Night Mail

Titulo Original: Night Mail.

País de Producción: U.K.
Año: 1936
Duración: 25 min.
Idioma: Ingles sin subtítulos.
Director: Basil Wright & Harry Watt
Productor: Basil Wright & Harry Watt
Supervisor de producción: John Grierson
Compositor: Benjamin Britten
Director de fotografía: Robert J. Flaherty
Edición: Basil Wright/R.Q. McNaughton
Night Mail recoge el servicio de un tren especial en su recorrido desde Londres a Glasgow. El proceso es mostrado y explicado desde la carga y clasificación, hasta su traslado y distribución. Al margen de la voluntad de enseñar a los británicos como funciona su servicio de correos, Night Mail tiene una estructura poética y, en sus escenas finales, un esquema formal semejante al que usara el propio Vertov.


Grierson inaugura un modelo que reaparecerá con frecuencia en el futuro, empezando por el Office National du Film Canadien cuya creación supervisó él mismo (1939). Este modelo llegará a influir en las futuras televisiones de servicio público. Porque Drifters también es fruto de la implicación del gobierno británico a través de dos organismos oficiales: el EMB, Empire Marketing Board, que tutela el comercio de las colonias y, luego, a partir de 1933, el GPO, General Post Office. Gracias a este excepcional apoyo financiero, Grierson levanta un verdadero taller de producción que se ocupa desde la formación de técnicos a la distribución de las películas. En diez años se producen más de cuatrocientos filmes sobre los más variados ámbitos de actividades (industrias, agricultura, higiene, etc.), sin llegar a entrar, no obstante, en los circuitos comerciales. La gran mayoría de ellos se distribuye a través de redes no comerciales (fábricas, colegios, asociaciones) , que pese a todo implican a un amplio público. En este sentido, las propias películas pasan a ser vínculo entre los hombres, unen ciudades y clases igual que el tren correo une Inglaterra y Escocia, como cuenta el hermoso filme de Basil Wright y Harry Watt, Night Mail (1936), una de cuyas escenas aparece escandida por un poema de W. H. Auden. Industrial Britain (1933), de Flaherty (invitado por un Grierson a la vez fascinado y contrariado por el tiempo que el maestro tarda en realizar el filme); North Sea (1938), de Harry Watt (sobre el guiado por radio de los bous) son algunas de las cintas más representativas de esta idea de una comunidad de los hombres, de una interdependencia general.
Nos hallamos aquí en la encrucijada entre exigencia política e inquietud estética. La voluntad de ir al encuentro del mundo real, de dar una imagen de los seres anónimos que constituyen la vida cotidiana de un país, toma finalmente los acentos de una exhortación a la unión nacional.

Jean Breschand.- El documental: la otra cara del cine.- "Los orígenes del documental" (Págs. 20 y 21)

Fuentes de Información: DocumentaWeb,

Ver en 3 partes en Youtube:
Parte 1

Parte 2
Parte 3

Ver en Youku en 2 partes:
Parte 1
Parte 2

Steal This Film l y ll

Corren extraños tiempos. Mientras los mass media continuan dominando la audiencia, grupos legendarios como los Beatles se venden y comparten por viejos y nuevos modelos de distribución. Entre la piratería y la institucionalizada propiedad intelectual. Porque las oleadas de represión no cesan, las legislaciones de los diferentes piases están empezando a criminalizar a gente inocente, los arrestos son la manera de darle más sensacionalismo y confundir aún más al público en general. Es el pretexto para restringir los derechos y libertades que ahora en teoría tenemos.

La primera parte de este documental registro más de 3 millones de descargas en Internet.

El primer documental tiene como protagonistas a reconocidos colectivos de la “cultura pirata” sueca como The Pirate Bay, Piratbyrån, y Pirate Party.

Lo que dice el Pirate Party del CopyRight:
"Se dice que el copyright es necesario para la creación de cultura, y que las patentes son necesarias para promover la innovación. Esto ha sido repetido tan a menudo que nadie lo cuestiona. Nosotros lo cuestionamos y declaramos que es sólo un mito, perpetuado por aquellos que tienen algo que ganar preveyendo el desarrollo de la cultura y la tecnología.

Cuando sobrepasamos un punto crítico, el copyright PREVIENE la nueva cultura, y las patentes PREVIENE la innovación. Sobre todo, las leyes de copyright actuales no mantienen ningún tipo de equilibrio necesario entre los intereses económicos de los creadores y los intereses culturales de la sociedad: no hay ninguna razón para que nadie necesite ser remunerado hasta 70 años después de su propia muerte.

Cada ciudadano tiene derecho a recoger, usar, derivar de, y distribuir cualquier cultura, conocimiento e información pública, siempre que sea para uso no comercial. Las patentes están contrarrestando su propósito inicial, y necesitan ser abolidas completamente. El copyright necesita volver a un nivel justo y equilibrado, de forma que el creador pueda tener un período corto pero suficientemente largo de protección – por ejemplo, cinco años – para conseguir diner de trabajos creativos en entornos comerciales."

Parte 1 Version Original con Subtítulos en Castellano.

La segunda parte del documental sobre propiedad intelectual “Steal This Film” producido por un colectivo autodenominado The League of Noble Peers. El documental tiene esta vez un carácter más internacional y aparecen declaraciones de personas como Yochai Benkler (Yale Law School), Rick Prelinger (Prelinger Archives), Erik (Mininova), Aaron Swartz (Reddit), Sebastian Lütgert (Pirate Cinema), Fred von Lohmann (EFF), Brewster Kahle (Internet Archive), Howard Rheinhold (Smartmobs), Dan Glickman (MPAA), Felix Stalder (Openflows), Adam Burns (free2air.org) y Peter Sunde (Pirate Bay), entre otros.





En la página web de este documental podemos leer sus argumentos:

"These are strange times indeed. While they continue to command so much attention in the mainstream media, the ‘battles’ between old and new modes of distribution, between the pirate and the institution of copyright, seem to many of us already lost and won. We know who the victors are. Why then say any more?"

"Realmente vivimos tiempos extraños. Mientras que ellos siguen captando la atención de los grandes medios de comunicación, las batallas entre los antiguos y los nuevos medios de distribución, entre los piratas y la institución de los derechos de autor, parece que muchos de nosotros ya perdimos y ganamos. Sabemos quienes son los vencedores. ¿Por qué no decirlo más?"


Parte 2 Version Original con Subtítulos en Castellano.



Steal This Film La película cuenta con subtitulos en español. Los enlaces para descargarla estan aqui o puedes hacerlo legalmente buscando con el programa P2P que utilices habitualmente.
El documental se distribuye a través de BitTorrent en diversos formatos (XVid, DVD, iPod y HD).

Uno por ciento esquizofrenia

Guión y dirección: Ione Hernández.
Idea original: Julio Medem.
Producción: Julio Medem para Alicia Produce.
Dirección de Producción: Gemma Cubero del Barrio e Ionne Hernández.
Producción ejecutiva: Gemma Cubero del Barrio y Koldo Zuazua.
Jefe de Producción: Álvaro Medem.
Montaje: Ione Hernández y Julio Medem.
Música original: Javier Casado.
Imagen: Fernando Fernández y David Tudela.
Sonido: Sounders Creación Sonora.
País de Producción: España.
Año: 2006
Duración: 70 minutos.

“Nadie sabe realmente qué es lo que ocurre en el cerebro de un esquizofrénico. Todo son lagunas, todo está por descubrir…” Un negro envolvente de principio a fin enmarca y acoge a los protagonistas de este documental, Uno por ciento, esquizofrenia, transportando al espectador con la oscura poética de este marco a un recorrido laberíntico poblado de espacios múltiples donde los prejuicios se transforman en invitaciones de acercamiento a compartir lo misterioso, doloroso, impensable y humano de esta enfermedad. El misterio de lo incomprensible, de lo nunca contado, asoma en Uno por ciento, esquizofrenia con la fuerza de aquel que más que nunca necesita contar para siempre la naturaleza y lo natural de la imposibilidad de controlar la mente".

Setenta y cinco secos, duros, desasosegantes minutos dura 'Uno por ciento, esquizofrenia', el documental con el que Julio Medem y la directora donostiarra Ione Hernández pretenden rajar el tabú social ante un mal que afecta a 52 millones de personas en todo el mundo. Y que es ignorado por la inmensa mayoría del resto de los mortales.

La idea de poner la cámara y el micrófono delante de los enfermos esquizoides para que contaran sin rodeos la enfermedad que les afecta y cómo les afecta fue idea del propio Medem, que hace año y medio encargó a Ione Hernández la realización de la película sobre un guión coescrito por ambos.

"Siempre me interesó mucho el tema de la esquizofrenia", comenta Julio Medem. "Me hice médico para ser psiquiatra, aunque no lo soy, por suerte; porque cuando descubrí la esquizofrenia, me di cuenta de que nunca sería capaz de ayudar a estas personas... y mira, ni siquiera he sido capaz de dirigir esta película, una película que, aviso, remueve muchas cosas, y eso es fundamental".

La coguionista y directora Ione Hernández, que firma aquí su primer largo tras haber rodado cortos de ficción, explica: "Es increíble, pero no me he encontrado a casi nadie que sepa que se haya hecho este documental que no tuviera a alguien cercano con este problema... y sin embargo, nunca lo habían comentado. En ese sentido, creo que esta película puede ayudar a hablar, a romper el tabú".

Fuente de Información: Web de Julio Medem, El Mundo.
Servidores de video online: GoogleVideo, Tu.tv.

A ras del suelo

Título: A ras del suelo
Año: 2006
Dirección: Alberto Garcia Ortiz, Agatha Maciaszek.
Formato original: BETA CAM PAL / color.
Idioma: Castellano.
Duración: 93 min.
Piís de producción: España.
Producción: Josevi Soria.
Guión: Alberto Garcia Ortiz, Agatha Maciaszek.
Fotografía: Alberto Garcia Ortiz.
Montaje: Alberto Garcia Ortiz, Agatha Maciaszek.
Sonido: Alfonso Arias Parera
Música: Alfonso Arias Parera

Rodado a lo largo de tres años, el documental A ras del suelo se ha convertido en una de las autoproducciones más interesantes de los últimos tiempos. Centrado en las peripecias cotidianas de varios vecinos del barrio madrileño de Lavapiés, inmerso en un proceso de rehabilitación que no deja indiferente a nadie, A ras de suelo es una decidida apuesta por un tipo de documental ajeno al endiablado ritmo de las manecillas del reloj.

"La idea original era hacer un documental sobre la situación esperpéntica del centro de salud de la calle Tribulete, que no está preparado para cubrir las necesidades del barrio. No obstante, las autoridades del centro no nos dejaron filmar en su interior, lo que nos obligó a llevar el rodaje a la calle para conocer la opinión de los vecinos. Algunas organizaciones, como la Red de Lavapiés, llevaban años reivindicando un centro de salud en condiciones. Así que comenzamos a fijarnos en otras protestas que tenían como elemento común el malestar por el plan de rehabilitación de Lavapiés. Se estaba gastando mucho dinero en cosas que a los vecinos ni les iba ni les venía."

"Aunque la idea original era hacer un documental de denuncia, cuando empezamos a rodar nos dimos cuenta de que no era eso lo que queríamos hacer. “Político” no tiene por qué ser sinónimo de “evidente”. Tu mirada sobre la realidad es de suyo un acto político. Una conversación de cinco minutos entre dos personas mayores en un banco de una plaza cualquiera puede ser más reveladora que una entrevista a un sociólogo de izquierdas. En construcción es una película muy política pero, al mismo tiempo, resulta extremadamente sutil. A través de pequeñas historias y conversaciones entre vecinos se revela una verdad que está ahí latente, el director no necesita forzar la situación para reflejarla. A nosotros nos interesa más esa línea; desmitificar el discurso militante y buscar otras formas de hacer cine político, entendiendo por tal el cine que toma postura frente a la realidad. El cine es también un medio artístico y hay que explotar sus posibilidades."

Fuentes de información: El Ojo Cojo, La Dinamo Blog, A Ras de Suelo.
Fuente del video: Roig i Negre Videos.
Puntos de venta del DVD (Contiene material extra del documental y varios cortos): A Ras de Suelo.

Ver en Youtube.

Llevaba al menos dos años, desde que conocí a Alberto y Agatha, queriendo subir este documental y publicarlo aquí, pero por unas cosas y otras la cosa se iba alargando, por fin, otro blog se decidió a subirlo. Espero que disfrutéis este imprescindible documental, todo un clásico del documental madrileño de esta década, un ejemplo mas de como hoy en día un documental autoproducido, quizás con mas tiempo de preproducción, rodaje y montaje, pero seguramente hecho con mas cariño, puede llegar a los niveles "profesionales", eso si, peleándose practicamente al mismo nivel que las producciones "profesionales" en el tema de la distribución.
Además de todo esto os añadimos un previo de la próxima producción de Agatha y Alberto, aún en fase de rodaje.

Los Ulises

El grupo de chicos indios en Ceuta siguen acampando en el monte para que no les deporten. Ya llevan 9 meses en el monte y, aunque las fuerzas siguen, el tiempo y la incertidumbre hacen mella en ellos, en sus esperanzas, sus sueños y sus pensamientos. Después de entre 3 y 5 años que salieron de la India, su meta parece lejana, a pesar de estar a tan sólo 14 kilómetros.


LOS ULISES-DEMO ENERO 2009 from Alberto García on Vimeo.

Urtain el rey de la selva o asi

Título original: Urtain, el rey de la selva... o así
Dirección: Manuel Summers
Guión: Manuel Summers
Música: Carmelo A. Bernaola
Fotografía: Luis Cuadrado
País de Producción: España
Año: 1969
Duración: 100 min.
Protagonistas: Urtain, Marisol, Felisa Azdiazu, Antonia Ibar, Eusebio Ibar, José Urbieta.

José Manuel Ibar, un levantador de piedras, conocido por el apodo ”Urtain”, consigue llegar a lo más alto de los pesos pesados del boxeo mundial, pero el camino está lleno de golpes y duros esfuerzos. Su carrera tampoco está exenta de dudosos acontecimientos, como los supuestos combates amañados. El boxeador también tiene momentos para la reflexión en los que deja claro que el hombre, a pesar de ser el único animal racional, aún sigue siendo un ser violento.

"La idea principal, es la de contar la historia del boxeador Urtain. ¿Y como resuelve Summers esta película? De la mejor forma posible. Haciendo un documental donde, además de contarnos el propio Urtain su vida, se escenifican momentos de esta, interpretándose el boxeador así mismo, quedando una película de lo mas extraña." (...) "Y si a eso añadimos, que durante el metraje vemos al propio director dirigiendo, corrigiendo a los actores en las tomas falsas y algunos planos de cámara oculta, el revoltijo resulta del todo surrealista. Una película increíble."
"La película comienza, con Urtain hablando sobre la naturaleza humana, que todos llevamos una bestia dentro."(...) "Toda la primera media hora, es un mondo en toda regla. Y ese tono, ya no se abandonará hasta el final de la película." (...) "Por fin, en el minuto cuarenta y cinco, mas o menos, comienza a narrarnos la vida del Boxeador. Pero todo con este tono entre cruel y negro. Y la crueldad de Summers, por supuesto, que incluso se permite el lujo de rodar un combate con niños... y creo que las leches se las meten de verdad...
Ya os digo, una de las pelis mas extrañas que he visto en mi vida. Y además una peli, que desde ya, entra dentro de mis favoritas. Es una locura."
"Reseña de Victor Olid publicada en Aqui Vale Todo".

Fuentes de Información: Wikipedia, Culturalianet, Aqui vale Todo.
Video: Documaniaco.

Extracto de 11 min. del documental.



Ver documental completo en Documaniaco.

The Weather Underground

Director: Sam Green, Bill Siegel.
País: EEUU
Año: 2003
Duración: 92 min.
Idioma: Inglés con subtítulos en Castellano.
Música: David Cerf, Amy Domingues
Fotografía: Andrew Black, Andy Black, Federico Salsano
Montaje: Sam Green, Dawn Logsdon
Sonido: Steve La Fayette,Andre Philippenko, David Westby

Los propios protagonistas cuentan la historia, explicando el por qué un movimiento estudiantil inicialmente pacífico, que protestaba en contra de la guerra de Vietnam, se convirtió en un grupo terrorista que llevó a cabo numerosos atentados desde finales de los 60 hasta un poco entrados los 70s, en contra de diversas atrocidades de EEUU ocurridas en la época.

El documental presenta muchas imágenes históricas (sobre todo de Vietnam, incluyendo The Saigon Execution y Kim Phuc abrasada por el napalm) y reseñas del contexto mundial (el Mayo Francés, la guerra de Angola y revueltas en otros paises de Africa, la lucha de los negros en EEUU, el Golpe a Allende, entre otros).

The Weather Underground surgió originalmente como "The Weathermen", una division más radical de la SDS (Students for a Democratic Society) los cuales, durante muchos años hicieron protestas pacificas en contra de las politicas de estado del gobierno norteamericano, especialmente la guerra de Vietnam. The Weathermen toman su nombre de la letra de Bob Dylan: "You don't have to be a weatherman to know wich side the wind blows" (no tienes que ser un meteorólogo para saber de que lado sopla el viento), cuyo mensaje es implicito: los vientos del cambio, la revolución.

The Weathermen surgen tras el convencimiento de que las protestas pacíificas ya no estaban sirviendo para nada. La SDS estaba fracturada y con una dirigencia débil, cuando los líderes de The weathermen proclamaron su protesta y se llevaron gran porción de la militancia de izquierda de aquel momento. Las primeras acciones consistieron en movimientos de calle violentos, donde se dejaba claro que la calle les pertenecia a todos y no a los lugares que la policía permitiera. El lema de The Weathermen era "bring the war home", (trae la guerra a casa), lo cual tenía un doble sentido, muy explícito: Hacer público las atrocidades de la guerra de Vietnam y literalmente, crear guerra y caos en las calles hasta que dicha atrocidad terminara.

Ya aquí empezó el dilema. Aun cuando trabajaban paralelamente y codo con codo, una gran fracción de las Panteras Negras negaron su relación con The Weathermen e incluso calificaron de infantil sus acciones violentas. The Weathermen, sin embargo, siguieron con ideales parecidos a las Panteras Negras, con las infinitas ganas de lograr un movimiento blanco radical pacifista de fuerte tendencia izquierda. Les llevo algunos años darse cuenta de que las acciones violentas sin planificación podrían atentar contra inocentes y perfeccionaron su estrategia. Cabe destacar la operación de liberación de prisión de Timothy Leary, el "acid-guru" del LSD, por parte de The Weathermen. Fue aquí cuando el FBI entro en acción.

The Weathermen empezaron a planificar el bombardeo de objetivos simbólicos en respuesta a cada atropello del gobierno norteamericano, con la premisa de no hacer daño humano alguno. Mas de 15 bombas en diferentes locaciones, como el edificio del Capitolio, activó la necesidad al FBI de crear una comisión específica para capturarlos. Sin embargo, el FBI estuvo muy lejos de cumplir su objetivo. Los miembros de The Weathermen, pasaron a la clandestinidad y pasaron a llamarse The Weather Underground, los cuales siguieron ejecutando las mismas acciones.

Fuente de la Infomación: DocusElrond, IMDB.

 

 

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IX Festival Internacional de Cine y Vídeo de los Pueblos Indígenas 2008

"6ª MUESTRA DE CINE INDÍGENA “El UNIVERSO AUDIOVISUAL DE LOS PUEBLOS INDÍGENAS” “Celebrando la lucha de los pueblos indígenas del mundo”
Casa de América, Madrid.
Sala Iberia Del 9 y 10 de marzo de 2009 19:30 h.

Lunes 9 de marzo 19:30hrs- 22:00 (1:23 min películas) 19:30 hrs INAUGURACIÓN

Teresa Toledo- Casa de América
AECID
Delegación IX Festival
Video Presentación IX Festival
TIEMPO: 129 minutos

PERIMONTUN
Ficción 06:00
España 2008
Realización: Jeannette Paillán

María es una joven de origen indígena, a quien de acuerdo a la tradición mapuche le corresponde cuidar a su madre en la vejez. Creencia que siente vulnerada y frustrada por las leyes de la naturaleza, que disponen un destino distinto para su hija; ser chamán, guía espiritual de su comunidad. Destino que intentará evitar alejándola de sus tradiciones y escondiéndole el designio que la serpiente le anunció en su embarazo.

CHE UÑÜM- Gente Pájaro
Experimental 00:22:00
Chile 2008
Realización: Francisco Huichaqueo

Un corto experimental que bordea los géneros del videoarte, el video experimental y el documental. “Esta pieza audiovisual la denomino más que un corto, una experiencia audiovisual por su amplio cruce de géneros. Además, esta pieza audiovisual toca el tema de identidad a través de una historia autobiográfica que en este caso sería el propio realizador quien pone el tema de una forma muy particular y contemporánea donde están presentes la lengua, la piel y la procedencia. En este corto experimental se conjuga el amor y desamor de los chilenos hacia el pueblo mapuche y a sus herederos del nombre y de la piel originaria. La idea de esta pieza audiovisual es que exista una forma de hacer las paces entre culturas, que en este caso es entre el pueblo chileno y el pueblo mapuche. Pienso que el arte es un buen medio, una buena manera de hacerlo, porque como creador considero que una imagen vale más que palabras y que el poder del arte bien logrado tiene efectos que calan en el alma y corazón de la gente”. Fernando Huichaqueo.

DE VOLTA Á TERRA BOA*
Regreso a la Tierra Buena
Documental 0:21:00
Brasil 2008
Realización: Mari Correa

Hombres y Mujeres Panará narran la marcha forzada hacia el destierro y el reencuentro de su pueblo con su territorio ancestral, desde el primer contacto con el hombre blanco, en el año 1973, pasando por el exilio en el Parque Indígena de Xingu, hasta la lucha y recuperación por la posesión de tierras.

*MENCION ESPECIAL: “PRESERVACIÓN DE LA CULTURA E IDENTIDAD DE LOS PUEBLOS INDÍGENAS”


PAYING THE PRICE: MIGRANT WORKERS IN THE TOXIC FIELDS OF SINALOA Migrar o Morir: Jornaleros Agrícolas en los Campos Tóxicos de Sinaloa
Documental 00:35:20
México / USA / Canadá 2008
Pueblos Indígenas: Nahua/Ayotzinapa, Guerrero, México
Cameraman: Zapoteco, Sierra Juarez, Oaxaca
Realización: Alexandra Halkin

Esta película examina las empobrecidas vidas de las y los trabajadores migrantes del municipio de Ayotzinapa, Guerrero. Los seguimos desde su comunidad hasta sus vidas como trabajadores/as migrantes en un gran predio agroindustrial de Sinaloa, llamado "Buen Año", donde recogen verduras exóticas chinas para exportar a los EEUU y Canadá. Se observan las dificultades que enfrentan estas y estos trabajadores en sus comunidades de origen, donde se experimenta en gran parte el abandono de las autoridades locales y estatales, dejados a su suerte a las condiciones de trabajo inhumanas y esclavizantes que encuentran en "Buen Año". A través de entrevistas con miembros de la comunidad de Ayotzinapa, con el propietario de "Buen Año" y con otras personas involucradas en los agronegocios en Sinaloa, el documental presenta la polarizada realidad de cómo se ve a las y los trabajadores migrantes en México a través de los ojos de la agroindustria para quienes son simplemente una molestia, y a quienes trata como culturalmente atrasados/as a fin de aumentar sus beneficios multimillonarios. Los miembros de la comunidad hablan acerca de cómo son obligados/as a abandonar sus comunidades debido a la falta de trabajo en su región, y a las constantes enfermedades e incapacidad para poder ahorrar suficiente dinero para sostener a sus familias.


HUMILLADOS Y OFENDIDOS*
Documental 0:45:00
Bolivia 2008
Realización: Javier Horacio Álvarez, César Brie, Pablo Brie

Registra el ataque a los campesinos en Sucre, 24 de mayo de 2008

*PREMIO: “VALOR TESTIMONIAL Y DOCUMENTAL”


Martes 10 de marzo
118 min

CORPO A CORPO*
Cuerpo a Cuerpo
Documental/Experimental 0:07:00
Brasil 2005
Realización: José Ronaldo Lopes Duque

Vídeo poema sobre las naciones Yanomami, del Estado de Roraima.

*PREMIO: “CREACIÓN Y APORTE A LA NARRATIVA INDÍGENA”

ELAL Y LOS ANIMALES
Animación 0:14:00
Chile 2008
Realización: Ana María Pávez

Animación basada en el mito de creación del pueblo aonikenk (tehuelche). Este mito cuenta el origen de la tierra, del mar, de los astros, del viento, de los animales y las plantas. Relata la historia de Elal, hijo del gigante Noshtex. Noshtex está envidioso de Elal y lo persigue para matarlo. Los animales crean un plan para salvar a Elal que consiste en llevarlo a una tierra lejana.

EL GRITO DE LA SELVA*
Ficción 1:37:00
Bolivia 2007Realización: Plan Nacional Indígena Originario de Comunicación Audiovisual Colectiva.

La película narra acontecimientos basados en hechos reales sucedidos en los años 1990 y 1996 en el contexto de la preparación de la histórica marcha que los pueblos indígenas del Beni iniciaron a la ciudad de La Paz en reclamo de dignidad y territorio y aborda el papel y lucha de las comunidades indígenas defendiendo sus derechos y su tierra.

* PREMIO: “MEJOR FICCIÓN CON PARTICIPACIÓN INDÍGENA”

Fuentes de Información: Casa de America (Madrid), Coordinadora Latinoamericana de Cine y Comunicación de los Pueblos Indígenas (CLACPI).

The Bridge - El Puente

Dirección: Eric Steel.
Producción: Eric Steel.
Guión: Eric Steel.
País de producción: UK/USA
Año: 2006.
Duración: 93 min.
Idioma : Inglés con subtítulos en Castellano.
Fotografía: Peter McCandless.
Música: Alex Heffes.

El puente: Los límites de la imagen, ética y documentales
por Marcelo Goyeneche

The Bridge (2006) del estadounidense Eric Steel es un documental sobre los suicidas del puente “Golden Gate” en San Francisco. El Golden Gate es quizás el puente más famoso y mortal del mundo, desde su construcción en 1937, se han suicidado lanzándose al vacío más de 1200 personas. Durante el año 2004 Eric Steel grabó con su cámara el suicidio de 19 de las 24 personas que se lanzaron al agua desde los 70 metros de altura. El documental reconstruye la historia de estas personas entrevistando a familiares y amigos a la vez que los vemos suicidarse. He aquí la pregunta que surgió inmediatamente después de ver la película en muchas personas y que generó una gran polémica: ¿Es ético grabar durante horas a algunos suicidas deambulando por el puente antes de saltar? ¿Es ético no haber impedido estos suicidios en vez de haber estado filmándolos? ¿Le corresponde al documentalista cambiar esta realidad? ¿O lo que hace en verdad es ponernos en alerta sobre una realidad terrible como son los suicidios?. Steel cuenta que luego de la polémica que se desató con su film el Municipio de San Francisco prometió poner unas vallas de contención en el puente para que la gente no se pueda arrojar al vacío, cosa que todavía no se hizo.

Veamos ahora algunos ejemplos a lo largo de la historia del cine donde los limites entre lo ético y lo no ético aparecen una y otra vez.

Roma ciudad abierta es una película que estremeció los límites que el cine se había marcado en el campo de la ética. Y ello porque su gran reto consistió en plantearse, sin ningún miedo, cómo mostrar el horror. Uno de los momentos clave de Roma ciudad abierta es una escena de tortura. Un oficial de la GESTAPO somete a una serie de inhumanas humillaciones a un miembro de la resistencia comunista y hace escuchar sus gritos a un cura prisionero, convertido en símbolo de una cierta lucha cristiana que apoyaba la causa de la resistencia. Rossellini muestra frontalmente el horror y nos muestra el rostro desfigurado del líder de la resistencia. El cineasta contempla el horror sin subrayar sus efectos, considerándolo como un hecho perfectamente delimitado a una realidad histórica. El gesto acaba implicando la pérdida de la inocencia del cine frente a la crueldad del mundo real. Rossellini no puede esconder la verdad y ha de desvelar el horror para combatir aquella historia oficial que se había dedicado a esconder la realidad. Atreverse a contemplar frontalmente el horror supuso uno de los grandes avances morales del cine italiano de la inmediata posguerra e inauguró una nueva forma política de entender el hecho cinematográfico. Lo mismo sucede con Noche y Niebla de Alan Resnais ¿Cómo entender el horror sino mostrándolo? Por primera vez vemos un campo de concentración, por primera vez vemos pilas de cadáveres, vemos el horror y nadie puede negarlo. Seguramente que no sirvió para poder lograr que semejantes crímenes no se volvieran a cometer pero el registro audiovisual es fundamental para poder entender las cosas a las que el ser humano puede llegar.

¿Cuál es el límite en ese registro?

George Franju realiza Sang des Betes (1948) donde vemos un Paris de posguerra destruida, fría y desolada. La cámara entra en el Matadero municipal. En el documental Franju nos sitúa frente a la muerte industrial de la manera más cruda, la pregunta se repite ¿Cómo mirar lo insoportable? No hay metáforas, la muerte esta ahí y se funde con el hombre, es la misma. ¿Cómo se mira de frente esta realidad sin caer en la obscenidad? Más preguntas que parecen no tener respuesta.

El puente desata la polémica a nivel moral, ¿es o no éticamente correcto filmar estas muertes sin intervenir para intentar evitarlas?, cada uno que saque sus propias conclusiones.

Fuentes de Información: Documaniaco, Artículo de Marcelo Goyeneche publicado en DOCA Movimiento de Documentalistas Argentinos, HorribleSacrifice, Wikipedia.  

Ver a 240p en V.O.S.E. en ok.ru
Ver a 720p en V.O. en ok.ru.
Ver documental completo en VK, gracias a Documaniático.

The Trap - Qué pasó con nuestros sueños de libertad

Titulo Original: The Trap - What happened to our dreams of freedom
Año: 2007
Dirección: Adam Curtis
Guión: Adam Curtis Intervienen: Robert Kavesh, Friedrich von Hayek, Philip Mirowski.
Producido por: BBC, Lucy Kelsall, Stephen Lambert
Camara: Lucy Kelsall

The Trap es el último trabajo del realizador británico Adam Curtis (también creador de El Poder de las Pesadillas). Explica los orígenes de nuestra idea actual y limitada de la libertad. La serie fue emitida en la BBC en marzo del 2007 y consta de 3 episodios en los que se muestra cómo la creación de un modelo simplificado de los seres humanos como criaturas egoístas, casi robóticas, condujo al concepto moderno de libertad. Este modelo derivaba de ideas y técnicas desarrolladas por los estrategas nucleares durante la Guerra Fría para controlar el comportamiento del enemigo soviético.

El matemático John Nash (ganador del Premio Novel y polularizado en la pelicula "Una Mente Maravillosa") partía de la idea de que todos los seres humanos actúan de la misma forma: como criaturas egoístas que sólo piensan en su propio beneficio y constantemente modifican sus estrategias para sacar el máximo provecho de los demás. De allí que era posible tratar de predecir sus movimientos, basándose en los postulados de las Teorías de los Juegos. Este mismo modelo fue desde entonces desarrollado por biólogos genéticos, antropólogos, psiquiatras radicales y economistas del libre mercado, y ha llegado a dominar tanto el modo de pensar político como el del resto de los ciudadanos. Está en la base de las ideas liberales de una democracia regulada por las fuerzas del mercado, de la antipsiquiatría y de la ciencia psiquiátrica modernas.

El resultado, según Curtis, ha sido este paradójico y extraño mundo en que vivimos, que parece haber copiado al pie de la letra lo peor de las distopías imaginadas por Orwell y Huxley en 1984 y Un mundo feliz, respectivamente: un mundo dominado por la cultura del miedo, desbordado por la burocracia, el mercantilismo desenfrenado, en el que se cercenan libertades individuales en nombre de la libertad y la felicidad puede ser alcanzada a través de medios artificiales, con una simple píldora. Los tres capítulos de The Trap resultan imprescindibles para descifrar la retorcida realidad en la que vivimos inmersos, sin percatarnos de sus paradojas.

Fuentes de información: Kuamodo, IMDB, Ateista.

Ver serie en versíon original subtitulada:
1er capítulo: Jode a tu compañero >>

2do capítulo: El robot solitario >>
3er capítulo: Te forzaremos a ser libre >>


P.D.: Gracias a Fede (Kuamodo - Quamodo) por tus comentarios, si no recuerdo mal, fuiste el primero (o de l@s primer@s) en comentar en Naranjas de Hiroshima, ademas de tener uno de los blogs con los que desde el principio (por cierto el pasado 27 de Enero hicimos 2 años) nos hemos ido retroalimentando.

La Spirale

Título original: La Spirale
Director: Armand Mattelart
Año producción: 1976
País de Producción: Francia
Idioma: Francés con subtítulos en castellano.
Formato: 35 mm
Duración: 130 min.

De retorno a Francia, en 1973, tras su expulsión de Chile, Mattelart se propone realizar un documental sobre la experiencia del gobierno de la Unidad Popular. Con Jacqueline Meppiel y Valérie Mayoux, seleccionan documentos de unas 20 fuentes: cinematecas; filmes del chileno Patricio Guzmán, del norteamericano Saul Landau, del sueco Jan Linqvist, y del cubano Santiago Álvarez; noticiarios de Chile Film y reportajes televisivos chilenos, incluyendo los opuestos a Allende. Consultan también los archivos de televisiones estadounidenses, europeas del norte y latinoamericanas, particularmente los de la cubana. Finalmente, François Périer aporta su voz, Jean-Claude Eloy su música, y el célebre diseñador belga Jean-Michel Folon se ofrece para crear figurines originales.

El resultado es La Spirale, un riguroso y apasionante documental político de 140 minutos que expone los mecanismos del plan destinado a destruir, por todos los medios, el proyecto de socialismo democrático. Sus siete capítulos desarrollan el crescendo dramático: el Plan, el Juego, el Frente, el Acercamiento, el Arma, el Ataque y el Golpe. “No contamos aquí la historia de la UP –explica el relator– Otras películas lo hacen y se necesitarán muchas para expresar la riqueza de esos tres años. Queremos explicar cómo la derecha chilena hizo de esos tres años una máquina infernal que comienza antes de la elección de Allende; una espiral hacia la explosión...”

Fuentes de información: Documentales Libres (también tienen enlaces de descarga directa) y una muy buena selección de documentales sobre todo de corte político y económico.

Ver en ok.ru en V.O.S.E.

Un lugar en el cine

Dirección y guión: Alberto Morais.

País: España.
Año: 2008.
Duración: 105 min.
Intervención: Víctor Erice, Theo Angelopoulos, Tonino Guerra, Ninetto Davoli, Nico Naldini.
Producción ejecutiva: Alberto Morais, José María Lara y Miguel Ángel Jiménez.
Fotografía: Luis Sáinz.
Montaje: Julia Juániz y Sergi Dies.
Estreno en España: 16 Mayo 2008.











“Un lugar en el cine” trata de la resistencia cinematográfica entendida a través del compromiso y el diálogo con la Historia, y está vertebrada a partir de tres cineastas. Un cineasta griego, Theo Angelopoulos, emprende un viaje desde Atenas hasta Ostia, la playa romana donde Pier Paolo Pasolini fue asesinado. Lejos de allí, en una estación de tren en España, el cineasta español Víctor Erice se acerca en la distancia a través de una entrevista. Ya en Italia nos aproximamos a Tonino Guerra, Ninetto Davoli y Nico Naldini. Ellos cerrarán, a modo de voz desaparecida de Pasolini, el triángulo histórico y cinematográfico que componen nuestros tres cineastas.

No estamos ante una película cualquiera, y no sólo porque se trate de un documental con entrevistas e imágenes de archivo, sino por su carácter de estudio y reflexión acerca de la propia naturaleza del cine y de su dimensión social. Por lo tanto, “Un lugar en el cine” precisará de un espectador concreto, interesado en esos aspectos y en escuchar a algunos de los hombres más prestigiosos y cualificados del arte cinematográfico, que lo entienden –como el director, Alberto Morais– como un acto de resistencia, como una manera de plantarle cara y enfrentarse a la realidad. Tal contenido y forma echarán para atrás a quien sólo pretenda entretenerse en la sala de cine, pero no a quien quiera aprender a ver cine de verdad, a descubrir cómo las imágenes de los cineastas auténticos deben nutrirse de la vida y responder a experiencias personales, emocionales y creativas.

En “Un lugar en el cine”, Alberto Morais rinde homenaje a tres cineastas y poetas que se han acercado a la realidad con respeto y espíritu de diálogo. Son Theo Angelopoulos, Víctor Erice y Pier Paolo Pasolini –éste a través de testimonios de quienes le conocieron: Tonino Guerra, Ninetto Davoli y Nico Naldini–. Sus palabras sobre lo que debe ser el cine que conecta con la realidad, a partir de la experiencia del neorrealismo italiano y de “Roma, città aperta”, se convierten en requisito para que las imágenes puedan ser consideradas como realmente auténticas. Los tres cineastas también demuestran tener en común la necesidad de que haya una mirada ética al universo del hombre, única manera para sintonizar con el espectador y ayudarle a descubrirse en un mundo cambiante.

Tanto Erice como Angelopoulos adoptan una postura distante respecto a la industria y la taquilla, cuestionan un cine que explota lo más superficial del individuo y que adopta las formas del audiovisual, y lamentan también la pérdida de un sentido de la interioridad así como la falta de una mirada contemplativa y poética. Independientes y libres en sus trabajos, sinceros y respetuosos en sus propuestas, nostálgicos y pesimistas respecto al futuro del cine, llegan a hablar de la muerte del cine, de su sustitución por sucedáneos de consumo y distracción. Por eso, Erice diferencia entre “cine” y “productos de entretenimiento o de publicidad”, y defiende la esencia del cine como una experiencia interior de quien traslada vivencias personales a la pantalla y de quien entra en una sala de cine en busca de ellas. De ese encuentro entre director y espectador surgirá, según él, una identificación, una participación emocional de sentimientos y de inteligencia,… algo que se repetirá de manera distinta cada vez que vea esa misma película. Por su parte, el director griego habla de dos tipos de miradas del director hacia el espectador: la de quien trata al espectador como cómplice buscando en el fondo sólo la taquilla, y la de quien pone al espectador frente a la realidad y aspira a trasmitirle la belleza que contempla.

Si las ideas contenidas en el documental son interesantísimas y de gran hondura, no desmerece nada la manera de trasmitirlas del joven Morais. Se adivina su sensibilidad y su admiración por los cineastas, su identificación con las tesis expuestas, y también el respeto y devoción que impregnan unas imágenes tratadas con primor, con encadenamientos y ritmos en los que parece congelar el tiempo para trasmitir sus propias experiencias y emociones, dejando un espacio para la contemplación y la reflexión sosegada. Sin duda, Morais ha hecho suyo ese espíritu de resistencia del neorrealismo, esa defensa firme del carácter del cine auténtico y su diálogo con la realidad y el espectador. Demuestra una madurez estilística y conceptual sorprendentes, una mirada profundamente humana y personal, y logra un trabajo que colmará las expectativas de los cinéfilos más exigentes e introducirá a los neófitos en aspectos del cine que nunca se habrán planteado.

Fuentes de Información: La Butaca, La Mirada de Ulises

Ver en Filmin por 1,95€.

P.D.: Todo un orgullo presentaros este documental, conocimos a Alberto hace casi un año y nos hablo de su documental aun no estrenado, esperamos que en breve aparezca en formato DVD y poder informaros de ello.