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Araya

Título original: Araya
Año: 1959
País de producción: Venezuela
Dirección: Margot Benacerraf
Guión: Margot Benacerraf y Pierre Seghers
Fotografía: Giuseppe Nisoli.
Música: Guy Bernard.
Narración: Voz de Laurent Terzief en la versión francesa y de José Ignacio Cabrujas en la venezolana.
Intervienen: La gente del pueblo de Araya
Productora: Caroni Films
Duración: 82 min.
Formato: 35 mm, B/N.













"Araya" es una salina natural, ubicada al nordeste de Venezuela en la Peninsula del mismo nombre, cuyos recursos han sido explotados manualmente por largos años. Margot Benacerraf plasma en imagenes la vida de los "salineros y sus artesanales métodos de trabajo, antes de que estos definitivamente desaparezcan a consecuencia del arribo de la explotación industrial con avances tecnológicos.


Araya parece ser un film maldito. Maldito, porque no encontró su lugar ni en la filmografía documental como género, ni en la producción de su directora, ni en la representación de su país. ¿Por qué digo esto? Es que Araya es un film que podría catalogarse de documental porque muestra la labor que los pobladores de la península de Araya (en el noroeste del país) realizan de sol a sol en las salinas del lugar. Pero su autora niega que lo sea, pues insiste en que ella preparó un guión y ubicó a sus personajes de acuerdo a ese guión, en lugar de registrar “desde afuera” las acciones que los pobladores realizaban día a día. Y allí entraríamos en un terreno polémico en el que tendríamos que detenernos a definir los matices de la realidad, materia prima del cine, y su reproducción. No es de eso de lo que quiero hablar, porque el tema que nos reúne es la cinematografía de los 50 y no los límites entre la ficción y el documental. Quiero hablar de los injustos reveses que ha sufrido este film que es un hito en la historia del cine venezolano.

Margot Benacerraf nació en la Caracas de 1926, que en ese entonces vivía los últimos años del gobierno dictatorial de Juan Vicente Gómez, un gobierno tan gris que dejó al país con treinta años (los que duró su dictadura) de atraso con respecto al resto de los países de América latina. Benacerraf pertenece a una de las familias más acomodadas de Venezuela. Estudió cine en el Instituto de Altos Estudios Cinematográficos (IDHEC) de París y volvió a su tierra a filmar, primero, un cortometraje sobre el pintor venezolano Armando Reverón, “el pintor de la luz”, que recogió valiosos comentarios de la crítica cinematográfica, incluso de aquella que se leía en Cahiers du Cinéma. Con ese estímulo encaró la filmación de Araya, film que le permitiría un mayor reconocimiento internacional.





Conviviendo largas temporadas con los sujetos de su obra, plantándose horas y horas frente a los posibles escenarios que le ofrecían las salinas, Benacerraf se pasaba los días buscando los elementos que le darían cuerpo a su historia. Con una mirada casi antropológica, la autora nos muestra, con encuadres cuidados, la fotografía en blanco y negro, y una composición verdaderamente poética, las condiciones primitivas en que se desarrolla la vida de esos seres que viven de la pesca y de la producción de la sal en un rincón olvidado del país, que más allá de ese entorno se mostraba con un impulso vital desmesurado.

Araya compitió en el Festival de Cannes, donde no sólo fue admirada y despertó cantidad de comentarios auspiciosos, sino que además recibió el Premio Internacional de la Crítica, junto a Hiroshima mon amour (Alain Resnais), en su edición de 1959. Sin embargo, su autora no había quedado conforme con el montaje de su film. Habiéndole hecho caso a los distribuidores, la duración original de tres horas (que tanto Renoir como Langlois le habían recomendado no cortar) pasó a ser una versión de ochenta minutos que nunca conformó a Benacerraf, a tal punto, que esta mujer que sobresalía en el panorama cinematográfico no sólo venezolano, sino latinoamericano e internacional, no volvería a rodar nunca más.

En Venezuela, la película tardó dieciocho años en estrenarse, debido a varios contratiempos, que incluían desde la pérdida de la copia hasta la enfermedad de la directora, pasando por ese montaje que no terminaba de complacer a su autora. El país natal de Margot Benacerraf vivía al ritmo de los cambios sociales y políticos del resto del continente. Los años 70 irrumpieron con su carga ideológica y el Festival de Cine de Mérida ofrecía a los ojos ávidos de propuestas fundamentales, las imágenes revolucionarias del cine de Glauber Rocha, de Jorge Sanjinés, de Octavio Getino y Fernando Solanas, de Fernando Birri, de Gutiérrez Alea… Un cine comprometido con la realidad social y política de la región, un cine que buscaba concientizar al espectador para que no fuera un ente pasivo frente al film, sino que por el contrario tomara en sus manos la solución de una realidad hecha sobre la base de la colonización y la explotación. En ese marco, Araya apareció como anacrónica, como una hermosa película que mostraba algo que había sucedido mucho tiempo atrás.


Sin embargo, Araya contiene todos los elementos que permiten ubicarla entre las mejores películas de los 50. Su cuidado estilo, su mirada contemplativa, el lirismo de sus luces y sombras, los hermosos y desolados paisajes que ofrece la salina, la orquestación de esos cuerpos que son parte de un gran mecanismo que realiza un trabajo agotador… forman un conjunto de imágenes con gran fuerza narrativa y poderosa carga estética, que permiten ubicar a Margot Benacerraf como un referente del cine poético venezolano.

Ya no importa si estamos ante una ficción o un documental, es una pena que no haya habido más películas de su autora; hoy vemos este film no sólo como un regalo para nuestros ojos, lo vemos en su contexto, con todo lo que le jugó a favor y en contra. Y en el balance, la rescato como una película que debería ser accesible para todos, como un film para recuperar, como una obra de arte que no debe quedar en el olvido.

  Enlace
Fuentes de información: Artículo de Liliana Sáez, publicado en Miradas de Cine, Cultivadores de Culto (info y descargas), Clan Sudamerica (info y descargas hasta 1080p), RebeldeMule (info y descargas hasta 720p), Torrent (info y descargas hasta 1080p), Uloz.to (descarga)




Bolivia para todos

Título original: Bolivia para todos
La idea y producción general: Emilio Cartoy Díaz (director de RadioTEA y TEA Imagen)Dirección: Cristian Jure
Producción: Silvina Rossi y el equipo de Masato Documentales, con el apoyo de Telesur, INCAA, Canal Encuentro, CEFREC y RadioTEA.
Año: 2008
País de producción: Argentina
Duración: 94 min.








La Revolución de Evo Morales y los pueblos originarios de Bolivia, Emilio Cartoy Díaz presenta su telefilm Bolivia para todos , documental que aborda los conflictos desatados entre los partidarios de la revolución democrática y cultural encabezada por el presidente Evo Morales y los sectores que ven en el nuevo movimiento en peligro a sus privilegios.

Grabada durante 15 meses en distintas locaciones de aquel país, la producción cuenta con el análisis de reconocidos intelectuales latinoamericanos, además de testimonios de los principales protagonistas de la actualidad boliviana.

El documental -con idea y producción general de Emilio Cartoy Díaz, la dirección de Cristian Jure y la producción de Silvina Rossi- incluye testimonios del presidente de Bolivia, Evo Morales; el ex presidente, Carlos Mesa; el vicepresidente Alvaro García Linera, y Víctor Hugo Cárdenas, entre otros dirigentes políticos y sociales de ese país. También presenta fragmentos de entrevistas a escritores, periodistas e investigadores, como Ignacio Ramonet, Norberto Galasso, Alcira Argumedo, Maristella Svampa, Rogelio García Lupo, Eduardo Anguita y Adolfo Perez Esquivel.

El domingo 10 de agosto de 2008 el referéndum revocatorio en Bolivia ante el cual Evo fué confirmado por el pueblo boliviano como Presidente de la Nación por el 67% de los votos y dos “prefectos” de la oposición (no existen alli los “gobernadores”) fueron revocados en sus mandatos, le díó a Evo Morales y su decisión de ir a las urnas (en una ley dictada por la feroz oposición) estatura de genio político.

Ahora los EE.UU. y la oligarquía de la “Media Luna” también confirmada en las urnas al frente de sus Prefecturas, intentan, en conjunto, provocar la secesión de la región petrolera intentando “quitársela” al pueblo boliviano.

Emilio Cartoy Diaz presenta su obra “Bolivia para todos” donde hace una descripción excelente, con imágenes deslumbrantes y música encantadora, de la lucha entre las clases medias y altas “blancas” de la media luna, el Beni y Santa Cruz de la Sierra y los pueblos originarios con sus ropas características y su lenguaje rustico tan expresivo y tan autentico, y ahora en el poder.

Alli se cuenta el desafío en la Asamblea Constituyente que consagró la Nueva Constitución de Bolivia “para todos” sus ciudadanos, pobladores no importa la raza, religión, clase social, actividad, ideología, consagrando derechos sociales y soberanía sobre los recursos naturales.

A pesar de la existencia de la revolución de Victor Paz Estenssoro de 1952 – que podría asimilarse a la de Juan Perón en el 45 de Argentina-, indudablemente Bolivia, luego de tantas luchas y tantos golpes militares apoyados por el imperio del Norte, es como si tuvieran que empezar de nuevo desde cero. Pero es maravilloso entrar en la mirada del pueblo (como lo hace magistralmente el documental) y ver lo que ellos ven. Una cosa que llama la atención sobremanera en la película fue escuchar a los lideres del separatismo, los “blanquitos” de Santa Cruz de la Sierra, mandar mensajes de solidaridad a los sectores del “campo” argentino como diciendo “estamos en la misma, nosotros aquí contra estos kollitas y Uds allá contra esos negritos peronistas”. Muy notable escuchar la oportunidad de sus mensajes inter-blanquitos.

Es duro ver por los noticieros de la TV boliviana como las brigadas de la Juventud cruceña humillaba a cuanto kolla o guaraní capturandolos, desnudándolos del torso, atándolos con sogas como animales y poniéndolos de rodillas en las plazas públicas. También se ve la “caza” de kollas y la posterior golpiza hasta causarles graves heridas. Todo delante de las cámaras de TV que apoyaban a los separatistas. Así en Bolivia como en Argentina. Cada uno con su estado mental y con su “estilo” mas descarnado o mas “civilizado” de intolerancia racial. Esa intolerancia que ya ha provocado más de 9 muertos durante los violentos sucesos de esta semana del 7 al 12 de Septiembre de 2008.

Fuentes de información: Cristian Jure, DocusElrond (info y descargas).

Ver directamente enYoutube.
Ver en Sevenload.
Ver en Naranjas de Hiroshima TV.

Io e... la forma della citta




Título original: Io e... la forma della città (Yo y. . . la forma de la ciudad)
Director: Paolo Brunatto / Pier Paolo Pasolini
Producción: RAI, Radio e televisione italiana
País de producción: Italia
Duración: 20min.
Año: 1974
Formato: 16 mm., color
Formatoo copia: DVD-Rip.

















En el año 1974, la televisión italiana (RAI) pidió a Pier Paolo Pasolini participar activamente, con una película documental, en una transmisión televisiva. El resultado fue un tipo de película reflexiva y poética dividida en dos partes, claro ejemplo de estudio sobre la antropología urbana mediante el lenguaje cinematográfico de no-ficción; “Yo y. . . la forma de la ciudad”, este es el nombre de la película que fue filmada en 16 mm., sonido en presa directa, con duración de aproximadamente 20 min. Y en color. Dividido netamente en dos partes.

En la primera parte del film, se puede ver el director en compañía de su actor mas conocido: Ninetto Davoli,1 ambos miran la ciudad industrial de Orte (Italia, al Norte de Roma) desde un campo cercano.

Pasolini esta detrás de una cámara de cine y es, exactamente con esta cámara de cine, que observa el aglomerado urbano nacido en la colina en frente de ellos y enseña e intenta explicar a su actor como y porqué la ciudad había tomado naturalmente una forma propia y como algunos elementos surgidos en un segundo tiempo (los encuadra con la cámara, zoom), palacios, barrios populares y la periferia industrial que rompen el equilibrio estético del conjunto.

La segunda parte del documental esta filmada enteramente en Sabaudia (pueblo al oeste de Roma, cerca del mar), Pasolini está solo, camina a través de la ciudad caracterizada por una arquitectura fuertemente fascista que, por su sólido carácter, parece casi encantadora. Todo se concluye en una playa ventosa, donde el director ataca verbalmente la sociedad capitalista sobre todo poniendo la atención en la función negativa de la televisión como medio de masas. En esta parte Pasolini cambia su posición respecto la cámara de cine, él ya no está detrás de ella como antes sino que esta delante, el punto de vista cambia y también la interpelación con el espectador. En la primera parte el espectador es el actor Ninetto Davoli, en la segunda parte todo está caracterizado por una interpelación directa con el publico real a través del objetivo de la cámara y es muy interesante como el tema tratado cambia y cambia también la violencia verbal de las palabras del director dirigidas a la sociedad.

El film funciona como una excusa para denunciar la crisis de la sociedad italiana que puede trasladarse también a la especulación edilicia y a la pérdida de identidad del desarrollo urbano:
“[. . . ] Mientras por Orte se puede hablar solamente de un ligero daño, de un defecto, en lo que se refiere a la situación italiana, de las formas de le ciudades de la nación Italia, la situación es, sin duda, desastrosa e irremediable”.

Pasolini manipula el contenido tranquilizador de una transmisión televisiva, en una especifica y fuerte denuncia de la especulación inmobiliaria que identifica, de una manera generalizada, los barbarismos de lamodernidad y del "desarrollo sin progreso". El ser humano está desfigurado por la sociedad moderna, sociedad moderna que, especialmente en lo que se refiere al desarrollo arquitectónico no toma en consideración el contexto sociocultural donde trabaja, creando así formas de desorientación, frustración y violencia.

“Yo creo en el progreso, no creo en el desarrollo y, mas en concreto, en este desarrollo.”

Pasolini parece aludir, en el documental, a una transformación antropológica y social causada por la modernidad, concepto frecuentemente repetido por el poeta que apunta a la colectividad como victima de un desarrollo sin frenos, comandado por los medios de comunicación. Transformación caracterizada por una aplanamiento generalizado y una homologación social, parangonada, en la segunda parte del cortometraje analizado, a la dictadura fascista promotora de uno estilo arquitectónico frío como el de la ciudad de Sabaudia.

Pasolini utiliza el cine, especialmente en esta película-ensayo, para describir la esencia real de la población italiana (y no solamente ésta), mostrando los cambios histórico-culturales en acción en la sociedad moderna menospreciando los valores y el patrimonio de tradiciones y prácticas culturales ya casi perdidas, en el nombre de la modernidad, del consumismo y de la homologación.

Al final dice: Ahora, en cambio, tiene éxito el contrario (como reflejo después del régimen fascista). El régimen es un régimen democrático, pero esa aculturación, la homologación que el fascismo no acertó en absoluto a obtener; el poder de hoy, que es el poder de la sociedad de consumo de masas, en cambio, ha podido conseguir un éxito perfecto [. . . ] el verdadero fascismo es exactamente este poder de la civilización de consumo que está destruyendo Italia, y esto ha sucedido tan rápidamente que nosotros no nos damos cuenta, ha sucedido en estos cinco, seis, siete, diez años pasados... ha sido una especie de pesadilla en la cual hemos visto a Italia destruirse alrededor de nosotros, a desaparecer. Ahora, despertando, quizás, de esta pesadilla, y mirando a nosotros alrededor, notamos que no hay nada más que hacer”.


Fuentes de información: Pasolini y la antropología urbana - Un documental de los años setenta de Stefano Odorico, Patio de Butacas (info y descargas).


Métamorphoses du paysage - Metamorfosis del paisaje

Título original: L'ère industrielle: Métamorphoses du paysage (Metamorfosis del paisaje)
Año: 1964
País de producción: Francia
Dirección y guión: Éric Rohmer (1920-2010)
Duración: 23 min.
Narrador (voz en off): Antoine Vitez
Producida por: Pierre Gavarry (productor de la serie), Eric Rohmer (como Maurice Scherer).
Fotografía: Pierre Lhomme
Montaje: Christine du Breuil
Asistente de cámara: Jacques Grandclaude
Supervisor musical: Betty Willemetz






Documental para la serie "L'ère industrille" donde Rohmer analiza los cambios interactivos entre tierra y actividad humana en la era industrial.

Cuestionar el sentido del paisaje industrial, los cambios que ha sufrido. Los marcos donde aprovechar las mejores líneas de fuerza que se obtienen de lugares en construcción, torres de energía, las chimeneas de las fábricas. Trata de dibujar una forma poética para tender puentes entre el comienzo de la era industrial, cuya belleza se revela sólo a día de hoy, y modernos parques industriales, terrenos baldíos, el uso del hierro en la construcción naval, la búsqueda de la paradoja de su "belleza".

Pero es en el paisaje urbano, las nuevas ciudades, en particular, Eric Rohmer, un poco en el camino de Jacques Tati, ha examinado específicamente. En primer lugar, miró a través del cine documental profesional (La metamorfosis del paisaje, la era industrial en 1964 y establecer nuevas ciudades en 1975) que concluye la primera en el siguiente comentario: "Así que echemos un vistazo a terminar en perdonar este paisaje industrial que se está moviendo en la historia. Las plantas van en futuras campañas a esconderse detrás de los arbustos. ¿En qué estaba enferma de los suburbios, que pronto se levantará un limpio, pulcro, ordenado. Nuestras razones para alegrarse superan nuestro pesar. Y nos atrevemos a mantener la esperanza de que el marco futuro de nuestra existencia en su rigor dejar una puerta abierta para la meditación. "La transposición de esta esperanza en su ficción, ubicado en Marnes la Vallée (Las noches de luna llena, 1984) y Cergy-Pontoise (El amigo de mi amigo en 1987) escribió acerca de esta última película" Aquí, el barrio se muestra en una imagen idílica. El personal es joven y parece que esten de vacaciones en un Club Med en las afueras de París. Desde aquí, vemos que de hecho las torres de La Défense, pero también pequeños valles y un pequeño lago cerca de la cual Blanche y Fabien vivirá al ritmo de windsurf, de su amor. " 

Pero es también un paisaje cineasta, ya que hay pintores de paisajes, Eric Rohmer ha abordado este tema. Demostrando un espíritu de innovación que se sorprendió cuando eligió a superponer a La Inglesa y al Duque (2001) tablas de tiempo en vez de un escenario natural. Pero también pintó a sí mismo con su cámara. En su última película, El romance de Astrea y Celadon (2007), sus escenas idealizadas rurales son irresistiblemente pensar en las pinturas de Poussin y Fragonard. Es por esta película como uno que podría pasar por el campeón del paisaje moderno que no estaba marcado como para despertar la ira del Consejo General de Loira. ¿No escribió en efecto: "Lamentablemente, no hemos podido encontrar esta historia en la región que habían puesto a la autora (Honoré d'Urfé), la planicie de Forez está desfigurado por la urbanización La ampliación de carreteras, el estrechamiento del río, la plantación de coníferas. Hemos optado por otra parte, en Francia, como parte de esta historia, el paisaje se ha conservado gran parte de su poesía salvaje y bucólica ellos. "

Fuentes de información: Patio de Butacas (info y descargas), IMDB (Internet Movie Data Base), Arkepix, Fabrice de Chanceuil.



Ver en Vimeo en V.O.
Ver en Naranjas de Hiroshima TV.

Arrhash (Veneno)

Título original: Arrhash (Veneno).
Año: 2008
Duración: 45 min.
País de producción: España
Dirección, guión e investigación periodística: Javier Rada, Tarik El Idrissi.
Cámara y dirección de fotografía: Guillermo Barberá (Films Nómades).
Realización y sonido: Santiago Valdepérez (Films Nómades).
Montaje: Jordi Gallofré (Zagora Films).
Realización: Rubén Ruiz.
Ilustración: Omar Boulyazid.
Edición de sonido: Beto Yansen.
Música y edición de sonido: Achraf “Kino” El Idrissi.
Web oficial: http://www.arrhash.com/
Producción: Zagora Films.
Distribución: Eguzki Bideoak, licencia Creative Commons. DVD en venta, con subtítulos en 5 idiomas, por 12 €.



Entre 1923 y 1927 el ejército español utilizó de forma masiva gas mostaza contra población civil durante la guerra del Rif. España se convirtió en una de las primeras potencias en utilizar estos métodos de exterminio. Y consiguió que su crimen permaneciese en un conveniente olvido. Ochenta años después, un joven rifeño, residente en Madrid, inicia una carrera contra reloj para salvaguardar la memoria de los últimos testigos de aquella guerra. El Gobierno español nunca ha admitido tales crímenes. Y las víctimas, muy ancianas, amenazan con morir sin haber explicado qué ocurrió durante aquellos años de asfixia y muerte.

Este productor y realizador de documentales quiso investigar si era cierto lo que se susurraba en su pueblo (Alhoceima/Axdir). Para ello se puso en contacto con el periodista Javier Rada. Y surgió el objetivo común de trabajar cuanto antes en ello, ya que las últimas personas con recuerdo eran demasiado ancianas como para permitirse más lapsus históricos.

Décadas antes de que la localidad vasca de Guernica fuera atacada por la aviación nazi durante la guerra civil española (1937), los pueblos rifeños ya conocían en sus carnes el horror de ser bombardeados. Conocían la grotesca imagen de ver a los niños, los ancianos, y las mujeres morir al paso de los aviones. Al horror de Guernica debemos sumarle, sin embargo, un hecho más siniestro. Los rifeños fueron atacados por la mayor arma destructiva de la época: los gases tóxicos. Un armamento prohibido entre los llamados “pueblos civilizados” pero utilizado contra los llamados “salvajes”. Las potencias occidentales hermanaron al humano con la rata y la cucaracha. Y los rociaron hasta la muerte.

Guernica acabaría convertida en un símbolo internacional del horror, al ser considerado como el primer lugar en el que se bombardeó desde el aire a población civil. Y el Rif, por aquella razón de que la memoria la escriben los ricos, se sumió en el olvido, propiciado, en parte, por los gobiernos de España y Marruecos. Hasta ahora.

Este documental intenta poner la historia en su sitio. Rellenar la ausencia en los libros de texto. Recuperar la voz de los que sufrieron esta guerra química. No hay peor crimen que el que queda en el olvido. Ayúdanos a recuperar la historia. La memoria es patrimonio de las víctimas, no de los verdugos.



Ver en partes en Vimeo: Parte 1/4  Parte 2/4 Parte 3/4 Parte 4/4
Ver en Youtube completo.

Televisión Serrana

Título original: Televisión Serrana TVS (Televisión Comunitaria de Sierra Maestra, Cuba)
Dirección: Varios/as realizadores.
Fundada por Daniel Diez Castrillo.
País de producción: Cuba
Año: 15 Enero 1993 -
Producción: Unesco, Instituto Cubano de Radio y Televisión (ICRT), Asociación de Agricultores Pequeños (ANAP).
Duracción: Más de 400 documentales, reportajes, informaciones y spots.
Web oficial: http://www.tvserrana.icrt.cu/

















Especial
17 años 







Televisión Serrana celebra 17 años y la Sierra Maestra cubana celebra lo que en enero de 1993, en San Pablo de Yao, a partir de una idea de Daniel Diez, se origina un proyecto para formar un grupo de realización audiovisual en la Sierra Maestra que se propuso una línea de creación retomando la herencia documental del cubano Santiago Álvarez.
La UNESCO proporcionó los fondos iniciales y el gobierno cubano dio su apoyo al facilitar, a través del Instituto Cubano de Radio y Televisión (ICRT), el personal y la capacitación requeridos. Por otra parte, la Asociación de Agricultores Pequeños (ANAP), organización no gubernamental, fue otro precursor en la creación de un medio que viniera a ser reflejo de la vida cotidiana del “guajiro” de la Sierra; ese guajiro al que no llegan las cámaras de la televisión nacional.
Así llegó Daniel Diez con su equipo a San Pablo de Yao: una comunidad esencialmente cafetalera que pertenece al municipio de Buey Arriba, en la oriental provincia de Granma. Aquel pequeño grupo de realizadores del audiovisual llegó equipado con material de video de bajo costo en pos de facilitar la comunicación alternativa con fines sociales, educativos y culturales para rescatar la cultura comunitaria campesina. De esta forma comenzaron a producirse documentales en formato de video, sin excluir otros posibles.
El carácter comunitario de la Televisión Serrana se define también a través de la selección genérica. El género documental ratifica el valor histórico, educativo y de divulgación a partir de sus propias características.
Cuando se analizan los antecedentes de la producción documental cubana, es posible establecer una comparación entre los documentales de la TVS y el Noticiero ICAIC Latinoamericano: se presentan como una continuación, o quizá una consecuencia de este. La televisora retomó este género en momentos en que no existían recursos técnicos ni creativos, enfatizando la máxima de que la realidad es significativa para todo creador y la fuente principal de donde emerge la creación artística.
La documentalística cubana, y en especial la labor creadora del primer director de TVS, tienen su base conceptual en tales postulados: construir realidades sociales antes que reflejarlas superficialmente en los medios de comunicación.
Una de las más substanciales actividades del proyecto es la producción de video-cartas que los niños de la Sierra Maestra dirigen a otros niños de Cuba y del mundo. Los pequeños son los intérpretes de estos testimonios documentales en los que primero narran su vida cotidiana y describen la naturaleza que los rodea, su escuela, sus juegos, sus familias, etc., y luego hacen preguntas.
Gracias al proyecto, el video en Televisión Serrana es una herramienta de educación. Los niños, que fungen muchas veces como protagonistas de los materiales, se familiarizan con la cámara y en la complicidad del género envían sus mensajes a todo el mundo. Sin máscaras ni sobreactuaciones, con la sencillez que los caracteriza, hacen más personalizados los trabajos.
Para la comunidad, la Televisión Serrana redunda en la autoestima de los pobladores. Las voces y las imágenes de su vida cotidiana y de su cultura viajan a otras partes de Cuba y del mundo, lo cual encarna reconocimiento y respeto hacia su identidad.
El proyecto comunitario continúa encaminado hacia la realización de su objetivo más importante: seguir existiendo como la voz de la comunidad a la vez que facilita una concreción identitaria y se presenta como guía de los progresos locales en la actualidad. La comunidad integró a su cotidianeidad el proceso de producción. Cámaras y pobladores coexisten sin que la simplicidad y la armonía de los productos hayan mermado.
El impacto social que ha tenido el proyecto es indudable por cuanto son tangibles los cambios en la comunidad desde cualquier perspectiva: se aprecia una evolución en las competencias culturales de los campesinos, son participantes de la creación audiovisual, no meros espectadores. Si en un inicio los fundadores llegaron desde la ciudad, actualmente la mayoría de sus integrantes proviene de zonas rurales.
A partir del concepto de “Educación para la Comunicación”, la TV Serrana fundó en 1996 el Centro de Estudios para la Comunicación Comunitaria (CECC) que aporta las herramientas necesarias a los habitantes de la zona en cuanto al dominio del lenguaje audiovisual y las técnicas para su realización, de forma tal que puedan integrarse al proyecto y facturar sus propios materiales.
Después de un riguroso proceso de selección de los interesados —teniendo en cuenta un verdadero interés en apropiarse de tales conocimientos en función de la comunidad, así como la sensibilidad creativa, etc.— se conforman grupos que reciben una preparación básica y, asesorados directamente por la TVS, investigan en sus localidades con el fin de desarrollar proyectos de realización que una vez aprobados y discutidos, serán filmados. El CECC, que en el 2001 inició un proyecto de intercambio con los alumnos de un centro similar en Harlem, Nueva York y actualmente mantentiene intercambio con la Facultad de Comunicación de la Universidad de Sevilla, España, convenio en el que estudiantes de esta facultad pueden asistir una vez al año a recibir talleres de documental en este centro de estudios.
El CECC es responsable de reconocidos materiales nacido en el seno de grupos alternativos de otras comunidades de la Sierra Maestra —como La Chivichana— bajo el sello de TV Serrana y realizado por el grupo alternativo de la comunidad de Masó y “Una parte de mi vida” realizado por la venezolana Tatiana Canro, este documental es su tesis en la carrera de Medios Audiovisuales, que pudo realizar como parte un taller de intercambio en de documental.
Desde 1996 hasta la fecha, se han desarrollado diez cursos en todas las especialidades: dos de fotografía, uno de edición, uno de guión y seis cursos polivalentes, con aproximadamente ciento cincuenta personas matriculadas. Además, han efectuado talleres de diferentes manifestaciones artísticas para otorgar a la comunidad herramientas de extensión sociocultural. Destacan diez talleres de teatro (con dramaturgos nacionales y extranjeros), seis de artes plásticas y uno de literatura. Las cruzadas audiovisuales resultan otra iniciativa del proyecto que traslada la creación a demás municipios montañosos de Granma.
La TVS mantiene relaciones con la EICTV (Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños) casi desde su creación. Cada año los estudiantes de segundo año en la especialidad documental de ese centro realizan el ejercicio documental “One to One” con la asesoría y proyección de los realizadores serranos y a cambio, estos tienen libre acceso a los talleres de la Escuela de Cine en un convenio desde el año 1995. Dos de los documentales más exitosos de la historia de la EICTV “Pucha Vida” de la colombiana Nazly López y “José Manuel la mula y el televisor” de la francesa Elsa Cornevin, han nacido como parte de este ejercicio en que los directores como bien dice su nombre “One to One”¨ se enfrentan al reto de hacer un documental de personaje cumpliendo todos los roles de la producción, siendo únicamente un realizador, una cámara y un personaje.
En la casa que les sirve de sede y laboratorio, las puertas están abiertas para niños y adultos: encuentros, debates, películas, exposiciones, sala de reuniones y biblioteca. Lograron que la comunidad tuviera mejoras socioeconómicas: la construcción de calles, de caminos, de aceras; la distribución de agua, de electricidad, el cuidado del medio ambiente. Se incrementó el movimiento cultural en la región, los espacios de intercambio y esparcimiento.
El 12 de febrero de 2000 se realizó la primera edición de “El Colibrí”, una publicación electrónica de Televisión Serrana con el objetivo de difundir y compartir experiencias en el contexto de la comunicación participativa y comunitaria. Aunque de escasa difusión, se sumaron a ella importantes voces de la comunicación comunitaria, fundamentalmente de América Latina.

Fuentes de información: Tatiana Canro, Televisión Serrana, Wikipedia, Miradas,


Algunas de sus obras:


La Cuchufleta


 
Año: 2007
Dirección: Kenia Rodríguez y Luis Guevara
Duración: 22 min.



Documental realizado por la Televisión Serrana sobre la instalación de una maquina rudimentaria de producción de electricidad en las montañas de Cuba.
- Cuchufleta: Dicho o palabras de zumba o chanza. Dicho festivo y gracioso.






Ver directamente en Dailymotion (en el canal de Sodepaz).


La Chivichana
 

Año: 2001
Dirección: Waldo Ramírez
Duración: 13 min.






Un documental sobre la "chivichana", útil medio de transporte de los habitantes de las serranías orientales cubanas.


La Chivichana - Watch more Videos at Vodpod.

Ver directamente en Tu.tv (en el canal de Cine Documental).




Como un rayo de luz



Año: 2009
Dirección: Tatiana Canro, Ariagna Fajardo.
Duración: 14 min.

Narra una historia ocurrida en un remoto pueblo de la sierra Maestra Cubana en donde se crea una televisión y los campesinos esperan con mucha ansiedad la llegada de los artistas sin darse por enterados que ellos serían los protagonistas.


Como un rayo de luz from canro&canro on Vimeo.



Ver directamente en Vimeo.

 
José Manuel, la mula y el televisor

Año: 2003
Duración: 14 min.
Dirección: Elsa Cornevin (Francia)
Guión: Elsa Cornevín (Francia)
Fotografía: Elsa Cornevín (Francia)
Edición: Greta Rodríguez
Sonido: Pedro Espinosa, José Luis Garlobo
Producción: Pedro Díaz (Cuba)
Música: Raizman Barzaga (guitarrista)

En los catorce minutos de José Manuel, la mula y el televisor, la francesa Elsa Cornevin relata las "aventuras" de un campesino, en una especie de road movie mixturada con los elementos del cine encuesta. José Manuel es un campesino serrano que está viendo un programa de televisión cuando un apagón interrumpe la emisión; entonces él decide montarse en su mula, tomar la caja del televisor, vacía, y entrevistar a diversos personajes (vecinos suyos) a los cuales enmarca dentro de la caja vacía del televisor, de modo que puede continuar, e incluso ir realizando a su modo, el programa de entrevistas que estaba viendo.

Uno de los elementos más curiosos de José Manuel, la mula y el televisor es el giro autorreflexivo que adquiere, cuando el personaje trasciende su cualidad de observador más o menos pasivo para transformarse en creador de contenidos audiovisuales. Impresiona la locuacidad, el ingenio y la gracia de José Manuel, su capacidad para escuchar a los otros y para interesarse en sus problemas, de modo que el filme termina siendo, también, sutil sugerencia a estimular la creatividad del documentalista y la capacidad para generar cambios positivos en su entorno.

José Manuel, la mula y el televisor fue aplaudida en festivales de Portugal, Suiza y Chile, entre muchos otros países, y alcanzó el premio al mejor cortometraje latinoamericano en el Tercer Festival de la Federación de Escuelas de Imagen y Sonido de América Latina (FEISAL), llamado El Cine de los Estudiantes, que se realizó en junio de 2005 en Buenos Aires

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Pucha Vida


Pucha, la revolucionaría ejemplar, vive feliz en San Pablo del Yao en un decorado diseñado por ella, las maderas de su casa proceden de Sierra Maestra y cada cosa tiene un lugar en su mundo. Sin embargo, Rogelia Gómez sufre el conflicto entre la realidad y el ideal. El documental fue premio en el concurso La Mirada del Otro.

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Una parte de mi vida
Año: 2008


Dirección: Tatiana Canro
Duración: 18 min.






Documental Filmado en la Sierra Maestra cubana. Producido por la Televisión Serrana y Minas Visión.
Habla sobre tres hombres, tres historias, pero una pasión en común... las abejas.
Ha sido selección oficial del 29 Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de la Habana, ha participado en el Festival Internacional de Cine Independiente de Mompox-Colombia, Festival Almacén de la Imagen de Camaguey, Festival Caracol Santiago. Y ha sido transmitido en Cubavisión Internacional y puede verlo también en www.canaldocumental.tv


Una parte de mi vida/A part of my life from canro&canro on Vimeo.

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Al compás del pilón



Año: 2009
Dirección: Carlos Rodriguez
Duración: 9 min.
Producción: Carlos Rodríguez
Guión: Carlos Rodríguez
Fotografía: Luis A. Guevara
Edición: Yolexis Enrique
Sonido: Humberto Mendoza

Hay mucho más en el pilón que el simple hecho de pilar café.
Trabajo de la Televisión Serrana repleto de ironía y buen humor en torno al instrumento campesino del pilón.

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Con el corazon en la calle

Título original: Con el corazón en la calle ... Zaragoza Rebelde Antagonismos 1975-2000
Dirección y guión: Rebeca López ,Emilio Perdices, Charo de la Varga, Javier Estella.
País de producción: España
Formato: HDV Color
Año: 2009
Duración: 54 min.
















“Con el Corazón en la Calle, narra en primera persona y hablando desde el corazón las experiencias de un grupo de personas vinculadas a diferentes movimientos sociales entre el año 1975 y el año 2000. Centrando la atención más en el cómo y el porqué que en el cuándo y en el cuánto, el documental pretende ofrecer una mirada personal y subjetiva a la historia de las luchas sociales de estos 25 años de transición ‘pacífica y democrática’.

Teniendo la calle como protagonista e hilo conductor, los personajes se sitúan en puntos que, de alguna manera, tienen un significado para ellos, tanto por lo que allí pasó como por lo que no dejaron que pasara y desde allí, nos contaran sus experiencias, sus motivaciones, sus frustraciones y sus alegrías.

Con el Corazón en la Calle no tiene vocación enciclopédica, simplemente pretende mostrar los sentimientos e inquietudes de un grupo de gente que compartía una gran voluntad transformadora, la ilusión de que es posible cambiar la realidad si ésta no nos gusta y la certeza de que, mediante la acción colectiva, este cambio es posible.”

Fuentes de información: Zaragoza Rebelde.

Con el corazón en la calle...Zaragoza Rebelde Antagonismos 1975-2000 from keka lópez on Vimeo.


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Caminantes


Título original: Caminantes
Dirección: Fernando León de Aranoa.
Guión: Fernando León de Aranoa, Ángel Luis Lara.
Fotografía: Jordi Abusada.
Música: Alfonso Arias.
Montaje: Mariela Cádiz.
Intervienen: Jan Chávez Alonso, Mª.Guadalupe Samaniego, Juan Romero Orozco, Igancio Romero, Subcomandande Marcos.
Año: 2001.
País de producción: España, México.
Duración: 57 min.













La historia trancurre durante los primeros meses del año 2001, en Nuria, una pequeña población indígena del altiplano mexicano, donde sus habitantes se preparan para recibir a los participantes de la marcha promovida por el Ejercito Zapatista de Liberación Nacional (EZLN) en su camino desde el Estado de Chiapas hasta la capital del país, México DF, con el propósito de reconocer los derechos culturales de la población indígena. Una película documental que incluye una entrevista con el subcomandante Marcos, que se ha convertido en el portavoz de las reivindicaciones indigenistas y en todo un símbolo de la antiglobalización.

El guionista y también director Fernando León de Aranoa, satisfecho, tras su labor en La espalda del mundo, y cargando con unas ideas políticas que a nadie se le escapan, construye con Caminantes, un breve documetal que no llega la hora de duración y que ofrece un enfoque muy creativo, estimulante y original de la marcha zapatista, con el propósito de presentar al gobierno de la república las reivindicaciones de los silenciados en las democracias "postsociales», es decir, los que tienen menos dinero. León de Aranoa glosa en apenas sesenta minutos los días previos a la llegada del subcomandante Marcos y toda su corte de seguidores en el municipio indígena de P'Urhepecha, una de tantas zonas deprimidas de México que presenta un alto índice de emigración y innegables muestras de pobreza. Junto a estas imágenes, se dan cita desde la profesora del colegio hasta un speaker, pasando por granjeros y músicos, intercalarse asentándose las declaraciones del subcomandante Marcos, prolijas en parábolas y alegorías, en un tono mesiánico que atrae por carecer, como en su momento Jesús, de cualquier filiación económica, religiosa o política.

Aciertos todos estos reseñados de un guión que es capaz de condensar en menos de una hora un documento emocionante de la penosa vida que tienen que sufrir aquellos a quienes sólo se les mira para pedirles su voto. Hay, además, un acierto más en esta historia, y es (como se encarga de remarcar el documental en su cierre) evitar el lado folclórico de la trama (que también lo tiene, sin duda) para generalizar el mensaje que propugna este Ejército Zapatista de Liberación Nacional a gentes de toda raza, estrato social o religión.

Un documental interesante en estos tiempos en que parece que lo que llamó Derrida "la crisis de los grandes relatos» ha derribado la idea de progreso en prácticamente todos los ámbitos de nuestras vidas excepto en el capitalismo. Un documental formulario en su puesta en escena, pero cuyos contenidos merecen la pena ser expuestos para seguir asintiendo cuando se afirma que, como dice el subcomandante Marcos, el capitalismo es el capitán de ese barco que se va hundiendo y lo que va echando todo aquello que no le produce rédito, que considera superfluo. Ese barco, que es la sociedad, finalizará en el fondo del mar. Pero con él, el capitán.


Fuentes de información: Artículo de Rubén Corral, publicado en La Butaca.


Fraude Mexico 2006

Título original: Fraude México 2006
Dirección: Luis Mandoki
Guión: María Benia, Yoame Escamilla
Intervienen: Andrés Manuel López Obrador, Felipe Calderón Hinojosa, Carlos Salinas de Gortari.
Producción: Federico Arreola, Federico Arreola, Issa Guerra, Celia Iturriaga, Luis Mandoki, Pablo Mandoki, Mariana Rodríguez
Musica original: Juan Sebastián Lach
Fotografía: Esteban Arrangoiz, Yoame Escamilla, Juan Carlos Lazo, Christian Rivera
Montaje: María Benia, Yoame Escamilla, Mariana Rodríguez, Mile Waldman
Sonido: Salvador Félix, Iván Huerta, Pablo Lach, Pablo Lach, Luis Yáñez
Duración: 110 min.
País de producción: México
Producido por: Contra el Viento Films S.L.











Fraude México 2006 es una película sobre la pasada elección presidencial en México del año 2006.


Documenta los sucesos ocurridos antes, durante y después de la jornada electoral. Contiene, además, evidencias visuales muy elocuents de prácticas fraudulentas registrados por innumerables cámaras ciudadanas.

Polémico estreno

La cinta estrenada el 17 de noviembre de 2007, fue exhibida en 230 cines y en 32 ciudades de México. Pero el director denunció que en diversas ciudades, por ejemplo, en Monterrey, donde se le dieron 28 copias a la cadena Multimedios Cinemas, se reportaron entre 10 y 20 asistentes, cuando es la exhibidora más grande en ese estado, mientras las cifras de Cinépolis y Cinemex son de 100 asistentes por sala. En Guadalajara, los vendedores de boletos buscaron desanimar a los espectadores con comentarios como: está muy aburrida, hay mejores que esa, es pura grilla. En el Estado de México fue cancelada en un complejo de Cinemex, bajo el argumento de que sólo había 11 asistentes.


Pese a las hostilidades, Fraude: México 2006, la más taquilleraSe han presentado muchas irregularidades, como reportes de taquilla dudosos y la ausencia de la cinta en algunas marquesinas, refirió el director Luis Mandoki. Seguiremos defendiendo la película y demandaremos por censura a las radiodifusoras, adelantó el cineasta

El realizador de Fraude: México 2006, Luis Mandoki, asistió ayer a la sala 2 de la cadena Cinépolis, en la plaza comercial de Perisur para ver su obra El realizador de Fraude: México 2006, Luis Mandoki, asistió ayer a la sala 2 de la cadena Cinépolis, en la plaza comercial de Perisur para ver su obra Foto: Francisco Olvera

A pesar de las hostilidades y golpes bajos que ha sorteado el documental de Luis Mandoki, Fraude: México 2006, fue la cinta más taquillera a nivel nacional en su primer día de exhibición, al convocar a 26 mil 200 asistentes, superando a películas hollywoodenses como La mujer de mis pesadillas, El mundo mágico de Tarabithia y Leones por corderos, según cifras proporcionadas por la agencia Nielsen. El director refiere: “La película se ha promocionado bien de boca a boca, está funcionado bien, todas las salas donde se proyecta están a reventar”.

No obstante, el director Luis Mandoki informó en entrevista que a pesar de que “ha sido un éxito realmente sorprendente, si nos ponemos a pensar que es una película con prácticamente nula publicidad respecto de otras que para su promoción invirtieron millones de pesos, hemos detectado muchas irregularidades, desde los taquilleros de los cines que desalientan al público para que no la vea, hasta reportes de taquilla dudosos”.

El cinerrealizador precisó: “Por ejemplo, en Monterrey –donde se le dieron 28 copias a la cadena Multimedios Cinemas– se reportaron entre 10 y 20 asistentes, cuando es la exhibidora más grande en ese estado, mientras las cifras de Cinépolis y Cinemex son de 100 asistentes por sala, en general. Esto tiene dos lecturas: o los de Multimedios Cinemas son unos ineptos para hacer su trabajo o hay mano negra.


Otras rarezas

El director de Voces inocentes agregó que otra de las rarezas se da en la venta del boletaje: “En algunos complejos, cuando compras, por decir, ocho boletos, te dan cinco con la impresión de Fraude: México 2006 y el resto con el nombre de otra película, y les dicen que con ese boleto ‘pueden entrar a ver el documental’, pero ese boleto, al tener el nombre de otra cinta, no se contabiliza al documental”.

Otra de las anormalidades se detectó ayer en Cinépolis de Perisur, el complejo cinematográfico más grande cualitativamente hablando, o sea, el que más ganancias reporta en toda Latinoamérica, pues informa Mandoki: “A pesar de que se exhibía en tres salas, en las cuales se agotó el boletaje para todas sus funciones, no aparecía anunciada en la marquesina exterior del complejo. Me quejé con el gerente, y a las 20:30 horas pusieron el título. También he recibido información de que en otros complejos sucede lo mismo”.

Agrega: “Ayer me platicaban en la plaza Centro Magno, de Guadalajara, que en la taquilla los boleteros buscan desanimar a los espectadores con comentarios como: ‘está muy aburrida’, ‘hay mejores que esa’, ‘es pura grilla’. Aquí en la ciudad me han comentado que al llamar a los teléfonos para comprar boletos les han colgado cuando piden localidades para Fraude: México 2006. Estos son los hechos concretos y no estoy seguro de si hay línea de las cadenas exhibidoras o es iniciativa de los empleados que simpatizan con otras corrientes políticas”.

Lo que ha sorprendido a Luis Mandoki es que la gente ha estado muy participativa. “El viernes en la noche, en Guadalajara, me metí a saludar a la gente en la función de las 8; hice una especie de ronda de preguntas y respuestas; ahí había muchos militantes no perredistas, quienes se mostraron agradecidos por los hechos presentados en la cinta e indignados con las pruebas. Me di cuenta de que realmente hay un interés por saber lo que está sucediendo en el país. Estamos contentos con lo que está pasando con la película, pero también preocupados por estas irregularidades que no deberían pasar en una industria de cine.”

Finalmente, Mandoki dijo: “Lo que sigue es continuar defendiendo la película; interpondremos una demanda contra la censura de las radiodifusoras que se negaron a pasar el promocional, porque eso tuvo un costo en taquilla”.

En un recorrido realizado por La Jornada por diversas salas se constató que el público interactúa con el filme, cuando aparecen en la pantalla figuras como Carlos Salinas de Gortari, Vicente Fox o Elba Esther Gordillo se llevan una rechifla; por el contrario, la gente ríe con las intervenciones de Carlos Monsiváis, y aplaude cuando aparecen Julio Hernández (articulista de esta casa editorial) y Luis Mandoki. Todas las funciones presenciadas terminan con aplausos.

Al cierre de esta edición, la función de las 23 horas de Fraude: México 2006, fue cancelada en Cinemex Perinorte (a las 22:30 horas), con el argumento de que sólo había 11 asistentes, cuando en otras salas los asistentes no rebasaban esa cifra, informó Mandoki.

Fuentes de Información: DocusElrond (info y descargas), IMDB,



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