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Cabra Marcado Para Morrer

Título original: Cabra Marcado Para Morrer (Cabra, Marcado Para Morir o Hombre marcado para morir o Twenty Years Later).
Dirección: Eduardo Coutinho.  
Guión: Eduardo Coutinho.
Fotografía: Fernando Duarte (1964), Edgar Moura (1984). 
Música: Rogério Rossini.  
Edición: Eduardo Escorel.
Intervienen: Eduardo Coutinho, Elizabeth Teixeira, João Virginio Silva.
Narración: Ferreira Gillar,Tite De Lemos 
Producción: Eduardo Coutinho Produções Cinematográficas, Produções Cinematográficas Mapa, Zelito Viana, Vladimir Carvalho, Eduardo Coutinho.  
Formato: 35mm, Color y B/N.
Idioma: Portugués con subtítulos en castellano.
País de producción: Brasil  
Año: 1964-1984. Estreno: 1985.
Duración: 119 mins.




Cuando se comenzó este filme, en 1964, relataba la vida de Joao Pedro Teixeira, líder campesino asesinado en 1962. Interrumpido por el golpe militar, la cinta fue recomenzada en 1981. Con material del pasado y del presente, de ficción y documental, narra la historia de las ligas campesinas y de Joao Pedro. Testimonios de los testigos de 1964 y de la viuda, Elizabeth Teixeira. *1

Reinventarse a sí mismo: el paso de la ficción al documental a partir de “Hombre marcado para morir” (Por Pablo Russo) 

No era la primera vez que Eduardo Coutinho se probaba el traje de director, aunque posiblemente Cabra marcado para morrer (1984) implique una dimensión fundante que sería esencial para su recorrido cinematográfico futuro. Se trata de la película considerada por el mismo Coutinho como el verdadero inicio de su carrera como documentalista, que realizó con 50 años cumplidos, mientras aún trabajaba para Globo Reporter. Y este comienzo implicó a su género opuesto, la ficción, a partir de la generación de una intertextualidad con su propio cine: una película dentro de otra.

Para entender este juego de implicancias es necesario desandar el tiempo hasta el año 1964. Coutinho, que entonces tenía 28 años, fue elegido para dirigir una película de ficción basada en hechos reales: el asesinato por orden de terratenientes de Joao Pedro Teixeira, un líder campesino del nordeste brasilero, ocurrido poco tiempo antes. La producción estaba a cargo del Centro Popular de Cultura de la Unidad Nacional de Estudiantes, y del Movimiento de Cultura Popular de Pernambuco. Quienes oficiaron de actores eran campesinos de la zona y algunos de los mismísimos protagonistas de los hechos, como ser Elizabeth Teixeira, la mujer del dirigente asesinado. La filmación comenzó en marzo del 64, pero el 1 de abril fue paralizada por el golpe militar que tuvo lugar la noche anterior contra el presidente Joao Goulart, y que duró hasta 1985. Al día siguiente de derrocar a Goulart, el ejército interrumpió la filmación, que derivó en parte del equipo en fuga, actores prisioneros y expropiación del material filmado. Cabra marcado para morrer se convirtió en una película violentamente interrumpida, con sus integrantes en éxodo y dispersión. Lo increíble es que algo del material filmado pudo salvarse, y es precisamente de esas imágenes recuperadas que parte Coutinho para finalizar su película, casi veinte años más tarde, desde una óptica de trabajo muy diferente a la de 1964.

A principios de los años ochenta, Coutinho carga con una copia de lo que pudo salvar del primer Cabra…, el de los años sesenta, y dos cámaras, con la idea de encontrar a quienes habían trabajado en la película. Al rescate histórico de imágenes (found footage de sí mismo), el director le agrega reportajes a los participantes, indagando así en las memorias individuales y en la memoria colectiva sobre los acontecimientos traumáticos. Es decir, Coutinho recupera el material antiguo, pero lo actualiza y reelabora generando nuevos significados a partir de una nueva interacción en el montaje con otro tipo de material (entrevistas, por ejemplo). La película conserva su contenido original, que a su vez también se ha transformado por su innegable valor de archivo. Con la primera cámara, el director busca, averigua, entrevista. Con la segunda filma a la cámara principal, dejando en claro las condiciones de producción de la película, que además son explicadas desde la propia voz en off de Coutinho. El realizador produce el acontecimiento a ser filmado a partir del trabajo con su propio metraje recuperado: les proyecta las imágenes de la película trunca a quienes va reencontrando en su investigación, estableciendo conexiones entre los acontecimientos de 1964 y el presente (de los años ochenta) de esas personas. Los campesinos que se van reconociendo en la pantalla en el momento de la proyección también son entrevistados, y conocemos entonces sus recorridos particulares en los años posteriores a la filmación interrumpida. El rescate histórico a partir de los testimonios contiene la reconstrucción del último día de filmación. Además, el reencuentro de Coutinho con Elizabeth Teixeira generó profundas transformaciones en la vida de la mujer, ya que hasta ese entonces ella vivía en la clandestinidad y no sabía del destino de varios de sus hijos. Elizabeth se convierte en un personaje principal de Cabra marcado para morrer. Coutinho también es un personaje más, que le imprime al trabajo una dimensión subjetiva con su sola presencia. En varios momentos la narración es en primera persona, ya que el fue también protagonista de la filmación y los sucesos del 64.

El resultado final incluye imágenes documentales de inicios de los años sesenta, fragmentos del primer Cabra marcado para morrer, fotografías de la filmación que se pudieron salvar, recortes de diarios de época, imágenes del proceso de filmación, reportajes a los participantes, y búsquedas e investigaciones sobre el paradero de las personas que trabajaron en 1964, así también como de los hijos de Elizabeth Teixeira.

El director podría haber elegido el final feliz de Elizabeth recuperando su identidad luego de tantos años de clandestinidad, pero la narración informa que al momento de la edición, ella sólo había reencontrado a dos de sus ocho hijos vivos. Esto tiene que ver con una concepción medular del pensamiento de Coutinho: las películas no resuelven las vidas de las personas. Ni cambian el mundo. A lo sumo, sirven para pensarlo, e intentar conocerlo. *2






Level 5

Título original: Level Five (Level 5)
Dirección: Chris Marker
Guión: Chris Marker
Música: Michel Krasna
Fotografía: Yves Angelo, Gérard de Battista, Chris Marker
Reparto: Catherine Belkhodja, Kenji Tokitsu, Nagisa Oshima, Ju'nishi Ushiyama, Kinjo Shigeaki
Productora: Les Films de l'Astrophore / Argos Films
País de producción: Francia
Año: 1997  
Duración: 104 min.







 
 
 
 
 
Laura recibe el encargo de finalizar el guión de un videojuego dedicado a la batalla de Okinawa (una tragedia prácticamente desconocida en Occidente pero cuyo desarrollo desempeñó un papel decisivo en el fin de la Segunda Guerra Mundial, y, como se verá, en la posguerra y hasta el presente). Juego muy singular, sin duda pues, a diferencia de los juegos de estrategia clásicos, cuyo objetivo es revertir el curso de la Historia, Level Five sólo permite reproducir esta historia tal y como fue. Pero, al trabajar sobre Okinawa, Laura se topará con una misteriosa red paralela en Internet de informadores y testigos de la batalla. Así, acumulará los vestigios de la tragedia que empezarán a interferir en su propia vida. Como todos los videojuegos, Level Five avanza por niveles. Laura y su interlocutor, intoxicados por su misión, acabarán por componer una metáfora de la vida, distribuyendo los "niveles" a todo lo que les rodea. ¿Alcanzará Laura el Nivel Cinco?.*1

CARPETA CHRIS MARKER (IV). Gato y lechuza. Mirando desde la oscuridad ("Level Five", 1996)

Chris Marker, el último pensador metafísico, nos invita a asisitir a un extraño ritual funerario. En él, el recuerdo personal y la memoria colectiva se entremezclan a distintos niveles, o juegos de lenguaje, de tal forma que el límite entre realidad y ficción, entre documento y juego se pierde irremediablemente, quién sabe si para siempre. El sufrimiento de Laura/Catherine Belkhodja, por la pérdida de un ser querido, se vuelca una y otra vez sobre el horror de la guerra y su doloroso legado. Okinawa y su trágico destino en la Segunda Guerra Mundial entran en Laura, y en el hueco dejado por aquel a quien ha amado y que ha perdido, para llenarlo con la angustia de una pregunta. De no haberse producido el sacrificio de Okinawa, es muy probable que no hubiera existido el holocausto nuclear de Hiroshima y Nagasaki y, de seguro, la historia del siglo XX habría sido otra muy distinta. Marker reconstruye, gracias a la memoria, el mosaico de aquello que fue, y restituye, gracias a la distancia, nuestra capacidad de comprensión, más allá de la explicación de unos hechos. Así lo expresa Christa Blümlinger: "El mecanismo regulador de una cultura del recuerdo precisa algo más que el mero documento, algo más que la referencia a un acontecimiento histórico o a una circunstancia".

(...)

Otra pregunta nos asalta. ¿Podemos decir que sigue viva esa concepción de lo audiovisual ahora mismo? ¿No será ese existir audiovisual un concepto marchito y moribundo? Probablemente sí. Lo audiovisual ya no existe. Hemos franqueado una nueva frontera, adentrándonos en el plano de lo virtual, lugar donde la imagen y la palabra, lo fílmico y el audio, ya no son una representación sino que son su realidad latente hecha ilusión microtécnica. Lo cibernético, que está condenado a morir, como Cocoloco, el loro mecánico que se queda sin respuestas ante Laura, marca la pauta técnico-estética, es su vanguardia. Y Marker, vanguardista y experimentalista a conciencia, se ha convertido en un poeta digital. Sin embargo, en Marker, al contrario de lo que pasa con el movimiento Dogma 95, Lars von Trier a la cabeza, los nuevos tratamientos que se abren hacia la imagen y el sonido no son nunca una respuesta nerviosa ni maniquea a los conflictos que los personajes suscitan, sino que se interpone entre ambos, personajes y conflictos, el lúcido filtro de la reflexión conceptual y de la serenidad expositiva. Además vale recordar que el Dogma 95, en su aparente y rabiosa modernidad, no es más que una versión reducida y simplificada de aquel otro movimiento de los años 60, hoy ya casi olvidado o dócilmente asumido, que se llamó cinéma-verité, del que precisamente Chris Marker es uno de sus principales representantes tanto a nivel teórico como práctico, junto a Jean Rouch o, un poco más tarde, Alain Cavalier. Pero claro, también hay un elitismo de las formas y mientras el comercial Dogma 95 llena las salas, los restos del naufragio del cine-verdad se vacían de público, y eso con suerte de que lleguen a estrenarse estas obras, significativamente siempre en circuito especializado, ya sea vía filmoteca, festival o anacrónico cine-club. Curiosamente, lo que de válido tiene el Dogma 95, y otra vez con von Trier como su apostol más claro, es la reformulación de los principios del cine-verdad que conlleva su propuesta.*2


Fuentes de información: *1 FilmAffinity, *2 Extracto del artículo "CARPETA CHRIS MARKER (IV). Gato y lechuza. Mirando desde la oscuridad ("Level Five", 1996)" de Nacho Cagiga publicado en la revista Shangrila.




Tlatelolco Claves de la Masacre

Dirección: Carlos Mendoza        
Guión: Carlos Alberto Mendoza Aupetit 
Producción: Nancy Ventura Ramírez
Música: Benito Espinoza, David Mora
Fotografía: Eliseo Morales,Francisco Javier Zarco        
Montaje: Roberto Vázquez Rojas 
Productora: La Jornada, Canal 6 de Julio. 
Páis de producción: México
Año: 2003
Duración: 57 min.
"Fruto de la investigación de Carlos Mendoza y del equipo del Canal Seis de Julio, A.C., este video es un documental que reúne todos los testimonios cinematográficos que se conocen sobre los sucesos del 2 de octubre y que La Jornada ha decidido poner al alcance de sus lectores a partir del 27 de septiembre en los puestos de periódicos Quizá porque se nos advierte cuando empieza a correr la cinta que el sonido que acompaña a las escenas no es una ambientación a modo, sino el silbar de las balas y el bullicio angustioso que se escuchó la tarde del 2 de octubre de 1968 en la plaza de las Tres Culturas, es precisamente ese rumor de descargas una de las cosas que más impresionan de Tlatelolco, las claves de la masacre."
Algunas notas previas a la masacre del 68:
  • La palabra Tlatelolco proviene del náhuatl tlatelli o xaltiloll que significa “terraza o lugar del montón de arena”. Era el hogar de los Chichimecas  hasta que en 1473 formó parte del Imperio Mexica gracias al emperador Axayácatl
  • En el México originario, Tlatelolco era la 2a ciudad más importante después de Tenochtitlan y fue muy famosa porque tenía el mercado más importante de toda la región.
  • El 13 de agosto de 1521, Tlatelolco es testigo de la derrota del último emperador azteca Cuauhtémoc en la batalla decisiva contra los mexicas y donde se calcula que murieron más de 40,000 indígenas.*2
¡CONTRA LA PARED HIJOS DE LA CHINGADA! ¡AHORITA LES VAMOS A DAR SU REVOLUCION! (frase histórica de los altos mandos del ejército mexicano al cargar contra los manifestantes) 
Hoy se cumplen los cuarenta (actualizando, son 42) años de la matanza de estudiantes en Tlatelolco, siguen pasando los años y las conmemoraciones pero el juicio histórico y político, aunque parezca mentira, está aún por hacerse. Los culpables amparados en un sistema que premia con la impunidad han logrado escapar al cerco de la justicia. Lo cierto es que el presidente de entonces Díaz Ordaz desde un primer momento asumió la responsabilidad en dicha tragedia que según sus propias palabras “fue provocada por los estudiantes comunistas que dispararon contra la tropa”. La democracia y el estado de derecho estaban en peligro y había que cortar de raíz ese fermento subversivo.

Díaz Ordaz no es más que un perverso matarife de guante blanco y levita sólo comparable al conquistador Hernán Cortés que también en la misma plaza de Tlatelolco un día 13 de agosto de 1521 inició el genocidio del pueblo Azteca. Para mayor ironía semanas después de la matanza el verdugo de Díaz Ordaz inauguró los Juegos Olímpicos del 68 con una suelta de palomas de la paz tras encomendarse a la protección de la virgen de Guadalupe. Lo más curioso es que ningún país se retiró de la olimpiada o hizo una declaración de protesta por la masacre La comunidad internacional, muy por el contrario, felicitó al presidente por la valentía y el arrojo que demostró en este “infausto” episodio.

El año 1968 será recordado en la historia de la humanidad como un año de revueltas y agitación social: el mayo del 68, la primavera de Praga o el movimiento hippie, las panteras negras en EE UU y las manifestaciones en contra de la guerra del Vietnam. También fue marcado por el asesinato de Martín Luther King y el de Robert Kennedy, y como, no Tlatelolco, que es lo que más nos atañe a los latinoamericanos. 
El movimiento estudiantil mexicano se declaraba antiimperialista y libertario resuelto a protestar contra del orden establecido, a protestar contra el autoritarismo y la represión policial propiciada por el gobierno, la inviolabilidad la autonomía universitaria y un sin fin de reformas sociales necesarias para consolidar un sistema plural y democrático. En esos años gobernaba el PRI que ejercía un poder omnímodo, monolítico sin apenas oposición, en donde no existían errores y el jefe máximo era glorificado por la camarilla oficialista. Cada una de sus palabras se consideraban sagradas y todos los medios de comunicación y la elite intelectual tenían que hacerle venias a su majestad todopoderosa.

No existía la posibilidad de hablar mal del presidente, caricaturizarlo y menos demostrar como él y sus secuaces desfalcaron millones de pesos del erario público. Lo más natural era que los grandes dignatarios y su cortesanos salieran multimillonarios del palacio de gobierno. Bala, cañonazos y bayoneta calada fueron las órdenes impartidas por el sicario y sucesor de Díaz Ordaz, Luís Echevarria, en ese entonces Secretario de Gobernación, con el fin de reprimir las protestas estudiantiles. Estos dirigentes corruptos, asesinos a sueldo de los norteamericanos, en los libros de historia siguen siendo renombrados como próceres beneméritos del orden y al progreso.

¡Qué frágil y efímera es la memoria! Hoy el presidente mexicano Felipe Calderón no es más que el sucesor de esos genocidas pues continúa utilizando la represión para acallar los movimientos sociales, sin olvidar a los cachorritos de la Madrid, Salinas de Gortari, Cedillo y el zorro de Fox.

Díaz Ordaz ante la multitudinaria marcha del silencio el 13 de septiembre de 1968, en la que participaron alrededor de 200.000 jóvenes que tomaron el zócalo capitalino, dijo: hasta donde estemos obligados a llegar llegaremos. Fue tal la demostración de fuerza que los estudiantes amenazaron con ocupar el Palacio Nacional si el presidente no accedía a negociar un pliego de peticiones. En respuesta fueron desalojados a la brava con tanques militares y arrestados varios de sus dirigentes. 
Pero lo peor estaba por venir. Fue ese día aciago del dos de octubre del 68 cuando los estudiantes de la UNAM y del Instituto Politécnico junto al Consejo Nacional de Huelga se reunieron en la Plaza de las Tres Culturas o Tlatelolco para conminar al gobierno a aceptar sus reivindicaciones. Pero Díaz Ordaz iracundo dio la orden de disolver el motín pues se acercaban las olimpiadas y para él los insurgentes pretendían boicotearlas. La reputación de México estaba en peligro. Uno de los lemas más coreados por los estudiantes no dejaba dudas de sus intenciones: no queremos olimpiada, queremos revolución. Ésta fue su sentencia de muerte.

Inmediatamente el régimen priísta los acusó de traidores a la patria y de estar financiados, entrenados y armados por los soviéticos y los cubanos. “Los Estudiantes no tenían otra intención que la de desestabilizar la institucionalidad”-titulares de la prensa-Esos son los instigadores de un golpe bolchevique Testigos de la matanza dicen que a las 18 horas 15 minutos vieron acercarse a un helicóptero militar que dio varias vueltas sobre la plaza lanzando una bengala. Esta era la señal para iniciar el combate. Los estudiantes cercados en Tlatelolco fueron presa fácil del “heroico” cuerpo de Granaderos y el batallón Olimpia del ejército mexicano que al grito de “a todos estos cabrones se los llevo la chingada” dispararon a mansalva -dizque en defensa propia- al verse atacados por francotiradores (que no eran otros que agentes infiltrados del propio Batallón Olimpia) Luego se demostró que la mayoría de las víctimas tenían heridas de bala en la espalda, los glúteos o en las piernas. En medio del caos fueron cobardemente fusilados a traición.

A los oficiales que participaron en la operación de la Plaza de las Tres Culturas se les premió con ascensos, autos LTD ultimo modelo y viajes a Disneylandia. Díaz Ordaz de carácter autoritario y déspota, colaborador de la CIA como tantos otros gobernantes latinoamericanos, hoy yace enterrado en el pabellón de próceres ilustres. Incluso fue nombrado a finales de los años setentas embajador en España por ser uno de los estadistas mejicanos de mayor prestigio. Siempre se vanaglorió de que él había salvado a México de la catástrofe y así lo contaba la historia oficial hasta hace muy pocos años pruebas más contundentes salieron a relucir sentando en el banquillo de los acusados a los inductores de la masacre. Díaz Ordaz junto a sus esbirros Luís Echevarría, Secretario de Gobernación y Marcelino García Barragán, Secretario de Defensa son los directos responsables del asesinato, desaparición y tortura de cientos de estudiantes a los que hoy 40 años después homenajeamos como mártires de la libertad. No podemos cejar en el empeño de perseguir a los asesinos hasta que sean condenados porque estos crímenes de lesa humanidad jamás prescriben y el ordenamiento jurídico de los tribunales internacionales está presto a castigarlos. El estado mexicano es el directo culpable de este genocidio y debe pagar una justa reparación moral y económica a todas las víctimas. Ese día sangriento en medio de la balacera nació un nuevo México, un México que a pesar de todo se ha reafirmado en la lucha revolucionaria que inspiraron sus héroes populares Pancho Villa y Emiliano Zapata.*1 
Otros documentales que tratan este tema: El Grito, México La Revolución Congelada.
 
 
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¡EL 02 DE OCTUBRE NO SE OLVIDA!

Punishment Park

Título original: Punishment Park 
Dirección: Peter Watkins 
Guión: Peter Watkins
Formato: 35mm, Color.
Género: Falso documental, político, drama.
Reparto: Patrick Boland, Kent Foreman, Carmen Argenziano, Luke Johnson, Katherine Quittner, etc.
Idioma: Inglés con subtítulos en castellano. 
Año: 1971
País de producción: Estados Unidos
Duración: 88 min.   











 
"Punishment Park es un más que interesante falso documental que logra sorprender por la autenticidad de sus imágenes y por descubrir una historia que, si se hiciera realidad, pondría los pelos de punta a cualquiera".

 En 1971 filmó Punishment Park, un tremendo documental en el que se plantea la posibilidad de si entrara en vigor la Ley McCarran de 1950, en la que el presidente de los EEUU tiene el derecho de declarar el estado de urgencia sin la aprobación del Congreso, con el consecuente derecho de detener a cualquier individuo que se considere sospechoso de complot contra la seguridad interna del estado. Todos los detenidos serían interrogados por un tribunal, sin tener la opción de libertad bajo fianza, con la única posibilidad de elegir entre ser encarcelados o pasar unos días en Punishment Park, un desierto en California del Sur. 

En la película, los que deciden trasladarse a Punishment Park, disponen de tres días y dos noches para alcanzar una bandera de los EEUU que se encuentra a unos 85 kilómetros de donde están. En ese lugar, deberán esperar hasta las diez de la noche del tercer día para ser liberados (si no han sido capturados con anterioridad). Para motivarles, ya que la temperatura a la que van a someterse podría llegar a los 45 grados durante el día, se les comunica que a mitad de camino encontrarán agua potable. Sin embargo, parte de la horrible condena conlleva a que pasadas las dos horas desde el inicio del recorrido, la policía comenzará a perseguirles, no permitiéndoles escapar de los límites del camino planeado (aunque con la prohibición de golpearles e impedirles a que lleguen a su destino), complicándose la situación debido a unas circunstancias que producirán un aumento del odio entre ambos bandos. Además, durante el tiempo que tienen que esperar los policías para ir tras ellos, el sheriff les enseña diferentes armas que pueden utilizar para disparar si es necesario, algo que hace aumentar las sospechas de que algo no muy bueno puede deparar a los que corren en el Punishment Park. 

Con esta interesante premisa y con la guerra de Vietnam de transfondo, Peter Watkins usa el recurso de la voz en off y divide el documental en tres secuencias paralelas: el grupo que corre por Punishment Park, los policías que los persiguen y otro grupo que es interrogado por un tribunal de urgencia. Este último grupo de jóvenes pacifistas es acusado también por complot contra la seguridad del estado. En él se encuentran un periodista de radio y activista político, un cofundador del Comité contra la guerra y la represión, una cantante y compositora y unos cuantos objetores de conciencia. Todos ellos defienden su causa y no paran de meterse con el sistema y de hablar de la injusticia de las guerras. Y como hizo con sus anteriores trabajos, Watkins utiliza las cámaras de televisión para filmar los sucesos, consiguiendo de esta manera una mayor verosimilitud, con una tensión casi palpable en el cargado ambiente debido a gritos e insultos entre los acusados y los miembros del tribunal. Watkins utiliza también muy bien las severas imágenes del desierto, en las que se siente verdaderamente el calor agotador que deben pasar los acusados, anunciando el narrador a cada rato la temperatura a la que se encuentran. Pero lo que se le puede achacar a este documental es que se hace un poco largo, dando la sensación de que las imágenes de los que huyen por el desierto se repiten demasiado, no creyéndote tampoco que vayan respondiendo a todas las preguntas que les hacen los periodistas durante el recorrido. Y el final, aunque contundente y en parte acertado, se alarga también un tanto. Aún así, Watkins consigue aportar su granito de arena, criticando a la policía, al gobierno y a todo su sistema, provocando opiniones diversas al respecto.

Ciclo - Seamos realistas pidamos lo imposible

CiNeMa Che GuEvArA
Y
Naranjas de Hiroshima

Presentan:

Ciclo: 

Seamos realistas pidamos lo imposible



12:00 pm

Me gustan los estudiantes
Uruguay 1968

Director: Mario Handler Género: Documental duración: 6 min.
Sinopsis: Estudiantes uruguayos protestan durante un encuentro de Jefes de Estado en Punta del Este. El filme está estructurado como un contrapunto entre los presidentes, los estudiantes y un grupo de agentes policiales que reprimen violentamente la manifestación. Algunos autores lo consideran el inicio del cine militante uruguayo.


 

12:15 pm

Rebelión ahora
Chile 1983

Director: Rodrigo Gonçalves género: documental duración: 20 min.
Sinopsis: Film sobre la privatización de la educación en Chile impuesta por la dictadura económica de Pinochet. El pueblo comienza a manifestarse, exigiendo democracia.
Este documental fue filmado en forma clandestina en Chile en 1983 y finalizado con el apoyo del Instituto de Cine de Mozambique.

12:45 pm

Maleducados! El problema de la educación en chile
Venezuela-Chile 2011

Director: Diego Marín Verdugo genero: documental duración: 27 min.
Sinopsis: La mercantilización de los estudios de educación superior, la privatización de los centros educativos y universidades. El peligro del lucro a través de la educación de mercado.



3:00 pm

Tlatelolco: las claves de la masacre
Mexico 2002

Director: Nancy Ventura Género: documental duración: 57 min.
Sinopsis: Tlatelolco: las claves de la masacre reúne todo el material cinematográfico conocido sobre los sucesos del 2 de octubre de 1968; identifica a los jefes militares que provocaron la matanza y exhibe documentos fundamentales para poner en evidencia los mecanismos utilizados por las fuerzas represivas y por el gobierno en contra del movimiento estudiantil. Tlatelolco es la culminación de una tenaz investigación de cuatro años en busca de las claves del operativo militar que dio lugar a la masacre de la Plaza de las Tres Culturas.




Cooperación voluntaria

Entrada por la Galería Autónoma CU

visita: www.auditoriocheunam.org

Le Sang des bêtes

Título original: Le Sang des bêtes 
Dirección: Georges Franju 
Producción: Paul Legros 
Guion: Georges Franju 
Música: Joseph Kosma
País de producción: Francia
Idioma: Francés con subtítulos en castellano.
Año: 1949
Duración: 20 min.














"El documental de Franju contrasta las pacíficas escenas de los suburbios parisinos con escenas de un matadero. El filme documenta la matanza de un caballo, ovejas y terneros. Una vez el caballo es aturdido por una pistola aturdidora de bala cautiva, es sangrado y descuartizado. El filme es narrado sin lenguaje emotivo. " *3

 "Una obra como la de Georges Franju no puede ser explicada de forma independiente a la revitalización del cortometraje que desde mediados de los 50 preludia el renacimiento del cine francés gracias a la “Nouvelle Vague” y demás jóvenes cineastas surgidos en torno a ésta. La obra como cortometrajista de Franju, muy apreciada por la crítica y la cinefilia en general, abarca catorce films, de los cuales doce pertenecen al cine de no-ficción"*2

Le Sang des Bêtes es un documental de finales de los 40, del autor frances Georges Franju, sobre dos mataderos de París. Muestra objetivamente durante 20 minutos lo que pasa allí dentro en contrapunto poético con un Paris tranquilo.

La Sangre de las Bestias es, antes que nada, un filme documental. Franju nos muestra, con todo el realismo del caso, el circuito completo de traslado, preparación y faenamiento de bestias, en los matarifes de la periferia de París. Por contraposición, muestra rondas de niños, imágenes de objetos familiares, y el amor, a través del apasionado beso de un par de jóvenes."Una cosa no podrá ser sin la otra", parecería decirnos el realizador. ¿Pero como se satisface esta necesidad imperiosa de alimentarse? Uno podría vivir toda la vida sin saber el "como" llega un bife de la vaca a mi mesa; pero Franju buscará el desasnarnos, para que perdamos esa inocencia que solo es resultado de una natural ignorancia (¿podrá afirmarse lo mismo en otras cuestiones más comprometidas?).Arranca con un matarife que entroniza la figura de su creador (disculpen, no recuerdo el nombre del mismo). Su gran aporte en la materia fue la inclusión del caballo dentro del universo permitido de animales para comer. ¿Porqué no el caballo?, se habrá planteado el hombre. Entonces, los caballos, tal como son recogidos de las calles o de terrenos baldíos, son llevados caminando por sus propios medios al matadero, donde los matan de un pistoletazo en la frente que lo liquida de un modo tan letal como inmediato. (Si usted no vio el filme, créame que no encuentro el modo de explicarle el tenor de las imágenes). Supongo que el "entregador" será quien se quede con la recompensa económica. No se habla nada acerca del "como" se consiguen los caballos; pero no hay ni camiones ni trenes ni, aparentemente, rutas ni estructura alguna sobre el tema.Luego de mostrarnos como ultiman al noble animal, nos ilustra el felm, casi en tiempo real, acerca del como se aprovecha lo aprovechable del mismo. Si uno presta la suficiente atención, casi diría que podría animarse uno mismo a realizar tal faena. Terminado el caballo, Franju nos lleva de la mano a ver el circuito completo de vacas, becerros y ovejas. Es interesante notar lo que el narrador nos hace saber: las ovejas (trasladadas en tren, a diferencia de las vacas que lo son en camiones); necesitan de un "entregador" también; pero en este caso será un carnero quien lo hará. El mismo, quien ya conoce la historia por haber sido partícipe ya varias veces, se adelanta al redil en todo el trayecto, para ser apartado de la matanza a pocos metros de traspasada la última puerta; lo que le permitirá sobrevivir y así volver a su misión con la próxima remesa, el próximo rebaño. En fin; este felm no es para cualquiera. Mujeres y niños, evitadlo. Nada en el felm es sugerido; nada es subliminal. Franju tira sobre la mesa el "como" hacemos para sobrevivir a diario; se trate de manjares o de modestos bocados de carne de puchero; es lo mismo. Estas muertes no hacen distingos de clases sociales. Todos nos beneficiamos con ellas. Ahora, si usted quisiera ver cosas relacionadas al horror de la guerra (el felm es del 49, quizás todavía no se había terminado de asimilar el horror de los campos nazi), es posible que encuentre algo. Es fácil encontrar al menos un paralelo entre los trenes cargados de ovejas y el "Transporte Negro" cargado de civiles, rumbo a cualquiera de los Campos. Yo no lo creo; bastante curtidos estarían los ánimos y las conciencias francesas como para ofuscarse o impresionarse con las imágenes de muerte de algunos animales. Solo una cosa más, y Franju también la muestra y es que, debajo de cada romance, de cada historia, por mínima que sea la misma, subyace esta realidad tremenda de muertes inocentes; esta matanza que no distingue razas ni edades, ya que todo sirve. Nada se perderá y todo se transformará, al decir de otro francés notable.*1

¡Advertencia, este documental contiene imágenes explicitas de violencia sobre otros animales.! Aviso por si no quedo claro con la información previa.


Ver en Youtube en V.O. en francés con subtítulos en Inglés.
Ver en Overstream en V.O. en francés con subtítulos en castellano.
Ver en Naranjas de Hiroshima TV en V.O. en francés con subtítulos en castellano.

Fuentes de información:  Extracto del artículo "La Sangre de las Bestias y Onibaba, el Mito del Sexo"*1 de Patricio Flores, públicado en Dípticos; Información y descarga directa en Arsenevich; *3 Información y datos en Wikipedia.
Recomendamos leer: Georges Franju, documentalista *2  “Su obra tiene una profunda realidad, un lirismo, una grandeza y una serenidad hasta en la violencia: porque ve claro, porque su mirar es virgen, porque ninguna influencia exterior, ninguna incertidumbre, alteran nunca el rigor de su maestría, la permanencia de su estilo.” (Henri Langlois).  Por Santiago Rubín de Celís, publicada en la Revista Online sobre el cine de no ficción Blog & Docs.

Rebelión Ahora

Dirección: Rodrigo Gonçalves.
Producción: Judith González, Kiko Forch.
Cámara: Jaime Reyes.
Edición: Álvaro Ramírez.
Palmarés: 1984 / Premio Latinoamérica, Festival de Tashkent, Ex-URSS (Uzbekistán). 1984 / Premio Förderungspreis, Festival de Leipzig, Ex-DDR (Alemania). 1984 / Premio Especial del Jurado, Festival de Karlovy Vary, Checoslovaquia.
Formato: 16 mm, Color.
País de producción: Chile
Año: 1983
Duración: 17 min.












Film sobre la privatización de la educación en Chile impuesta por la dictadura económica de Pinochet. El pueblo comienza a manifestarse, exigiendo democracia.
Este documental fue filmado en forma clandestina en Chile en 1983 y finalizado con el apoyo del Instituto de Cine de Mozambique.



Mediante la fijación que en algún momento desarrollé por Armando Uribe y su inextinguible, emulable y escupitajoso verbo y actitud, llegué (de mero fisgón) a un documental que él protagonizó, titulado Pre-Apocalipsis (2010), dirigido por Rodrigo Gonçalves. Proyecto donde como buen profeta del pánico que se precie en cualquier época, Uribe (desde su féretro) da cuenta de un estado agónico, repugnante, y decadente en todos los ámbitos posibles de la humanidad: de las cosas, de la sociedad, de la cultura, de Chile, del mundo…de su vida incluso. El documental en cuestión era el último trabajo (a la fecha) de un voluminoso caudal de cortos, medios y largometrajes realizados a través de casi todos los continentes del orbe y durante mas de 30 años por el director a cargo del periplo lisérgico de Uribe.

Aprovechando el vuelo, comencé a escudriñar en otros trabajos de Gonçalves (que dada mi precaria educación desconocía en su totalidad), y entre mucho material asociado a la pintura (una de las otras actividades que desarrolla Rodrigo) me llamó la atención un trabajo en particular, hecho en 1983 y el primero donde éste ejercía la dirección íntegramente. El metraje en cuestión era Rebelión Ahora, un corto documental filmado en la clandestinidad y una época que guarda total consonancia con el frenesí letal que se vive en la actualidad y, que coincidentemente da cuenta de la compleja gesta educacional que tiene hoy en ascuas a estudiantes barbudos, autoridades que entran salen de su puesto y al ciudadano de a pie en general.

Tanta coincidencia en el hallazgo era imposible de no revitalizar, desempolvar y/o desperdigar por doquier. Rodrigo me obsequió Rebelión Ahora y muchos otros documentales de su autoria, la gran mayoría hechos en Mozambique. Ahora, como acto de oportuno sobajeo con la contingencia, no pude sino facilitar la experiencia misma de la realización del documental que tres décadas después Rodrigo (que no le gusta ser tratado de “ud”) expele a través del hostigoso interrogatorio de un imberbe.

1. LLEGAR
¿En que momento concreto surge y como luego concretas la posibilidad de entrar a Chile a realizar este documental? ¿Vienes “solamente” a hacer este documental o formaba parte de una reacción espontánea (a la efervescente realidad-país) que nace en ti luego de estar de paso aquí? Cuéntame un poco de este arribo temporal a Chile y sus peripecias antes de esta realización en si.

Yo ya había realizado mis estudios de cine en el Dramatiskainstitutet, de Suecia. También había realizado como codirector el documental “Hur förtrycket slar” (“Así golpea la represión”), junto al director alemán Peter Nestler, ganador del premio FIPRECI, en el festival de Oberhausen, en Alemania Federal, el año 1982, sobre las actividades del Pidee y Fasic, son instituciones que trabajaban con niños y adultos dañados  por las torturas en Chile. Mi nuevo proyecto era realizar un documental sobre la municipalización de la educación por parte de Pinochet. Recibo un fondo sueco en Abril de 1983. En agosto de ese año me voy a vivir a Mozambique, finalmente el viaje a Chile quedó para Septiembre de 1983, a esa altura ya habían surgido las primeras protestas, no solo de los estudiantes, también los mineros, las tomas de terrenos etc., me vi ultrapasado por la realidad nueva, así que modifique el guión y lo complemente con las reacciones ya no solo contra la municipalización sino que contra la dictadura.
2. FILMAR Y MONTAR
¿Cuanto demoró la filmación del documental? Cuéntame de su proceso de preparación y discriminación de lo útil…pues me imagino que en esa época las opciones eran muchísimas dada la caótica situación en el país ¿Lo tuviste que montar afuera por razones se seguridad o porque tenias que irte de Chile? Cuéntame de la logística de andar con “latas” de celuloide de aquí para allá, algo inimaginable para nuestra época de Internet y contenidos digitalizables.

La filmación duro dos semanas, luego el revelado clandestino, ya que habían soplones en todos lados. La edición del documental la planteamos hacer de noche en Publicine, sin que ellos supieran. El productor del film me ofreció la posibilidad de editar con Peter Chaskel, ante lo cual preferí que no, ya que este era mi primer film como director, Chaskel tenia un inmenso curriculum, por nombrar algo, “El Chacal…”, entonces le dije al productor que prefería a Álvaro Ramírez, de quien no tenia mucha información, a parte de que había vuelto de Alemania. De esta manera me sentía mas seguro que el film seria mi film y no el del editor con mas experiencia. La edición en Chile termino abruptamente.
Estábamos editando donde Abdullah (Ommidvar) cuando debimos arrancar de la CNI, bajamos las escaleras del segundo piso de Arauco Films, con las enormes latas llenas de pequeños rollos que eran la enorme cantidad de planos para armar el puzzle. Pudimos esconder el material en el consulado de Suecia y escapar. Luego en Mozambique una vez que recupere el material que fue llevado a Maputo en valija diplomática, logre el apoyo del Instituto de Cine de Mozambique para terminar el film. Con el resto del dinero  que me quedaba y la entrega de mi cámara Bolex logré pagar el trabajo.

3. MÉTODO
Se siente una pulsión por dar cuenta de forma directa de un mensaje, la utilización de la voz en off (femenina) que afirma con firmeza varios hechos ¿fue una decisión que te cuestionaste o fue algo natural a utilizar según el objetivo del testimonio social que filmabas?

Necesitaba un hilo conductor creíble, veraz, contingente. Existía la posibilidad de escribir un texto y ponerlo en Off. Al estar en Chile escuche una radio clandestina que transmitía desde un vehiculo que cambiaba permanentemente de sitio para no ser descubierta por los agentes de la dictadura. Esta radio se llamaba, “Radio Liberación”. Tuve la suerte de grabar varias transmisiones, fue así que surge el relato en off, que ponía la fuerza, la épica a la lucha contra la dictadura. En un travelling se muestra un rayado de pared con la propaganda de Radio Liberación.

4. GUION
Uno de los elementos claves del documental es el como un determinado sistema de educación fue impuesto en Chile justamente en esa época. Pero a pesar de eso, el documental desarrolla muchísimas aristas mas y se vinculan estrechamente: educación, cesantía, tomas de terreno, movilizaciones sociales etc. ¿Como fue elaborado el guión para este trabajo? ¿Sientes que se logró transmitir mediante este esquema el problema grave que estaban gestándose respecto al “negocio” de la educación?

El guión lo escribí en Mozambique, pero al llegar en Septiembre de 1983 a Chile con mi guión escrito en pequeños trozos de papel, escondido por las mas increíbles partes y objetos. Rápidamente descubrí una nueva realidad en Chile. La gente comenzaba a perder el miedo a expresarse en las calles, en marchas, en tomas. Percibí el surgimiento de un descontento globalizado contra la dictadura. Me puse en contacto con diversos actores de ese movimiento y así fui introduciendo las diversas formas de protestas que surgían, ya no solo contra la municipalización sino contra el sistema impuesto en su totalidad. Tuve oportunidad de entrevistar a integrantes de las brigadas rodriguistas,  a lideres de las tomas de terreno Silva Henríquez, cardenal Fresno, también a dirigentes de los trabajadores, a trabajadores del PEM y del POJ etc. En el film muestro como empiezan a surgir las campañas publicitarias para vender los institutos profesionales, antesala a la llegada de las universidades privadas.

4. EXHIBICION Y TONO
Puede parecer una paradoja vista desde la actualidad, pero si en su momento la realización misma era compleja y mas aun por el tema que desarrolla y el tono evidentemente propagandístico ¿cuáles eran las expectativas de exhibición y difusión en general del trabajo acá en Chile? O por el contrario ¿se reducía simplemente a mostrarse en el exterior o se logró exhibir en Chile en su momento en alguna instancia clandestina tal vez?

Mi intención fue terminar el documental en Chile, hacer copias en video para difundir en Chile y una copia en 16mm, para enviarla desde Chile al Festival de Cine de la Habana. Se trabajó en el diseño del afiche, editábamos  con Álvaro Ramírez en forma clandestina por las noches en Publicine. Luego continuamos donde Abdullah, quien no tenia idea de las características del proyecto. Luego de hacer una entrevista clandestina a jóvenes rodriguistas, la CNI detuvo a tres de ellos, el equipo del film tuvo que desaparecer del mapa, Jaime Reyes en la cámara, Álvaro Ramírez el editor, Judith González en producción, Kiko Forch, productor, entre otros. Todos debieron hacerse humo, yo fui sacado rápidamente de Chile por el cónsul de Suecia hacia Brasil. Todo el material fue llevado al consulado de Suecia, allí fue guardado y posteriormente llevado a Mozambique, donde pude finalizar el documental. En Chile este documental fue rescatado por el Festival del Cine Recobrado, en Valparaíso el año pasado (2010). Esta ha sido la primera muestra del film. Este año lo mostré hace poco, a alumnos que están en toma, en la Universidad de Valparaíso. El documental tuvo un recorrido por festivales internacionales, donde gano varios premios. Fue mostrado por la TV de Alemania Democrática y 70 millones de teleespectadores lo vieron en el programa Kinopanorama, de la TV de la ex – Unión Soviética, en 1984.

5.DIFICULTADES
Puede parecer una obviedad, pero ¿que dificultades tuviste para realizar este documental? ¿Como era desde tu percepción de “visitante” el estado de ánimo para filmar y “dejar” filmar?

Yo ya conocía esa realidad, cuando aun vivía en Chile, en 1976, realice el curso de cine del Instituto Norteamericano, ahí viví la imposibilidad de filmar sin tener autorización de la policía. Para el documental trabajamos con gente de absoluta confianza, todos militantes, varios ya habían regresado del exilio, el productor, su asistente, el editor, el chofer del utilitario, el carro sin patente que usábamos etc. Había mucho temor de dar entrevistas, la gente en la calle tenia siempre la duda de si éramos de TVN, órgano oficial de la dictadura. Nosotros decíamos que éramos de la TV sueca, esto daba tranquilidad al entrevistado. Pero no faltaban los que no tenían miedo, ya estaban cansados de la vida que llevaban y no les importaba nada decir lo que pensaban, sin preguntarnos de que canal éramos. Eso queda muy claro en una secuencia del film, en la que empleados del PEM nos cuentan su drama. Cuando grabamos esa escena, no sabíamos que el campo magnético que nos producía un sonido de fondo provenía de un comando de la marina que estaba detrás de una pandereta en el callejón donde filmábamos, cuando nos dimos cuenta desaparecimos rápidamente.

6. ¿VALPO?
Hay una secuencia que surge de repente y adquiere un tono algo “poético” ¿cómo llegaste a la decisión de hacer respirar el documental e ir a filmar al puerto? ¿que sientes que aportaba a la narración o el mensaje del documental esa secuencia?

Tengo muy claro como estructurar un film, mi mayor estudio en Suecia, fue Dramaturgia cinematográfica. A esto debo sumar que soy pintor, por tanto, soy un compositor de escenas, de imágenes, de situaciones, finalmente de historias. Se de la necesidad de los ritmos, de las pausas, de los silencios, de los quiebres, de los puntos altos etc. La escena en cuestión, siento que aporta un poco de todo esto. Esa escena hace coral el clamor de la gente que yo sentía que comenzaba a gestarse en el país. Pero lo mas importante es que soy wanderino, y no podía dejar pasar la posibilidad de filmar el puerto de Valparaíso, y que este me aportara toda su poesía,  para así impregnar el film.

7. CESANTIA
Hay una escena brutal, la del “trabajo inútil”, siento que da cuenta de manera única de la moral absurda de las autoridades de la época por mantener a la gente embrutecida en una actividad sin sentido, tal vez para que no pensaran ni se manifestaran ¿qué otras situaciones así percibiste en el peregrinaje por ese Chile delirante que no hayan quedado en el documental y te hubiera gustado registrar?

Mas que otras escenas de la brutalidad, de la represión que sucedía, habían muchas escenas que debí destruir. Debido a que fuimos perseguidos luego que la CNI detuvo a tres miembros rodriguistas que habíamos entrevistado en un subterráneo en San Miguel, a eso de las tres de la mañana. Debí destruir esas imágenes para que no cayeran en manos de la CNI y así no tuvieran pruebas contra ellos. También deje de usar imágenes captadas una noche en el Café del Cerro, donde unos artistas interpretaron temas de Víctor Jara, no quise exponerlos. También protegí el rostro de los dirigentes clandestinos de las tomas de terreno Silva Henríquez y Fresno. En la marcha en Bulnes, mientras grababa, pasaban de prisa amigos dirigentes clandestinos que estaban entre la multitud y al verme me saludaban a la carrera y desaparecían entre la gente. 

8. HOY Y AYER
A modo se reflexión personal ¿como ves la situación actual del país en relación a esa época que filmaste? Parece demencial y angustiante que pocas cosas han cambiado y que muchos asuntos están estrechamente relacionados para nuestro pesar e ideal generacional que de supuestamente “avanzamos” a algún futuro mejor.

Lo mas lamentable es ver que dirigentes que en esa época luchaban arriesgando incluso la vida por cambiar esa realidad, hoy han sido los que han perpetuado este sistema. Ojala los jóvenes tengan esto presente y no dejen de luchar por los principios que defienden, son ellos y solo ellos quienes podrán torcer la mano a los acomodados de siempre. Son muchos los dirigentes políticos que están involucrados en el negocio de la educación y no cejaran en mantener sus privilegios. Los estudiantes tienen el deber de desenmascaran esta realidad, y así estar contribuyendo también para que los llamados “expertos y capitanes planetas”, no anden vendiendo el modelo chileno a países subdesarrollados, incluso mas pobres que nosotros.
Pienso que “Rebelión Ahora”, aporta un grano de arena para mantener la memoria viva, y así  colaborar ojala,  para que las generaciones de estudiantes actuales no pisen la misma piedra.


Leer la entrevista directamente en su publicación original en Revista Séptimo Arte , publicada por Colectivo Miope.


Fuentes de Información: Colectivo Miope (Documental Online y entrevista integra), Revista Séptimo Arte (entrevista por Colectivo Miope para el número de Septiembre de 2011).




REBELIÓN AHORA de Rodrigo Gonçalves (1983) from Colectivo Miope on Vimeo.

Mr. Death - The Rise and Fall of Fred A. Leuchter, Jr.

Título original: Mr. Death: The Rise and Fall of Fred A. Leuchter, Jr.
Dirección: Errol Morris
Producción: Dorothy Aufiero, David Collins, Errol Morris, Michael Williams
Intervien: Fred A. Leuchter, David Irving, Ernst Zündel
Musica: Caleb Sampson
fotografía: Peter Donahue
Montaje: Karen Schmeer
Distribución: Lions Gate Films
Idioma: Inglés con subtítulos en castellano.
País de producción: USA
Año: 1999 
Duración: 91 min.












Domadores de leones, dueños de cementerios de mascotas, condenados a muerte, diseñadores de robots, el mismísimo Stephen Hawking... Los personajes predilectos del documentalista estadounidense Errol Morris nunca son menos que excéntricos, hombres y mujeres fuera de norma, cada uno excepcional a su manera y a los que su cámara examina cuidadosamente, sin prejuicios, pero también sin miramientos. A esa peculiar colección de la fauna humana Morris ahora acaba de sumar su presa más bizarra, Fred A. Leuchter Jr., un ingeniero norteamericano especializado en la construcción y reparación de sillas eléctricas, horcas y cámaras de gas, que también cobró triste notoriedad como uno de los defensores de la teoría de la inexistencia del Holocausto. A este monstruo con aspecto de beatífico vendedor de electrodomésticos, Morris le dedicó su nueva película, Mr. Death: The Rise and Fall of Fred A. Leuchter Jr., que ya provocó arduas polémicas cuando se presentó en enero en el Festival de Sundance y que hace unos días se convirtió en uno de los puntos más altos de la Berlinale 2000.

Viendo la película, parece difícil coincidir con Mark Singer, un colega de Morris (su documental Dark Days fue otra de las sensaciones del último Sundance), que en un artículo de la revista The New Yorker se preguntaba si Mr. Death no podía provocar cierta simpatía por un personaje tan siniestro como Leuchter. Es verdad que el film de Morris no se preocupa por demonizar a su protagonista, pero realmente no necesita hacerlo. Simplemente con dejar que el entrevistado cuente la historia de su vida y lo que él considera que son sus más altos logros científicos, Mr. Death... se convierte en un film que va mucho más allá del mero reportaje y que, poco a poco, gracias a la inteligentísima construcción de su relato, termina siendo una reveladora reflexión sobre lo que la ensayista alemana Hanna Arendt (en relación con el juicio a Adolf Eichmann) llamaba "la banalidad del Mal".

A primera vista, se diría que el señor Leuchter es un pequeño hombre común, un técnico como cualquier otro, dedicado a conciencia a perfeccionar el trabajo que ama, que resulta ser nada menos que el de proporcionar la muerte más rápida y eficaz a un condenado. Hijo de un guardia de prisión, ya de chico Leuchter solía jugar en la cámara de la muerte, alrededor de la temida silla eléctrica, lo que le permitió comprobar --según sus propias palabras-- "que a veces la carne se quemaba demasiado". Fue así como ya de grande dedicó todos sus esfuerzos a construir una silla que hiciera de la ejecución un acto "más humano" (sic). Con el orgullo de quien considera que lo que han fabricado sus propias manos es de la mejor calidad, Leuchter invita a Morris a ingresar a su laboratorio (convenientemente ubicado en el sótano de su casa) donde exhibe la vieja silla eléctrica de la penitenciaría de Delaware y las sensibles mejoras que le introdujo a ésta y a otros modelos similares, realizados por simples aficionados o incluso por los propios convictos.

El mismo Morris confiesa que él fue el primer sorprendido cuando su fama fue creciendo y empezó a ser convocado por otros estados, donde la pena de muerte se efectuaba con diversos métodos (la cámara de gas, la horca), que él no conocía, pero que se dedicó a estudiar y por supuesto también a perfeccionar. Su máximo logro fue la "máquina de inyección letal", diseñada a la manera del sillón de un dentista, en la que el condenado podía ver televisión o escuchar su música predilecta mientras el veneno iba haciendo efecto.

Fumador empedernido y cafeinómano impenitente (100 cigarrillos y 40 tazas de café por día), Mr. Leuchter pasó paradójicamente del apogeo al descrédito y la vergüenza pública cuando en 1988 se convirtió en una suerte de asesor científico de Ernst Züdel, un canadiense enjuiciado por ser uno de los más tenaces negadores de la existencia del Holocausto. Contratado por Züdel y convencido de ser el único auténtico especialista en su área, Leuchter viajó --¡en su luna de miel!-- a los campos de concentración de Auschwitz y Birkenau, de donde extrajo clandestinamente (mientras su flamante mujer oficiaba de campana) fragmentos de los muros de las cámaras de gas, con la intención de probar "científicamente" la inexistencia de restos de cianuro.

 El "Leuchter Report" lo hizo tan célebre entre las tropas neonazis como impopular para el resto del mundo, incluso para aquellos mismos funcionarios del sistema penitenciario de Estados Unidos para los que Leuchter anteriormente había perfeccionado a satisfacción sus cámaras de la muerte. Aislado, sin trabajo, reconocido solamente por esos mitines neonazis en los que recibe el aplauso de la platea leyendo sus conclusiones "científicas", Leuchter no tardó en ganarse el divorcio de su esposa (de quien en el film se escucha sólo su triste voz en off) y el repudio de una sociedad que, irónicamente, hasta poco tiempo antes le había pagado por hacerse cargo del trabajo sucio.

Nada de esto, sin embargo, parece haber minado la confianza en sí mismo de Leuchter, que sigue creyendo que su especialidad está por encima de los juicios políticos y morales y que al final del film se lamenta --con una sonrisa que no oculta su desilusión-- de que ya nadie quiera comprarle sus sillas eléctricas, por un precio que a él le parece módico para la incuestionable eficacia y calidad del producto.

Trailer:



Fuentes de información: Artículo de Luciano Monteagudo para Página 12, Wikipedia, Documaniático, Patio de Butacas (info y descarga directa).

Memoria iluminada - Alejandra Pizarnik


Título original: Memoria iluminada: Alejandra Pizarnik
Dirección: Virna Molina, Ernesto Ardito
Guión: Virna Molina, Ernesto Ardito
Producción: Virna Molina, Ernesto Ardito, Canal Encuentro
Animaciones: Virna Molina
Fotografía: Virna Molina, Ernesto Ardito
Montaje: Virna Molina, Ernesto Ardito
Intervienen: Carmela Direse Rojo, Isadora Ardito, Nika Ardito, Vaneza Molina (voz de Alejandra)
Distribución: Canal Encuentro
Idioma: Castellano
Año: 2011
País de producción: Argentina       
Duración: Cuatro capítulos de 30 min.








"La vida juega en la plaza/ con el ser que nunca fui/ y aquí estoy// baila pensamiento/ en la cuerda de mi sonrisa// y todos dicen esto pasó y es// va pasando/ va pasando/ mi corazón/ abre la ventana// vida/ aquí estoy// mi vida mi sola y aterida sangre/ percute en el mundo.// pero quiero saberme viva/ pero no quiero hablar/ de la muerte/ ni de sus extrañas manos", escribió Alejandra Pizarnik en su poema "La de los ojos abiertos" incluido en el libro La última inocencia (1956). Y alrededor de la vida y la obra de esta inigualable artista gira el documental de cuatro capítulos Flora, ese ser imperfecto.

La paradoja de la figura de Alejandra Pizarnik es en el mismo acto que decide borrarse del mapa, ponerle punto final a su historia, se encierra el punto de partida de muchos que deciden explorarla. Es cierto que en su obra poética, Alejandra no deja de poner en tensión la relación entre la vida y la muerte pero lo hace con tal maestría que a penas deja ver los insumos de su vida personal. Ese mundo privado al que decidió dedicarse por completo.

En Memoria Iluminada, los guionistas y realizadores Virna Molina y Ernesto Ardito encaran la tarea de contar la vida de los artistas de los ´60 considerados revolucionarios y  reúnen figuras de la talla de Raymundo Gleyzer, Alejandra Pizarnik, Paco Urondo y Haroldo Conti. Este segundo segmento dentro del ciclo se divide en cuatro capítulos, de los cuales la semana pasada se emitió el primero (“Flora, ese ser imperfecto”) y del que restan tres más (“Los años felices”, “El retorno” y “Final de juego”) que cuenta la historia de la poetiza desde su infancia hasta su suicidio en 1972.



Más que reforzar la idea de su aparente camino a la autodestrucción, cuenta el director Ernesto Ardito que la idea fue romper con esta atracción macabra que sobrevuela y dar a conocer un perfil más humano vinculado con su vida. "Las cosas que se conocen porpularmente de ella es el suicidio, los motivos y circunstancias por los que la artista llega a ese punto. Incluso hay quienes la leen para encontrar en su obra referencias a este hecho, porque en su literatura hay cierta recurrencia al tema de la muerte y la infancia. Se generó cierta tendencia que aborda a Pizarnik desde el lado de lo macabro. Pero su obra es mucho más profunda que eso y el origen de su obra no puede estar en su final, así que nos pusimos a reconstruir su universo creativo."




Como en el caso anterior los realizadores parten desde los principales conflictos de la vida del artista pero abordan también el contexto de ruptura y vanguardia de los años ´60 y ´70.  Aunque Alejandra significó un desafío particular, "a diferencia de otros documentales donde utilizamos muchos documentos y material de archivo trabajamos mucho las reconstrucciones. Acá filmamos absolutamente todo pero no desde el sentido clásico sino que el público se mete en el túnel del  tiempo desde una mirada subjetiva del personaje. Se relata desde el testimonio de sus amigos pero también desde sus diarios personales, las imágenes van jugando desde el interior de su imaginario. La percepción del mundo de Pizarnik era muy sentida. Su vida era tan privada, tan hacia adentro en un momento de ebullición. Por ejemplo, a nivel político, ella no estaba vinculada con nadie sin embargo su obra era en esencia revolucionaria porque proponía romper con un montón de preconceptos sociales."

Y es en este sentido “Los años felices”, el segundo capítulo que se emitirá el jueves a las 21, queda demostrado no sólo que fue una mujer revolucionaria para su época sino que también revolucionó la vida de los suyos (los grandes referentes culturales del país). Cuenta Ardito "que tuvo una amistad muy profunda con Julio Cortázar y con Silvina Ocampo. Al contar la vida de Alejandra también estamos armando un fresco de un período cultural. Del 60 hasta el 64 ella se fue a París, que en ese entonces era  el lugar donde había que estar. La experiencia allí potenció su obra pero también la de sus pares. Convivió con el existencialismo, lo que quedaba del surrealismo y con artistas latinoamericanos como Cortázar y Octavio Paz, que impregnaban todo ese clima con su compromiso político." Recién cuando retornó a Buenos Aires comenzó a habitar más su mundo paralelo, ese que había construido, con el que lidiaba mejor. Y cuando comenzó a fugarse asiduamente sería Cortázar, su amigo, el que desde París se lo reprocharía "no te acepto así, no te quiero así, yo te quiero viva, burra, y date cuenta que te estoy hablando del lenguaje mismo del cariño y la confianza, y todo eso, carajo, está del lado de la vida y no de la muerte."



 


Capítulo 1: “Flora, ese ser imperfecto”



Capítulo 3: “El retorno”  





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Ver Capítulo 03 en: VimeoYoutube
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Fuentes de información: Artículo de "El Argentino", Patio de Butacas (info y descarga directa), Blog de Ernesto Ardito.