino que eligió para escribir, pero que a la vez nunca dejó de referir a su lugar de crianza.

Molina reveló que “desde hace 3 años que el universo Cortázar está presente y girando cotidianamente en nuestro espacio de trabajo y creación, desde que realizamos el documental sobre Alejandra Pizarnik. La poesía de ambos tiene un vínculo muy fuerte. Hubo varios proyectos sobre él, que veníamos pensando, hasta que por la urgencia del centenario, Encuentro nos propuso este desafío de producir un especial documental sobre su vida”. 

En muy poco tiempo, desde junio hasta ahora, la pareja se puso manos a la obra: elaboraron el guión, filmaron en el país y en Francia, diseñaron la estética, el arte, comenzaron a editar, y luego a realizar la masterización técnica. “Lo hicimos solos, Virna y yo, ya que es nuestro modo de trabajo como realizadores integrales”, explicó Ardito. “Frente a una obra vamos trabajando por capas, como un pintor, incorporando todas las posibilidades creativas del sonido, la imagen, la música, y todo eso se retroalimenta entre sí, dando un resultado final diferente al de una producción industrial”, detalló el cineasta.

El concepto de “realizador integral”, contaron que surge de una asociación de documentalistas fundada por ellos mismos: el documentalista no sólo piensa y dirige su película, sino que diseña su producción en función de las necesidades estéticas y narrativas, y también realiza técnicamente la película. Es decir, desarrolla la totalidad de los roles técnicos y artísticos, decisión que es producto de la experiencia misma y de la búsqueda intensiva de un método de realización y producción que fortalezca la experiencia cinematográfica. 

“Memoria Iluminada es una serie para TV, pero no se plantea como un lenguaje televisivo reducido a entrevistas, ritmos acelerados o archivos meramente ilustrativos. El desafío fue realizar un proyecto para televisión pero que tuviera un lenguaje cinematográfico, es decir que la TV es sólo el soporte, no afecta el contenido o la estética”, sostuvo Molina. “Por esto la imagen interpreta poéticamente y sensitivamente la obra y los aspectos más conflictivos en la vida de Cortázar, con una cadencia hipnótica, misteriosa y atrapante. Todo el universo de (Julio) Verne y (Edgard Allan) Poe que se diseño para narrar su infancia, es un ejemplo”.

“Toda la primera parte de la serie tiene un anclaje muy fuerte en la infancia de Cortázar, ya que esta etapa de su vida marcó fuertemente su obra, y es muy poco conocida para el público. La serie está elaborada desde diferentes entrevistas que le hicieron a Cortázar durante su vida, él es el núcleo conductor del relato, permitiéndonos desde la imagen desarrollar su filosofía, su poesía y aspectos centrales de su vida. Cuenta también con la colaboración de los testimonios de Sara Facio, Juan Tata Cedrón y Manuel Antín”, agregó.

Documentalismo masivo. Virna Molina y Ernesto Ardito nacieron en Buenos Aires, ambos estudiaron Realización Cinematográfica en la Escuela de Cine de Avellaneda (IDAC), y son reconocidos y premiados internacionalmente por su trabajo como documentalistas. Estrenaron su opera prima Raymundo, en 2003, sobre el periodista y cineasta Raymundo Gleyzer desaparecido por la última dictadura cívico-militar, y Corazón de Fábrica en 2008, que cuenta la experiencia de la ex Zanón, en Neuquén, la productora de cerámica recuperada y autogestionada por sus trabajadores. 

En 2010 Ardito realizó Nazión, ensayo documental que toma la historia del fascismo en la Argentina, y en 2012 concretaron el largometraje Moreno, en base a la vida del pensador político Mariano Moreno. Desde que crearon la serie Memoria Iluminada para Encuentro, sus trabajos alcanzaron una masividad impensada para el documentalismo tradicional. “La razón porque optamos por este medio (la televisión) es la posibilidad de llegar a cientos de miles de espectadores y a todo el país. El cine documental, por sus características no comerciales, suele estrenarse solo en una sala o en tres con suerte y luego hace un circuito itinerante. 

Sus espectadores son 2.000 o 3.000 salvo excepciones, la TV rompe con todo eso. La popularidad ayuda también como plataforma de lanzamiento para la multiplicación en las redes. De todos modos hacemos funciones especiales de nuestros documentales en salas y festivales también, por más que hayan sido estrenados en TV”, dijo Ardito. Otra característica de este dúo es que “cuelgan” sus películas para que sean vistas y descargadas gratuitamente a través de su página www.virnayernesto.com.ar.*1

Fuentes de información: Virna y Ernesto, *1 El Diario, Canal Encuentro.

Capítulo 1 - Serie "Memoria Iluminada" - Julio Cortázar - Infancia

Sinopsis del capítulo 1:

Cortázar afirma que no tuvo una infancia feliz, estuvo signada por la primer guerra mundial, el abandono de su padre y su fragilidad emocional y física. De este modo encontró en la literatura un refugio, la posibilidad de volar a un mundo fantástico de la mano de Julio Verne y Edgar Allan Poe. Pero fue tanta su obsesión con la lectura que los médicos recomendaron a su madre prohibirle los libros por un tiempo. Esto no sucedió. El niño Cortázar comenzó a escribir sonetos, y fue acusado por algunos de su familiares de haberlos plagiado, esta desilusión lo hundió en una gran tristeza. Al entrar en la adolescencia se produjo una ruptura importante en su vida al descubrir Opio de Jean Cocteau. Este libro lo transportó a la vanguardia artística europea y cambio para siempre su modo de ver el mundo.

Capítulo 2 - Serie "Memoria Iluminada" - Julio Cortázar - Bestiario

Sinopsis del capítulo 2:

Cuando Julio Cortázar se recibe de profesor, comienza a dictar clases en Bolívar, Chivilcoy y Mendoza. A las 22:30, en “Memoria iluminada”, a partir de los testimonios de sus alumnos y colegas, descubrimos un período poco conocido y bastante solitario en la vida del artista. Además, su amistad con Edith Arón, la joven que lo acompaña en sus primeros tiempos en Francia y quien inspira el personaje de la Maga, en “Rayuela”.

Capítulo 3 - Serie "Memoria Iluminada" - Julio Cortázar - Lo fantástico

Capítulo 4 - Serie "Memoria Iluminada" - Julio Cortázar - Final del juego

 
JULIO CORTÁZAR

Ver documental completo en Youtube.

Ver mas documentales de Ernesto Ardito y Virna Molina en su web.

Ver mas documentales de Ernesto Ardito y Virna Molina en Naranjas de Hiroshima.

Manual 1 "Dslr y sonido" Manejo básico de una cámara DSLR y de grabadores digitales de audio

Hace mas de un año una amiga me pidió dar un pequeño, rápido y conciso taller para que una amiga suya que se iba a embarcar en un viaje por el Atlántico con una organización ambientalista, lo quería documentar y jamás había usado una cámara DSLR y una grabadora digital de audio semi profesional, así que me pidió que aprendiera a usarla en una sesión y que tuviera un material de consulta en el que poder leer de una manera amena y no muy extensa durante el trayecto y aprendizaje.

Después de pensar durante un buen tiempo que había perdido ese documento recientemente lo encontré, lo hice mas presentable y ahora lo comparto, sobre todo para que esa información no se pierda, otra vez.

No es un manual completo, es mas bien una recopilación de informaciones encontradas en la web y que pueden servir, en mi humilde opinión, como forma introductoria al mundo de las cámaras DSLR y al sonido digital.

A continuación tenéis los enlaces para leer on line y/o descargar en documento, tanto en pdf, como en formatos editables como .odt para Libre Office o .doc.

esta editado bajo la licencia Creative Commons BY-NC-SA

Manual 1 "Dslr y sonido" Manejo básico de una cámara DSLR y de grabadores digitales de audio Compilado de información

PDF

SlideShare

Isuu

Scribd

MEGA

.odt

 MEGA

.doc

MEGA

Manual 1 "Dslr y sonido" - Manejo básico de una cámara DSLR y de grabadores digitales de audio from Naranjas de Hiroshima

Además, incluyo los enlaces a trabajos mas extensos sobre el tema y también publicados en Creative Commons, para su libre lectura, distribución y posibilidad de modificación y reutilización.

Dslr Cinematography Guide Spanish

por http://nofilmschool.com

 “The DSLR Cinematography Guide” traducida al español de Nofilmschool.com cubre prácticamente todos los temas necesarios para grabar video con tu DSLR, desde equipos, audio, estabilización, tarjetas, problemas comunes, entre otros. Si alguno de ustedes está interesado en comenzar a grabar con tu DSRL esta guía es imperdible, es casi como una Biblia.

http://www.enriquerodben.com/guia-de-cinematografia-dslr

Guía de iniciación al video DSLR

Jodorowsky's Dune

Título original: Jodorowsky's Dune

Director: Frank Pavich

Música: Kurt Stenzel

Fotografía: David Cavallo

Intervienen: Alejandro Jodorowsky, Nicolas Winding Refn, H.R. Giger, Richard Stanley, Gary Kurtz, Brontis Jodorowsky, Devin Faraci, Drew McWeeny, Michel Seydoux, Chris Foss

Productora: Snowfort Pictures

País de producción: Estados Unidos

Web oficial: http://jodorowskysdune.com/

Año: 2013

Duración: 83 min.

 

En 1975, el polifacético artista y director de culto Alejandro Jodorowsky soñó con un proyecto: la adptación de la novela clásica de ciencia-ficción "Dune", de Frank Herbert'. Junto al guionista de Hollywood y maestro de efectos especiales Dan O'Bannon, el (futuro) diseñador de "Alien" H.R. Giger y el artista de cómics Jean “Moebius” Giraud, todos bajo la dirección de Jodorowsky, "Dune" sería una superproducción cuyas cotas de ambición sobrepasaban todos los límites. Un sueño que se derrumbó antes de poder alzarse. Al fin, tras cuatro décadas, un documental nos desvela el film que pudo ser el "Dune" de Alejandro Jodorowsky, documental que emplea un enfoque similar a "Lost In La Mancha" de Terry Gilliam, y que nos permite descubrir entrevistas con sus principales artífices y una inmersión en todo el trabajo de pre-producción creado para la cinta. (FILMAFFINITY)

PELÍCULAS QUE NUNCA EXISTIERON: DUNE DE JODOROWSKY Escrito por El Morlock el 15 octubre 2013

En 1974, Alejandro Jodorowsky recibe el encargo de rodar  una película basada en la célebre novela de Frank Herbert, Dune. El proyecto estaba producido por inversionistas privados y celebridades, entre las que se encontraba el mismísimo John Lennon, que consiguieron reunir 9,5 millones de dólares (una cifra descomunal para la época) para que el artista chileno, que en ese momento gozaba de una gran fama internacional, filmara la película más ambiciosa de la historia del cine.

Y Jodorowsky se volcó en el proyecto, llegando a adelantar a la prensa que pensaba hacer de Dune “un filme que causará el mismo efecto alucinógeno del LSD, durará 10 horas y se dividirá en tres capítulos”.

Jodorowsky comenzó la pre-producción de Dune, que ya hoy es legendaria, en la que contrató a la que consideró la gente de más talento del momento: El grupo de rock Pink Floyd se haría cargo de la banda sonora; Salvador Dalí crearía el castillo donde vive el protagonista e interpretaría al Emperador; Orson Welles le asesoraría técnicamente y también trabajaría como actor en el papel de el Barón Harkonnen; Jean Giraud “Moebius” diseñaría la tecnología y vestuario; el ilustrador Chris Foss diseñaría los vehículos; H.R. Giger diseñaría las criaturas y personajes; Dan O´Bannon sería el co-guionista; Douglas Trumbull sería el encargado de los efectos especiales; y el reparto incluía nombres como David Carradine, Charlotte Rampling, Gloria Swanson o Mick Jagger, además de los antes mencionados Orson Welles y Salvador Dalí.

Sobre el fichaje de estos últimos, cuenta el propio Jodorowsky:

“Cuando preparaba el reparto de mi película Dune, basada en la novela de Frank Herbert (proyecto que no se pudo realizar), Salvador Dalí me sometió a una angustiosa prueba. Yo quería que el pintor interpretara al demente Emperador de la Galaxia. Le gustó la idea y, para “conocer el talento de ese jovenzuelo que cree poder dirigir a Dalí“, me invitó a una cena en un lujoso restaurante de París. Me vi sentado frente a él entre un séquito de doce personas. A quemarropa, me preguntó: “Cuando Picasso y yo éramos jóvenes e íbamos a la playa, siempre al pisar la arena encontrábamos un reloj, ¿usted ha encontrado alguna vez en la playa un reloj?”

Los aduladores del artista me miraron con sonrisas crueles. Yo tenía apenas unos segundos para responder. Si decía que había encontrado un reloj, pasaría por ser un pretencioso. Si decía que no había encontrado ninguno, pasaría por un mediocre. No pensé la respuesta, me llegó sola: “¡No he encontrado ningún reloj pero he perdido muchos!” Dalí tosió, dejó de prestarme atención y se puso a hablar con la corte que lo acompañaba. Pero al final de la cena me dijo: “Muy bien, firmaré el contrato”. Luego agregó: “Quiero ser el actor mejor pagado del mundo: 100.000 dólares la hora”.

Modifiqué el guión: inventé que el Emperador tenía un robot idéntico a él, con piel de cera y que lo representaba, y contraté a Dalí por una hora: sólo aparecería sentado en un laboratorio manipulando botones para dirigir su robot. Para el papel de Barón Harkonnen en Dune, un gigantesco gordo malvado, pensé en Orson Welles. Sabía que estaba en Francia, pero, amargado por no encontrar productores, el hombre no quería oír hablar de cine. ¿Dónde encontrarlo? Nadie supo decírmelo. Yo había oído decir que al maestro le encantaba comer y beber. Le pedí a un ayudante que telefoneara a todos los restaurantes gastronómicos de París preguntándoles si Orson Welles era su cliente. Después de innumerables llamadas, un pequeño restaurante, Chez le Loup, nos confirmó que una vez por semana, no un día concreto, el actor cenaba ahí. Decidí comer en ese lugar todos los días. Comencé el lunes.
El local era de una elegancia discreta, con un menú refinado y una carta de vinos excelente. Lo atendía el propio dueño. Todas las paredes, menos una, estaban decoradas con reproducciones de cuadros de Auguste Renoir. En el muro de excepción, dentro de una vitrina, había una silla rota. Le pregunté al dueño el porqué de esa extraña decoración. Me dijo: “Son restos que nos llenan de orgullo: una noche, Orson Welles comió tanto que la silla que lo sostenía se rompió”. Volví el martes, el miércoles, el jueves… Enorme, envuelto en una gran capa negra, llegó el actor. Lo observé con la misma fascinación con que un niño contempla en el zoológico a los grandes animales. Su hambre y su sed eran fabulosos. Lo vi devorar nueve diferentes platos y beber seis botellas de vino. A los postres, le envié una botella de cognac que el propietario me aseguró era el preferido de su voluminoso cliente. Orson Welles, al recibirla, con gran amabilidad me invitó a su mesa. Lo escuché monologar una media hora sobre sí mismo antes de que me atreviera a proponerle el papel. No me interesa actuar. Odio el cine actual. No es un arte, es una industria asquerosa, un inmenso espejismo hijo de la prostitución”. Tragué saliva, su decepción era gigantesca. ¿Cómo entusiasmarlo para que trabajara conmigo?

Me puse tenso, creí que había olvidado todas las palabras pero, de pronto, me oí decirle: “Señor Welles, durante el mes que durará la filmación de su papel, prometo contratar al cocinero jefe de este restaurante, quien cada noche le preparará todos los platos que usted pida, acompañados de los vinos y otros alcoholes de la calidad y cantidad que a usted se le antoje”. Con una gran sonrisa aceptó firmar el contrato.”

Pero el proyecto se demoró durante más de 5 años, y el pánico cundió entre los inversores y productores al comprobar que el 30% del presupuesto del proyecto ya se había gastado solo en la contratación de semejante elenco artístico, y todo ello sin rodar una sola escena.

Así que, ante las pérdidas millonarias, los productores decidieron dar por acabado el proyecto y vender los derechos cinematográficos de Dune para recuperara algo de lo invertido.

Su despido provocó una crisis nerviosa en el cineasta chileno.

Volviendo al proyecto de Jodorowsky en sí, su principal problema, financiación aparte, fue la propia megalomanía del artista. Su proyecto de convertir Dune en una saga de 10 horas, épica, barroca y llena de excesos visuales y creativos, con un marcado fin experimental, era demasiado arriesgada.
Sobre la versión que Jodorowsky hubiera hecho de la novela, hay que partir de la base de que el artista lo que pretendía llevar a la pantalla no era la novela Dune  en sí, sino “un sueño” que tuvo tras leerla. Con eso ya está todo dicho ¿no?

Así que el argumento, como podéis imaginar, era muy distinto de lo que contaba Frank Herbert en su novela. Como ejemplos bizarros, la versión de Jodorowsky incluía un Duque Leto que resultaba castrado en una corrida de toros, al Emperador Shaddam viviendo en un planeta hecho de oro y sentado en un trono que también hacía las veces de váter, y otras libertades narrativas por el estilo.

Fuentes de información: FilmAffinity, Películas que nunca existieron, Películas FLV,

Ver en VO.S.E. en Youtube.

Ver en V.O.S.E. en V.K.

Ver en V.O.S.E. en V.K.

Ver en V.O.S.E. en Popcorn Time.

[NO-RES], vida y muerte de un espacio en tres actos

Dirección: Xavier Artigas
Producciónejecutiva: Ana Castañosa
Jeja de producción: Blanca Esteller
Webmaster: Daniel Bobadilla
Montaje: Meritxell Colell
Sonido directo: Daniel Lacasa
Diseño de sonido: Caros García
Diseño: Bru Laín
País de producción: España
Año: 2013
Duración: 90 min.
Licencia: Creative Commons BY-NC-SA












Crónica de la destrucción de un barrio en la Ciutat Morta *1

Antes de que reventaran la Marca Barcelona con Ciutat Morta en templos de la cultura oficial como el CCCB o el MACBA, en Metromuster ya habían dado documentado la defunción de la ciudad con [No-Res] Vida i mort d´un espai en 3 actes, el primer largometraje producido y realizado por este colectivo. La película dirigida por Xavier Artigas relata los últimos días de un barrio a punto de desaparecer: la Colonia Castells, un oasis donde sus habitantes se relacionan y hacen vida en la calle. Por lo tanto una anomalía dentro de la Ciutat Morta. A pesar de que No-Res y Ciutat Morta sean tan diferentes en la forma narrativa, tratan el mismo tema: “cómo unas políticas pasan por encima de las personas y condicionan sus vidas”, explica Artigas en la Directa.

Arrancar la vida para instalar la Nada. Primero, se tapian las puertas y las ventanas de las casas que dejan los vecinos del barrio. Después la acción de las excavadoras destruye esas casas. En este documental, las cámaras registran el viaje hacia la nada, la transformación de un espacio de vida en un sitio de muerte para satisfacer los intereses de unas operaciones urbanísticas e inmobiliarias que buscan beneficios económicos a toda costa.

La observación paciente de la realidad en [No-Res] acerca la película al documental experimental cultivado por José Luis Guerin (En construcción), Mercedes Álvarez (El cielo gira, Mercado de futuros) o Ricardo Íscar (Tierra negra, El foso). Sin olvidar que otra de las referencias de Metromuster es el cine de Joaquín Jordá. Si [No-Res] retoma la gentrificación como una de las denuncias expuestas en De nens, Ciutat Morta sería una continuación perfecta de la misma película de Jordá, ejemplos de un cine activista que destapa dos de los montajes policiales, judiciales y políticos más sonados de los últimos años en Barcelona.

Que no quede ni rastro del patrimonio histórico de Barcelona parece una de las políticas del Ayuntamiento en los últimos tiempos. Así, incomodaba la memoria de un barrio de casas bajas como la colonia Castells que significaba la pervivencia de una forma de vida basada en la convivencia vecinal: la ciudad horizontal, con la calle como “espacio de socialización en medio de una ciudad que confunde espacio público por lugar de paso, ciudadano por consumidor y patrimonio por punto de interés turístico” como advierte el colectivo.

Resulta una paradoja que un barrio creado para controlar a los obreros recién llegados a la ciudad se acabara convirtiendo en uno de los espacios con mejor calidad de vida de Barcelona. Xavier Artigas ya nos indica al principio de la película que las colonias obreras se construían con el objetivo de que los obreros fueran más productivos, no más felices. Con esas barriadas de casas baratas se aseguraba la productividad de los trabajadores en las industrias de la zona. Y la historia de la Colonia Castells, construida entre Sants y Les Corts en 1923, no era diferente.

Más tarde, en los años 60, llegaría la planificación urbanística del barrio como zona verde. Con ella, la imposibilidad de reformar y rehabilitar las casas del vecindario. Y en la década pasada, se activa el proceso de expropiación con el que empieza la angustia de una larga espera, el síndrome de afectación que describe Marc Dalmau. Entonces se suceden las negociaciones, los enfrentamientos y las disputas que dificultarán la convivencia vecinal. A pesar de la resistencia para conservar el barrio, no se podrá salvar la colonia y desaparecerá uno de los testimonios de la memoria popular barcelonesa.

 

 La corrupción de un Ayuntamiento

 

Los procesos urbanísticos de transformación de los barrios populares expulsan a los pobres para que las personas con mayor poder adquisitivo compren las viviendas nuevas a precios acordes con el nivel económico de la zona. En este caso, la supervivencia de la Colonia Castells, una barriada tan necesitada como desamparada, significaba una molestia en Les Corts, un barrio residencial de clase media-alta con uno de los precios más altos por metro cuadrado en Barcelona. Y para garantizar esta operación, el Ayuntamiento prometía “más tranquilidad y dignidad” a los habitantes que serían expulsados mientras se negaba a escuchar las demandas vecinales.

Entonces la vivienda deja de ser un derecho ciudadano para convertirse en negocio de unos pocos que se lucran con la complicidad de las administraciones. En la destrucción de la colonia Castells, Jordi Hereu asume todo el protagonismo político del proceso al ser el concejal del distrito. Y Jordi Hereu de nuevo, en aquel momento como concejal de seguridad (es decir, jefe político de la Guardia Urbana), aparece como uno de los principales responsables del montaje del 4F. Más allá de sus fracasos como alcalde y de ser el eslabón entre el modelo y la marca Barcelona, ¿acabará algún día la impunidad de Hereu (y compañía) por su implicación en el caso?

Metromuster: cultura audiovisual como arma para el cambio social

 

Metromuster es “una productora independiente que lleva experimentando con el arte, la comunicación y la política desde el 2010” y que quiere contribuir a la transformación social a través del audiovisual, como explican en sus objetivos. En sus proyectos apuestan por la implicación del público en el proceso creativo concebido como obra colectiva. Se trata de crear una comunidad que participe en la conversación de las redes sociales, colabore en la financiación de la película a través del crowdfunding o propicie el debate tras las proyecciones, por ejemplo.

Las licencias libres son otro de los pilares para favorecer la máxima difusión posible de sus obras. “Con las licencias libres seremos igual de pobres que con el copyright pero, como mínimo, podremos compartir lo que hacemos”, decía Xapo Ortega en la entrevista de la Directa. En este sentido, No-Res es una película pionera tanto en el empleo del micromecenazgo como en la coproducción con TV3 para su distribución bajo licencias Creative Commons. En definitiva,  se trata de “deconstruir los códigos del activismo” para seguir agitando conciencias, de los coloquios en centros sociales y ateneos populares a los pases en festivales de cine o la (esperada) proyección de Ciutat Morta en TV3.

[No-Res], vida y muerte de un espacio en 3 actos se puede visionar online desde hace unos meses gracias a la apuesta de Metromuster por las licencias libres. Y también puedes comprar el dvd aquí.

 

Fuentes de información: *1 Cultura en Acción, http://www.no-res.cc

 

[NO-RES], vida y muerte de un espacio en tres actos from metromuster on Vimeo.


 Ver y descargar en HD Vimeo.

The Internet’s Own Boy: The Story of Aaron Swartz

Título original: The Internet's Own Boy: The Story of Aaron Swartz 
Director: Brian Knappenberger
Guión: Brian Knappenberger
Música: John Dragonetti
Productora: Luminant Media
País de producción: Estados Unidos  
Año: 2014
Duración: 105 min.
Licencia:  Creative Commons BY-NC-SA

Cuando era adolescente, Aaron Swartz era un prodigio de la programación informática con una sed insaciable de conocimiento. Después de emerger como un pionero del activismo en Internet, la educación y la política, fue acusado de varios cargos federales en 2011 y 2012, lo que desencadenó una compleja cadena de acontecimientos que dejaron a las oscilaciones de la comunidad de Internet. Poco después, a la edad de 26, Swartz fue encontrado muerto de un aparente suicidio en su apartamento de Brooklyn.   *1 

Ya está disponible en las redes p2p el nuevo documental sobre la vida de Aaron Swartz. Este documental cuenta la vida de un millonario brillante que renuncia a la cultura de las startups de Silicon Valley y en su lugar usa la tecnología para paliar la desigualdad social y para mejorar el acceso abierto al conocimiento.

El resumen de la vida de este chico es el siguiente: contribuyó a crear el estándar RSS, co-creó el lenguaje markdown, confundó Reddit, cocreó Tor2Web,… Cómo podéis ver era una persona inquieta que contribuyó en el Software Libre todo lo que pudo.

Y no sólo contribuyó al Software Libre, sino que también inició o ayudó en diferentes campañas en EEUU en contra del espionaje masivo **y la vulneración de leyes por parte del gobierno de EEUU o a favor de la piratería, tales cómo Stop Online Piracy Act o **el manifesto de Open Guerrilla Access.

Realmente se podrían decir muchas más cosas sobre este chico, pero ya hay muchas páginas escritas al respecto y no tiene sentido reescribirlas. Por eso mismo, dejaré unos links de interés:

Articulo en la Wikipedia sobre el. PDF que traducí de un articulo de la revista Boston Magazine, en la que Bob Swartz, padre de Aaron, explica su versión de la historia (este PDF ya se publicó en otro sitio, pero tal vez sea de interés). La liberación del archivo de JSTOR del MIT fué lo que le acabó llevando a la muerte. Otra vez, gracias al P2P, disponemos de parte de los datos que el consiguió. *2

“Creo firmemente que no es suficiente vivir con el mundo tal cual está. Tomar lo que te dieron y hacer lo que los adultos te dijeron que hicieras. Lo que tus padres te dijeron. Lo que la sociedad te dice que hagas. Creo que siempre deberías cuestionar y tener una actitud científica en la que entiendas que todo lo que aprendas es provisional. Todo puede ser refutado. Lo mismo aplica a la sociedad. Hay cosas que pueden cambiar y hay cosas que están mal que deben cambiar.”

 “El Internet ofrece la posibilidad a las personas a enfrentarse con las grandes corporaciones.”

“El primer paso para hacer la diferencia es creer que puedes lograrlo. Porque ya que lo haces avanzaste la mitad del camino para hacerlo. A veces te sientes sin poder alguno y muy pequeño, pero la realidad es distinta. La cosas se ven así porque nos han hecho creer que no tenemos poder.”

 Aaron Swartz

Fuentes de información: *1 FILMAFFINITY, *2 El Binario, PeliculasKid, Swagger.

 

Ver en V.O.S.E. en Youtube a 720p.

Ver en V.O. y descargar en HD en Archive.org

Ver en V.O.S.E. en Pelispedia
Ver en V.O.S.E. en Youtube.

Ver en V.O.S.E. en VK.

Descargar en V.O. The Pirate Bay.

Descargar subtítulos en castellano en Subdivx.

Una mosca en una botella de Coca-Cola

Director: Javier Couso Permuy
Guionista: Pablo Iglesias Turrión

Producción: Producciones CMI y OMAL-Paz con Dignidad
País de producción: España

Año: 2013

Duración: 23 min.

Sinopsis

El documental Una mosca en una botella de Coca-Cola, una producción audiovisual de Producciones CMI para el Observatorio de Multinacionales en América Latina (OMAL) - Paz con Dignidad, analiza los medios de comunicación que operan en el Estado español y su forma de tratar a los gobiernos populares de América Latina. Tomando como referencia varios textos de Pascual Serrano, en el documental se pregunta hasta qué punto los grupos privados que controlan casi todo lo que se lee, se ve y se oye, obligan a sus medios a defender sus intereses económicos a costa de la verdad y la ética periodística.*1

LA VOZ DE SU AMO

  “La propaganda es a la democracia lo que la cachiporra al estado totalitario” 

Noam Chomsky

Le invito a hacer un experimento: pregunte a un español al azar por Hugo Chávez. Lo más probable es que después de algunos insultos acaben saliendo expresiones como caudillo, dictador, perpetuarse en el poder, régimen, monopolio de los medios, o el celebrado y maleducadamente monárquico “¿por qué no te callas?”. Estas reacciones son una consecuencia probable del trato que los medios daban y dan al fallecido presidente venezolano y a tantos otros líderes latinoamericanos de izquierda. Un trato y una información más cercanos a la persuasión y la desinformación que a la responsabilidad periodística. Una “información” que emana de unos medios de comunicación completamente sesgados por el control de sus amos, grandes grupos empresariales que obligan a anteponer sus intereses a la verdad, en detrimento de una población dócil.

Como ya ha señalado Vicenç Navarro en varios de sus artículos (p.e. 1 y 2) uno de los varemos con los que medir la calidad democrática de un país es la diversidad ideológica de sus medios. En España esta diversidad es más que cuestionable y, como apunta Navarro, es más fácil encontrar en Venezuela un artículo contrario al chavismo que uno que lo defienda en la prensa española. Una prensa que se dice independiente y valedora de la democracia, y que como apunta Una mosca en una botella de Coca-Cola está condicionada por los intereses de sus dueños.

Una mosca en una botella de Coca-Cola a través de la denuncia de la parcialidad de los medios españoles a la hora de tratar los procesos políticos de América Latina, pone el foco en los verdaderos intereses que mueven sus inclinaciones, que no son otros que los de los grupos empresariales que les auspician y poseen. A eso responde el título del documental: los medios pueden criticar a políticos e instituciones (con mayor o menor virulencia) pero nunca publicarán la noticia de que se ha encontrado una mosca en una botella de Coca-Cola, o por miedo a que le retiren la publicidad, o por pertenecer el medio en cuestión al mismo grupo empresarial que la marca criticada.

En su denuncia de la escasa diversidad informativa de nuestros quioscos y cadenas, el documental se muestra coherente al presentar interlocutores y visiones plurales, sin por ello abandonar su posicionamiento y su intención. Esta postura por la que opta el documental se sitúa del lado de los procesos latinoamericanos de izquierdas -desde el bloque del ALBA hasta los menos radicales como es el caso de Argentina- tratando de aportar nitidez a la enturbiada imagen que se difunde en España, y culminando su defensa con un contundente “Democracia significa exprópiese”.

Que los medios de comunicación no son objetivos lo aprendimos hace mucho. Que todos tienen una ideología, una tendencia y unas afinidades también. Que hay ciertos intereses ocultos detrás de ellos es algo que sospechábamos desde la guardería, pero documentales como Una mosca en una botella de Coca-Cola nos ayudan a poner cara/marca a los hilos que mueven esos medios y de paso alejarnos de las posibles acusaciones de conspiranoias. Para informarse y mantener el pensamiento crítico es importante saber quién te está informando, para así entender el por qué de su enfoque, cuáles son su intención y sus intereses.

UNA MOSCA vs. CUARTO PODER

Aunque se agradece la aparición de documentales como Una mosca…, su propósito no es nada novedoso. En 2012 ya vio la luz un documental con la misma meta que éste aunque con menor visibilidad: Cuarto Poder- los medios en la sociedad de la información realizado con licencia Creative Commons por el colectivo audiovisual Tres y un Perro, y que ya fue posteado en su momento en este blog.

Sin intención de situar a uno por encima de otro, ni de entrar en competiciones ridículas, a continuación se realiza una comparación entre ambos con el único propósito de animar al lector a verlos, disfrutarlos y analizarlos bajo su propio criterio.

Más a allá del ya mencionado propósito común, las diferencias entre estos dos documentales se dan en dos frentes: uno estético y otro de profundidad de análisis. En el plano estético, Una mosca… se caracteriza por un formato más cercano al televisivo, con infografías más elaboradas, un narrador en off y acompañamiento musical; mientras que Cuarto Poder tiene un estilo más sobrio y austero, y se apoya casi exclusivamente en los testimonios de los entrevistados.

En el nivel de análisis, Cuarto Poder alcanza mayor profundidad, buceando en los orígenes del problema, desde lo histórico hasta lo ya establecido como estructural. Alcanza así un tono más académico, gracias en parte a que los entrevistados están en buena medida escogidos del mundo universitario. Su propia estructura recuerda más a una investigación académica, concluyendo con un brillante análisis de caso centrado en Venezuela. E impagables son los 15 primeros minutos de trabajo de campo en el que con entrevistas callejeras se realiza un experimento similar al que se proponía al iniciar este artículo.

 

Por su parte, Una mosca en una botella de Coca-Cola se apoya mucho en la experiencia de periodistas, y pretende una diversidad de opiniones de la que carece Cuarto Poder, dedicando un bloque al debate sobre la ética periodística entre sus profesionales. Además aborda un tema ignoto en el lado europeo del Atlántico como es el de las leyes por la diversidad mediática que se practican en algunos países de América Latina, y que aquí son descalificadas unívocamente desde los más oscuros desconocimientos y prejuicios.

No cabe duda que ambas cintas, además de compartir algunos entrevistados (como Pascual Serrano y Juan Carlos Monedero), tienen en común el planteamiento de la información como derecho y la denuncia de la concentración de los medios de comunicación en pocas y poderosas manos, que aúnan lo político, lo mediático y lo económico. Además ambos documentales dan la sensación de nacer motivados por el hartazgo ante el (mal)trato que se da en los medios de comunicación españoles mayoritarios hacia ciertas ideas y políticas latinoamericanas. Su visionado alimenta una perspectiva crítica, tanto hacia los medios como hacia los poderes fácticos que los poseen y manejan, bajo unos intereses alejados de los de la ciudadanía. Difícilmente encenderás tu televisión y encontrarás que están poniendo Una mosca en una botella de Coca-Cola o Cuarto Poder. Por algo será.


Fuentes de información:  *1 Observatorio de multinacionales en América Latina (OMAL), Alejandro Sanz Angulo para Naranjas de Hiroshima.
 

No Job Land

Proyecto multimedia de Gabriel Pecot,Olmo Calvo y Eva Filgueira
Productora asociada: Cristina Castillo Siles
Post-producción de audio: Luis del Toro
Música: Vaz Oliver, Oneiros, Tyrannic toy y Fabrizio Paterlini
País de producción: España
Año: 2013
Duración: 7 min.
Web Oficial: http://www.nojobland.com/

No Job Land #MARCAESPAÑA

por Gonzalo Fanjul en 3.500millones el 5 de marzo de 2014

Cuando la historia del paro ha sido contada tantas veces y lo extraordinario se ha convertido en rutina, resulta muy difícil encontrar un enfoque periodístico que llame la atención del público. Pero eso es precisamente lo que ha conseguido No Job Land #MARCA ESPAÑA, un proyecto multimedia que rueda como la pólvora en redes sociales y del que se han hecho eco medios en EEUU, Gran Bretaña y, solo después, España.

El secreto de esta pequeña joya es dedicar el tiempo suficiente a observar la realidad con compasión pero sin estridencias. Más de tres meses de trabajo dedicados a comprender, documentar y mostrar la historia de dos familias que se dirigen al espectador en primera persona. No Job Land contrapone el día a día del paro, -cuajado de vergüenza, angustia y frustración ("sin trabajo una familia no es una familia")- con la obscenidad de las verdades aceptadas y los eslóganes políticos de fin de semana ("Amigas y amigos: ¡el pesimismo ya está en retirada en nuestro país!", declara un descorbatado Rajoy ante los cuadros de su partido).

"Yo siempre digo que vengo del futuro -nos contaba Gabriel Pecot, uno de los autores del proyecto junto con Olmo Calvo y Eva Filgueira-, porque esto ya lo viví en Argentina a mediados de los 90". Sabemos que también vivió lo que podría venir después: la reacción de una sociedad desesperada. El proyecto cuenta la movilización de la Asamblea de parados de Fontarrón (en Vallecas, Madrid), que acampó durante cuatro días en junio de 2013 antes de ser desalojados por la Policía Nacional. "Que piensen muy bien lo que están haciendo, porque se les puede echar encima", advierte Fernando Mora, un carpintero en paro de 44 años.

Son poco más de siete minutos en los que las fotografías se combinan con el sonido y breves imágenes de vídeo. El montaje de las diferentes piezas es poderosísimo y demuestra el potencial de un periodismo sencillo y austero para el que lo fundamental es la persona sobre la que trata la historia. Su próximo proyecto -agárrense- se asomará a los suicidios que se están produciendo como consecuencia de la crisis. Los que se quedan está abierto para su financiación en la página de micromecenazgo goteo.org. Si les gusta lo que van a ver, anímense a apoyar lo siguiente. Merece la pena.

Para cofinanciar su nuevo proyecto 'Los que se quedan' visita la web del equipo o su goteo.org

Fuentes de información:  Web oficial de No Job Land #MarcaEspaña, Alejandro Sanz Angulo para Naranjas de Hiroshima.