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  • " Posters Cine Documental Diseñados por NAranjas de Hiroshima en su 10º Aniversario"
  • Ahora ya puedes publicar tu documental en Naranjas de Hiroshima
  • Cine documental cubano, con especialidad en los 60´s y 70´s
  • Un documental sobre la cultura audiovisual, un viaje por las vías oficiales y subterráneas del mundo del cine en la Ciudad de México. Producido por Naranjas de Hiroshima
  • "Un país que no tiene cine documental es como una familia sin álbum familiar." Patricio Guzmán
  • "Nosotros no hacemos films para morir, sino para vivir, para vivir mejor. Y si se nos va la vida en ello, vendrán otros que continuarán." Raymundo Gleyzer, 1974

3 Años de Naranjas de Hiroshima

Título original: Naranjas de Hiroshima
Año: 2003-2010...
País de producción: Documentales de todos los continentes.
Dirección: Cine Documental
Producción: Naranjas de Hiroshima
Guión: Las mejores referencias y reseñas de todo tipo de críticos /as, bloggers, escrtitores/as de todo el mundo.
Formato: Blog en Blogger (clásico) y en Kinoki (versión ligera, la mayoría de vídeos no están incrustados, están los enlaces). También se puede acceder con la terminación .tk.
Formato copias: Documental Online en Streaming en variedad de servidores de video, tanto flv, mp4, avi, etc..




Quien nos iba a decir que un día tal como hoy, hace 3 años cuando comenzó el proyecto de Naranjas, que este blog seguiría tanto tiempo y que llegaríamos a las 162667 visitas, 96267 usuarios/as absolutos y 330218 páginas vistas, con un día record de 388 visitas en un día (el 10 de enero de este año), me acuerdo de como nos emocionamos cuando lllegamos a la visita número 100, y pensar que todo esto empezó improvisado, cuando descubrimos que existía la posibilidad de ver online ver videos de larga duración (hoy ya una cosa tan normal) y nos lanzamos a recopilar lo que encontrábamos en la red y empezamos a subir los documentales que pensábamos que todo el mundo debería ver, por esa necesidad visceral de compartir con todo el mundo esas piezas documentales que nos apasionaban, hacia realmente poco tiempo que nos había picado la curiosidad por investigar e investigar sobre el cine documental, sin duda le debemos dar las gracias a Olmo que nos invitara a montar con él un taller sobre cine documental en la Escuela Popular de Prosperidad, de esas ganas de compartir conocimiento de forma horizontal salieron muchas cosas, entre ellas Naranjas de Hiroshima, aprendimos mucho y por suerte seguimos aprendiendo, solo nos faltaría no trabajar para dedicarle el tiempo que necesitaría para dejar el blog mejorado y solucionar todos esos fallos de estructura, diseño y contenido que tenemos.

También debemos agradecer a toda la gente, todos los foros y los otros blogs que nos han motivado a seguir, a toda esa gente que sigue haciéndonos aportaciones y sugerencias, porque sin duda somos nosotros/as, ellos/as y vosotros/as l@s que hacemos Naranjas de Hiroshima.

Mas de 300 entradas y casi 300 documentales después aquí seguimos y por mucho tiempo, esperamos que este sea definitivamente el año de nuestro punto de inflexión, parece que por fin los astros confluyen para realizar uno de los proyectos más ambiciosos (y deseados) de Naranjas, comenzar un tour por latinoamerica y realizar una especie de "festival" itinerante de cine documental, ya os contaremos más adelante nuestros planes, aunque por ahora tenemos confirmada la asistencia al Festival de Cine Underground 1000 Metros Bajo Tierra de Mérida (Venezuela) para Noviembre de 2010, a la que nos han invitado, despueś vendrán otras ciudades, pueblos y gentes.
Iremos con todo nuestro archivo, un proyector y una cámara a cuestas, a fin de poder compartir y ver en pantalla grande una selección de documentales publicados o no por Naranjas, esperamos poder ver en persona a toda esa gente y colectivos con los que hemos establecido contacto todos estos años, además de poder llevar todos nuestros conocimientos a los rincones del continente donde tener un ordenador y/o internet es todo un lujo. Sin olvidar la posibilidad de registrar todo el proceso y poder además de Ver, Leer y Compartir documentales, poder hacerlos.

Mientras tanto, aquí seguiremos, buscando, investigando, bajando, subiendo, copiando, pegando, comentado, posibilitando la oportunidad de leer y ver documentales online y disfrutando de todo este proceso que se resume en Naranjas de Hiroshima.

Gracias a todos y todas por compartir con nosotros/as la pasión por el Cine Documental.


Naranjas de Hiroshima

El Sopar

Título original: El Sopar
Dirección: Pere Portabella
Produccion: Films 59
Jefe Produccion: Jordi Cunill
Ayudante Dirección: Anne M. Settimó
Director Fotografía: Manel Esteban
Ayudante Cámara: Pere Joan Ventura
Jefe Sonido: Anne M. Settimó
Laboratorio: Fotofilm, S.A.E.
Estudio de Sonido: Sonoblok
Versión Original: Castellano - Catalán
Intervienen: Narciso Julián, 24 años de cárcel – PSUC; Angel Abad, 7 años de cárcel – PSUC; Antonio Marín, 8 años de cárcel – CCOO; Lola Ferreira, 3 años de cárcel – PCML; Jordi Cunill, 10 años de cárcel – Juventudes Libertárias de Cataluña
País de producción: España
Año: 1974
Formato: 16mm, 1.33:1, Color.
Duración: 47 min.



Cinco ex presos políticos (Narciso Julián, 24 años de cárcel – PSUC; Angel Abad, 7 años de cárcel – PSUC; Antonio Marín, 8 años de cárcel – CCOO; Lola Ferreira, 3 años de cárcel – PCML; Jordi Cunill, 10 años de cárcel – Juventudes Libertárias de Cataluña) se reúnen clandestinamente en una masía una tarde de 1974, el mismo día de la ejecución de Salvador Puig Antich, para intercambiar sus experiencias en la cárcel. Después de hablar sobre la huelga de hambre, las formas de lucha, la desconexión de la realidad, etc., se produce una inesperada situación final cuando uno de los ex presos efectúa un canto a la vida en cautividad. La contundente réplica de uno de los compañeros no evita el efecto de catarsis de la confesión.

Estado Español, años 70

La cámara de cine se ha convertido en un instrumento político. Conviene que las películas no tengan títulos de crédito. Por si acaso, es mejor entrevistar a la gente a contraluz o incluso encuadrándolos del cuello para abajo. Ya en la década de los 70, la propia policía ordenaba revelar las películas requisadas para identificar posibles sospechosos. Se crea toda una red de distribución clandestina, en la que las películas se sirven bajo nombres falsos, se guardan en pisos francos, se catalogan en listas camufladas entre textos de poesía medieval y se entregan a los interesados bajo un estricto secreto y anonimato. Son los llamados “Volti”.

Era a través de los “Volti” como se distribuían las filmaciones de huelgas, manifestaciones, actos reivindicativos diversos... muchas veces material sin montar, pero a veces películas bien estructuradas, como el “Míting de París” (1971), el documental sobre un acto político multitudinario de Dolores Ibárruri y Santiago Carrillo en la localidad francesa de Montreuil, junto a París, que fue filmado, introducido en España, distribuido y exhibido de manera clandestina por un grupo muy numeroso de personas organizadas alrededor del “Volti”. Hablan de ello algunas de las personas más destacadas, como Pere Ignasi Fages, Roc Villas (hoy director de la Filmoteca de Catalunya) y Manuel Esteban.

A partir de los condicionantes de compromiso político, clandestinidad y represión, surge la película “El sopar”, rodada en 1974, el mismo día de la ejecución de Salvador Puig Antich.

Pere Portabella era el puente entre el PSUC y la estructura del “Volti”: era quien comunicaba cuándo habría una manifestación y por dónde pasaría. Paralelamente y al margen de otras obras más de experimentación vanguardista, es autor de películas de fuerte compromiso político. Es el caso de ”El sopar”, un encuentro de expresos políticos en una casa del Penedès, donde explican y reflexionan sobre su experiencia y el régimen que los encarceló.

¡Hace ya tantos siglos

que nací emparedado,

que me olvidé del mundo,

de cómo canta el árbol,

de la pasión que enciende

el amor en los labios,

de si hay puertas sin llaves

y otras manos sin clavos!

Yo ya creo que todo

-fuera del sueño- es patio.

(Un patio bajo un cielo

de fosa, desgarrado,

que acuchillan y acotan

muros y pararrayos).

Marcos Ana
(poeta y preso político durante 23 años
en las cárceles franquistas)

Fuentes de información: Pere Portabella, RebeldeMule (info y descargas), ChristieBooks (video online aún disponible), La Cinefilia no es Patriota, Blog&Docs (La experiencia comunicativa de Video Nou), Videoteca Popular de Rosario, Filmoteca HankmenBlues (info y descarga directa). Pere Portabella en DivxClásico (infomación y descargas en P2P).

 

 

Ver en ok.ru
Ver en VK.
Ver en Mubi por 2$.
Ver nuestro playlist en Youtube de Pere Portabella.

To Shoot an Elephant


Dirección: Alberto Arce, Mohammad Rujailah
Script: Alberto Arce, Miquel Marti Freixas
Edición: Alberto Arce, Miquel Marti Freixas
Sonido: Francesc Gosalves
Post-producción: Jorge Fernández Mayoral
Diseño: Mr. Brown and Malibrán
Co-producción / Distribución: Eguzki Bideoak.
Traducción: Mohammad Rujailah, Alberto Arce
País de producción: Palestina, España.
Idioma: Arabe, Inglés con subtítulos en castellano.
Duración: 112 min.
Web oficial: To Shoot an Elephant



“(...) Después, cómo no, hubo interminables conversaciones sobre la muerte del elefante. El dueño estaba furioso, pero no era más que un indio y no pudo hacer nada. Además, según la ley, yo había hecho lo correcto, ya que a un elefante loco hay que matarlo como a un perro loco, si su dueño no consigue dominarlo”. George Orwell.
Disparando un Elefante” fue publicado por primera vez en “New Writing”en 1948.

George Orwell definió una manera de ver a Asia, que todavía es válida. “To shoot an elephant” es un relato sobre un testigo presencial en la Franja de Gaza. El 27 de diciembre de 2008, la Operación “Cast lead” (Plomo Fundido) estuvo disparando a elefantes durante 21 días. Imágenes urgentes, insomnes, escalofriantes y sucias de los únicos extranjeros que decidieron y consiguieron permanecer, empotrados en las ambulancias de la Franja de Gaza, al lado de la población civil palestina.

Contexto


La Franja de Gaza vive en estado de asedio desde junio de 2007, cuando Israel la declaró una “entidad enemiga”. Un grupo de activistas internacionales impulsó un movimiento, “ Free Gaza ” , que tiene como objetivo romper ese asedio. Gracias a sus esfuerzos, y a pesar de la prohibición impuesta por Israel a todos los corresponsales y trabajadores de ayuda humanitaria extranjeros de cubrir y ser testigos directos de la “Operación Plomo Fundido”, un grupo de voluntarios internacionales, miembros auto-organizados del International Solidarity Movement, estuvieron presentes en Gaza el 27 de diciembre, en el momento justo en que comenzaron los bombardeos. Junto a dos corresponsales internacionales de Al Jazeera International, Ayman Mohyeldin y Sherine Tadros, ellos fueron los únicos extranjeros que consiguieron escribir, filmar e informar para varios medios de comunicación sobre lo que estaba sucediendo dentro de la asediada franja palestina.

¿Eran periodistas? ¿Eran activistas? ¡A quién le importa! Ellos se convirtieron en testigos. Ser periodista o ser cualquier cosa depende de cómo tú lo sientas. Es una responsabilidad ética que te lleva a compartir con un público más amplio lo que está pasando a tu alrededor. Será el resultado de tu trabajo lo que te conducirá (o no) a una carrera como periodista, no las presuposiciones o las etiquetas. Haz que se enteren. Haz que los que tú quieres que escuchen, escuchen y sean conscientes de lo que tú estás siendo consciente. Esto es ser periodista. Para ser testigo, con una cámara o un lápiz, no es necesario tener un sueldo o una tarjeta que ponga “PRESS”. Olvidad la neutralidad, olvidad la objetividad. No somos palestinos. No somos israelitas. No somos imparciales. Sólo tratamos de ser honestos y contar lo que hemos visto y lo que sabemos. Soy periodista. Si alguien me escucha, soy periodista. En el caso de Gaza, ningún “periodista oficial” tenía autorización ese 27 de diciembre para entrar (excepto los que ya estaban dentro), por lo que nos convertimos en los únicos testigos, con todas las responsabilidades que eso conlleva.

Yo siempre he entendido el periodismo como “una mano encendiendo la luz en una habitación oscura”. El periodista es una persona curiosa, un interrogador desagradable, una cámara y un lápiz rebelde que hacen sentir incómodos a los que están en el poder. Ésta es la esencia de mi trabajo en Gaza, cumplir un deber en el conflicto más narrado de la Tierra, donde, sin embargo, nunca será contada la historia del asedio y del castigo colectivo que Israel está imponiendo a toda la población en respuesta a los cohetes lanzados por Hamas. Por ello, debía ser vivido tal como fue. Entré sigilosamente en Gaza, a pesar de los intentos de Israel por impedirlo. Los que están en el poder en Gaza nos “pidieron cortésmente” que nos fuésemos. Mi idea del periodismo es eso. Cada gobierno del mundo debería sentirse nervioso cuando alguien va por ahí, con una cámara o un lápiz, dispuesto a publicar lo que consiga entender. Y todo ello por el bien de la información, uno de los más grandes pilares de la democracia.

Esto es una película de “periodismo empotrado”. Decidimos “empotrarnos” dentro de las ambulancias, abriendo un diálogo imaginario con aquellos periodistas que se empotran dentro de las ejércitos. Todo el mundo es libre de elegir desde qué lado quiere informar. Pero, en muchas ocasiones, las decisiones no son imparciales. Decidimos que los civiles que trabajan en el rescate de los heridos nos dan una perspectiva mucho más honesta de la situación que para quienes su trabajo es disparar, herir y matar. Preferimos médicos en vez de soldados. Preferimos la valentía de aquellos rescatadores desarmados a aquellos que se alistan y que tienen experiencias tal vez interesantes, pero moralmente rechazables. Es una cuestión de enfoque. A mí no me interesan los miedos, traumas y contradicciones de aquellos que pueden elegir quedarse en casa y decir no a la guerra.

Alberto Arce

Un trabajo colectivo

Esta película nunca hubiera sido posible sin la dedicación y compromiso de Muhammad Rujailah, "The fixer", un lugareño de Gaza que decidió pasar aquellas semanas con nosotros. En casi todo momento fue mis ojos, mi oído y mi voz. La mayoría de los periodistas extranjeros, como no hablan árabe, cuentan con una "figura oculta" que desaparece normalmente de la obra resultante. Yo quiero reconocer su colaboración y labor, porque los extranjeros necesitan de la población local y esta gente debe ver acreditado su trabajo. El Orientalismo condiciona siempre el enfoque del Oriente Medio que tienen los extranjeros, y es ahí donde necesitamos perspectivas locales para superar los estereotipos y construir una narración honesta de la compleja realidad a la que nos enfrentamos.

Esta película tampoco hubiera sido posible sin la confianza, cariño y colaboración de la Sociedad Palestina de la Media Luna Roja y los equipos de ambulancias del Comité de Trabajadores de Sanidad. Rescatadores como Marwan, Hassan, Jamal y muchos otros que estuvieron contestando llamadas telefónicas y emprendiendo alocadas carreras, día y noche, entre bombas y francotiradores aún sabiendo que eran objetivos de los israelitas. Muchos de sus amigos, como Arafa Abdel Daim, fueron asesinados. Les dispararon. Sus coches fueron destruidos, pero nunca se rindieron. Ellos son valientes. Valientes y sin armas. Uno de los mayores intereses de "To shoot an elephant" es el de defender las leyes humanitarias internacionales, mostrando como los equipos médicos y los hospitales fueron objetivos militares mientras llevaban a cabo sus tareas.

En Gaza éramos un equipo. Junto a la población local, Vittorio Arrigoni, Eva Bartlett, Ewa Jasiewicz, Leila, George, Natalie, Jenny y Fidaa formamos un grupo. A continuación, mostraré algunas de sus intenciones y trabajos durante aquellos días. Hubiera sido imposible sin ellos. Tampoco sin la fuerza que recibía a través del teléfono, las llamadas de numerosas activistas en todo el mundo que se comunicaron con nosotros para decirnos simplemente que estaban ahí y que no estábamos solos. Hay que darles las gracias, aunque no pueda dárselas en persona. Me dieron el empujón ético para no rendirme. Haidar Eid y sus compañeros de la Asociación de Profesores Universitarios de la Franja de Gaza, quienes, con su apoyo intelectual para comprender lo que estaba pasando y que se debería hacer después de la masacre de la que fuimos testigos, para ser eficaces en juntar esfuerzos hacía la justicia. Nabil, de la Sociedad Palestina de Auxilio Médico, la persona que nos guió en el campamento de refugiados de Jabalya, y nos ayudó a entender la magnitud y perversidad que implica el castigo colectivo que los habitantes de Gaza están sufriendo.

Algunos de los oficiales del Gobierno español nos ayudaron a salir de allí con todo el material. Era su deber, pero lo hicieron con profesionalidad. Otros no se hubieran involucrado. Mahmud fue nuestro chófer a través de toda aquella locura. Gracias a su taxi, su voluntad y su arrojo conseguimos llegar a casas alcanzadas directamente por proyectiles de fósforo blanco y también filmar el incendio del almacén central de alimentos de las Naciones Unidas, que sucumbió bajo ese mismo fósforo blanco. Y el combatiente Ahmed, que pagó caro el ayudarme. Y Miquel, que confió y creyó en este proyecto desde el principio, cuando hablamos por primera vez. También me apoyó Eguzki Bideoak y todos los participantes y organizadores de los "Encuentros de Fotoperiodismo Ciudad de Gijón", que me ayudaron recuperar la ilusión que había perdido. ¿el abogado?

Sarah y mi familia. Siempre Sarah y mi familia. Yo entro en Gaza porque alguien tuvo confianza en mi. CI Comunicación tienen que ser también reconocidos por ello, lástima que nuestros caminos nos llevaron por distintos derroteros.

Global Screening - Global Screaming

El 18 de enero de 2010 se cumple el primer aniversario del fin del bombardeo de Israel sobre Gaza; ataque que duró desde el 27 de diciembre de 2008 hasta el 18 de enero de 2009 y que terminó con la vida de 1.412 palestinos. El documental To shoot an elephant (TSAE) narra, desde el interior de la Franja de Gaza, lo ocurrido durante aquellos días. Convertido en narración directa y privilegiada de los bombardeos quiere ser herramienta para hacer frente a la propaganda israelí y al silencio internacional.

Por su condición de testimonio de la población civil, TSAE se convierte en material legítimo para narrar lo que allí ocurrió. Es imagen insustituible para ver lo que ocultan los mass media, banda sonora privilegiada para escuchar a quienes viven bajo el control sionista... Fragmento de realidad que muestra cómo es la vida en una guerra de la que no hay posibilidad de escapar.

Open source video-Open source screening

Además de su valor narrativo y de denuncia, TSAE es ejemplo de trabajo colectivo, horizontal y autónomo, que pretende innovar en las maneras y modos de llevar a cabo trabajos audiovisuales, tanto en el propio proceso de producción como en su distribución y comunicación. Apostando deliberadamente por herramientas de trabajo colectivo y licencias Creative Commons queremos que el documental trascienda los límites de quienes lo producen y que se convierta en material de quien lo ve.

Desde el grupo de trabajo de TSAE queremos convocar a cualquier colectivo, grupo o persona a que organice una proyección el 18 de enero de 2010; no importa el lugar, la hora, ni la manera, exceptuando que pedimos que no se cobre entrada para asistir a su emisión. Puede hacerse en la plaza de un pueblo, en un ateneo, casa de cultura, colegio, local de colectivo, centro social, casa okupa, cine...

Lo hemos denominado Global Screening y deseamos que se convierta en un gran evento tanto en la red como a nivel local; para hacer realidad algunos de los principios de la comunicación antagonista, porque constituirá una victoria frente al silencio internacional, porque será elemento vertebrador de redes y difusor de ideas.

El Global Screening tiene el propósito de ser un gran evento político que recuerde los bombardeos del año pasado, pero que también impulse el libre uso de los materiales audiovisuales y las herramientas para compartir contenidos. Por ello, multiplicando los lugares de proyección conseguiremos mayor incidencia del discurso del documental y mayor distribución de su mensaje.

¿Cómo conseguir TSAE?

El documental puede conseguirse de dos maneras, mediante la compra de un DVD, bien a través de la página www.toshootanelephant.com o enviando un correo a toshootanelephant@eguzkibideoak.info. Recomendamos que los pedidos se hagan a la mayor brevedad para que lleguen a todos los lugares a tiempo. Del mismo modo, TSAE está disponible en torrent, en el enlace es este: http://thepiratebay.org/torrent/5249337/To_shoot_an_elephant

Al igual que el contenido audiovisual, en la web del documental también estará disponible el material promocional para que pueda ser utilizado por quien lo necesite (cartelería, postales, flyers...) así como material específico de la proyección para su difusión (banners y carteles mudos).

Siguiendo con la filosofía inicial de este trabajo, queremos que haya cierta reciprocidad en la comunicación y difusión de lo que ocurre en las proyecciones, de lo que se ha hablado y de lo que puede producir este evento. En este sentido, abriremos una línea de comunicación directa en la web para que toda esta información pueda ser difundida... y que todos nos sintamos menos pequeños compartiendo las proyecciones de otros lugares.

Venta del DVD para la financiación de grupos locales

El contenido del documental, la manera en que se ha producido y su difusión han sido pilares básicos del proyecto global de TSAE, y la colaboración, la autonomía creativa y la libertad de acceso a la información ha sido los principales ejes de trabajo. Gestos, maneras y discursos que inciden directamente en el corazón de la producción cultural capitalista dinamitando las cadenas de producción establecidas del mainstream, y creando espacios de contrapoder.

El último eslabón de la cadena, la distribución, merece una reflexión particular: este documental es nuestro y de todas las personas que lo verán, ripearán, colgarán en internet y proyectarán. Por ese motivo, también queremos llevar a cabo una propuesta de distribución que permita redistribuir el dinero que pueda producir la venta de DVDs. Una propuesta lanzada desde el colectivo videoactivista Eguzki Bideoak (enlace para la versión digital), encargado de parte de la producción del documental y de la edición del DVD.

Aprovechando el 18 de enero y la concentración de miles de personas en cientos de lugares de proyección pensamos que es una buena ocasión para la venta del DVD multilingüe en 15 idiomas que se editará para la ocasión. Para poder vender DVDs, los grupos que organizan la proyección deben hacer los pedidos antes del 20 de diciembre o antes de fin de año. La fecha límite para el envío por paquetería será el 5 de enero.

El precio de venta del DVD es de 12 €, pero a los grupos se les distribuirá a la mitad de precio. De esa manera, cada grupo local podrá obtener 6 € por cada venta, para seguir fomentando las actividades que lleva a cabo. Desde Eguzki Bideoak nos encargaremos de gestionar las copias y de hacer los envíos. El número de DVDs que se quiera enviar a cada lugar deberá corresponder a múltiplos de 25, sólo por cuestiones organizativas. Respecto a los costes, cada grupo deberá pagar por adelantado el precio correspondiente a los DVDs que considere que va a vender y los gastos de envío. En caso de que el coste de los gastos de envío supere los 100 €, Eguzki Bideoak pagará la mitad.

Global screening, global screaming.

Si el gesto delicado del aleteo de una mariposa puede provocar huracanes, el compartir un susurro audiovisual podrá mover a quienes nos rodean y quebrar los cimientos del muro israelí. Es lo que queremos del Global Screening y a ello contribuiremos quienes participemos en él. Cuanta más gente se sume, más posibilidades de que nuestro grito colectivo atraviese el espeso silencio que se cierne sobre la interminable noche de Gaza.

Queremos veros, escucharos y leeros el 18 de enero.

Lista de proyecciones globales, comprueba si esta tu localidad, si es así acude, si todavia no hay un proyección programada o quieres que haya otra, montala tu mismo/a, participa en su difusión.

Puedes descargar el documental en Divx de Alta Calidad y subtítulos en variedad de idiomas, por ahora desde la web oficial via Torrent, pincha aquí para descargar, abajo del post hay mas opciones de descarga.

Fuentes de Información: Contamos con el apoyo directo del director Alberto Arce y Eguzki Bideoak, To Shoot an Elepant.




Ver en V.O. con subtitulos en castellano en Youtube.

También ver en V.O. con subtitulos en ingles. Watch with english subtitles.

Ver en DotSub, dísponible con subtítulos en 5 idiomas.

Añadimos la posibilidad de descargar el video en descarga directa, es formato divx de 1,1 gb, con el pack de subtítulos en 14 idiomas, cortado en 12 partes de 100mb y una de 60mb, mas el pack de subtítulos, se pueden descargar desde ya a traves de megaupload:

Parte 1
Parte 2
Parte 3
Parte 4
Parte 5
Parte 6
Parte 7
Parte 8
Parte 9
Parte 10
Parte 11
Parte 12

Pack de subtítulos

Para unirlos puedes usar:
Hjsplit - Para Windows - Mac OS X - (para Linux con Wine)
LX Split - Linux


Velo, copialo, difundelo.


Corazón de Fábrica

Título original: Corazón de Fábrica
Título en inglés: Heart of the Factory
Dirección y Producción: Virna Molina y Ernesto Ardito
Investigación, Guión, Cámara, Montaje: Virna Molina y Ernesto Ardito
Música Original, Diseño y mezcla de sonido: Virna Molina y Ernesto Ardito
Sonido Directo: Guillermo Kohen
Asistentes de Producción: Laura Heredia y Guillermo Kohen
País de Producción: Argentina
Año de Producción: 2008
Duración: 129 min. Edición no comercial: 58 min.
Soporte de Rodaje: Mini DV Progresivo 16:9
Soporte de Exhibición: Betacam sp / Dv Cam / DVD
Idioma original: Español
Versiones disponibles: Español - Inglés – Francés - Alemán
Web Oficial: www.cdfdoc.com.ar
Producción: Jan Vrijman Fund - IDFA - International Documentary Festival of Amsterdam (Holanda). Alter-cine Fondation (Canada). Molina-Ardito, y familia.
Distribución: Compra el DVD en la web oficial por solo 15 €.

No levanta las banderas ni dice lo que hay que hacer. Deja que sea el espectador quien decida. Virna Molina y Ernesto Ardito traspasan el mito de Zanon y logran lo que muy pocos han podido hacer: contar la historia reciente con un lenguaje diferente y desde una perspectiva propia.

Es una de esas películas que te dejan pensando y que querés volver a verla para descubrir cabos sueltos. Con una estética de ficción, el documental sorprende, atrapa y emociona. A través de Zanon, reconstruye la realidad social y política de la provincia sin perder de vista la historia del país. Durante la proyección, la gente revive cada momento coyuntural al tiempo que encuentra un espacio para resignificarlo.

Los hechos son los que marcan la historia de Zanon. El personaje no es uno solo. Es el colectivo, el grupo de trabajadores. La cocina, la carpa de ventas, la reunión de coordinadores, el taller mecánico, los hornos, el refrigerio… en todos lados pasa algo y es simultáneo. Es como ver una novela pero con la fuerza de que los actores son los trabajadores y los hechos, reales.

Corazón… Profundiza en la fábrica y su dinámica al tiempo que analiza de que forma la organización está atravesada por las políticas del Estado y la vida de sus obreros. El trabajo en los grupos, la cotidianidad de las familias. El cambio resuena por todos lados y repercute en el proceso.Al igual que Zanon la película genera amores y no tantos… Molesta porque hace ruido. Busca los detalles que son comunes en cualquier espacio laboral para lograr la identificación de quienes no son militantes. “Si uno hace algo para fortalecer el mito, lo aleja y entonces la gente piensa que es perfecto, único pero inalcanzable. Si uno lo cuestiona, lo humaniza, el proceso se hace real y es posible imaginarlo en otros lugares” explica Virna Molina.Durante dos horas, el documental muestra como hombres y mujeres hicieron de esta experiencia una lucha digna de ser mostrada en una película. Arranca de cero pero sin ser un relato cronológico; cruza ejes temáticos para explicarle a quienes no conocen o no entienden, como es posible la gestión obrera de Zanon. Así sorprende con un obrero que deja la gestión obrera para irse a una petrolera; un compañero que confiesa que rindió para ser policía y un es supervisor que volvió con la gestión obrera y cuenta como fue torturado por la triple a en el cordobazo.

Y va más allá. Indaga en aspectos tan reales y molestos como los que sufre cualquier trabajador: la traición de un dirigente sindical o la falta de respeto hacia las compañeras. Reflexiona acerca de cómo puede socavarse la democracia cuando la información se concentra en unos pocos.

El relato avanza y por momentos se detiene para mirar hacia atrás, en la historia del movimiento obrero. A diferencia de otros documentales, Virna y Ernesto entienden que la experiencia de los ceramistas trasciende el marco de las fábricas recuperadas. Desde la Patagonia Rebelde hasta el asesinato de Carlos Fuentealba. La policía, el aparato coercitivo del gobierno ha servido para reprimir trabajadores. Entonces la película mira hacia el costado y ve otras luchas como la de Lafsa y subterráneos.

Corazón de fábrica explica sin vueltas en que consiste la política de Zanon hacia los jóvenes. Denuncia la violencia a la que son sometidos día a día los chicos y adolescentes: el desempleo, la agresión de la policía, la falta de oportunidades… Crogmanon. Es entonces cuando las imágenes del recital de La Renga muestra que las cosas se pueden hacer bien.

Nada es por arte de magia, el control obrero de Zanon es real y puede llevarse adelante en otros lugares.

Para eso, primero hay que entender que Zanon no es un mito. Es una experiencia de lucha, una más pero la única que se ha mantenido por tanto tiempo, sin jefes ni patrones. Es una experiencia para divulgar en profundidad para que otros vean como es posible.

Por qué no hablar de la expropiación.Los días vividos en Zanon hicieron que Virna y Ernesto pudieran ver más allá de lo que habían conocido acerca del conflicto en Buenos Aires y comenzaran a preguntar que hay detrás de cada consigna.Así fue como luego de 4 años de investigación, tres meses en Zanon, con más de 100 horas de rodaje y dos años de montaje, tomaron la decisión de no hacer hincapié en la propuesta que los ceramistas entienden como la solución definitiva.Hoy la expropiación es la salida concreta del conflicto en lo legal pero el proceso de gestión obrera que aborda el film la trasciende, no se agota con ella.Había que lograr una síntesis en el relato que llegara a un público masivo ya que el objetivo es hacer de Corazón… una verdadera herramienta de lucha.Con la premisa de que el cine es un medio masivo de difusión y que el lenguaje audiovisual gobierna el imaginario social de nuestros días, los realizadores se concentraron en la posibilidad de cambio. Zanon es posible y la transformación es una necesidad concreta. El agotamiento del sistema se verifica a cada momento. Cualquier chico sabe que el planeta está siendo desvastado por las políticas económicas.

Una de las tesis iniciales de la película sostiene que el cambio político va de la mano de una transformación en lo personal. En este sentido, las relaciones humanas son fundamentales al momento de construir una experiencia de organización. Es una nueva forma de vincularse entre compañeros en una nueva dimensión política e histórica que comienza a rastrearse en la experiencia del control obrero de Zanon.

Es necesario ver al otro como un igual en las condiciones laborales, en los conflictos familiares, en otros lugares, en otras épocas. En fin, reconstruir lo que el sistema capitalista fragmenta, separa y aísla.

Para esto, los realizadores pusieron todo su conocimiento del lenguaje audiovisual para que el mensaje, la idea, el concepto llegue al que está viviendo la película. El ojo no pierde de vista el movimiento, los colores y el cerebro ve mucho más allá cuando la música y los sonidos confluyen en un concepto, una sensación, una idea nueva.


Fuentes de Información: Ardito Documental (blog sobre cine documental de Ernesto Ardito) (info y descargas), CFDOC (web oficial), artículo de Laura Heredia, (Publicado en la revista 8300 de la provincia de Neuquén) visto en Ardito Documental, Documentales Libres (info y descargas).




Ver y/o descargar la versión corta desde Vimeo. (Subido por los directores).
Desde el siguiente link del Festival Internacional de Cine Documental de Amsterdam (IDFA) se puede ver online la versión corta para TV de Corazón de Fábrica.

Puedes descargar la versión corta de Corazón de Fábrica diseñada para usos educativos. Dura 58 minutos. Contiene subtitulos en ingles. Desde el blog de uno de los autores, Ardito Documental. La versión original del film es de 129 minutos.

Borrados del Mapa

Título original: Erased, Wipe Off The Map
Drección: Alberto Arce, Miguel Llorens.
Montaje: Olaf Gonzalez.
Producción: C.I. Comunicación.
Formato: Betacam Digital
País de producción: España, Palestina.
Idioma: V.O. Inglés / Árabe (doblado al castellano).
Producción Ejecutiva: Christian Sebastián, José Carlos Díaz.
Duración: 55 min.
Formato copia: TV-Rip.
Web Oficial: WipeOffTheMap.


Alberto Arce, periodista y realizador español, se encontraba dentro de Gaza antes del inicio de los bombardeos en estas últimas Navidades. “Mi intención era pasar unos meses en la Franja grabando un documental sobre la vida de la población bajo el bloqueo israelí. Pese a la dureza de la situación, ya difícil de narrar, lo que nos encontramos a partir del comienzo de los bombardeos fue mucho peor.”

En los últimos días del año 2008, Israel atacó la zona palestina conocida como Franja de Gaza durante tres semanas (27 de diciembre – 18 de enero). Periodistas de todo el mundo volaron hacia la zona para informar del ataque y dar testimonio de lo que empezaba a ser una masacre humana, dada la infinita superioridad armamentística del ejército israelí y la densidad de población, en gran parte civil e indefensa. Los periodistas no pudieron hacer su trabajo, principalmente por el impedimiento de Israel y Egipto a dejarles entrar en Gaza. La mayoría de ellos se quedaron cerca de la frontera durante todo el ataque, viendo sobrevolar los aviones. En España vimos como los periodistas allí destinados por los diferentes medios de comunicación dieron todos aproximadamente la misma “información”, basada en una observación desde fuera del conflicto y en partes de guerra del ejército atacante. Como es habitual, cuando la tensión informativa fue engullida por otros eventos, dejaron de “informar”.

Alberto Arce, periodista y realizador español del cual ya hablamos en Blogs&Docs a raíz de su documental Nablús, la ciudad fantasma (2004) se encontraba dentro de Gaza antes del inicio de los bombardeos. En sus propias palabras: “Mi intención era pasar unos meses en la Franja grabando un documental sobre la vida de la población bajo el bloqueo israelí. Pese a la dureza de la situación, ya difícil de narrar, lo que nos encontramos a partir del comienzo de los bombardeos fue mucho peor.”

De esta manera Alberto Arce se convertiría en el único cámara foráneo que estuvo durante todo el ataque dentro de Gaza. “Salí dos días después del final de los bombardeos, consciente de que el material adquiría importancia informativa y documental en tanto era el único grabado por un extranjero con intención y continuidad durante todo el ataque. Cuando se abrió una evacuación de salida por Egipto me vi obligado a aceptarla, si no la aceptaba ese día no sabía cuando sería la siguiente oportunidad para salir. La Franja estaba y está absolutamente sellada y mis 40 horas de grabación peligraban. Lo más importante era salir de allí y salvar las cintas.” El joven asturiano narra extensamente en El Mundo, Cinco semanas en Gaza, lo que supuso este rodaje extremo. Actualmente de vuelta en España Arce ha comenzado a editar este exclusivo e inédito material, del cual ha realizado un primer trailer. El documental provisionalmente se llama Wipe off the map / Borrados del mapa.

Israel ha sido acusado de usar contra Gaza armas prohíbidas por la convención de Ginebra, tales como bombas de racimo o el uso de armas químicas contra civiles, y de violar la legislación internacional. La BBC lamentaba el impedimiento de no poder informar, recordando que sólo hay cuatro países en el mundo en los cuales sus periodistas no pueden entrar: Corea del Norte, Myanmar, Zimbabwe e Israel.

Fuentes de Información: Artículo de M.Martin Freixas publicado en Blogs&Docs, visto en Ardito Documental, Documania TV (info y video online), Programas TV Online (info y descargas).



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Tiempo de Leyenda

Dirección: José Sánchez-Montes
Guión: José Sánchez-Montes, Mer Cantero
Año: 2009
País de producción: España.
Duración: 54 min.
Idea Original: José Sánchez-Montes
Dirección de Fotografía: Mariano Agudo.
Montaje: Mer Cantero.
Etalonaje: Juan Ventura Pecellín.
Postproducción: Paco L. Campano.
Sonido directo: Juan Egoscozábal, Harold Burgon, Rafa Moya.
Montaje y mezclas de sonido: José Antonio Manovel.
Intervienen: Richaro Pachón, Manuel Molina, Kiko Veneno, Raimundo Amador, Jose Monge Cruz "Camaron de la Isla", Jose Fernandez "Tomatito", Juan "El Camas", Pepe Roca, Rubem Dantas, Pepe Torrano, Antonio Moreno "Tacita", Manolo Rosa, Jorge Pardo, Diego Carrasco, Fautino Nuñez, Paco Diaz Velazquez, Jose Luis Ortiza Nuevo, Luis Clemente, Vince Mendoza.

Producción: TVE, Ático 7, La Zanfoña Producciones, Junta de Andalucia.
Producción ejecutiva: Gervasio Iglesias.
Delegado de Producción: Andres Luque.
Imagenes de archivo: TVE, Filmoteca de Cordoba, Pive Amador.
Archivo fotográfico: Mario Pacheco, Eugenio Benjurrea, Jose Lamarca, Francesc Fabregas, Nacho Beca, Ismael Yebra, Venta de Vargas, Paco Sanchez, Paco Diaz Velázquez, Pive Amador, Bienal de Flamenco de Sevilla, Centro Andaluz de Flamenco, Archivos personales de Ricardo Pacjhón, Kiko Veneno, Raimundo Amador.
Material inédito de la serie: "El Angel" (TVE,1984), dirigida por Ricardo Pachón, Ayuntamiento de Mairena del Alcor, Delegación de Cultura, Revista Vibraciones, Periodico ABC, Catalunya Express, Correo Catalán, El Periódico, Tele-Express.


Sus amigos le decían que había tirado su carrera a la basura y muchos gitanos devolvían el álbum diciendo: "Esto no es un disco de Camarón", recuerda el productor del malogrado cantaor, Ricardo Pachón, en el documental Tiempo de leyenda.

El cantaor gaditano, como acostumbra a pasarle a los genios, fue un adelantado a su época. "Yo sé que de momento no lo van a comprender, pero a la larga si es bueno o es malo... pues allá está", se lamenta el cantaor en un momento de la cinta.

El filme incluye jugoso material inédito previo a la grabación de La leyenda del tiempo --justo se cumplen 30 años--, ya en el estudio y el audio del único concierto que Camarón y sus aliados dieron precisamente en Barcelona como presentación del álbum en la plaza de toros Monumental en 1979, compartiendo cartel con estrellas de la talla de Stanley Clarke y Jaco Pastorious. Pero, ¿cómo es que solo dieron este recital? "Pues porque no vendimos na'", ha explicado esta mañana Tomatito, entre risas, en la presentación del documental.

Un antes y un después

Pero tal y como constata el tocaor y entonces fiel escudero de Camarón, esta grabación significó un antes y un después. "Camarón empezó a cantar de otra manera. Se liberó. La democracia entró en la música". A su lado tiene a otro crack de la guitarra que también participó activamente en La leyenda del tiempo, Raimundo Amador.

"Yo me acababa de casar y la luna de miel la pasé en el estudio", recuerda el exPata Negra. Los dos estuvieron en la proyección, así como el director de la cinta, José Sánchez-Montes. Por cierto, el realizador ha querido aclarar que su intención "no ha sido centrarse en la figura de Camarón, sino en el proceso creativo de este disco capital en la historia de la música".

Pero si hay que resaltar una declaración de los entrevistados en este documental --una iniciativa del canal Cultural de TVE-- la más lucida es la de un músico que, según recuerdan sus compis, se "paseaba con sus rastas y en tanga por el estudio", el percusionista Rubem Dantas: "Creo que el flamenco estaba esperando lo que toda música espera: que vengan los músicos y hagan algo grande por ella". Esta conjunción de flamenco y rock progresivo, con letras de Lorca, Omar Khayan y Kiko Veneno, marcó un hito difícil de olvidar.

Fuentes de Información:
Artículo de Nuria Martorell publicado en El Periódico de Catalunya, TVE.





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Jean-Luc Godard - Histoire du cinéma - Cap.2a



Título original: Histoire(s) du cinema - Cap. 2 - Seul le cinema (en castellano Solo el cine)
Dirección: Jean-Luc Godard
Guión: Jean-Luc Godard
Narración (voz en off): Jean-Luc Godard
Musica: Paul Hindemith, Arvo Pärt, Ludwig van Beethoven, Giya Kancheli, Béla Bartók, Franz Schubert, Igor Stravinsky, Johann Sebastian Bach, John Coltrane, Leonard Cohen, Otis Redding, Dmitri Shostakovich, Anton Webern, Dino Saluzzi, David Darling
Fotografía: Pierre Binggeli, Hervé Duhamel
Montaje: Jean-Luc Godard
Año: 1997 (1988-1998)
Duración: 27 min. 228 minutes (total)
País de producción: Francia, Suiza
Idioma: Francés con subtítulos en castellano.
Producido por: Canal+, Centre National de la Cinématographie, France 3, Gaumont, La Sept, Télévision Suisse Romande, Vega Films.
Distribución: Gaumont, En el estado español está distrubuida la colección completa, en formato cofre, con todos sus capitulos, y además del Film "2 x 50 años cine francés" dirigido por Jean-Luc Godard y Anne-Marie Miéville. Y más extras. Editado por Gaumont e Intermedio, no editado en DVD en Latinoamerica.
Dedicada: a Armand j. Cauliez y Santiago Alvarez (link a especial en Naranjas).


Frente al modelo tradicional de la narración, la polifonía barroca del último Godard revela una nueva genealogía: el rigor conceptual de la vanguardia soviética y la potencia lírica de las vanguardias europeas de la década del veinte. En ese contexto, Histoire(s) du cinéma no pretende construir un relato totalizador acerca de la evolución cinematográfica ni una ilustración en imágenes sobre los acontecimientos políticos del siglo; en todo caso, se dedica a explorar diferentes entonaciones entre el cine y la historia. Más que una enciclopedia cerrada y clasificada, constituye un hipertexto anárquico solo encauzado, provisoriamente, por ciertas recurrencias, obsesiones y fidelidades.

Godard explica su proyecto: “para mí / la gran historia / es la historia del cine / es más grande que las otras / porque se proyecta” (capítulo 2ª, “Seul le cinéma”). La hipótesis es tan arbitraria como productiva: el cine es la única de las artes que puede contar su historia con sus propios medios. No reduce sino que amplifica, porque son las imágenes mismas las que ponen en escena sus relaciones. Las operaciones de edición son aquí el discurso excluyente sobre los filmes. No sería posible una historia de la literatura que solo hablara de sí misma a través de los textos, forzosamente habría que agregar un comentario que traduciría su objeto a un lenguaje segundo. Si Godard, en cambio, puede hablar de una auténtica historia del cine, “la única, la verdadera”, es porque los filmes aportan toda la evidencia de aquello que afirman; no son solo un objeto de estudio sino, además, el vehículo de su propio discurso.


No es la historia de los filmes, ni siquiera a través de los filmes; más bien se trata de la historia en y por los filmes. Se podría decir: la capacidad de las imágenes para hablar de otras imágenes. O tal vez: ese singular lenguaje que surge cuando una imagen se confronta con otra. “Es verdad –declaró Godard- que algunos cineastas se esforzaron por pasar del detalle al conjunto pero hoy parece que el único objetivo es tener imágenes que funcionen solas y que trabajen como en un número de trapecio: en el vacío, en forma aislada, in vitro” Para las Histoire(s) du cinéma, en cambio, una imagen nunca está sola sino que convoca inevitablemente a otras. Y de esa deriva visual surge, luminoso e intransferible, un saber del cine.

Algo ha sucedido en ese cruce. Godard recontextualiza, establece zonas de intercambio imprevisibles, permite leer lo s acontecimientos en un sentido nuevo y revelar algo oculto o desconocido acerca de ellos. Las imágenes de Histoire(s) du cinéma no viene a ilustrar una historia que sería, de algún modo, exterior a ellas; si hay allí algún concepto, es el resultado de una articulación visual. Sobre un primer plano de Pier Paolo Pasolini –teórico, poeta y cineasta- se lee la inscripción: “un pensamiento que forma / una forma que piensa” (capítulo 3A, “La Monnaie de l’ absolu”).

¿En qué consiste ese pensamiento audiovisual? Dice Godard:
Las películas ya casi no se ven; porque ver, para mí, significa la posibilidad de comparar. Pero no comparar una imagen con el recuerdo que tenemos de ella sino comparar dos imágenes y, en el momento en que las estamos viendo, indicar ciertas relaciones. Si se dice: “en tal film, Eisenstein recupera el montaje paralelo inaugurado teóricamente por Griffith”, se debería proyectar a Griffith y a Eisenstein, uno al lado del otro. Entonces, se podría confrontar, como en los tribunales, y se vería qué es verdadero y qué es falso.


Cómo es mostrada la guerra por Stanley Kubrick cómo por Santiago Álvarez; una bruja quemada en la hoguera de Dies Irae y Rita Hayworth cantando en Gilda; Blancanieves y Psicosis; el Fausto de Murnau mezclado con Cyd Charisse y Fred Astaire mientras se escuchan los cuartetos de Beethoven y al amante memorioso de Hace un año en Marienbad. Godard reconoce el derecho de cada imagen, por insignificante que sea, a poseer su propia historia; pero también, en consecuencia, afirma el compromiso del realizador para extraer de cada imagen aquello que en su momento no se vio o no se comprendió y que debe ser mostrado nuevamente desde otro ángulo. Si las sobreimpresiones, los fundidos y las alternancias de Histoire(s) du cinéma entregan imágenes que son tan familiares como asombrosas es porque dejan en evidencia una verdad que no aparecía a simple vista y que esperaba una mirada crítica para revelarse. Como un palimpsesto, cada plano es el resultado de una acumulación de capas, y su desciframiento, se sabe, depende tanto de la arqueología como de la imaginación. Más que Lumière, el modelo de Godard es Méliès. No porque privilegie un cine de montaje a un cine de registro sino porque afirma un estatuto de la imagen cinematográfica que es ineludiblemente asociativo y relacional. El cine no está necesariamente condenado a aquello que recibe del mundo, también consiste en lo que hace con aquello que recibe del mundo.


Fuentes de Información: Artículo de David Oubiña publicado en el blog La Cinefilia no es patriota (Dedicado al Cine Peruano que aún no existe), Wikipedia (en), Cultivadores de Culto (info y descargas).



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Le Mura di Sana'a


Título oroginal: Le mura di Sana'a (documentario in forma d'appello all'UNESCO)
Dirección: Pier Paolo Pasolini.
Guión: Pier Paolo Pasolini.
Montaje: Tatiana Casini Morigi.
Fotografía: Tonino Delli Colli.
Producción: Rosima Amstalt.
Producctor: Franco Rossellini.
Sonido: Cinefonico Palatino.
País de producción: Italia, Yemen
Año: 1971
Duración: 13 min.
Formato: 35mm, Kodak Eastmancolor, Arriflex.
Formato copia: DVD-Rip.











Documental realizado durante el rodaje de El Decamerón como un llamamiento a la UNESCO frente a la demolición de murallas históricas en Yemen.

Sana'a, la capital del Yemen, es una de las ciudades más bellas y antiguas del mundo, edificada sobre un altiplano a unos 2.250 metros de altitud, a los pies del Jebel Nuqum, la Montaña de la Cólera. Visitar la capital de Yemen significa hacer un viaje por el tiempo y la historia, como zambullirse en una fábula de "Las mil y una noches". Una leyenda narra que Sana'a fue fundada por Sem, hijo mayor de Noé, quien tras abandonar el país de origen se trasladó al sur, donde encontró un territorio formado por altas montañas y valles lujuriantes. Se estableció aquí y gracias a él la ciudad fue considerada una especie de refugio y oasis de paz, ya que en el lugar los combates estaban absolutamente prohibidos. Sana'a se distingue de las demás ciudades sobre todo por su arquitectura: las casas de varias plantas (hasta 7-8) que embellecen aún hoy la capital están realizadas con ladrillos de arcilla cocida al sol y enriquecidas con ventanitas de alabastro, fachadas de creta blanca y pequeños balcones tallados que recuerdan encajes. Después de la visita, podremos comprender las razones que llevaron al escritor Pier Paolo Pasolini a lanzar un llamamiento para que la ciudad fuera reconocida por la UNESCO como patrimonio de la humanidad. Basta pensar cómo al principio, y hasta mediados del siglo pasado, la antigua muralla tuviera seis portones de entrada, mientras hoy ha quedado sólo una -la Bab el Yemen (la Puerta de Yemen)- desde donde se accede a la ciudad antigua. Era octubre de 1970 cuando el escritor viajó a Yemen para rodar algunas escenas de la película "El Decameron" y fue entonces que, al terminar el rodaje, realizó con el resto de la película el documental titulado "Las murallas de Sana'a". Aquel llamamiento no paso desapercibido, ya que en 1986 la capital yemenita fue declarada patrimonio de la humanidad.

"Me dirijo a la UNESCO, en nombre de la verdadera, si bien todavía no expresada, voluntad del pueblo yemenita.En nombre de los hombres simples que la pobreza ha mantenido puros. En nombre de la gracia de los siglos oscuros. En nombre de la escandalosa fuerza revolucionaria del pasado, porque aún estamos a tiempo para convencer a una todavía ingenua clase dirigente, que la única riqueza de Yemen es su belleza y conservar tal belleza significa, entre otras cosas, poseer una reserva económica que no cuesta nada. Salvemos a Yemen de su destrucción, porque es un patrimonio que pertenece a la humanidad."

Pier Paolo Pasolini


Fuentes de información: Artículo publicado en Arsenevich (info y descargas), Wikipedia, Pasolini.net.



Ver en V.O.I. en Youtube, en 2 partes. Parte 1, Parte 2.

La Rabia

Título original: La rabbia.
Dirección y guión: Pier Paolo Pasolini.
Asistente de dirección: Carlo di Carlo
Voz en off: Pier Paolo Pasolini comentario en verso, leídas por Giorgio Bassani (voz en la poesía) y Renato Guttuso (voz en prosa).
Música: Pier Paolo Pasolini.
Montaje: Pier Paolo Pasolini, Nino Baragli, Mario Serandrei.
Producción: Opus Film.
Productor: Gastone Ferranti.
Formato: 35 mm B/N.
Paí de producción: Italia
Idioma: Italiano con subtítulos en castellano.
Duración: 53 min.
Año: 1963.
Formato copia: TV-RIP.




En 1962 la televisión italiana tuvo una brillante idea: la de invitar a un director de cine a responder a la pregunta: ¿por qué en todo el mundo se teme a la guerra? El director tendría acceso a los archivos de los informativos televisivos del periodo 1945-1962 y podría editar el material que quisiera y redactar un comentario para acompañarlo. El programa sería de una hora. La pregunta era "candente" porque, en ese momento, el miedo a otra guerra mundial cundía realmente por doquier. La crisis de los misiles nucleares entre Cuba, Estados Unidos y la URSS había tenido lugar en octubre de 1962.

La televisión preguntó a Pasolini, que ya había realizado Accattone, Mamma Roma y La ricotta, y que era una figura polémica habitual en los titulares. Y éste aceptó. Rodó la película y la tituló La rabbia [La rabia].

Cuando los productores la vieron, les entró miedo e insistieron en que otro director, el periodista Giovanni Guareschi, bien conocido por sus ideas derechistas, hiciera una segunda parte y que ambas películas se presentaran como si fueran una sola. Al final, ninguna de las dos se emitió.

Yo diría que La rabbia no se inspira en la cólera, sino en un feroz sentido del aguante. Pasolini observa lo que ocurre en el mundo con una lucidez inquebrantable. (Hay ángeles dibujados por Rembrandt que tienen la misma mirada). Y lo hace porque la realidad es lo único que podemos amar. No hay nada más.

Su rechazo de las hipocresías, medias verdades y falsedades de los codiciosos y los poderosos es total, porque alimentan y fomentan la ignorancia, que es una forma de ceguera frente a la realidad. También porque profanan la memoria, incluso la memoria del propio lenguaje, que es nuestro principal patrimonio.

Sin embargo, la realidad que amaba no podía asumirse sin más, porque en ese momento representaba una decepción histórica demasiado profunda. Las antiguas esperanzas que florecieron y se ampliaron en 1945, después de la derrota del fascismo, habían sido traicionadas.

La URSS había invadido Hungría. Francia había iniciado su guerra cobarde contra Argelia. El acceso a la independencia de las antiguas colonias africanas era una farsa macabra. Lumumba había sido liquidado por los títeres de la CIA. El neocapitalismo ya estaba planificando su toma del poder mundial.

Sin embargo, pese a todo, lo que se nos había legado era demasiado precioso y demasiado problemático como para abandonarlo. O, dicho de otra manera, era imposible dejar a un lado las tácitas y ubicuas exigencias de la realidad. La exigencia que había en la forma de llevar un chal. En el rostro de un muchacho. En una calle llena de gente exigiendo menos injusticia. En la carcajada de sus expectativas y en la temeridad de sus bromas. De ahí surgía su cólera frente al aguante.

La respuesta de Pasolini a la pregunta planteada inicialmente era sencilla: la lucha de clases explica la guerra.

El filme termina con un soliloquio imaginario de Gagarin, que, después de observar la Tierra desde el espacio exterior, comenta que todos los hombres, vistos desde esa distancia, son hermanos que deberían abjurar de las sangrientas prácticas del planeta.

Sin embargo, lo esencial es que la película contempla experiencias que tanto la pregunta como la respuesta dejan de lado. La frialdad del invierno para los indigentes. La calidez que el recuerdo de los héroes revolucionarios puede reportar, el carácter irreconciliable de la libertad y del odio, el aire campesino del papa Juan XXIII, cuya mirada sonríe como una tortuga, las culpas de Stalin, que eran las nuestras, la diabólica tentación de pensar que las luchas han terminado, la muerte de Marilyn Monroe y la belleza, que es lo único que queda de la estupidez del pasado y el salvajismo del futuro, la naturaleza y la riqueza, que son la misma cosa para las clases pudientes, nuestras madres y sus lágrimas hereditarias, los hijos de los hijos de los hijos, las injusticias que surgen incluso de una noble victoria, el pequeño pánico en los ojos de Sofía Loren al observar a un pescador abrir con las manos una anguila en canal...

Fuentes de información: Extracto de artículo "El coro que llevamos en la cabeza" de John Berger, publicado en Babelia de El País, Pasolini.net, RebeldeMule (info y descargas), Cultivadores de Culto (info y descargas).



 Trailer La rabbia






Apuntes para una Orestíada africana



Título Original: Appunti per un'Orestiade africana
Dirección: Pier Paolo Pasolini
Producción: Gian Vittorio Baldi
Guión: Pier Paolo Pasolini
Música: Gato Barbieri
Sonido: Federico Savina
Montaje: Cleofe Conversi, Pier Paolo Pasolini
Fotografía: Giorgio Pelloni, Mario Bagnato, Emore Galeassi
Fecha de rodaje: diciembre de 1968 y febrero de 1969
Locaciones: Uganda, Kenya, Tanzania, Roma, Folkstudio
Voz off: Pier Paolo Pasolini
Idioma: Italiano con subtítulos en castellano.
Formato: Eastmancolor; 16 mm, b/n, Arriflex
País de producción: Italia
Año: 1970
Duración: 65 min.
Productora: IDI Cinematográfica, Radiotelevisiona Italiana, I Film Dell'Orso







Ante la posibilidad de filmar una adaptación de la Orestíada de Esquilo ambientada en África, Pasolini busca en dicho continente un escenario alternativo, así como nuevos rostros para Agamenón, Electra, Clitemnestra y los integrantes del coro. La película —verdadero story-board visual— se compone de una combinación entre documental y escenas filmadas por el propio realizador en varias locaciones africanas, todo ello aderezado por los punzantes comentarios políticos y estéticos del cineasta. En algún momento, Pasolini llega incluso a considerar otras alternativas: por ejemplo, un melodrama musical en jazz, protagonizado por actores afroamericanos.

El artista, habiendo decidido encarnar una trilogía de Esquilo1, la Orestíada2, en el drama social y político del Tercer Mundo de la última década, recorre tres estados africanos modernos (Kenya, Tanganika, Uganda) a la búsqueda de los rostros de los posibles personajes, los paisajes, los ambientes. Quiere que todo ello sea real, no artificial, que configuren la transformación de las Furias en Euménides, que recuerden el templo de Apolo donde Orestes será juzgado no ya por un tribunal divino sino por uno humano. Estudia diversas soluciones a los problemas expresivos y el material recopilado es posteriormente presentado a estudiantes africanos de la Universidad de Roma, con quienes lo discute para verificar la idea de fondo y para resolver mejor el problema de la datación moderna de la Orestíada en la década de 1960 o en un período posterior. El film es un documental y no disimula su carácter de apuntes. Fuera de campo, la voz del realizador comenta las imágenes y los fragmentos de Esquilo.

En el transcurso de la realización de Apuntes para un Film sobre la India1, Pasolini proyectó prolongar el discurso sobre el tema de la religión y del hambre y sus problemas de los países del Tercer Mundo rodando episodios que representasen alguna realidad, como aquellos de los países africanos, árabes, latinoamericanos y de los ghettos negros de los Estados Unidos de América. Tal proyecto se reveló imposible de realizar por dificultades de producción. (...) Hablando de esta hipótesis de film sobre el Tercer Mundo a Jean Duflot (Pier Paolo Pasolini. Il Sogno del Centauro, Roma, 1983), Pasolini precisó: "Este es un proyecto que no he abandonado del todo (...). De qué manera podré realizarlo aún no lo sé bien (...) Que el film debo rodarlo en diversos países del Tercer Mundo (...) Era casi una suerte de documental, de ensayo. No puedo concebirlo más que de esta manera. Pero a quienes lo he destinado no son aquellas pocas élites politizadas que están interesadas en los problemas del Tercer Mundo. Para extender este público previsible, tendré que hacer un film ‘periodístico’. Es difícil tratar un argumento de este tipo con toda tranquilidad, sea en el plano ideológico o político. Pienso que a los marxistas oficiales cierta verdad no les será del todo agradable. Si bien los contestatarios, por su lado, encontrarán materia de controversia”. Si bien el film, a pesar de su interés, no verá ya la luz, Pasolini rodó, pero para la televisión italiana, un documental de cincuenta minutos, Appunti per un'Orestiada africana, del que diría Moravia: "[…] es uno de los más bellos de. Ni convencional ni pintoresco, el documental muestra un África auténtica, para nada exótica y tanto más misteriosa, con el misterio propio de la existencia, con sus vastos paisajes de prehistoria, sus míseras ciudades habitadas por una humanidad campesina y primitiva, sus dos o tres ciudades modernísimas ya industriales y proletarias. Pasolini ‘siente’ el África negra con la misma simpatía poética y original con la cual ha su tiempo ha sentido el bajo proletariado romano”.

Apenas iniciada la película, cuyo primer plano después de los títulos de crédito es el rostro de Pier Paolo Pasolini reflejado en una vidriera de un país africano, su voz over nos dice: “Evidentemente vine a filmar. ¿Filmar qué? No un documental ni un film. Vine a filmar anotaciones para una película que será Orestíada africana”. Si entendemos, lo que parece razonable, que cuando dice film el referente es el cine de ficción, lo que el autor está enunciando, casi a la manera de un prólogo y con su rostro como firma, es el carácter inclasificable, al menos dentro de lo que dictamina el canon que se predica desde las escuelas de cine, de este trabajo. Más allá de que bastantes planos registran situaciones que igualmente se hubieran producido de no estar allí la cámara para captarlas –lo que podría marcarlos como pertenecientes al documental–, su articulación y, sobre todo, la permanente voz del cineasta, que tan pronto los comenta como los metaforiza a través del roce con el discurso verbal, los contamina, provocando su ficcionalización. Pero tampoco podemos decir que estamos frente a un film de ficción en la medida en que aquellas situaciones, al menos en la dirección que señala el corazón de la industria, son siempre narrativas, es decir, construyen personajes, sucesos, transformaciones y cierres de diverso tipo, que apuntan a resolver de alguna manera los conflictos planteados. Es la concreción de uno de los sueños, irrealizados, de Serguei Eisenstein, pasible de ser ubicado, si hiciera falta, junto a, entre otras pero no tantas, Histoire(s) du Cinéma (Jean-Luc Godard, 1988-1998) , Tren de Sombras (José Luis Guerín, 1997) y Sil Sol (Chris Marker, 1982), films todos que, pese a las innumerables –e irreductibles– diferencias que los separan, tienen en común el proponer una primera persona, que remite al autor del film, reflexionando sobre uno o varios temas sin recurrir a la narración, al menos tal como se la entiende comúnmente.

Mientras busca escenarios y seres humanos para su proyecto, Pasolini dice: “Me gustaría que mi película de la Orestíada en África fuera una película con carácter básicamente popular.” Lo notable es que trabajando con materiales que pertenecen, desdichadamente, a la alta cultura de Occidente y con materiales –todo lo relativo a la vida africana– que podrían resultarnos ajenos, consiga su propósito, regresando a un cine que puede interesar a todo el mundo, que había abandonado después de la maravillosa ¿Qué Son las Nubes? (1967) y evocando en este final con una situación colectiva al de El Evangelio según Mateo (1964). En el final de su película inmediatamente posterior a ésta –Decamerón (1970)–, el Giotto, o un discípulo adelantado de él, interpretado por el propio Pasolini, mira a cámara y pregunta: “¿Para qué realizar una obra cuando es tan bello soñarla solamente?” Quizá allí esté la respuesta que puede explicar el porqué no realizó nunca el proyecto que disparó este film. Porque ya lo había soñado y ese sueño se llama La Orestíada Africana, nunca estrenado en nuestro país y recién presentado en Italia a cinco años largos de su rodaje, el 29 de noviembre de 1975, veintisiete días después del asesinato de su autor.

Pasados los años, resulta curioso constatar que mientras vivía Pasolini, la crítica en general, y especialmente la italiana, lo valoraba, a veces, colocándolo siempre muy por debajo de otros cineastas, considerados maestros, como Federico Fellini y Luchino Visconti. Esa apreciación hoy no se sostiene, revisar la producción de Pasolini es advertir su absoluta contemporaneidad y vigencia, su provocación a filmar. que es lo que ya no producen los otros mencionados.

Fuentes de Información: Wikipedia, Tesis "Pier Paolo Pasolini. Appunti per un’Orestiade Africana" de Alicia Romero y Marcelo Giménez publicado en De Arte y Pasiones, Pier Paolo Pasolini.