Coffea Arábiga

Título original: Coffea Arábiga

Director: Nicolás Guillén Landrián
Año: 1968
Guión: Nicolás Guillén Landrián, Miguel de Zárraga
Producción: ICAIC
Fotografía: Lupercio López
País: Cuba
Duración: 18 min

En 1968 Guillén Landrián hace con Coffea Arábiga su obra más conocida. El tema debió ser una papa caliente en manos de cualquier realizador: un corto didáctico acerca del cultivo del café con motivo del gigantesco plan de siembra y fomento del grano en las inmediaciones de la capital cubana, el cual ocupaba a miles de personas en un laboreo frenético. Tal frenesí es lo primero que salta a la vista en la textura de Coffea Arábiga , documental apoyado esencialmente en el montaje, verdadero pastiche de propaganda política, literatura científica, fotoanimaciones, empalmes sonoros desquiciados e imaginativos, donde el intertitulado juega un papel irónico y desgarrado a la vez, al llevar buena parte del peso en los contrapuntos que aquí son tan agudos como complejos, y donde por vez primera Guillén Landrián echa mano a las “palas” al falsear un hecho que, no obstante, refiere como realidad documental.

Las lecturas que se han hecho del filme tienden a enfatizar apuradamente detalles del cuerpo en vez de la sinergia, la dialéctica interacción de cada bloque, pues en Coffea… se refuerza la fragmentación interior del discurso, que en este caso redunda en una superior compactación del sentido, pero dentro de cuya armonía en la diferencia toca el cielo el contraste, los contrapuntos ácidos de forma y contenido que nunca volverán en su obra a reportar tanta agudeza. Al contrario de como ha sido leído usualmente, Coffea… sí es un documental didáctico. De esos que se hacen con pedacitos de literatura científica y terminología técnica, declaraciones de especialistas e ilustración del tema por la imagen, con propósitos desembozadamente pedagógicos. Y donde prospera la lucha de contrarios complementarios es justamente en el trabajo con esa obligatoriedad, allí donde Guillén Landrián consigue un lenguaje nuevo con arreglo a formas de expresión únicas.

La textura formal de Coffea Arábiga no solo inaugura un área de experimentación inédita dentro del cine de Guillén Landrián, propia de las búsquedas expresivas de una vanguardia audiovisual que no solo se debate contra el registro mimético y la exposición lineal, el manoseo de las evidencias de lo real más que de sus inmanencias, sino que lo incorpora a la corriente fragorosa del cine histórico que entonces tomaba por asalto el campo cultural cubano y daba en precisar los perfiles de una genealogía de la emancipación. De ahí que la siguiente película de Guillén Landrián fuese una personal indagación del devenir nacional.

Fuentes de Infomación: Cultivadores de Culto (también descarga), extracto de artículo Nicolás Guillén Landrián: El iluminado y su sombra de Dean Luis Reyes, para la revista Miradas (EICTV).


Ver directamente en Dailymotion.
Ver directamente en Youtube.
Lista de reproducción de Nicolás Guillén Landrián en el canal de Youtube de Naranjas de Hiroshima.

Gitanos sin romancero

Dirección: Llorenç Soler (Lorenzo Soler)
Año: 1976
País de Producción: España
Argumento y Guión: Llorenç Soler
Directores de fotografía: Anna Turbau, Llorenç Soler
Formato: 16 milímetros. Blanco y negro.
Duración: 32 minutos.

Si lo experimental, lo alternativo, lo marginal, lo autoral, definen a Llorenç, será lo social lo que marque la totalidad de su filmografía. Hacer documental de denuncia social a finales de los sesenta y en la primera mitad de los setenta, además de ser arriesgado (no como ahora), representaba la necesidad de unos cineastas de expresarse ideológicamente en un campo de batalla abiertamente hostil. Movidos por la consciencia política y social, su cámara se erigió en un arma. Llorenç Soler, como otros, fue uno de los que la cogieron y ya no la abandonaron.

De nuevo ese cine molesto, que hace que el espectador se revuelva en su butaca. La exclusión social de los gitanos ha sido otro de sus temas. Ya en Gitanos sin romancero (1976), en Gitanos de San Fernando de Henares (1991) o en Lola vende ca, Llorenç muestra lo que de hecho es recurrente en su obra: la preocupación por los colectivos en situación de marginalidad. Los inmigrantes son tratados en las ya mencionadas Será tu tierra, 52 Domingos, pero también en Ciudadanos bajo sospecha (1993) sobre la comunidad negra en Cataluña o en su último documental, El viaje inverso.

Dice Llorenç: “puede afirmarse que una ficción es un documental sobre una puesta en escena. Cuando trabajas en la ficción, primero armas la escena, las acciones y los diálogos, y luego los documentas, es decir, los filmas documentalmente, haces un documental sobre esa ficción. Vistas así las cosas, yo no sé dónde está la frontera entre realidad y ficción, entre una película con actores y un documental.”

Fuentes de información: Texto extraído del artículo Llorenç Soler, el autor y la rabia, de Julio Lamaña, en Blogs&Docs.
Fuente del video: Flocos.tv (O cineclube do audiovisual galelo). Todo un descubrimiento, al que llegamos gracias a GzVideos, Flocos.tv una iniciativa oficial de la Axencia Audovisual Galela, con licencia Creative Commons compatir igual, desarrollado con software libre y licencia abierta, con gran cantidad de archivo audiovisual (por ahora 358), para ver online en normal, alta y calidad HD de ficción, documental, animación y experimental de duración corta y larga, desde los inicios del cine hasta nuestros dias, sin duda, de ahora en adelante toda una referencia, lo unico malo, no funcionan los codigos para pegar aquí el reproductor de video, con lo cual os enlazamos directamente a Flocos.tv.


Por desgracia, a día de hoy, el proyecto Flocos.tv ya no existe, tras un cambio de gobierno en Galicia, tristemente cerraron este magnífico proyecto, una autentica lástima. Aun así, como fuímos previsores, en su momento descargamos el documental, que hoy os lo presentamos en Yutube.

Ver el documental completo en Youtube.

Otros Documentales de Llorenç Soler en Naranjas de Hiroshima. 

Can Tunis

País de Producción: España
Año: 2006
Dirección: José González Morandi y Paco Toledo.
Producción: José González Morandi, Paco Toledo y Pedro Costa.
Guión: José González Morandi y Paco Toledo.
Dirección de Fotografía: Paco Toledo.
Edición: Búster Franco, Fernando Pardo y Armand Pontous.
Sonido directo: José González Morandi.
Música: Mártires del Compás.
Montaje de sonido: David Rodríguez.
Idioma original: Castellano.
Producido por: Didac Films s.l. con la colaboración de Televisió de Catalunya y Televisión Española.

Dos jóvenes realizadores empezaron a frecuentar Can Tunis a principios del 2002. Este marginal barrio barcelonés era fuente frecuente de noticiarios, reportajes y documentales, pues era el mercado de droga más concurrido de la ciudad. La mayoría de trabajos se habían centrado en la dantesca vida de los toxicómanos que rondaban Can Tunis. No fue el caso de Paco Toledo y José González Morandi quienes por primera vez consiguen entrar en el vivir cotidiano de los habitantes de Can Tunis, un numeroso grupo de familias gitanas.

Estuvieron rodando durante un largo período de cuatro años, penetrando poco a poco en el cerrado mundo gitano. Durante este tiempo compartieron con una numerosa familia romaní sus momentos clave: una boda, la celebración del fin de año, la salida de la cárcel de la madre… así como momentos más habituales de esa “jungla”: cómo los niños van aprendiendo a conducir, a abrir y destrozar coches, cómo atracar a los pobres toxicómanos… La lucha de las familias por unas casas dignas (el Ayuntamiento va deconstruyendo el barrio) y los toxicómanos deambulantes como zombis son el marco de esta historia.

La intensidad de algunas secuencias es impresionante siendo difícil que algún espectador quede indiferente. Las salvajadas de los niños son fríamente capturadas por la cámara, haciendo de su relación de confianza con ellos el elemento clave para que todo el film sea posible. Los realizadores entregan al espectador el retrato de un submundo hasta ahora impenetrable, sin ejercer juicio de valor alguno. Un documental intenso e impactante que permite reflexionar sobre la marginalidad que crea una gran ciudad moderna y vanguardista. Can Tunis es otro mundo, una realidad muy lejana a la gran urbe, pero sólo a quince minutos en autobús del centro de Barcelona.*

Fuentes de Información: RebeldeEmule (también hay enlaces a descargas), Blogs&Docs (*reseña de M. Martí Freixas), DocumentaleSat.Online (descargas y docuental online en megavideo).



Ver en Youtube.
Ver en Youtube.
Ver en VK.

Undergångens arkitektur - Arquitectura del destino

Titulo Original: Undergångens arkitektur
Titulo en Inglés: The Architecture of Doom
Año: 1989
País de Producción: Suecia
Duración: 119 min.
Formato: 35 mm, Blanco y Negro
Dirección, producción y guión: Peter Cohen
Editor: Peter Cohen
Narrador: Sam Gray (en Versión original en Alemán es Bruno Ganz).
Co-producida por: POJ Film Produktion AB; Sveriges Television Kanal 1, y Sandrews Film & Teater AB Filmmixarna (mezcla de la película).
Idioma: Versión en Ingles con subtítulos en Castellano.

Anatomía de una obsesión

Arquitectura del destino es un sorprendente documental del realizador sueco Peter Cohen (quien además asume labores como productor, editor y guionista); es decir, el caso de una obsesión en la cual el artista empeña todas sus fuerzas para conseguir plasmarla. Se trata de un material que, mediante un amplísimo fondo de imágenes de archivo, desarrolla la tesis de que el nazismo no fue sólo una ideología de conquista, sino que la práctica del exterminio organizado (de judíos, gitanos, eslavos y homosexuales, principalmente) estaba profundamente imbricado con la estética y era el reverso del sueño fascista de que el Tercer Reich fuese el principio de una nueva y superior raza alemana.

Vista desde este ángulo, la violencia fascista resultaba el camino más corto para alcanzar en el mundo un orden de belleza que, pese a lo demencial del planteo, se presumía que sería eterno. De esta manera nos son mostradas continuas muestras de la vocación estética de Hitler (su apoyo a la quema de libros de autores judíos, a la prohibición del arte de vanguardia bajo la acusación de ser un “arte degenerado”, sus diseños de arcos de triunfo, teatros y museos), elevadas al nivel de la megalomanía, en un argumento derivado del ensayo Hitler según Albert Speer, de Elías Canetti. En paralelo a ello, igual nos es enseñado material de archivo que documenta el plan secreto dentro del cual fue aplicada la eutanasia a los alemanes con problemas de retardo mental e incluso a aquellos enfermos de tuberculosis; unidas a lo anterior, semejantes revelaciones apuntan a la realidad de una trilogía perturbadora: el guerrero, para el exterminio a gran escala (mediante la destrucción de asentamientos humanos en países extranjeros y sus habitantes o en los campos); el médico, para la eliminación de los alemanes “defectuosos”, brindar las bases científicas encima de las cuales organizar el exterminio a gran escala y para desarrollar una gran ciencia que beneficiara a la Nueva Raza Alemana, mediante la realización de experimentos con seres humanos en los campos; y, finalmente, el esteta, cuya función sería la de elaborar el aparato conceptual dentro del cual sucedería lo anterior, además de crear un entorno bello para el hombre futuro.

Fue Canetti quien, con mayor sagacidad, mediante el análisis de las memorias de Speer, arquitecto de Hitler, comprendió la combinación según la cual la grandeza estética a la que aspiraba el nazismo precisaba del ejercicio de una inmensa cantidad de violencia organizada. Lo mismo que en su ensayo, el documental sigue la pista de la construcción de grandes obras de arquitectura al tiempo que la agresión fascista crece; pormenoriza en detalles de la megalomanía hitleriana en la remodelación de Linz, ciudad natal del Führer, para convertirla en “capital del arte mundial”, o en el sueño de sepultar Moscú bajo una presa cuando terminara la guerra y así borrarla de la memoria de los hombres. En la carrilera opuesta a toda esta voluntad creativa se encuentra la realidad brutal de la guerra, especialmente cuando está asociada a los instantes en que la balanza se inclina del lado de la derrota de Alemania, pues es allí cuando lo demencial alcanza su mayor estatura: vemos a Hitler, revisando la versión final de la maqueta de Linz, cuando los bombardeos prácticamente han destruido Berlín y los soviéticos se encuentran a las puertas de la ciudad. Que el trabajo de los diseñadores y arquitectos haya proseguido aún en esta situación, como si la ilusión fuese todavía posible, alcanza para revelar la magnitud del delirio implícito en el nazismo. Después de ello, lo mismo que en el ensayo de Canetti, el convencimiento en el Führer de que Alemania será vencida equivale a la idea de que todo, habitantes y cosas, merece ser barrido para que pueda algún día futuro renacer de sus cenizas; el testimonio de la grandeza del sueño serían las construcciones, la estética. En la secuencia que cierra la película, la única realizada en el presente, presenciamos una escena alucinante: en algún sitio de Europa, en el sótano de alguna casa, ha sido descubierta toda una colección de retratos al óleo de las más altas figuras de la jerarquía del partido nazi. La cámara se mueve entre los cuadros apilados, finalizando en el de Hitler y entonces el delirio regresa: si los restantes habían sido ejecutados con meticuloso realismo, el de Hitler nos lo muestra con la armadura propia de un guerrero medieval y portando en la mano derecha una bandera batida por el viento.

Fuente de información: Reseña escrita por Víctor Fowler Calzada, para Miradas (EICTV).

Versión en Ingles con Subtítulos en Castellano.


Vídeo original en V.O. sin subtítulos en: GoogleVideo.

Four Little Girls

Titulo Original: Four Little Girls
Año: 1997
País de producción: U.S.A.
Duración: 102 min.
Director: Spike Lee
Edición: Sam Pollard
Fotografía: Ellen Kuras
Música: Terence Blanchard
Producción: Lee y Sam Pollard
Productora: HBO

Four Little Girls , documental que Spike Lee realizó para la HBO y su primer trabajo en tal género, explora las raíces, detalles y consecuencias de uno de los mayores crímenes raciales cometidos en los Estados Unidos de América: el asesinato de cuatro niñas negras (Addie Mae Collins, Carol Denise McNair, Cynthia Wesley y Carole Robertson ) a causa de la explosión de una bomba colocada por un grupo de racistas en el sótano de la iglesia bautista de la calle 16 en Birmingham, Alabama, el 15 de septiembre de 1963 (ocasión en la que, además, otras 20 personas recibieron heridas). Mediante entrevistas con sobrevivientes de los sucesos, en especial familiares y amistades de las víctimas, así como líderes de la minoría negra, es reconstruido el ambiente de odio dentro del cual tuvo lugar el hecho. Un rico fondo de fotos de archivo sirve para mostrar varios casos de linchamiento previos, así como para enseñar –esta vez gracias a películas hechas para la televisión de entonces- tanto el carácter público como el alcance de la represión contra quienes por la fecha participaban en el movimiento por los derechos civiles.

La estructura adoptada, según la cual corren en paralelo los mundos de lo familiar y el exterior de la lucha, se intersectan cuando es recordado el momento en que el padre de Denise, una de las víctimas, debió de explicarle que por ser negra no podía comer el sandwich que deseaba en un negocio de blancos; o cuando otra madre cuenta las dificultades que encontraba para explicarle a los hijos que no podían beber agua del bebedero para blancos, aunque éste estuviese vacío, y como entonces prefería violar la prohibición. Si en Malcolm X el director reconstruye, mediante la ficción y centrado el relato en una figura, la trayectoria de una de las más grandes personalidades en la lucha por los derechos civiles en EE. UU., en esta ocasión opta por el documental para elaborar un relato coral en el que sobresale la dignidad de personas que han debido atravesar un dolor terrible.

En una entrevista concedida a indieWIRE, Lee afirmó que su película está dirigida a “la gente joven, negra y blanca, que realmente no conoce la lucha por los derechos civiles ni el movimiento que se organizó para conseguirlos”. En este sentido, Four Little Girls es una nueva vuelta de tuerca a un tema que, desde diferentes ángulos, habíamos visto antes en la filmografía de Spike Lee, en especial en la ya citada Malcolm X y en Get on the bus, película esta última de ficción e igualmente estructurada según el modelo de un relato coral: el de un grupo de personajes que van en el ómnibus que los llevará a la célebre manifestación antirracista organizada por Martin Luther King en Washington. Para entender el lugar que esta obra ocupa dentro de la filmografía de su director, así como la opción estilística dentro de la cual decidió trabajar, es importante tener en cuenta que la secuencia inicial de Malcolm X es un inserto de la golpiza recibida por Rodney King a manos de la policía de la ciudad de Los Ángeles. Semejante irrupción del presente en una película dedicada a la vida de una de las más grandes figuras de las luchas por los derechos civiles y que morirá asesinado en 1967 (el caso criminal todavía se mantiene como no resuelto) establece una violenta continuidad entre el pasado y el presente; de esta manera, tanto la muerte de Malcolm como los motivos de su acción y sus ideales operan en niveles diversos y simultáneos dentro de la historia, pues si bien su asesinato provoca frustración e ira en el espectador, el episodio insertado nos avisa de que la sociedad estadounidense del presente necesita de un nuevo Malcolm, de un nuevo liderazgo negro. En un primer grado, pese a su enorme dramatismo, Four Little Girls no es sino una nota al pie, un apoyo más a la figura centralizadora de Malcolm X; sin embargo, la elección de la coralidad como estructura de voces y la tremenda integridad moral de estas familias golpeadas por la tragedia, no sólo revelan las fuentes eminentemente populares de la resistencia, sino que apuntan a que es de allí, de esa sustancia, de la cual nacen los líderes. No en vano la película, repitiendo la idea de actualizar el presente que ya estaba en Malcolm X, incluye un breve material documental acerca de la quema de iglesias (más de 20) de comunidades negras sureñas durante 1994; de esta manera, no sólo se establece la continuidad de las prácticas violentas asociadas al racismo, sino que urde una conexión entre esta trilogía de largometrajes de corte histórico.

Fuente de información: Los restos de la ira escrito por Víctor Fowler Calzada, para Miradas (Revista del Audiovisual de EICTV).

Ver video original en inglés, sin subtítulos en Youtube.

Ver ven ingles con subtitulos en castellano en  Filmdu.

The Obama Deception

Titulo original: The Obama Deception
Año: 2009
Idioma: Ingles Subtitulado en castellano
Director: Alex Jones
Duración: 110min

El fenómeno Obama es una estafa cuidadosamente diseñada por la elite financiera de Wall Street y la Reserva Federal (que no es federal). El ha sido enaltecido como el salvador, en un intento de engañar a los estadounidenses para aceptar los nuevos planes de la elite financiera. Hemos llegado a una coyuntura crítica en los planes del Nuevo Orden Mundial. No se trata de izquierda o derecha: Se trata de un único Gobierno Mundial. Los bancos internacionales planean saquear a los habitantes de Estados Unidos y convertirlos en esclavos en una Plantación Global. En este film se cubre: Para quien trabaja Obama, que mentiras dijo, su agenda real, y la gente que rodea la administración Obama. Si quieres saber los hechos y terminar con el autobombo, esta es tu película.

Fuentes de Información: Documentales Libres, Obama Deception.


También se puede ver a través de: Documentalizate, en 12 partes Youtube.

La Ciudad de los Fotógrafos

Duración: 80 min.
País de Producción: Chile
Director: Sebastián Moreno
Asistente de Dirección: Claudia Barril
Productor: Viviana Erpel
Guión: Claudia Barril, Nona Fernández, Sebastián Moreno
Fotografía y Cámara : David Bravo, Sebastián Moreno
Montaje: Teresa Viera-Gallo
Música: Manuel García, Silvio Paredes
Investigación: Sebastián Moreno, Claudia Barril
Sonido directo: Erik Del Valle
Diseño de sonido: Cristián Freund
Producción ejecutiva: Sebastián Moreno, Gonzalo Maza, Sebastián Varela

Durante el período de la dictadura de Pinochet, un grupo de Chilenos fotografió las protestas y la sociedad chilena en sus más variadas facetas. En la calle, al ritmo de las protestas, estos fotógrafos se formaron y crearon un lenguaje político. Para ellos fotografiar fue una practica de libertad, un intento de supervivencia, una alternativa para poder seguir viviendo.

Ellos representan el inhóspito pasado de Chile y la metamorfosis de la sociedad chilena.

Esta película habla de ellos.

Este primer largometraje del director de fotografía y realizador Sebastián Moreno es una conmovedora mirada a la difícil situación de los profesionales gráficos que se arriesgaban día a día para capturar las imágenes de las protestas callejeras durante la dictadura de Pinochet. El director conoce muy de cerca esa realidad, porque su propio padre, José Moreno, fue uno de los fundadores de la Asociación de Fotógrafos Independientes (AFI), cuyos miembros además de correr serios peligros supieron reflejar a la sociedad chilena en medio de esos tensos y tristes días; para ellos, su oficio era una práctica de libertad y supervivencia, y sus fotos fueron fundamentales para difundir los atropellos a los derechos humanos. Algunos fueron reprimidos brutalmente, otros asesinados, y la mayoría siguen vivos. La ciudad de los fotógrafos recoge sus testimonios, a través de los que es posible recuperar la historia de algunas de sus imágenes más emblemáticas.

Fuentes de información: Documentales Libres (también descarga directa), La Ciudad de los Fotógrafos, Chile Comparte (descarga).



Ver en Youtube.
Ver en Megavideo.
Ver en GoogleVideo.

Ilha das Flores - La Isla de las Flores

Título original: Ilha das Flores
Año: 1989
Duración: 13 min.
Idioma: Portugués (Brasileño), doblado al castellano.
Formato: 35 mm, Color.
País de Producción: Brasil
Dirección: Jorge Furtado
Producción Ejecutiva: Monica Schmiedt, Giba Assis Brasil e Nora Goulart
Guión: Jorge Furtado
Dirección de Fotografia: Roberto Henkin, Sérgio Amon
Dirección de Arte: Fiapo Barth
Música: Geraldo Flach
Dirección de Producción: Nora Goulart
Montaje: Giba Assis Brasil
Asistente de Dirección: Ana Luiza Azevedo

La isla de las flores empieza como una clase de economía para niños: ¿qué es un tomate, qué es un hombre, qué es el dinero? Con cada nueva palabra, Jorge Furtado presenta una definición mediante animaciones humorísticas. De esta manera el espectador sigue la historia de un simple tomate, su cultivo, embalaje y envío hasta su llegada a la isla de las flores. A partir de ahí, la comedia se transforma en crítica. Mediante esta mezcla de documental y ensayo poético-político, el director descompone de manera sencilla los mecanismos de la globalización. Una película indispensable, divertida, mordaz.

“Sin duda alguna, los 12 minutos más potentes del cine brasileño. (…) El texto está dirigido en tono irónico por Jorge Furtado a ’extraterrestres’ – que desconocen todo sobre los seres humanos, su planeta, sus sistemas económicos, sus creencias, sus prioridades, su concepto de libertad. En el fondo, Jorge Furtado y equipo (el grupo de la Casa de Cinema de Porto Alegre) promueven densa reflexión sobre el destino del hombre pobre, aquél que no conquistó sus derechos de ciudadano, y por eso disputa la basura con cerdos.”
Maria do Rosário Caetano, Jornal do MEC, Brasília, outubro/1998

"La mejor película del Festival de Gramado dura menos de 20 minutos y narra la trayectoria de un tomate. Después de la exhibición de 'Isla de Las Flores', el Cine Embaixador oyó la mayor aclamación de este año. Todos los otros cortometrajistas que esperaban llevarse el trofeo Kikito de mejor película se quedaron cabizbajos (...) No hay duda: 'Isla de Las Flores' es una obra prima. Después de él, el documental nunca más será lo mismo."
Artur Xexéo, Jornal do Brasil, Rio de Janeiro, 17/06/1989

"Desarma con originalidad y vigor creativo el discurso paternalista que fundamenta la mayoría de los documentales brasileños (...), con una narrativa ingeniosa que sigue en un creciente de dejarnos sin aliento. (...) ISLA DE LAS FLORES es el resultado de una alquimia muy especial, donde todo sale bien. Es un corto bien humorado, sin que con eso transforme la desgracia (...) en materia de risas. Jorge Furtado inventa así el documental de crueldad."
Maria do Rosário Caetano, Correio Braziliense, Brasília, 17/06/1989

"El tomate, plantado por el señor Suzuki, cambiado por dinero al supermercado, cambiado por el dinero que Doña Anita cambió por los perfumes extraidos de las flores, rechazado para la salsa del cerdo, tirado a la basura, rechazado por los cerdos como alimento, está disponible ahora para los seres humanos de la Isla de las Flores, y todo por no tener dinero, ni dueño."
La Ilha das flores. Cortometraje Jorge Furtado. 1989. Brasil

Fuentes de Información: Monjes, El Proyecto Matriz.
Descarga Directa del Video: Taringa, Monjes.

Ver en Versión Original con subtítulos en castellano en Youtube.

Ver en Versión doblada al Castellano.

Ver en Versión Original en Portugués (Brasileño).

Ver en Versión Original con subtítulos en Inglés. Parte 1. Parte 2.

Hace ya mucho que queríamos publicar este documental aquí, en Naranjas, pero entre unas cosas y otras lo fuimos retrasando, justo hoy, en un comentario nos pidieron mas información sobre este documental y la forma de conseguirlo, pues aquí esta. Recomendamos, otra vez, instalar el plug-in Download Helper, para el navegador Mozilla Firefox, te permite descargar cualquier video online o mp3, de un solo click.

Workingman’s Death

Año: 2005
Nacionalidad: Austria / Alemania
Director: Michael Glawogger
Productores: Pepe Danquart, Mirjam Quinte
Guión: Michael Glawogger
Fotografía: Wolfgang Thaler
Música: John Zorn
Duración: 122 minutos.
Formato: 35mm / 1:1,85 / color
Producción: Lotus Film GmbH/Vienna and Quinte Film/Freiburg Producido por: Lotus Film GmbH / Viena y Quinte Cine / Friburgo con arte GEIE con arte GEIE
Web oficial: Working Man's Dead.

"El pesado trabajo manual esta desapareciendo o se trata sólo de convertirse en invisible?

¿Dónde podemos encontrar todavía en el siglo 21?

El trabajo puede ser muchas cosas. A menudo, es apenas visible, a veces, difícil de explicar, y en muchos casos, imposible de describir.

Esta es la razón por la que a menudo pienso que se trata del único trabajo real. "

Michael Glawogger

Cinco obreros de entre Nigeria, China, Ucrania, Pakistán e Indonesia, muestran el durí­simo trabajo al que se enfrentan cada dí­a desguazando petroleros manualmente, transportando azufre desde el cráter de la cima de una montaña, despedazando más de trescientos animales al dí­a y siempre enfrentados a la precariedad laboral. Todos los dí­as afrontan la posibilidad de morir sepultados, envenenados o sufrir caí­das de hasta ochenta metros por un pequeño paso en falso. La cruda realidad. El octavo largometraje del realizador Michael Glawogger (Megacities), director internacional cuyos trabajos han paseado por los festivales de medio mundo, tiene por objetivo mostrar la crudeza a la que se ven sometidos obreros de todo el mundo, apartados de las condiciones laborales del trabajador medio del tecnológico siglo XXI. Un himno de alabanza a estos cinco héroes que representan a millones de personas de todo el mundo en esta cinta de producción austro-alemana.

Una de las características de Workingman's Death que puede causar rechazo o incomprensión es la indisimulada perfección formal con la que están construidas sus imágenes. La película se presenta como un documento sobre la situación de algunos trabajadores de diferentes latitudes del planeta estructurado en seis episodios: 1- Héroes: Las minas de carbón de Donbass (Ucrania). 2- Fantasmas: Las minas de sulfuro de Kawah Ijen (Indonesia). 3- Leones: El matadero de Port Harcourt (Nigeria). 4- Hermanos: El cementerio de barcos de Gaddani (Pakistán). 5- Futuro: El complejo siderúrgico de Liaoning (China). 6- Epílogo: El Leisure Park de Duisburg (Alemania).

Si bien las condiciones del rodaje fueron extremas y no poco peligrosas, el cineasta Michael Glawogger cuida mucho las imágenes del film, impactantes y reveladoras de la fascinación y el respeto que el realizador siente hacia los hombres que retrata en su película. Empero, esta armonía formal puede plantear dudas en el espectador sobre hasta qué punto el trabajo de Glawogger pueda estar pensado para hacer más digerible o comercial el material fílmico que maneja. Para discernir esta cuestión es necesario prestar atención al sutil trasfondo intencional que plantea Glawogger con su estructuración episódica, la cual ya había sido ensayada por el austríaco en su anterior Megacities (1998), doce historias sobre marginados sociales emplazadas en La India, México, Rusia y Estados Unidos.

Fuentes de información: Kinoki, Culturalia, Tren de Sombras, Workingman's Death, Cultivadores de Culto, RebeldeMule.

Ver V.O. en ok.ru

Hay quien tuvo la suerte de poder verla a pantalla gigante tanto como en el cine, pero por desgracia, a pesar de haber ganado innumerables premios, incluidos Londres , Leizpig , San Francisco, el Oscar, no parece estar editada en DVD por estos lares, y eso que la hemos buscado, pero por suerte siempre nos quedaran rincones para poder verla a alta calidad con el de Cultivadores de Culto o RebeldeEmule.

Nobody's Business

Dirección: Alan Berliner
Guión: Alan Berliner
Producción: Alan Berliner
Fotografía: Phil Abraham, Alan Berliner, David W. Leitner
Montaje: Alan Berliner
Sonido: Bill Seery, Alan Berliner, Stephen P. Robinson

País de Producción: E.E.U.U.

Año: 1996

Idioma: Inglés con subtítulos en castellano.

Duración: 57 min 

El cineasta neoyorquino asume aquí hallazgos y vías de investigación que había explorado en anteriores trabajos, profundizando en su apuesta por una historia familiar –la de su padre Oscar– que apela a un espectador universal.

El despliegue formal remite a sus anteriores trabajos, a la vez que cuenta con un tono propio, requerido por el propio filme. Berliner se vuelve a mostrar especialmente apto para utilizar materiales visuales preexistentes, desde filmes de archivo (relacionados con los judíos) y material de origen desconocido (las escenas del combate de boxeo) hasta fotos y películas domésticas y materiales rodados por él mismo en un tiempo anterior (la boda de su hermana y quizá la celebración del cumpleaños de su padre). A estos materiales, Berliner añade las entrevistas a sus familiares, la visita a Polonia y a Lake City, las imágenes de las rutinas diarias de su padre y la entrevista con su padre que sirve como eje de todo el filme. En este caso la banda sonora no presenta una diversidad de fuentes tan amplia como la banda visual, pues básicamente está compuesta por la “conversación” entre padre e hijo y en menor medida por declaraciones de diversos familiares.

La principal novedad que presenta el tratamiento de estos materiales reside en el modo con el que los protagonistas del filme (padre e hijo) se acercan a ellos, con una autoconsciencia o reflexividad que supone una clara evolución respecto a los anteriores filmes. En The Family Album, Berliner se había acercado a esos materiales desde una posición de aparente observador, con un interés casi etnográfico.

Esa dimensión reflexiva está reforzada además por las referencias directas al espectador que se hacen en la conversación entre padre e hijo, que nos introducen en el presente de ese intercambio y en cierto modo nos obligan a tomar partido. Además, esa reflexividad también está reforzada por la dimensión irónica que causa el tono distante y escéptico de Oscar Berliner hacia el mismo proyecto. En este sentido el final del filme resulta paradigmático de la condición reflexiva-irónica del discurso fílmico: mientras aparecen los títulos de crédito, se oye en off la última discusión del filme, en la que el padre vuelve sobre la inutilidad del proyecto y le amonesta por no haber hecho nada de provecho en su vida (sólo ha hecho películas) y por vivir de limosnas (o sea, de becas). 

Con todos esos materiales y ese nuevo enfoque, Berliner articula un filme que ahonda en temas que ya habían ido tomando cuerpo en sus dos películas anteriores, en relación con la historia familiar, la historia de personas anónimas y el valor de los registros domésticos para recuperar esas historias.

Nobody’s Business supone un nuevo paso en la investigación de Berliner acerca de su historia familiar, construyendo así un nuevo argumento a favor de la Historia de la gente ordinaria, ajena a los grandes acontecimientos de la Historia universal. 

Fuentes de información: Cine-Clásico, IMDB, El hombre sin la cámara. El cine de Alan Berliner, de Efrén Cuevas, editado por Ediciones Internacionales Universitarias. 

Ver en V.O. en ok.ru

Ver completo en V.O.S.E. en VK.

Law and Order - Ley y Oden

País de Producción: U.S.A.
Año: 1969
Duración: 81 min.
Formato: 16mm B/N
Dirección y Montaje: Frederick Wiseman.
Idioma: Inglés con subtítulos en castellano.

Aprovechando que esta mañana he estado en el encuentro que ha habido con el señor Wiseman dentro de la retrospectiva que está dedicando Documenta Madrid 09 a Frederick Wiseman, que además empieza hoy, vamos a volver a reseñar uno de sus documentales, ya que en uno de nuestros primeros post hicimos una especie de selección de su obra, de los tres documentales que os hablamos entonces solo ha quedado uno online, casualmente uno de los mejores y uno de los que no ha programado Documenta Madrid 09, así que os animamos a echarle un vistazo, y a aprovechar los pases que aun quedan por ver esta semana en Madrid, si da la casualidad que vivís o estáis por aquí, toda una oportunidad, ya que la anterior ocasión en que se programó su obra se remonta al ciclo que le dedicó la Filmoteca Española en 1978 y que además no hay nada, nada, de este hombre editado en nuestro territorio, ni en VHS, DVD o parecidos.

Fuentes de Información: Extracto de Articulo de Fran Araujo para Documenta Madrid 09 ,

Con treinta y cinco documentales y numerosos premios, entre los que destacan tres Emmy, Frederick Wiseman es uno de los documentalistas más importantes, más vistos y más prolíficos de la historia. Tomadas en su conjunto, sus obras pueden entenderse, como afirma él mismo, como “una misma película de 50 horas de largo, como piezas de una gran sinfonía”.

De todos los directores del llamado cine directo norteamericano, Wiseman es el que, con más rigor y coherencia, ha desarrollado una filmografía con rasgos propios. Se advierte en su obra una unidad temática y formal con un objetivo común: la elaboración de una historia natural de los Estados Unidos.

La mayoría de sus documentales tienen como protagonista una institución. Para él son una materia prima excepcional que le permite profundizar en la sociedad norteamericana debido a su fuerte carácter metonímico, ya que representan microsociedades que traducen los mejores y peores valores norteamericanos. Dentro de ellas los personajes personifican roles determinados que enfatizan las relaciones dialécticas de poder.

Wiseman siempre ha querido mostrarse al margen de ideologías: “Personalmente le tengo horror a producir propaganda que pertenezca a cualquier ideología diferente de mi punto de vista”. Desde una profunda convicción democrática, siempre ha luchado en pos de un espectador más informado, más plural y activo. En sus películas, genera la distancia necesaria para que el espectador pueda ejercer el análisis del comportamiento humano en un contexto social. En lugar de transmitir un mensaje claro y directo, Wiseman obliga al espectador a crear el sentido oculto detrás de la estructura, lo enfrenta a una lucha con el material: “Tiene que decir: ‘¿qué demonios me está intentando decir con esto?’. Deben pensar a través de su propia relación con lo que están viendo”.



Como extra os dejamos un enlace para ver en version original en inglés sin subtítulos otra obra maestra de Wiseman, Titicut Follies.

Ver Titicut Follies en V.O. en Youko.