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Tierra de España - The Spanish Earth

Título original: The Spanish Earth (Tierra de España)
País: EE.UU.
Año: 1937
Duración: 53 min.
Tipo: B/N, Documental
Director : Joris Ivens
Guión : Joris Ivens, los textos de la narración son de Ernest Hemingway. Hubo una primera sipnosis escrita por John Dos Passos.
Fotografía : John Ferno
Música Compuesta : Marc Blitzstein, dirigida por Virgil Thompson. Canciones populares españolas.
Montaje : Helen Van Dongen
Supervisión de Sonido : Irwing Reis
Productora : Comtemporary Historians (EE.UU.)
Licencia: Dominio Público














La narración de la versión inglesa es de Ernest Hemingway. En la versión francesa es del propio Joris Ivens. Llegaron a existir versiones inglesa y francesa con las voces de Orson Welles y Jean Renoir respectivamente. En el caso de Orson Welles durante un pase previo en la Casa Blanca. La versión francesa tiene una duración distinta de la original.







La productora Contemporany Historians estaba constituida por Ernest Hemingway, Lillian Helleman, Jon Dos Passos, Clifford Odets entre otros.

“Tierra de España” (The Spanish Earth) ha sido calificada como el mejor film documental jamás realizado sobre la Guerra Civil española. Fue la primera película de tema bélico en la filmografía del documentalista holandés Joris Ivens (1898-1989). La narración de la versión inglesa es del novelista estadounidense Ernest Hemingway. La narración de la versión francesa es del propio Joris Ivens. La productora Contemporany Historians, que financió la película, estaba constituida por un grupo de escritores, actores y guionistas norteamericanos (Ernest Hemingway, Lillian Hellman, John Dos Passos y Clifford Odets, entre otros), que querían colaborar con la República española.

El montaje de la película lo llevó a cabo la holandesa Helen Van Dongen en Nueva York e Irving Reiss se encargó de añadir los efectos de sonido a las tomas (mudas) de las batallas y los bombardeos. Como anécdota, valga decir que Reiss consiguió reproducir el efecto de los bombardeos invirtiendo los ruidos de un terremoto de la película San Francisco.



The Spanish Earth se estrenó el mismo año de su rodaje, 1937, en el mundo entero. La primera proyección de “Tierra de España” se hizo en la Casa Blanca ante el presidente Roosevelt y su esposa. Fue entonces cuando el primer mandatario americano pronunció esta frase -”Es la película que todo el mundo debe ver”- que figuraba en los carteles de publicidad de la película.

La repercusión que tuvo la película hizo que, tras la guerra civil, el gobierno de Franco declarase a Joris Ivens “persona non grata” y le prohibiera la entrada en el país. El documentalista no volvió a España hasta 1985, cuando la Filmoteca de Madrid le rindió un más que merecido homenaje.




El núcleo central de la película lo constituye la Guerra Civil española, el enfrentamiento bélico, representado por dos acontecimientos ocurridos entre los meses de octubre de 1936 y febrero de 1937: la defensa de Madrid (las operaciones de la Ciudad Universitaria, la resistencia organizada y la vida ciudadana bajo las bombas) y los combates en torno a la carretera de Valencia, que los militares sublevados querían cortar para aislar así a la población de la capital del resto de la España republicana.

Joris Ivens, en vez de limitarse al reportaje convencional, en que las tomas de batalla obligan a desplazar toda la intencionalidad sobre el comentario sonoro, y aun concediéndole a éste una importancia decisiva, introduce un segundo elemento, paralelo, que es el que da a la película toda su fuerza expresiva: esa otra lucha que mantienen los habitantes de Fuentidueña de Tajo (pueblecito de la provincia de Madrid situado a 63 km de la capital) para regar las tierras resecas y asegurar el abastecimiento de víveres a los combatientes. El tercer elemento, el personaje de Julián, con sus tres brevísimas apariciones, sirve para hilvanar la narración, subrayando aún más esa vinculación total entre los dos frentes.

La conclusión de la película de Ivens es clara: es el mismo pueblo el que lucha contra la sublevación de los militares alzados contra el gobierno de la República. La batalla por el pan es la batalla por la libertad, y a la inversa. Con las armas y con la azada, el pueblo lucha de modo unitario por defender la tierra de España.

Joris Ivens vino a España, como haría posteriormente en otras guerras (la guerra chino-japonesa de 1937, la II Guerra Mundial, Vietnam, etc), para ofrecer un testimonio vivo y directo de la lucha de unas gentes aferradas al suelo, a sus campos sin regar, a sus ciudades devastadas por un enemigo técnicamente superior.

Por todo ello, “Tierra de España”, aún derrotada por una historia que todos conocemos, y junto a las emociones que pueda despertar hoy en nosotros, sigue siendo un hito ineludible en la historia del cine militante, del cine que, lejos de avergonzarse de ello, sabe muy bien que la única dignidad consiste en ponerse al servicio de una causa. A continuación, podréis ver la película.





Cineastas en Acción


Año 2006
Nacionalidad España
Duración 95 m.
T. original Cineastes en acció
Dirección Carlos Benpar
Intérpretes Marta Belmonte (Marta), Gabriel Agustí (Cardenal), Mark Sanjuan (Clérigo), Aitor Martínez (Aitor), Lonan Montoya (Lonan)
Guión Carlos Benpar, Ferran Alberich
Fotografía Tomás Pladevall
Música Xavier Oró, Pep Solórzano
Montaje Manu de la Reina

Sinopsis

Se inicia con las palabras de Salvador Dalí que cuenta la famosa anécdota que le sucedió en Nueva York, cuando el surrealismo estaba muy de moda y le encargaron que decorara dos escaparates de la Quinta Avenida. El éxito fue tan espectacular que las aglomeraciones de la gente llevó al propietario del establecimiento a cambiar la decoración de Dalí y éste rompió los dos escaparates violentamente. Dalí fue arrestado y el juez le dejó libre diciendo que todo artista tiene el derecho a defender la integridad de su obra hasta las últimas consecuencias. A continuación se suceden fulgurantes intervenciones de diversos cineastas que defienden su Derecho Moral. Se tratan los juicios que han tenido lugar en Paris, en defensa del Derecho Moral de John Huston con motivo de la emisión en versión coloreada de La jungla de asfalto; en Copenhague por un caso de pan-scanning sobre el formato original scope de una película de Sydney Pollack en la televisión estatal danesa; y en Estocolmo por la denuncia de dos cineastas suecos ante el pase por televisión de sus films con interrupciones publicitarias. También se trata el tema del doblaje y las alteraciones de la música. Así como el Final Cut, el deterioramiento del color denunciado por Martín Scorsese en Venecia y múltiples alteraciones que sufren las películas, como esa nueva censura digital que promueven compañías como Movie Mask y que denuncian Woody Allen y el veterano Jules Dassin.

Info via: Zinema
Docu via: Vsg71

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Parte 2


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P.D.:
2ª Parte de Cineastas contra Magnates, esta en otro servidor de video que tiene menos calidad y el video esta cortado en dos partes, ya nos direis que tal, porque aun no lo hemos visto. Ademas agradecer desde aqui a Vsg71, por su blog y por la cantidad de docus que alberga.

Fahrenheit 9/11


Año 2004
Nacionalidad USA
Duración 122 m.
T. original Fahrenheit 9/11
Dirección Michael Moore
Intérpretes Michael Moore, George Bush, Bill Clinton, Saddam Hussein, Osama Bin Laden
Guión Michael Moore
Fotografía Mike Desjarlais
Música Jeff Gibbs, Bob Golden
Montaje Kurt Engfehr, T. Woody Richman, Chris Seward

Sinopsis
Michael Moore afronta una cuestión que afecta a los centros del poder en Estados Unidos tomando como punto de partida la controvertida elección de George W. Bush en el año 2000, para seguir su ascenso de mediocre petrolero tejano a presidente de Estados Unidos y describir las oscuras relaciones de negocios entre su padre y la familia de Osama Bin Laden, poniendo de relieve que el poder y la riqueza del enemigo número uno de los estadounidenses han aumentado gracias a este vínculo. También se indaga sobre lo sucedido en Estados Unidos después del 11 de septiembre de 2001 y cómo la Administración de Bush utilizó el trágico ataque a las Torres Gemelas para su propio beneficio político.

Info via: Zinema
Docu via: Vsg71

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Parte 2

P.D.: Completamos otro mini ciclo, esta vez del director Michael Moore, hay a quien le gusta mas o menos, pero sin duda es uno de causantes de la revitalización del documental a nivel mundial, gracias sobre todo a Bowling for Colombine.

The Big One


Título Original: The Big One
Año:1997
País: EE.UU., Reino Unido
Dirección: Michael Moore
Duración: 1 hora 31 minutos


Argumento:

Tras "Roger y yo", en el que el Michael Moore intentaba encontrar al presidente de la General Motors que acababa de cerrar una serie de fábricas, "The Big One" es una vuelta a Estados Unidos a la búsqueda de directores de grandes empresas que tienen unos beneficios considerables, pero en las que el trabajo cada vez es más precario.

El director se enfrenta a muchas dificultades para encontrar a los directivos, que siempre dicen no estar disponibles. Pero finalmente, podrá hablar con uno de ellos, Phil Knight, el presidente de Nike, una de las compañías americanas más prósperas. El encuentro será una sorpresa para ambos...

Info via: Linkara
Docu via: Vsg71


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Roger y yo - Roger & Me


Año: 1989
Dirección: Michael Moore
Producción: Michael Moore para Dog Eat Dog Films
Guión: Michael Moore
Productor Asociado: Wendey Stanzler
Edición: Jennifer Beman y Wendey Stanzler
Sonido: Judy Irving
Edición de Sonido: Jennifer Beman
Camarógrafos: Rod Birlesson, Anne Bohlen y Robert Wilhelm

Sinopsis:
Documental acerca de la declinación económica de Flint, Michigan, provocada por el cierre de las plantas de General Motors en esa ciudad. La línea narrativa sigue al director Moore en sus intentos por hablar con Roger Smith, presidente de General Motors, para mostrarle los devastadores efectos de su decisión.

Comentarios:

Han pasado ya algunos años desde la polémica levantada por Michael Moore y su documental Roger & Yo. En sus primeras exhibiciones, el filme fue tachado de mentiroso, parcial y, sobre todo, de no respetar la objetividad propia de todo documental.
Independientemente de su estilo poco ortodoxo, el documental de Moore logró despertar conciencia entre sus espectadores. Por primera vez en muchos años, el cine retrataba con gran realismo la pobreza en que viven muchos norteamericanos.
El caso particular que expone Roger & Yo -el derrumbe económico de una ciudad debido al cierre de una armadora de automóviles- se ha repetido a lo largo de la última década. Flint, Michigan se convirtió en el paradigma negro de muchas ciudades norteamericanas, cuyas economías giraban en torno a una sola industria. De repente, el futuro promisorio vislumbrado en los cincuenta se materializó en una amarga realidad.
A pesar de la negativa de Roger Smith a dar la cara, es inútil tratar de encontrar culpables cuando una economía se desquebraja. Los derrumbes de modelos económicos no tienen un solo culpable, sino que son producto de la conjunción de fuerzas y circunstancias históricas. El mundo de fin de siglo es testigo de la muerte de la era industrial. Entender que una economía no puede sobrevivir sin la diversificación, es algo vital en nuestros días.
Bajo esta perspectiva, Roger & Yo es un documento sobre la agonía y muerte de una época. Es también una llamada de atención para quienes pretenden sobrevivir en el presente con modelos del pasado. Estamos viviendo una era en que los grandes monstruos corporativos se demuestran obsoletos. La seguridad del futuro no depende más del paternalismo empresarial, sino de nuestras propias capacidades para salir adelante.

Info via: Hemeroteca
Documental Via: Vsg71

Parte 1

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Parte 2

Cineastas Contra Magnates


Dirección: Carlos Benpar.
País: España.
Año: 2004.
Duración: 101 min.
Género: Documental.
Interpretación: Marta Belmonte (Marta), Santiago Lapeira (Proyeccionista), Enric Suñol (Acomodador), Toni Regueiro (Felipe II), Daniel Medrán (Navarrete), Víctor Jerez (Caballero), Tunet Vila (Fraile), Jesús Ángel Domínguez (Bufón).
Intervención: Liv Ullman, Arthur Penn, Luis García Berlanga, Richard Fleischer, Stanley Donen, Jack Cardiff, Manuel de Sica, Woody Allen, Milos Forman, Sydney Pollack, Robert Ellis Miller, Marco Bellochio, Vilgot Sjöman.
Guión: Ferrán Alberich y Carlos Benpar.
Música: Xavier Oró y Pep Solórzano.
Fotografía: Yomás Pladevall y Xavier Camí.
Montaje: Manu de la Reina.
Dirección artística: Josep Rosell.
Estreno en España: 15 Julio 2005.

Sinopsis:
Ensayo cinematográfico en defensa de los De-rechos Morales de los cineastas frente a las manipulaciones que sufren las películas desde los orígenes del cine hasta el dominio actual del mundo audiovisual. "Cineastas contra mag-nates" combina distintas formas de lenguaje cinematográfico: ma-terial de archivo, fragmentos de films fundamentales y escenas de ficción, como la ambientada en la corte de Felipe II cuando el mo-narca amputó por ambos lados una cinemascópica pintura de Ticia-no porque no cabía en el espacio que le tenía reservado en El Es-corial. Con esta acción el Rey de España se convirtió en el inventor del panning-scanning que en nuestra época altera el formato origi-nal de las películas.

Parte 1 de 2

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Ver parte 2 de 2.




P.D.: Otro magnifíco docu desde el servidor Stage6, lo descubrimos en la 4º Muestra de Cine de Lavapies, que justo acabó ayer, esperemos que lo disfruteís. Despues de la caida de Stage6, esta disponible a traves de Tu.Tv.

Semana de Lucha Social - Rompamos el Silencio


La Oficina de Okupación Madrid es un proyecto concebido desde el Eje de Okupación de Rompamos el Silencio a lo largo del año 2007.

Rompamos el Silencio es una red donde confluyen diversos grupos y colectivos de la izquierda social anticapitalista madrileña. Este espacio trabaja para poner en marcha la Semana de Lucha Social, una coordinación puntual que trata de hacer visibles aquellas luchas que permanecen ocultas por los intereses convergentes de los medios de comunicación y el poder político. Dentro de esta red, los grupos se aúnan en torno a los conflictos en los que trabajan el resto del año de forma autónoma: antiglobalización, okupación, género, feminismo, antipatriarcado, liberación sexual, educación, cultura libre y popular, antimiltarismo, desobediencia, urbanismo, vivienda, antifascismo, memoria histórica, precariedad, migraciones, contrainformación, pobreza, exclusión…

El Eje de Okupación nació allá por el 2005 ante la necesidad de liberar un espacio para la Semana de Lucha Social que sirviera como ‘centro de convergencia’ durante aquel año.

Pero nuestras inquietudes han ido más lejos de la propia necesidad de abrir una casa al año. Creímos conveniente realizar unas jornadas sobre okupación en enero de 2007 para debatir en torno a sus aspectos legales y teóricos, así como para compartir conocimientos y experiencias prácticas. En estas jornadas contamos con la participación de los compañerxs de la Oficina de Okupación de Barcelona, que nos presentaron su proyecto.

Deseamos que los debates que generaron estas jornadas se materialicen en propuestas concretas, y para ello ponemos a tu disposicion esta página web, esta herramienta para la okupación. Para que descubras que okupar casas además de ser un auténtico placer es un elemento transformador y de denuncia de la especulación rampante de esta ciudad, que suma más de 200.000 edificios vacíos.

Ante una situación donde decenas de miles de ancianxs son expulsados de sus casas, donde proliferan los minipisos de renta impagable, los alquileres de habitaciones para familias enteras, el acoso a lxs inquilinxs de renta antigua, la multitud de personas que duermen en “sofás-calientes”, en las calles o en los túneles… Ante una ciudad atomizada que nos quiere separados y nos niega los espacios de encuentro, de relación, de construcción de nuevas realidades, sueños y proyectos, no podemos quedarnos paradxs.

Por eso lanzamos esta inciativa, formada por personas que desean que okupes tu también. Porque esta práctica permite combatir la realidad insidiosa a la que nos enfrentamos. Porque creemos que organizándonos cambiamos las cosas, porque hace falta que todxs demos un poco de cada unx. Porque solx no puedes, pero con amigxs sí.


Video Realizado por el Centro de Medios de la Okupación de Acuerdo 8, el 1 de Julio de 2007





Video Realizado por La Plataforma para el Centro de Medios de la Okupación de Acuerdo 8, el 1 de Julio de 2007




Video Realizado por el Centro de Medios de la Rueda de Prensa Presentado la Semana de Lucha Social 07 de Rompamos el Silencio, el martes 26 de Junio de 2007


Video Realizado por el Centro de Medios de la Okupación de la Jornada Rosa, convocada por el Bloque Alternativo por la Liberación Sexual, el 31 de Junio de 2007



P.D.: Quien este en Madrid, o quien no, que no deje de visitar la página de Rompamos el Silencio, donde viene toda la programación de las acciones de la semana de los diferentes ejes de lucha y desde donde cuelga el Centro de Medios, las fotos, textos, informativos de radio y los videos de las acciones.

La Vieja Memoria - Jaime Camino (España, 1977)


Dirección: Jaime Camino
Argumento: Jaime Camino
Guión: Jaime Camino y Román Gubern
Fotografía: J. L. Alcaine, Teo Escamilla, Roberto Gómez, Tomás Pladevall, Francisco Sánchez y Magi Torruella
Música: Xavier Montsalvatge
Montaje: Teresa Alcocer
Producción: Profilmes
Intervienen: Diego Abad de Santillán.     Francesc Benages.     Eduardo de Guzmán.     José Luis de Vilallonga.     Federico Escofet.     Ramón Fernández Jurado.     Raimundo Fernández-Cuesta.     Fernando García Teresa.     Julián Gorkin.     Dolores Ibárruri.     David Jato.     Enrique Lister.     Jaume Miravitlles.     Federica Montseny.     Maria Rovira.     Josep Tarradellas.     Miquel Utges.     Rafael Vidiella.
Año: 1977
País de producción: España
Duración: 181 min.













Filme que gira en torno a la Guerra Civil y a la posguerra española. Intercala imágenes de archivo con declaraciones de Abad Santillán, Raimundo Fernández Cuesta, Federico Escofet, Jose María Gil Robles y Dolores Ibarruri, entre otros.




"La idea inicial de La vieja memoria consistía en recoger el testimonio de personajes protagonistas de nuestra Guerra Civil (1936-1939), y que con el paso de los años peligraba con desaparecer. La mayoría de testimonios eran de personajes que, excepto algunos más jóvenes, frisaban los ochenta años de edad. Muchos de ellos vivían todavía en el exilio y no eran de fácil localización."

Jaime Camino es una de las pocas personas que ha tenido la oportunidad de conversar con los principales actores políticos de La República. sus entrevistas –recogidas en la película La vieja memoria– nos permiten comprender la visión de sus protagonistas y los condicionantes a los que tuvieron que hacer frente durante aquellos trágicos años de la Historia Española.

"Es un trabajo de artesanía que fue gestándose en un guión impensable previamente, que se convirtió en un encaje de bolillos y devino la obra final."



http://www.altafidelidad.org/fallece-jaime-camino/


"La vieja memoria" pretende levantar acta testimonial de la guerra civil Entrevista con su realizador, Jaime Camino


El País 12 mar 1979


Jaime Camino estrenó ayer su séptimo largometraje, La vieja memoria, un filme con planteamientos documentales en el que se pretende analizar la guerra civil española y, más concretamente, el recuerdo de que la guerra civil tienen sus protagonistas. Dolores Ibárruri, Federica Montseny, Abad de Santillán, Gil Robles, Tarradellas, Fernández Cuesta, José Luis de Vilallonga y un amplio etcétera relatan sus recuerdos.


«El planteamiento básico -declaró a EL PAIS su realizador- consistía en recoger en imágenes el testimonio y el recuerdo de los protagonistas de nuestra guerra civil. Había una necesidad urgente, fundamentalmente por la edad de dichos protagonistas. Este es el primer planteamiento: el de levantar acta testimonial de aquellos sucesos. La selección de los personajes estuvo muy condicionada, a veces, por su difícil ubicación: gran parte de ellos estaban todavía en el exilio -la película fue realizada entre el otoño de 1976 y enero de 1978- y algún otro se negó a participar, concretamente, Ramón Serrano Súñer. El proceso fue sorprendente para mí mismo. A medida que iba avanzando en el rodaje de las entrevistas opté por desaparecer en tanto que autor y emplear un método para las entrevistas que permitiese a los personajes dar rienda suelta a sus recuerdos, a la vez que abandonaban paulatinamente los esquemas previos y anquilosados. Era un modesto empleo del psicoanálisis.»«En realidad -añade Jaime Camino-, hasta muy avanzado el trabajo, no empecé a vislumbrar cuál podía ser la película que dentro de una duración normal, pese a que La vieja memoria casi dura tres horas, pudiese utilizar parte del abundante material rodado, de una forma útil, clara y en lo posible sintética. El camino elegido fue el de partir de la proclamación de la República, el 14 de abril, y que el período histórico que concluye con la derrota de la República fuese narrado por los propios personajes. El total de lo rodado sería, aproximadamente, diez veces más de lo que se ve en la película exhibida.»




«En las entrevistas se producía un fenómeno muy específico y relativo a la memoria. Los personajes, con el transcurso del tiempo, ya no voluntariamente, sino involuntariamente, han llegado a creer que su pasado fue de una manera determinada. Lo que es revelador para el montaje de la película es que, frecuentemente, esa idea del pasado se contradice con realidades y hechos, apoyados en pruebas documentales.»

Jaime Camino se inició en el cine a través de los documentales. El documento cinematográfico fue una de sus motivaciones para decidirse por este arte. Sus primeros cortometrajes fueron El toro: vida y muerte, Centauros 1962 y Copa Davis 1965. Tras ello se pasó a la ficción y La vieja memoria es su primer largometraje documental.  «La realización de la película ha sido para mí una gran experiencia política, por dos razones: la primera, porque hizo que ahondase mucho más en el conocimiento de nuestra historia reciente y que, por tanto, mis propios criterios acerca de ella se han modificado y enriquecido. En segundo lugar, porque en la realización y montaje de la película se estaba produciendo en nuestro país el cambio hacia un régimen democrático y resultaba sorprendente el ver cómo en tantas cosas la historia es mimética y se repite a si misma.»

«Quizá existe un tercer factor que quiero destacar, aunque ya lo cité anteriormente, y no es otro que la paulatina desaparición de mis criterios apriorísticos. Comencé la película con una idea preconcebida sobre el tema del filme, la guerra civil. En el transcurso del rodaje y montaje fui apartándome de mis propios criterios, para dejar paso a los protagonistas reales. Esto se nota en el resultado final. Creo que es un documental sobre la guerra hecho de una manera limpia, sin criterios previos y en el que el recuerdo de sus protagonistas crea su propia dialéctica.»
* Este artículo apareció en la edición impresa del lunes, 12 de marzo de 1979.


Fuentes de información: Juacko, Descargar en Uloz.to, El País, Filmaffinity, Filmoteca Española.

Nanook of the North


Título original: Nanook of the North
Dirección: Robert J. Flaherty
Guión: Robert J. Flaherty
Fotografía: Robert J. Flaherty (B&W)
Productora: Revillon Frères
País de producción:Estados Unidos
Año: 1922
Duración: 55 min.












Aclamadísimo documental, pionero y modelo, que narra las duras condiciones de vida de una familia esquimal del ártico. La detallada realidad de esta raza, que vive en medio de un clima casi imposible para el resto de los humanos, es lo que plasmó el antropólogo, explorador y cartógrafo Robert J. Flaherty cuando fue a rodar la cotidianeidad del esquimal Nanook y de su familia, en la Hudson Bay (Bahía de Hudson) -Canadá-, a comienzos de los años veinte. Ya entre los años 1910 y 1920 Flaherty, que había sido contratado por el magnate del ferrocarril canadiense William Mackenzie para explorar dicha zona, había realizado varias incursiones en la vida de los esquimales. Alentado por Mackenzie para que se trajera un documento animado con "ese nuevo invento" llamado cinematógrafo, Flaherty filmó en uno de sus viajes miles de metros de película, pero casi todo se perdió en un desafortunado incendio. 


Animado por su reciente esposa Frances, Flaherty se decidió a buscar financiación (encontrándola en la empresa peletera Revillon Frères) para volver a la Hudson Bay con el único propósito de hacer una película sobre los esquimales. Allí convivió con ellos, cámara en mano, durante más de un año, rodando su modo de vivir, sobrevivir, amar y cazar en la fría tundra canadiense. De vuelta a la "civilización", el singular documental de Flaherty apenas obtuvo un nulo interés inicial en Estados Unidos, y sólo tras su éxito en Europa, gracias a la distribución por parte de la Pathé, alcanzó su reputada notoriedad. 



Ni siquiera existía el término documental como género cinematográfico en aquellos años, así pues resulta aún más sorprendente que "Nanook of the North", un asombroso y lleno de fuerza relato humano, pueda considerarse no sólo el primer largometraje documental de la historia del cine... sino también el mejor.*1


Nanuk, el esquimal (título original: Nanook of the North) es un documental mudo de 1922, con elementos de docudrama dirigido por Robert Flaherty. Está considerado como el primer documental de la historia. Muchos expertos lo rechazaban como tal porque Nanuk, el esquimal no presenta una de las características consideradas fundamentales en este género: la neutralidad. No obstante, contemporáneas discusiones en la materia parecen haber llegado al consenso sobre la incoherencia de este argumento.


En 1989, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

El documental sigue la vida de un inuk, Nanook, y su familia mientras viajan, buscan comida y comercian en la península de Ungava, en el norte de Quebec, Canadá. Nanook, su esposa Nyla y su familia son presentados como héroes intrépidos que soportan rigores que ninguna otra raza podría sobrevivir. El público ve a Nanook, a menudo con su familia, cazar una morsa, construir un iglú, continuar con su día y realizar otras tareas.

En el documental, Flaherty no muestra la vida de los esquimales tal y como la veía, sino que intentó mostrar como imaginaba su modus vivendi antes de ser invadidos por la cultura occidental (Flaherty no era antropólogo). Según él, sus intenciones eran mostrar el antiguo carácter majestuoso de estas personas mientras ello aún fuera posible, antes de que el hombre blanco destruyera no sólo su cultura, sino también el pueblo mismo».

 



Rodaje

 
Para filmarlo, Robert J. Flaherty pasó prácticamente dos años y medio conviviendo con un cazador y pescador que encarna al personaje de Nanuk (su verdadero nombre era Allakariallak), y con su familia. Antes ya había vivido en la zona (haciendo prospecciones geológicas en los yacimientos mineros de la bahía de Hudson para la Fundación Mackenzie), e incluso había filmado, animado por el propio Mackenzie, más de 10 000 metros de película (que se destruyeron en un incendio). El accidente, no obstante, no le contrarió mucho, ya que no estaba del todo satisfecho con el trabajo realizado.


Comentario

Los discursos epistemológicos sobre el método científico parecen haber concluido que las condiciones de reflexividad y relatividad del proceso investigador anulan toda pretensión posible de neutralidad en el discurso (Boaventura de Sousa Santos, Pierre Bourdieu, Jesús Ibáñez). Esta aspiración, heredada del positivismo propio de la ciencia moderna, entró en una crisis irreversible desde los descubrimientos de Einstein, Heisenberg o Gödel, y hoy es más un lastre que una base útil para nuestro concepto de conocimiento.



La imposibilidad de la neutralidad en el discurso es una condición perfectamente extensible al género documental tanto cinematográfico como fotográfico, y hoy ya no es ningún secreto la inevitable intervención del autor en todo tipo de registro (Zizek). Si bien es cierto que, en el momento de su aparición, comenzó a considerarse el documental como un género cinematográfico más.

Antes de 1922 (fecha en la que Malinowski publicó Los Argonautas del Pacífico Occidental) lo único que existían eran reportajes que pretendían ser un reflejo fiel de la realidad, donde predominaban imágenes bellas, paisajes exóticos, pero no tenían éxito de público porque no incorporaban un discurso narrativo al uso.

Carente de neutralidad, no es cierto que Nanuk el esquimal sea un documental veraz y respete la realidad, ya que esto es imposible. La principal aportación de Flaherty se ubica en el campo de la creatividad (el éxito de Flaherty radica en añadir elementos de ficción que atraigan el interés del público, asumiendo implícitamente su renuncia a la realidad inasible).


Fuentes de información: Pablo Kurt FILMAFFINITY, Wikipedia,


Jean Vigo - A Proposito de Niza - Taris - Cero en Conducta - El Atalante

Jean Vigo

Jean Vigo (París, 26 de abril de 1905 - París, 5 de octubre de 1934) fue un director de cine francés.

Se le conoce sobre todo por dos películas que tuvieron una gran influencia en el desarrollo posterior del cine
francés: Cero en conducta (1933) y L'Atalante (1934).

Era hijo del militante anarquista español Eugène-Bonaventure de Vigo, de origen ítalo-francés, conocido con el sobrenombre de Miguel Almereyda(anagrama de "y a de la merde"), director del periódico Le Bonnet Rouge. Su padre fue arrestado y encerrado en la prisión de Fresnes, donde, en1917, fue hallado muerto, estrangulado con los cordones de sus propios zapatos. A causa de la reputación de su padre, Jean debió adoptar un nombre supuesto, Jean Sales. Entre 1918 y 1922 fue alumno en un internado de Millau, experiencia en la que se basó para rodar su película Cero en conducta.

Su primera película, el mediometraje mudo À propos de Nice (1930), es una especie de ensayo fílmico de tono satírico que explora las desigualdades sociales de la Niza de los años 20, lanzando una feroz diatriba contra los veraneantes burgueses. En el filme colaboró con él el director de fotografía ruso Boris Kaufman (hermano del director Dziga Vertov), quien intervendría después en todas las obras de Vigo.

En 1930, Vigo crea en Niza un cine-club llamado "Les Amis du Cinéma", donde programa, entre otras muchas, películas soviéticas. Su siguiente filme, de encargo, fue Taris, roi de l'eau (1931), un documental sobre el campeón de natación Jean Taris, destacable sobre todo por las tomas submarinas.

Cero en conducta (Zéro de conduite) es una obra mucho más personal. Rodado con bajo presupuesto, es un mediometraje de 45 minutos que narra la insurrección de los estudiantes de un internado contra sus estrictos profesores. Gran parte del argumento de Cero en conducta se basa en los recuerdos de Vigo, que pasó gran parte de su infancia en internados. El filme es un canto al anarquismo infantil, y tuvo una gran influencia sobre la ópera prima de Truffaut, Los cuatrocientos golpes, una de las películas clave de la nouvelle vague. Considerada antipatriótica, la película estuvo prohibida en Francia hasta 1945.

Al año siguiente, en colaboración con Boris Kaufman, produjo su obra maestra, L'Atalante (1934). En la película se cuenta la historia de amor entre un joven marinero sin objetivos y su joven esposa. La acción transcurre en un pequeño carguero, donde la pareja recién casada se ve obligada a convivir con un viejo piloto, interpretado por Michel Simon.

Jean Vigo falleció en París de tuberculosis, y fue enterrado en el cementerio de Bagneux, en la capital francesa.

Jean-Luc Godard le dedicó su película Les Carabiniers.

Jean Vigo
Filmografía


À Propos de Nice (1930)



El punto de vista documental de Jean Vigo sobre una ciudad donde el juego, el ocio y el carnaval contrastan intencionalmente con los desposeídos: la "Promenade des Anglais" opuesta a los lugares pobres de la ciudad.

Todo se encamina a la idea de la muerte, o si se prefiere a la muerte de los ociosos y de una clase social: una suerte de danza en medio del carnaval de Niza, con ridículas esculturas funerarias, un humor negro sarcástico gobernando esta lírica, violenta y subversiva polémica social llena de metáforas (los pies encerados, una mujer de pronto desnuda en un sillón), que ocasionaron su violenta prohibición en la época.

Utilizó en ocasiones la cámara oculta para conseguir interesantes tomas de los habitantes de la ciudad.




Ver en Youtube.

Ver y descargar en Archive.org



Taris (Taris, roi de l'eau) 1931 





Documental sobre Jean Taris, el nadador olímpico y 29 veces campeón francés. Estudia el estilo de natación del antiguo campeón del mundo explicando los mecanismos del arrastre, breaststroke y otras técnicas de la natación. Vigo emplea técnicas como la cámara lenta, fotografía subacuática y uso dramático de la iluminación subacuática. (FILMAFFINITY)







Zero de condutei (1933)



Zéro de conduite (en españolCero en conducta) es una película francesa de 1933 dirigida por el director francés Jean Vigo. Estrenada por primera vez el 7 de abril de 1933. Desde entonces, estuvo prohibida en Francia hasta el 15 de febrero de 1946.

Argumento

La película trata exhaustivamente las experiencias escolares de Vigo para retratar un sistema educativo burocrático y represivo en el que tienen lugar actos de rebelión surrealistas, producto de una lectura libertaria de la infancia. El título se refiere a la calificación que el chico obtendría y que le impediría salir en domingo. También muestra la influencia de la obra de teatro Ubu Roi, de Alfred Jarry.

Influencia

Aunque la película no tuvo un éxito inmediato, ha demostrado poseer una influencia duradera. François Truffaut rindió un homenaje a Zéro de conduite en su película de 1959 Los 400 golpes copiando, prácticamente fotograma a fotograma, la escena en la que una línea de escolares que corren por París va perdiendo uno a un sus miembros debido a las atracciones de la ciudad. La película If.... de Lindsay Anderson es en su totalidad una reinvención menos caprichosa de Zéro.






Ver en Youtube en V.O.S.Inglés.

L'atalante (1934)




L'atalante es una película francesa de 1934 dirigida por Jean Vigo (y protagonizado por Dita Parlo) que tras hacer algunos cortometrajes tan solo pudo realizar este largometraje porque murió muy poco después de terminarla. Su tema: el amor. Las imágenes que nos ofrece esta historia parecen sacadas de un sueño más que de la realidad, contándonos cosas sobre nuestra vida pero a través de un mundo de fantasía.




L'atalante from quartopotere on Vimeo.



Jean Vigo y el documental social

Pero yo querría hablaros de un cine social más concreto, y del que me hallo más próximo: del documental social, o dicho con más exactitud, del punto de vista documentado. En este terreno a investigar, afirmo que el tomavistas es rey o al menos presidente de la República. Ignoro si el resultado ser una obra de arte, pero de lo que sí estoy seguro es de que será cine. Cine, en ese sentido de que ningún arte, ninguna ciencia, puede desempeñar su función.

El señor que hace documentales sociales es ese tipo suficientemente flaco como para introducirse por el agujero de una cerradura rumana y capaz de filmar al salir de la cama al príncipe Carol en camisón, admitiendo que fuese un espectáculo digno de interés. El señor que hace documental social es este buen hombre lo bastante diminuto como para apostarse bajo la silla del croupier, gran dios del Casino de Montecarlo, lo que, podéis creerme, no es nada fácil.

Este documental social se diferencia del documental sin más y de los noticiarios semanales de actualidades por el punto de vista defendido inequívocamente por el autor. Este documental exige que se tome postura, porque pone los puntos sobre las íes. Si no implica a un artista, por lo menos implica a un hombre. Una cosa vale la otra. El tomavistas estará dirigido a lo que debe ser considerado como un documento y que, a la hora del montaje, ser interpretado como tal documento.

Fuentes de información: Wikipedia,  Kinoki (información y descargas), Archive.org (información y descargas), FilmAffinity,


Las Hurdes (Tierra Sin Pan) - Luis Buñuel


Dirección: Luis Buñuel.
Productor: Ramón Acín.
Argumento: Inspirado en un libro de Maurice Legendre.
Guión: Luis Buñuel, Pierre Unik y Julio Acín.
Fotografía: Eli Lotar.
Montaje: Luis Buñuel.
Música: Extractos de la 4ª sinfonía de Brahms (sonorizada en 1937).
Sonido: Charles Goldblatt y Pierre Braunberger.
Narrador: Abel Jackin (de la versión restaurada,Francisco Rabal).
Intervienen: habitantes de las Hurdes (Cáceres).
País de producción: España.
Año: 1933.
Formato: 35mm. B/N.
Duración: 27 minutos.





La idea de rodar un reportaje sobre la paupérrima región de las Hurdes en 1933 -que no, en 1932 como se creía hasta hace muy poco tiempo (tal y como subraya la tesis de Maurice Legendre)-, la concibió Luis Buñuel inspirado por "los estudios del Dr. Gregorio Marañón sobre la enfermedad del bocio en aquéllos parajes".

Las Hurdes, tierra sin pan es un homenaje a los habitantes de una región azotada por el hambre, la enfermedad, y la miseria. Los crucigramas nos dicen que la definición más ajustada del pan es la de alimento básico, y así nos lo recuerda el fragmento anterior. La enfermedad era, también, una de las principales características de la región. De hecho, eran habituales endemias como el bocio o el paludismo, causadas y agravadas por la inanición, y la insalubridad del lugar, respectivamente. Y por último, la miseria era connatural a esas gentes, que carecía de la educación necesaria. Las costumbres autóctonas son tan feroces como habituales en muchos pueblos de la España de la época. El narrador cuenta que "ante el pueblo reunido, los hombres más recientemente casados deben, cada uno, arrancar la cabeza de un gallo". El dramatismo de tal escena da la impresión de que el espectador asiste a un acto de barbarie exclusivo, cuando la realidad de la época nos enseña que costumbres como aquélla no eran muy diferentes de otras, de parecido calado.

Por otra parte, escenas tales como la un burro rodeado de abejas, a causa de cuyas picaduras, sufre un fatal desenlace; la de una niña enferma; la de los hombres que recorren a pie y descalzos distancias muy extensas para procurarse provisiones, o la de las muestras comparativas del mosquito anófeles (portador del paludismo), y del mosquito común; todas ellas dan una idea del sentido didáctico que Luis Buñuel quería conferir al documental.

Un burro agonizante es una muestra de las carencias inherentes a un pueblo marginal. La enfermedad se adueña de los más débiles, con más fiereza. El sacrificio, por su parte, se impone como una necesidad irrenunciable para combatir el hambre. Por último, el mosquito constituye una prueba fehaciente de la existencia de endemias.

Todas estas imágenes no están exentas, sin embargo, de artificios. P.ej.: La niña enferma estaba aquejada de un agudo dolor de muelas, pero la imagen de la dentadura que ausculta la cámara, corresponde a la de una anciana del pueblo. En otra secuencia, aparece una cabra despeñándose de un risco, aparentemente, de forma natural, cuando, en realidad, con un objetivo técnico, había sido abatida de un tiro.

Las Hurdes, tierra sin pan, de Luis Buñuel, no sólo es una crónica social de una crudeza sin parangón, en un país que no reconocía la existencia de lugares olvidados, sino también, un instrumento didáctico, que aunque alarmó a las autoridades, perseguía un buen fin.

Fuentes de información: Tomás Valero Martínez Publicado por: CineHistoria