Historia de un documento

Título original: Histoire d'un document / Historia de un documento
Dirección: Óscar Menéndez
Guionista: Rodolfo Alcaraz
Fotografía: Óscar Menéndez
Edición: Janine Martin
Música original: Edgardo Cantón
País de producción: Francia, México
Año: 1971 
Formato: 16 mm, 8 mm. B/N. 
Duración: 43 min.

"En 1970 Óscar Menéndez viajó a Europa con los materiales originales que filmó durante el movimiento estudiantil de 1968. El motivo del viaje fue salvar los materiales fílmicos ante la persecución política de la época, con el propósito de hacer una película que denunciara los hechos del 2 de octubre. Después de recorrer varios países, fue aceptado en Francia. Sin embargo, el documental no se transmitió en la televisión francesa por la intervención del gobierno de Luis Echeverría. Finalmente, se proyectó en México a finales de los noventa."

"En 1970, huyendo de la represión ejercida contra los militantes del 68, Oscar Menéndez y Rodolfo Alcaraz se trasladaron a Europa con el material fílmico del movimiento estudiantil en busca de productores para realizar la película. A principios de 1971, la Radio y Televisión Francesa (O.R.T.F.) aceptó el proyecto de los mexicanos, quienes trabajaron durante casi un año que duró la producción de este film con la promesa de la O.R.T.F. de que al terminar, se proyectaría en la red de televisión europea. Esto no fue posible por la intervención directa contra la película del entonces gobierno de Luis Echeverría Álvarez. En noviembre del 2004 en el V Foro Internacional sobre las Nuevas Tendencias del Documental, Escenarios 2004, que realizó el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) en la Ciudad de México, se pudo exhibir la película por primera vez. Ahora, 34 años después, presentamos esta película narrada en francés y subtitulada en español que nos ofrece un episodio cinematográfico inédito ya que la película está realizada clandestinamente en 1970 en el penal de Lecumberri con los presos políticos de esa época. Esta obra reconfirma la vigencia de la lucha democrática sostenida por el movimiento estudiantil del 68."

"Sus películas más difundidas son las del Movimiento del 68. Supo integrar imágenes de orígenes diversos de manera similar a como hizo Leobardo López, el legendario CUEC (Delegado del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos) con El Grito. Oscar fue a dar a Praga y a Paris, como becario y luego como perseguido político con todo y los materiales culminados en Aquí México, 2 de octubre. Tarde pero a tiempo, la televisión francesa editó una joya testimonial titulada Historia de un documento para narrar las dificultades y recursos de la filmación adentro de la siniestra cárcel de Lecumberri, gracias a la valentía de una atribulada esposa de preso político para introducir la cámara en la canasta con alimentos y con una módica gratificación a los custodios."

"Documental de 49 minutos de duración que presenta testimonios e imágenes originales de la represión del movimiento estudiantil del 2 de octubre de 1968 en la ciudad de México y tomas, captadas clandestinamente con una cámara de súper ocho milímetros en 1970, de participantes del movimiento encarcelados por el Estado en la prisión preventiva de Lecumberri. Tras filmar la película en México, el cineasta Oscar Menéndez abandonó el país y recibió apoyo de la Oficina de la Radio y la Televisión Francesa (ORTF) para su post-producción, pero según explicó la intervención directa del gobierno de Luis Echeverría Alvarez impidió que fuera cumplida la promesa de transmitirla en la televisión europea y su primera exhibición en México ocurrió hasta noviembre de 2004, en el V Foro Internacional sobre las Nuevas Tendencias del Documental. Menéndez realizó en junio de 1968 el trabajo de media hora Unete pueblo, primera de varias producciones que ha dedicado al movimiento estudiantil de 1968 y que las ha presentado en distintas formas y ediciones, en salas universitarias o privadas y a través de los formatos domésticos de video y DVD: Dos de octubre, aquí México (1968-1970, 55 minutos); 1968: En memoria de José Revueltas (1978, 50 minutos), que el especialista José Rovirosa identifica como el primer título en español que recibió Histoire d’un document; México 68: a 25 años (1992, 72 minutos) y México 68-98 (1998) han sido sucesivas aproximaciones, algunas de ellas puestas al día, a los registros documentales que captó originalmente en 1968. La presentación en DVD se complementa con una hoja informativa, que reproduce un testimonio escrito firmado por Menéndez y su guionista Rodolfo Alcaraz."

Fuentes de información: Pentagrama, FICG, FICUNAM, Apiavirtual, Biblioteca Universia.

 

Ver en VK.

Restrepo

Título: Restrepo
Dirección: Tim Hetherington, Sebastian Junger
Producción: Tim Hetherington, Sebastian Junger
Fotografía: Tim Hetherington, Sebastian Junger
Montaje: Michael Levine
País de producción: Estados Unidos
Productora: National Geographic Entertainment
Año: 2010
Duración: 92 min.

En el punto de mira

(...)

En esa tarea de modular el punto de vista, de regular el acercamiento a la historia que contar, tomaremos como ejemplo a analizar la película documental “Restrepo” (Tim Hetherington y Sebastian Junger, 2010) que nos adentra en la zona de guerra del Valle del Korengal, terreno montañoso, inaccesible, abrupto, frontera natural entre Afganistán y Pakistán. En ella los periodistas Sebastian Junger y Tim Hetherington realizan un retrato de la guerra, empotrados en una unidad de infantería del ejército de los EEUU en Afganistán.

Como cuenta Ramón Lobo en El País, analizando el libro War de Sebastian Junger, parido en paralelo a Restrepo “Es imposible narrar la guerra desde fuera de la guerra. Es imposible penetrar en los sentimientos de los soldados, en sus miedos, en sus obsesiones si no se vive como ellos durante un tiempo bastante largo. La guerra es un caos sin certezas, un mundo suspendido. La guerra desnuda la educación y la cultura dejándola en lo esencial, en un único dilema: matar o morir.” Y no voy a poner peros a esa declaración de principios, ya que Junger y Hetherington pasaron 15 meses junto al pelotón de marines en el campamento avanzado Restrepo, ganándose su confianza al estilo Flaherty, compartieron sus días y sus noches, la ausencia de agua caliente, sin poderse cambiar el sucio uniforme, sudando sal en verano, teniendo que quemar sus heces a diario, maldurmiendo en los mismos barracones, idéntica comida, patrullando bajo las balas, la gris rutina del día a día.

Pero no es ese el análisis que me interesa resaltar de este trabajo premiado en Sundance y que obtuvo el elogio unánime de la crítica. Vuelvo al punto de vista. Dónde poner la cámara. En casi todas las críticas que he consultado sobre Restrepo encuentro un lugar común, la importancia de la cámara, honesta, sencilla, cuenta lo que ve, huye del panfleto, no toma partido. No estoy totalmente de acuerdo con esta última afirmación. Los autores toman partido desde la primera decisión, el punto de vista. Podían haber decidido contar la misma historia desde el punto de vista de los pobres pobladores de aquel territorio áspero e inaccesible, los que sufren la guerra en la puerta de su casa, los que ponen muertos de corta edad en cada incursión aérea, niñas despedazadas en brazos de sus padres conmocionados y que sólo aparecerán en las estadísticas de bajas como daños colaterales. Los directores podrían haber contado la historia del conflicto jugando con un doble punto de vista, el de los dos bandos. Podrían haber indagado las causas y razones de la guerra o la importancia geoestratégica del campamento americano en el valle del Korengal o del campo avanzado Restrepo. Pero no es eso lo que quieren contar. Su postura es honesta, ausencia total de causas y contextos, lo primordial es retratar a un grupo de jóvenes soldados norteamericanos en acciones de guerra, el porqué están allí es lo de menos para los autores. Quizás por esa razón el ejército les permitió viajar empotrados en su unidad, porque con esa renuncia a las causas ya habían tomado partido. Desde el primer momento. Y es que si rebobinamos, no nos equivocaremos al imaginar las trabas que el ejército estadounidense pondría a cualquiera que pidiera vivir empotrado durante meses con una fuerza de combate en primera línea. Hay cosas que un ejército invasor no querrá que se vean y menos que se cuenten. Tapar, esconder, negar. No es la primera vez que ha pasado ni será la última. Por eso hay que partir de un análisis crítico y pensar que quizás el escenario y los figurantes no sean tan reales y “como la vida misma” como nos cuentan. Quizás sean parte de una teatralización lejos del cogollo de esa guerra. Es evidente que los protagonistas que escenifican la guerra delante de la cámara no son conscientes de esa situación y todo lo viven con sinceridad y trascendencia, ya que son ajenos a la importancia de los hechos que viven, como nos cuenta el propio Junger “Las cuestiones morales de la guerra no parecen despertar gran interés entre los soldados, y el éxito del conflicto a largo plazo, o su fracaso, tampoco revisten la menor importancia para ellos. Sienten tanta preocupación por este tipo de cosas como un peón de granja por la economía global“, pero también es verdad que todo el mundo que convive diariamente con una cámara acaba actuando para ella, mientras la cámara terminará empatizando con la mímesis hormonada de los héroes de sus propios videojuegos bélicos que disfrutan y llenan los intersticios de su vida. No hay grandes estrategias, ni batallas que resuelven conflictos. Sólo combates tácticos que se convierten en rutina. Soldados que se enfrentan a la montaña rusa entre el subidón de los combates y el aburrimiento desquiciante de las repetitivas patrullas.

Si tomamos como contrarreferencia otra película documental de espacios en guerra, la más poética “Iraq in Fragments” (James Longley, 2006), nos acercamos a una historia fragmentada del Irak post Saddam con un triple punto de vista. Los ojos de 10 años de Mohammed, un niño huérfano que se debate entre servir en un café de Bagdad maltratado por el dueño o ir a la escuela aunque nadie le alienta ni le motiva a aprender. Las incondicionales huestes vestidas totalmente de negro de la mayoría árabe chií de Sadr. Y la lucha del norte en la primavera kurda. Entre las tres miradas conforman el futuro Irak. En todas ellas hay una decisión previa. Igual de honesta que en Restrepo, desde el primer encuadre se toma partido. ¿Sobre quién se pone el acento? ¿Quién quedará esta vez desdibujado?

Pero volvamos a la estética que envuelve Restrepo más allá de sus tatuados jóvenes macho alfa. Al estilo de las referenciales del cine colonial “Beau Geste” (William A. Wellman, 1939) o “Las cuatro plumas” (Zoltan Korda, 1939), el otro, el extranjero, o el árabe tienen una “presencia telúrica y escurridiza” en palabras del investigador del estereotipo racial en el discurso cinematográfico, Javier Gurpegui Vidal en El relato de la desigualdad (2000), ya que “su función narrativa se sigue subordinando a la peripecia de los europeos y sus ideales aventureros”. Si en Beau Geste los árabes aparecen desdibujados, “envueltos de un halo fantasmal”, apenas representados, en Restrepo los talibanes, ni siquiera existen.

Si en Beau Geste se hace una extensa y subrayada defensa del colonialismo, a través del discurso que les da el teniente francés a los legionarios al acabar la instrucción: “Hoy es el día que marca el final de su entrenamiento. Ahora son soldados al servicio de Francia. Estamos aquí en el desierto como guardianes de veinte millones de nativos. Nos necesitan para darles la protección y la justicia tradicional en la legión extranjera. Ustedes tienen un alto deber. Un duro deber. Las dificultades son grandes. La fidelidad a Francia y nuestra deuda con la civilización es mantener esa tradición.” En Restrepo los encuentros del oficial norteamericano en el Kurengal con el Consejo de Ancianos local no dejan lugar a dudas. El capitán Dan Kearney sobrepasa las formas de un matón del Bronx. Los abronca ofreciéndoles un puñado de dólares para proyectos que generen riqueza en la zona si delatan al talibán. Todo es ajeno a la finura y sutileza de la resolución de conflictos. El poner precio a todo es más que un síntoma de la opresión, del estado de invasión. Nada se consigue. Nada se arregla. Imposible la comunicación. Sólo hay tiempo de imposición. El fracaso es total y ostensible.

Seguramente nunca podremos conocer la verdadera motivación que tuvieron los creadores de Restrepo, más si cabe porque uno de sus autores, el fotógrafo Tim Hetherington murió recientemente en Misrata mientras cubría el conflicto de Libia. Tras su muerte los veteranos de guerra estadounidenses en Irak y Afganistán le concedieron póstumamente por Restrepo el Leadersship Enterteinment Award. Película a la que le puso puente de plata el ejército norteamericano para airear su patio trasero. Película que gusta a veteranos y senadores republicanos. Gana premios en Sundance y entra en la carrera por los Oscar. Aclamada por el público y la crítica. Pero yo advierto, hay que leer muy entre líneas para sacarle miga y no acabar alentando a jóvenes descerebrados en pleno tiroteo y subidón de adrenalina. ¡Me gusta el olor a napalm por la mañana!*1

La película explora el año - en realidad en un total de 15 meses -, en el que Tim Hetherington, un fotógrafo británico-estadounidense y Sebastian Junger, un periodista norteamericano, estuvieron en la guerra de Afganistán, para realizar entrevistas bajo asignación de Vanity Fair, a los soldados estadounidenses reclutados allí.

Hetherington y Junger se ven inmersos en el Segundo Pelotón, de la Compañía B, del segundo batallón 503rd del Regimiento de infantería (aeronáutica), y del equipo de Brigada de combate americana 173rd de las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos, en el valle Korengal.

El segundo pelotón es llamado OP Restrepo, en alusión al Sargento de Primera Clase Juan Sebastián Restrepo, colombiano nacionalizado norteamericano, integrante médico del pelotón que, durante, plena campaña, cayo en combate.

El filme centra su crónica en la vida de los hombres que dedican su labor al servicio de su país, desde el despliegue de su trabajo de acción, hasta la espera del tiempo de regreso a sus hogares, a la vez que perfila la contracara durísima del conflicto que son las consecuencias trágicas de la guerra, ya sea como la muerte de civiles inocentes, de soldados en su labor, así como también el intenso estrés postraumático que los soldados terminan sufriendo como secuela inmediata de su intervención en la guerra.

Muestra la evidente esterilidad de la invasión a Afganistán por Estados Unidos, así como el daño irreparable a los habitantes de ese lugar que sufrieron por el simple hecho de estar ahí. No revela la película cual fue la razón militar o estratégica que tenia estar ahí: Un lugar sin ningún valor estratégico y que no aporto nada al sentido de la invasión. Por último, la película no revela, cuanta gente afgana murió ahí, ni cuantos fueron realmente talibanes, tampoco explica si Estados Unidos le dio algún tipo de tratamiento para superar el Traumatismo postraumatico a los residentes que tuvieron que soportar la invasión por años, ver sus hogares destruirse y en muchas ocasiones a sus familiares morir por unos extranjeros que decían "defender la libertad" pero actuaban de forma opuesta.*2

Fuentes de información: *2 Wikipedia, *1 En el punto de mira (Estudios CNT), Teledocumentales, The Pirate Bay.



Ver en V.O.S.E. en VK.
Ver en V.Doblada al castellano en Youtube.

En nombre de Dios (la vicaria de la solidaridad)

Dirección, guión, coproductor: Patricio Guzmán.
Fotografía y cámara: Jaime Reyes y Germán Malig.
Sonido directo: Mario Díaz y Pablo Basulto.
Montaje: Luciano Berriatúa.
Música: José Antonio Quintano.
Secretaria de producción: Alicia Crespo.
Productor: Arturo Feliú.
Casa de producción: Santiago Cinematográfica y P. Guzmán.
Soporte de rodaje: 16 MM en color.
Soporte definitivo: 16 MM (1.85), DVD y Beta Pal.
Año de Producción: 1985-1986.
País de producción: Chile, España.
Duración: 95 min.

Detención de una parte del equipo de rodaje: Hernán Castro,
asistente de dirección y Pablo Basulto, ingeniero de sonido.
Santiago, 1985.

Sinopsis

Al contrario de lo ocurrido en España y numerosos países de América Latina, la Iglesia católica chilena se opuso a la dictadura militar de una forma muy clara, inequívoca. Su cardenal, Raúl Silva Henríquez, creó la Vicaría de la Solidaridad, una verdadera oficina de derechos humanos para defender a los perseguidos con abogados, médicos y sicólogos. La película muestra el impresionante movimiento de masas contra la dictadura que se generó a partir de 1984 en el centro y los barrios periféricos de numerosas ciudades del país, apoyado por incontables grupos opositores: universidades, liceos, asociaciones, gremios, sindicatos, etc., que organizaban las “jornadas de protesta”.

Selección de Críticas

“Guzmán investiga el papel de la Iglesia católica en el Chile de hoy mediante entrevistas con curas y arzobispos que hablan francamente contra el régimen y donde describen la realidad cotidiana chilena. Aparecen al lado de un material espectacular de las manifestaciones callejeras y rebeliones, brutalmente reprimidas por la policía y el éjército, que muchas veces utilizan los temidos camiones de agua montados encima de vehículos blindados. Aún más importante, Guzmán muestra el trabajo de la Vicaría, una organización de la Iglesia que se dedica a la defensa de los derechos humanos, y los intentos de parte del régimen de interrumpir su trabajo. Pero el filme llega a su punto más eficaz cuando habla con algunos de los sacerdotes cuyas ideas y teología han sufrido cambios importantes gracias al contacto con la gente común que llena las parroquias. Sin embargo siempre está el ejército en el fondo, que en realidad se convierte en una organización antiterrorista. Ellos también evocan en sus rituales el nombre de Dios. Guzmán mantiene una línea magistral entre los dos polos que dividen Chile, mientras que en ningún instante nos oculta de qué lado están sus simpatías. Piers Handling, director del Festival de Toronto, septiembre 1987.

“En nombre de Dios”, firmado por Patricio Guzmán para la TV española, parece un testimonio excepcional de la esquizofrenia del régimen de Pinochet que encarcela y tortura a los disidentes pero al mismo tiempo deja libre a los chilenos de manifestarse contra la dictadura y a los reporteros de cine filmar las cargas de la policía. De una duración de hora y media –mejor que todo lo que yo hubiera podido hacer en un reportaje periodístico–, el documental permite saborear la delirante ideología de los hombres de Pinochet y de valorizar el gran significado de la posición asumida por muchos arzobispos”… Corriere della Sera, Giovani Grazzini, 4 diciembre 1987.

“En nombre de Dios, el último documental del magistral realizador de La batalla de Chile, es la otra cara del filme de Antony Thomas Hágase tu voluntad en el cielo como en la tierra. El filme de Thomas expone una iglesia popular que explota a sus seguidores con fines lucrativos y una política derechista –la Iglesia de los evangelizadores de la televisión norteamericana. La película de Guzmán celebra una Iglesia popular que defiende los derechos civiles de sus seguidores y apoya su liberación social –la Iglesia católica de Chile. (…) Los curas chilenos impresionan por su capacidad de entrega, flexibilidad y firmeza de carácter. (…) Guzmán demuestra que la Iglesia ha creado una contracultura virtual y completa con una oficina de derechos humanos, la Vicaría, en oposición (…) al régimen de Pinochet”. San Francisco Examiner, David Armstrong, 25 marzo 1988.

“Guzmán entrega una mirada viva y técnicamente sólida sobre un tema complejo que está a la altura de sus trabajos anteriores”. Variety, Hans Ehrman, 18 abril 1987.

“En nombre de Dios ha obtenido una de las más sonoras ovaciones oídas en el festival de La Habana”. Ángel Fernández Santos, El País, l7 diciembre 1987.

“Guzmán ha filmado manifestaciones, arrestos y violencia de cada tipo siempre encontrándose en el centro del acontecimiento y el jurado del Festival dei Popoli (Florencia, Italia) ha subrayado en la argumentación del premio el coraje del director: “Realizado en circunstancias extremadamente dramáticas –dice la argumentación-, el filme transmite con gran inmediatez y fuerza el sentido de la continuidad de la lucha de un pueblo que combate con todos los medios a la dictadura. Además, el director ilustra de manera inédita la imagen de una Iglesia que se inscribe como protagonista en esta lucha, sosteniéndola con todos los medios ideales, morales y prácticos”. A.F. Toscana Oggi, 13 diciembre 1987.

Fuentes de información: FIDOCS, CineChile, Patricio Guzman.

Ver en Youtube.

Esto no es una elegía

Título original: Esto no es una elegía
Dirección: Edgar Olguín
Producción: Edgar Olguín
Asistente de dirección: Aiwey.tv, Ehécatl Cabrera
Fotografía: Sta. Marta Visual
Sonido: Francisco Lobato (Vagonero)
País de producción: México
Año: 2011
Duración: 20 min















Sinopsis:

Durante cuatro años, vivió en una cárcel de máxima seguridad, acompañado de los más peligrosos delincuentes de México. El juez lo condenó a 112 años de prisión, aún cuando ningún delito pudo comprobarse. Hoy está libre y regresa del exilio día con día. Ignacio del Valle nos narra su vida,  su lucha, sus triunfos y aquellos cuatro años en el frío de una de las cárceles  más peligrosas de México.

Premios:

Selección Oficial Festival Internacional de La Ciudad de México

Mención del Jurado Foro Creación Oaxaca FOCO 2011

Selección Oficial 2nd Latin American Short Film Festival Lakino Berlín 2011

Premio del Publico VII Encuentro Hispanoamericano de Cine y Video Documental: Contra el Silencio Todas las Voces 2012

Selección Oficial 3ra Muestra Internacional de Cine Documental DOCSTOWN 2012

Fuentes de información: FREEcción, NetaProducciones.

Ver en Youtube.
Ver en Vimeo.

Crumb

Título original: Crumb

Dirección:  Terry Zwigoff

Producción: Terry Zwigoff, Lynn O'Donnell, David Lynch

Música: David Boeddinghaus

Fotografía: Maryse Alberti

Montaje: Victor Livingston

Intervienen: Robert Crumb

País de producción: Estados Unidos

Año: 1995

Idioma: Inglés con subtítulos en castellano.
Duración: 120 min.

Documental sobre la vida del dibujante de cómics underground por excelencia, Robert Crumb, autor entre otros de personajes como Fritz el Gato. Una persona excéntrica, a partes iguales entrañable y enfermiza, cuyo arte ha estado en boca de todos desde hace más de 30 años. (Fimaffinity)

Crumb es un documental de 1994 sobre el artista del cómic underground Robert Crumb (R. Crumb) y su familia. Dirigido por Terry Zwigoff y producido por Lynn O'Donnell y David Lynch, el documental fue muy elogiado, recibiendo además el gran premio del jurado y el premio a la mejor fotografía en el Festival de Cine de Sundance. Fue lanzado en Estados Unidos el 28 de abril de 1995, habiéndose proyectado en festivales de cine el año previo. 

Crumb es una película sobre las experiencias y personajes de la familia Crumb, particularmente los hermanos de Crumb, Maxon y Charles, su esposa y sus hijos (sus hermanas se rehusaron a ser entrevistadas). Aunque Zwigoff tenía el consentimiento de los hermanos Crumb, algunos cuestionaron la capacidad del hermano más trastornado de proveer ese consentimiento. 

Al principio Robert Crumb no quería hacer la película, pero finalmente se puso de acuerdo. Hubo un rumor, creado accidentalmente por el crítico Roger Ebert, que Terry Zwigoff hizo cooperar a Crumb amenazando con dispararse. Ebert lo esclareció en los comentarios de una posterior reedición de la película de Criterion Collection. Ebert dice que "podría ser verdad que la vida de Zwigoff fue salvada, porque sí hizo la película".

Durante los nueve años que llevó hacer el documental, Zwigoff dijo que "recibía un promedio de 200 dólares al mes de ingresos y vivía con un dolor de espalda tan intenso que pasé tres años con un arma cargada en la almohada al lado de mi cama, tratando de tener el valor de matarme".

Robert Crumb 

Robert Crumb ( Filadelfia, Pensilvania, 30 de agosto de 1943) es un historietista, ilustrador y músico estadounidense. Fue uno de los fundadores del cómic underground y es quizá la figura más destacada de dicho movimiento. Aunque es uno de los más conocidos autores de cómic, su carrera se ha desarrollado siempre al margen de la industria.

La popularidad a través del underground

Utilizando el estilo de las tiras de prensa de comienzos del siglo XX, Crumb abordaba abiertamente en Zap Comix el sexo y la crítica política, lo cual resultó enormemente transgresivo en aquellos años, sobre todo teniendo en cuenta que el cómic en Estados Unidos había estado tradicionalmente orientado hacia el público juvenil. El éxito de su publicación atrajo a otros artistas interesados en la contracultura, y Crumb abrió las páginas de Zap Comix a autores como Spain Rodriguez, Rick Griffin, S. Clay Wilson, Victor Moscoso, Robert Williams y Gilbert Shelton.

En las páginas de Zap Comix, del East Village Other, de Oz y de muchas otras publicaciones underground, Crumb creó personajes que se convirtieron en iconos de la contracultura, como Mr. Natural, el Gato Fritz, Flakey Foont, Shuman the Human o Angelfood McSpade, los cuales "sienten el asco de la gran ciudad, son los sujetos a reprimir o exterminar porque no participan del modo de vida norteamericano" y exhiben "la perturbadora idea de que hay que gozar de la vida y rechazar todas las imposiciones".

Crumb alcanzó con ellos una gran popularidad, y recibió encargos para diseñar portadas de discos de rock; obra suya es la cubierta del álbum "Cheap Thrills"(1968), del grupo Big Brother and the Holding Company, cuya cantante era Janis Joplin.

El director de películas de animación Ralph Bakshi produjo en 1972 un largometraje de dibujos animados sobre el gato Fritz (que fue, por cierto, la primera película de dibujos animados clasificada "X"). A pesar del éxito del filme, Crumb estuvo siempre en desacuerdo con la adaptación de su personaje al cine, y mostró su disgusto "matando" a Fritz en "The people's comics" (1972), cuando una mujer-avestruz le destroza la cabeza con un picahielos.

El retiro del mundanal ruido

En los años siguientes, decidió retirarse a una granja apartada, rechazando incluso ofertas de los Rolling Stones para dibujarles una portada. Tras la crisis de su primer matrimonio, se casó con Aline Kominsky, también dibujante de cómics, con la que colaboró en numerosas ocasiones. Continuó colaborando en innumerables publicaciones más o menos underground, desarrollando sus historietas autobiográficas - para algunos, lo más interesante de su obra -, en las que se explaya, entre otras cosas, sobre su difícil relación con las mujeres (notablemente mejorada cuando alcanzó el éxito, como él cínicamente admite) o su afición por el blues de los primeros tiempos. Su interés por la música no se limitó al coleccionismo (compulsivo) de discos de 78 r.p.m., sino que llegó a fundar su propio grupo de música tradicional, los Cheap Suit Serenaders, en el que toca el banjo. Gracias a su interés por el coleccionismo de discos antiguos, conoció al guionista Harvey Pekar, con quien colaboró en el cómic "American Splendor" (1976). Ese mismo año habría abandonado también el consumo de hierba, según confesión del propio autor a Harvey Kurtzman.

Weirdo y la historieta alternativa

En marzo de 1981 fundó la revista Weirdo, que dirigió hasta su décimo número, cediendo el testigo a Peter Bagge; cuando Bagge se retiró, en el número 17, la dirección pasó a la esposa de Crumb, Aline Kominsky, hasta su cierre en el número 27.

Estancia en Francia

En 1991 se instaló con Aline en el sur de Francia. Al año siguiente, su obra fue objeto de una importante exposición en el Festival del Cómic de Angulema. En 1994, Terry Zwigoff, viejo amigo de Crumb, dirigió un documental sobre su vida (Crumb), en el que tanto el artista como sus familiares colaboraron con absoluta entrega, y que es un documento indispensable para conocer sus peculiares obsesiones y su entorno familiar, marcado por las educación represiva de sus padres y las enfermedades mentales que fueron desarrollando sus hermanos.

Obra

El estilo gráfico de Crumb mezcla influencias de artistas de los primeros años del cómic, como Billy DeBeck, autor de la tira de "Barney Google", C.E. Brock, Rube Goldberg y E.C. Segar (creador de Popeye). El autor ha citado también entre sus mayores influencias a Carl Barks (que dibujó para Disney historietas del Pato Donald), Harvey Kurtzman y John Stanley, el segundo autor de "La pequeña Lulú", que adaptó para historieta larga.

En el terreno ideológico, el divulgador Javier Coma observa en los primeros cómics de Crumb, "por debajo de su enfrentamiento al Sistema, una postura crítica hacia las degeneraciones sociopolíticas de la contestación", apuntándose "los retornos nostálgicos de Crumb a una vida anti-urbana pretérita, poetizada por las viejas costumbres y la genuina música popular".

Fuentes de información: Wikipedia, FilmAffinity, Teledocumentales.

Ver en ok.ru en V.O. con subtítulos en castellano.
Ver en VK en V.O. con subtítulos en castellano.

Los Rollos Perdidos

Dirección: Gibrán Bazán
Fotografía: Ingmar Montes. 
Edición: Francisco García. 
Narrado por: Daniel Giménez Cacho
Entrevistas: Jorge Ayala Blanco, Nicolás Echevarría, Susana López Aranda, Alfredo Gurrola, Oscar Menéndez, Humberto Campos, Juan Jiménez Patiño, Laura Gorham, Juan Muñoz Ravelo, Cecilia Rascón, entre otros.  
Producción: Harumy Villarreal. 
Produce: Xibalba Films -Marsash Producciones Francisco García-Adán Dimínguez-Ingmar Montes
Año: 2012
País de producción: México
Duración: 92 min.

Los rollos perdidos, es el primer documental de la historia de México que aborda el tema del incendio de la Cineteca Nacional ocurrido el 24 de marzo de 1982, así como el posible destino de las filmaciones que realizó el cineasta Servando González,  con ocho cámaras de 35 mm, el 2 de octubre de 1968, en Tlatelolco.

En la producción, resultado de más de cinco años de investigación del director, el periodista Gibrán Bazán, y narrada por el actor Daniel Giménez Cacho, participan con sus testimonios cineastas y especialistas como Nicolás Echevarría, Alfredo Gurrola, Oscar Menéndez, Jorge Ayala Blanco, Raúl Ortiz Urquidi y Susana López Aranda, entre otros.

El documental Los rollos perdidos se ocupa de dos historias en las que está presente la pérdida de valioso material fílmico en la ciudad de México, comenzando con las filmaciones que el cineasta Servando González realizó junto con su equipo el 2 de octubre de 1968 en Tlatelolco, para después centrarse en el incendio del 24 de marzo de 1982 en la Cineteca Nacional y que destruyó una parte importante del material fílmico de México.

En la primera parte del documental, y con base en testimonios de testigos y especialistas, se narra la manera como Servando González fue contratado por la suma de 20 mil pesos por el Gobierno Mexicano, para filmar una manifestación que tendría lugar en la Plaza de las Tres Culturas, y que sería dispersada con mano dura.

El equipo de “Los rollos perdidos” subió después de cuatro décadas a los pisos 17 y 19 de la ex Torre de Relaciones Exteriores, desde donde el cineasta filmó la masacre, utilizando un equipo de ocho cámaras, apoyado por camarógrafos como Ángel Bilbatúa y Alex Phillips, para tratar de recrear lo ocurrido aquel día.

Asimismo se incluyen diversas teorías sobre el destino de esas ocho horas de material filmadas que reunían 14 mil pies de película y que fueron reveladas en los Estudios Churubusco la madrugada del 3 de octubre, evidenciando la costumbre que tenía el entonces Secretario de Gobernación, Luis Echeverría, de registrar cualquier acontecimiento en cine.

La segunda parte de Los rollos perdidos se centra en el incendio del 24 de marzo de 1982 en la Cineteca Nacional, ubicada en Churubusco y Tlalpan, y en los testimonios de testigos que presenciaron el incendio y las explosiones ocurridas ese día

Se da cuenta también de la riqueza del acervo que se guardaba en el recinto y se da voz a especialistas que formulan diversas teorías para explicar lo ocurrido y que van desde la explosión de los tanques de gas de una cafetería, sabotajes, material de nitrato, mostrando ante todo la confusión que prevalece con respecto al tema.

Asimismo se incluye la versión del investigador Jorge Ayala Blanco, quien se centra en la misteriosa e inexplicable primera explosión que ocurre desde detrás de la pantalla de la Sala Fernando de Fuentes, donde supuestamente no existía nada almacenado.

Fuentes de información: Revista Toma, 

Ver en Youtube.

Ver en V.K.

Ver en V.K.

Quiero tener una ferretería en Andalucía

Título original: Quiero tener una ferretería en Andalucía
Dirección: Carles Prats
Guión: Javier Navarrete, Antonio Jesús García, Carles Prats
Fotografía: Antonio Jesús García, Carla Söme, Javier Navarrete, María Prats, Sol Úbeda
Productora: Prats Works
País de producción: España
Año: 2011
Duración: 78 min.

Emotivo y ameno documental sobre las andanzas de Joe Strummer, el indiscutible líder de The Clash, por Andalucía. Está rodado con buena mano por Carles Prats, que cuenta ya con varios trabajos documentales sobre pop-rock. Así, por ejemplo, tenemos también en Cameo el premiado Loquillo: Leyenda Urbana que no se habrá perdido ni uno sólo de los fans de El Loco. Tampoco se perderán este trabajado relato sobre Joe Strummer en Granada y Almería.

Joe no cumplió su deseo de tener una ferretería en Andalucía, pero sí consiguió que un puñado de personas aún recuerden su humanidad, su humildad y su gran personalidad. Él amaba a la gente sin medida y así le amaron a él…y algunos le seguimos venerando. Su historia de amor con Andalucía comenzó a mediados de los 70 cuando Paloma (The Slits) y su hermana Esperanza, le enseñaron cosas de aquí. Joe se enamoró de un disco de poetas de Paco Ibáñez y de Lorca y para acá que se vino en busca de su rastro.

En la película tenemos actuaciones en Guerrero García (ex 091 y a quienes produjo su Más de 100 lobos) y de su amigo El Doghouse. También aparece reflejado su amor por el flamenco de verdad y su entrega por todos los niños, los suyos y los de los demás. A ellos también les irradiaba su carisma personal. Hay buenas anécdotas sobre cómo conducía sin carnet, cuando perdió su Dodge o cuando afirmaba que había que llevar siempre una casette de Manolo Escobar en el coche por si te paraba la policía.

Y no faltan referencias a los Clash; Strummer se mostró ante sus amigos apenado y arrepentido por haber expulsado a Mick Jones de la banda. A eso le podemos sumar imágenes del desierto donde rodó su “Straight To Hell” y también de los pueblos y lugares que más le marcaron, especialmente el bar de Jo.

Ningún seguidor mediano de The Clash debiera perderse esta película llena de humanidad. La misma que tuvo él.

Txema Mañeru

Fuentes de información: Stay Free, Film Affinity, Paisajes Eléctricos.

Ver en ok.ru

Ver en Dtube.

Ver enVK gracias a StayFree.

Room 237

Dirección: Rodney Ascher

Producción: Tim Kirk

Música: Jonathan Snipes, William Hutson, The Caretaker, Wendy Carlos, Rachel Elkind
Montaje: Rodney Ascher
Intervienen: Bill Blakemore, Geoffrey Cocks, Juli Kearns, John Fell Ryan, Jay Weidner
País de producción:  Estados Unidos
Año: 2012
Duración: 102 min.

 

Room 237 es un documental estadounidense dirigido por Rodney Ascher que explora los significados de la película El resplandor de Stanley Kubrick. El filme incluye imágenes tomadas de El resplandor y otras películas de Kubrick, así como opiniones de diversos seguidores de ese director. Room 237 tiene nueve segmentos, cada uno de los cuales se centra en diferentes elementos que podrían revelar pistas secretas que insinúan una temática de mayor escala. El documental fue exhibido en la sección Directors' Fortnight del Festival de Cannes 2012 y en el Festival de Cine de Sundance. 

Sinopsis

El documental cuenta con entrevistas a fanáticos de El resplandor, quienes la analizan y la relacionan con, entre otras cosas, el genocidio de nativos norteamericanos, el Holocausto y el alunizaje del Apolo 11. Los entrevistados no son vistos en Room 237, pero sus comentarios acompañan secuencias de video, principalmente de la propia película El resplandor, las cuales se conectan vagamente con el diálogo. Los realizadores del documental no intentan promover ninguna de las aseveraciones de sus entrevistados. El director Rodney Ascher ofreció su propia interpretación en una entrevista para la revista Complex:

"Yo no creo que sea tan visionaria como cualquiera de estas personas han encontrado. La veo como una especie de historia sobre hacer malabares con las responsabilidades de tu carrera y familia y como un relato de advertencia de lo que puede ocurrir si tomas la decisión equivocada. E incluso mirando a los fantasmas como estas figuras que representan fortuna o prestigio o cosas que podrías perseguir a expensas de prestar la debida atención a tu familia."

Room 237, documental sobre The Shining de Stanley Kubrick

The Shining (El Resplandor) es una película de las que crean escuela, de las que permanecen en la mente del espectador durante años, de las que te producen escalofríos... una obra maestra del género de terror. Room 237 es un documental de corte experimental que plantea una serie de interesantes teorías y preguntas alrededor del film basado en la exitosa novela de Stephen King.

El documental ha sido dirigido por Rodney Ascher y recoge cinco teorías que se afanan en explicar, a través de diferentes recursos, el trabajo del genio.

Ascher consulta al profesor de historia Geoffrey Cocks; a un artista; a Bill Blakemore un veterano periodista norteamericano de televisión; a un dramaturgo y a un amante de las conspiraciones. Ellos analizan detalladamente la película y cada uno aporta un, en muchos casos sorprendente, punto de vista. Para uno The Shining trata sobre el Holocausto; otro ve referencias al exterminio de los nativos americanos; uno encuentra la verdad tras el alunizaje del Apolo 11 – parece ser que Kubrick conspiró con la NASA para simular el acontecimiento -; y otro nos quiere convencer de que la única manera de entender la película es verla simultáneamente proyectada y superpuesta de atrás hacia adelante y del principio al final.

Encuentro la teoría del Apolo 11 de lo más interesante, y aunque todavía no he visto el documental, descubro que la idea surge del cineasta y escritor Jay Weidner. En una escena de la película se ve a Danny jugando con cohetes en el suelo, sobre una alfombra. Está sentada dentro de un dibujo con forma hexagonal, según parece la plataforma de lanzamiento del Apolo 11 tenía la misma forma. En un momento dado el niño se levanta, se aprecia así que en el cohete pone Apolo 11. Con el cohete en la mano, Danny camina hacia la temida habitación 237. Weidner explica que a los escolares de la década de los sesenta se les enseñó que la distancia entre la Tierra y el satélite lunar era de 237.000 millas. ¿Qué os parece la teoría?

El documental busca la subjetividad, el director no cree estar en posesión de la verdad definitiva sobre la película, lo que busca es dotar de perspectiva la discusión cinéfila aportando nuevas (re)interpretaciones, sentidos, ángulos y curiosidades. El debate continúa, Room 237 no da respuestas pero ayuda a formular preguntas acerca de las auténticas motivaciones de Kubrick para realizar y montar el film tal y como lo hizo. Un documental hecho por, con y para amantes del cine, de la película y del director.

Mantente alejado de la habitación 237 del hotel Overlook, ese es el consejo que Dick Hallorann le da a Jack Torrance. No es casualidad que el título del documental haga alusión a ese espacio y es que en The Shining el juego geométrico de los espacios y la decoración – el patrón de la alfombra- es fundamental, del mismo modo los diálogos entre los personajes y sus ropas, esconden, o eso dicen, códigos que hay que desencriptar para revelar mensajes ocultos por Kubrick.

Fuentes de información: Wikipedia, Room 237, documental sobre The Shining de Stanley Kubrick publicado en Alt 1040.

 

Ver en V.O.S.E. en ok.ru

 Ver en Versión doblada al castellano en ok.ru
Ver V.O.S.E. en VK.
Ver V.O.S.E. en VK.

Ver V. Doblada al castellano en Youtube.

Art & Copy

Dirección: Doug Pray
Producción: Jimmy Greenway, Michael Nadeau
Música: Jeff Martin
Fotografía: Peter Nelson
Montaje: Philip Owens
Intervieenen: Lee Clow, Dan Wieden, David Kennedy, Phyllis K. Robinson, Hal Riney, George Lois, Rich Silverstein, Jeff Goodby, Mary Wells, Cliff Freeman, Jim Durfee
País de producción: Estados Unidos
Año: 2009 
Duración: 88 min.
Web oficial: http://www.artandcopyfilm.com/

"Art & Copy es una película documental de 2009, dirigida por Doug Pray, sobre el sector publicitario en los Estados Unidos. La película sigue la trayectoria de la gente de la "revolución creativa publicitaria de la década de 1960", incluyendo a Hal Riney, George Lois, Mary Wells Lawrence, Dan Wieden, y Lee Clow. El documental incluye campañas publicitarias como "Just Do It", "I Love New York", "Where's the beef?", "I Want My MTV", "Got Milk?", y "Think Different".

A pesar de que las críticas fueron en general favorables,  algunos críticos reprocharon que la película presentaba una visión acrítica de la publicidad."

Art & Copy: El Valor de las Grandes Ideas

"El mundo de la publicidad ha dado pie a distintos tipos de shows en la pequeña pantalla, desde “Trust Me” hasta “Mad Men” y, por supuesto, la inclusión de los falsos comerciales de “Better Off Ted”…

Algo hay acerca de la demencia que se vive en estos laboratorios de persuasión e ideas, que ha cautivado a la nación. Sin embargo, una línea al principio de la cinta “Art & Copy” habla del hecho de que el 98 por ciento de la publicidad a la que estamos expuestos es prácticamente basura, pero que existe un 2% por el que vale la pena mirar la manera como unas imágenes y las palabras correctas, pueden en conjunto convertirse en magia y lograr desde la motivación para ir a correr al parque (“Just Do It”) o reelegir a un presidente (que puede ser bueno u horrendo dependiendo de quién se trate).

Dirigida por Doug Pray, “Art & Copy” es un documental enfocado no en el 100% de lo que es la industria, sino en las personas que han creado esas brillantes campañas que forman el 2% y que han cambiado la manera como viste la gente y hasta la manera en la que piensan (“Think different” ¿se acuerdan?)

A lo largo de la cinta, vemos desfilando a talentos de la talla de Lee Clow, de la legendaria compañía TBWA\Chiat\Day encargados de cambiar el rumbo de la publicidad en el mundo con campañas como la de Apple (“Think Different”) y el histórico comercial de “1984” durante el superbowl que ni siquiera mostraba el producto. Dan Wieden y David Kennedy de Wieden+Kennedy, quienes cambiaron la mentalidad deportiva del mundo con la frase “Just do it”. La Legendaria Phyllis K. Robinson de la firma Doyle Dane Bernbach (DDB) y sus revolucionarias ideas para Polaroid, Clairol y otras marcas de la “Me Generation”. El fallecido Hal Riney, quien además de explotar el sentimentalismo de la nación para que compraran autos Saturn y agua Perrier, ayudó con la misma estrategia a la reelección de Ronald Reagan en 1984. El genial George Lois quien, entre otras cosas, hizo famoso a Tommy Hilfiger de la noche a la mañana, fue el encargado de las históricas portadas de Esquire Magazine entre 1962 y 1972 y, de paso, nos hizo decir a los niños de los 80 "I Want My MTV". Rich Silverstein y Jeff Goodby y la idea detrás de una frase con mala gramática a todas luces "Got Milk?" y Mary Wells la primera mujer CEO dentro de una compañía de publicidad del tamaño de Wells Rich Greene, desde donde nos heredaron la icónica campaña “I Love New York”.

La cinta es a la vez una colección de éxitos y nostalgia, como una serie de entrevistas con rebeldes que se han atrevido a decirle a sus clientes que para poder vender mejor sus productos deben concederles la razón y han estado en lo correcto, gente que ha podido entender que la elegancia de los textos cortos y las ideas grandes puede tener una conexión emocional con los consumidores, gente con sentido del humor cáustico y con reglas bastante flexibles que entienden que la creatividad no siempre se consigue trabajando en un cubículo de 8 a 5.

Sí, es acerca de anuncios y publicidad y decadente capitalismo y manipulación, pero cuando esta práctica se convierte en arte, es maravilloso ponerse a ver los comerciales."

Fuentes de Información: Wikipedia, Art & Copy: El Valor de las Grandes Ideas publicado en el Rincon del Publicista.

Ver en Youtube en V.O.S.E.

Ver en Youtube en V.O.S.E.

Ver en Vimeo en V.O.S.E.

La voz del Viento - Semillas de transición

Dirección, Montaje, Sonido, Producción: Carlos Pons
Semillas, Escritos: Jean-Luc Danneyrolles
Imagen: Samuel Domingo
Producción: Virginia Cabello
Produce: Mosaic Project, Grain Guerrila Films.
Banda Sonora: Marta Gomez; Felah Mengus.
Traducción / Asesor texto francés: Benoit Bianciotto
Co-Producción: Patrice Scanu
Países de producción: España, Francia.
Año: 2013
Duración: 92 min.
Licencia: Creative Commons BY-NC-SA
Web oficial: www.lavozdelviento.org

Jean Luc Danneyrolles, agricultor de la provenza Francesa y Carlos Pons, documentalista Español, organizan un viaje hacia Granada al encuentro de proyectos sociales alternativos. Enrolan un cámara y parten durante los grandes fríos de Febrero del 2012, llevando consigo como moneda de cambio una gran colección de Semillas.

El testimonio de un movimiento que crece....Otro mundo es posible aqui y ahora.

Utilizando como hilo conductor las semillas que se van intercambiando durante el viaje y los encuentros con 35 de los muchísimos proyectos que están germinando en el mediterráneo occidental, reflexionaremos acerca de ese otro viaje colectivo hacia el nuevo mundo, en torno a la agroecología, el decrecimiento, la cooperación, la permacultura, el empoderamiento personal y popular y el cambio de paradigma (de lo material/económico a lo humano y mas allá).

Sinopsis

La voz del viento es un documental que enlaza a través del lenguaje audiovisual, tres viajes en torno a la emergencia de una nueva conciencia universal.

- Un viaje real/local: Un viaje de Provenza a Granada, siguiendo una línea de proyectos alternativos;

- Un viaje interior/personal: Una expresión de los conceptos, las reflexiones y los sentimientos que se van generando adentro;

- Un viaje colectivo/global: La idea de un nuevo mundo que germina en el inconsciente colectivo. La utopía, el horizonte que continua avanzando.

Está basado en un viaje de Provenza en Francia a Granada, realizado en Febrero de 2012 por Jean-Luc Danneyrolles, un agricultor Francés, productor de semillas ecológicas y participante del movimiento por el decrecimiento y la red de semillas campesinas en Francia y Carlos Pons, realizador, técnico de sonido y activista por el decrecimiento y la soberanía alimentaria.

La idea es acariciar la esperanza de que el mundo evolucione finalmente más allá del egoísmo, el materialismo, la corrupción y la competición, superando siglos de historia, hacia un mundo nuevo, de abundancia frugal y felicidad simple, donde la (re)conexión de manera profunda con la naturaleza y el cambio radical en nuestra relacion con todos los seres vivos puede ser la clave.

La pelicula pretende ser una obra experimental, utilizando el lenguaje audiovisual para transmitir.

Datos sobre el viaje:

- 21 días de viaje, 5000Km.
- 35 Proyectos visitados.
- Más de 200 personas encontradas.
- 9 parques naturales.

Mapa del viaje interactivo aqui : http://g.co/maps/8mvgt

Contexto

Jean-Luc es productor de semillas naturales y ecológicas de más de 250 variedades, tradicionales, antiguas y raras. Él llama a su jardín: “Le potager d´un curieux”: “El huerto de un curioso”.

A más de mil km, siguiendo el Mediterráneo hacia el sur, resuena la ciudad de Granada con una fuerte evocación para él.

Tanto su jardín como su pequeña cabaña donde vive, están llenas de escrituras, reflexiones, pensamientos, poesías…. Es un curioso y se abre a la exploración, tanto intelectual como filosófica y espiritual.

Nos conocimos durante la primavera de 2011 y estuve trabajando con el por unos meses en el huerto. Se dieron muchos debates interesantes y una buena conexión, vivimos juntos, en la distancia, la “primavera árabe” y el “15-M” entre semillas, planteles y compost, algo está germinando y casi lo podemos palpar.

  

Pasó todo el verano y me reencuentro con Jean-Luc en su casa en noviembre 2011, me dice que quiere un receso, se lo pide su tierra, se lo pide su cuerpo, pero sobre todo se lo pide su espíritu. Quiere observar, ver que ocurre en su Jardín, también quiere ver que está pasando en el mundo, más allá de su día a día local.

Me propone que vaya con él de viaje hasta Granada.

En seguida la idea conecta y le propongo que hagamos paradas, intercambiando sus semillas, encontrando gente ligada al movimiento y que así podamos conocer e ir viviendo que es lo que está ocurriendo, de Girona a Granada hay muchos proyectos inspiradores tanto personales como colectivos…

Entonces surge… ¿por qué no llevamos una cámara y lo grabamos?

Proyectos Visitados 

Mas Franch, Ecollavors, Esporus, Semillas Madre Tierra, Eco colonia Calafou, Didac S.Costa, 15M, Miquel Vallmitjana, Enric Duran, Cooperativa Integral Catalana, Esther Vivas, Derecho de Rebelión, AureaSocial, Gustavo Duch, Revista Soberanía Alimentaria, Yaiza, Can Masdeu, Guillem Tendero, La Garbiana, Roy Littlesun, Universidad del corazón único, Josep Pamíes, Dolça Revolucio, Ecoxarxa Lleida, Permacultura Montsant, Mariano Bueno, Ecollaures, Llavors d´aci, Red sostenible y creativa, Ojo de agua, La Cúpula, Felah Mengus, Temazcali Efímero, La Tribu, BioAlacant, Vicent Bordera, Patricia Dopazo, Plataforma por la soberanía alimentaria País Valencià, Perifèries, Mercatremol, Proyecto Rúcula, Jardines de Acuario, Red de Permacultura del Sureste, Los Albaricoqueros, Rincon del Segura, Nuevos Recolectores, Sunseed, Agrodilar, Hortigas, Ecovalle, 15M Granada, La comida en nuestras manos.

Fuentes de Información: La voz del Viento - Semillas de transición,

La voz del Viento - Semillas de transición from Mosaic Project on Vimeo.

Acceso al video para descarga HD

Descargar la pelicula

La pelicula está disponible de momento en tres idiomas, Castellano, Francés e Inglés.

 (Os recomendamos descargar la version HD)

Castellano : http://vimeo.com/mosaicproject/lavozdelviento

Francés : http://vimeo.com/mosaicproject/lavoixduvent

English : http://vimeo.com/mosaicproject/thevoiceofthewind

Apoya el proyecto ! 

Organiza una proyección pública !

Para donaciones / Participación consciente :

Aquí vía PAYPAL

(o contáctanos para pedirnos los datos de la cuenta para transferencias) a:

lavozdelviento (a) mosaicproject (.) net

Jango

Título original: Jango
Dirección: Silvio Tendler
Guión: Maurício Dias, Silvio Tendler
Música: Milton Nascimento, Wagner Tiso. 
Fotografía: Lúcio Kodato
Montaje: Francisco Sérgio Moreira
Sonido: Geraldo Ribeiro
Dedicado a: Chris Marker 
Intervienen: Leonel Brizola, Juscelino Kubitschek de Oliveira,  João Goulart, Carlos Lacerda, Tancredo Neves.
Año: 1984
País de producción: Brasil
Duración: 115 min

El filme repasa la trayectoria política de João Goulart, el 24° presidente brasileño, que fue derrocado por um golpe militar en las primeras horas del 1º de abril de 1964. Goulart era llamado popularmente "Jango", de ahí el título del documental, estrenado pasados exactamente veinte años después del golpe. El documental captura la efervescencia de la política brasileña durante la década de 1960 enmarcada en el contexto histórico de la Guerra Fría. Jango narra exhaustivamente los detalles del golpe y se extiende hasta los movimientos de resistencias a la dictadura, finalizando con la muerte del presidente en el exilio e imágenes de su funeral, cuya divulgación fue censurada por el régimen militar.

Jango

João Belchior Marques Goulart, conocido popularmente como Jango (San Borja, Río Grande do Sul, 1 de marzo de 1918 - Mercedes, Corrientes, Argentina, 6 de diciembre de 1976) fue el vigésimo segundo presidente del Brasil, entre, 1961 y 1964.

Con la renuncia de Quadros, el 25 de agosto de 1961, João Goulart asumió la presidencia, inicialmente en un régimen parlamentario, tras negociar con las fuerzas armadas y la oposición de derecha un sistema en el cual el presidente de Brasil se sujetaría a las decisiones del Congreso, renunciando a diversos poderes.

En 1963, no obstante, fue realizado un plebiscito a instancias de Goulart con el fin de revocar las restriciones que se habían pactado en 1961. En dicho plebiscito se decidió el retorno al presidencialismo en Brasil, lo cual otorgó a Goulart mayor poder para ejecutar sus proyectos de reforma: reparto de tierras agrícolas no utilizadas, aumento del impuesto a la renta, y una exigencia a las empresas multinacionales de invertir sus ganancias comerciales en Brasil.

Adoptó medidas socialistas, como la reforma agraria masiva, y otras en el sector de la salud y la educación destinadas a una campaña de alfabetización. En política exterior trató de mantener un equilibrio con Estados Unidos pero también promovió un acercamiento político a los países del Pacto de Varsovia manteniendo contactos diplomáticos con la URSS, invitando a los cosmonautas soviéticos a Brasil (incluyendo una visita del célebre Yuri Gagarin). En el plano interno, mantuvo como aliados a los partidos socialistas y comunistas (aunque sin integrarlos plenamente al gobierno) y mantuvo frecuentes pugnas con los opositores derechistas.

En su gabinete se destacaron Celso Furtado (Planeamiento), Ulysses Guimarães (Industria y Comercio), Hermes Lima (Relaciones Exteriores), Darcy Ribeiro (Educación), André Franco Montoro (Trabajo), Eliezer Batista (Minas y Energía), Walter Moreira Sales, Carvalho Pinto y San Tiago Dantas (Hacienda, la cartera que más cambios sufrió).

Su política exterior pro izquierdista alarmó a la oposición de derecha en el Congreso, así como a las fuerzas armadas, y condujeron a el Golpe militar de 1964, cuando fue depuesto por las fuerzas armadas con apoyo político de Estados Unidos.

Fuentes de información: Patio de Butacas, Wikipedia, The Pirate Bay, Subdivx, IMDB.

Ver en V.O.S.E. en Youtube a 240p.

Ver en V.O. en Vimeo a 360p.