Un largo silencio - Sobre todas estas estrellas - Eliseo Subiela

Título original: Un largo silencio
Año: 1963
País de producción: Argentina
Dirección: Eliseo Subiela
Guión: Eliseo Subiela, Pablo Gerchunoff
Producción: Eliseo Subiela
Asistente de Dirección: M. A. Álvarez Diéguez
Fotografía: Juan José Stagnaro
Música: Johann Sebastian Bach
Ayudante de dirección: Severo González, Alfredo de la Fuente y Ricardo Góngora
Duración: 17 min.
Formato: 16 mm, B/N.
Formato copia: TV-RIP.

Un largo silencio es un documental casi ficción que narra la triste historia de los pacientes del hospital neuropsiquiátrico Borda, donde sus pacientes están atrapados, olvidados y marginados por una sociedad que no se interesa en ellos. Dentro de las parades, fantasías tales como símbolos extraños, mundos paralelos y personajes interesantes.

Primer obra de Subiela y un claro indicio de lo que luego sería su afamada 'Hombre mirando al sudeste'. La narración es impecable, la puesta en escena es completa. Un excelente comienzo, prometedor e innovador a la vez.

Título: Sobre todas estas estrellas
Dirección: Eliseo Subiela
Guión: Eliseo Subiela
Páis de producción: Argentina Año: 1965
Producción: Eliseo Subiela
Fotografía: Juan José Stagnaro
Montaje: Juan Carlos Macias
Música: Antonio Vivaldi
Sonido: Aníbal Libenson
Duración: 19 min.
Formato: 16 mm , B/N.
Formato copia: TV-RIP.

Aquellos extras, que están debajo de las ESTRELLAS, que son el soporte de las películas en general, esos dobles de riesgo que son verdaderamente las estrellas. Sobre todos ellos se levanta el cine con aires de grandeza.

Segundo corto de Subiela, que si bien no tiene el trabajo de Un largo silencio, es mas especial que el primero, por su temática poco común, por su crítica social tan orientada al cine. Una obra digna de ser vista.

El gran director ruso Tarkovski solía decir que en el cine hay dos tipos de directores, los que imitan al mundo en que viven y los que crean su propio mundo y que denominaba “los poetas del cine”. Entre estos últimos incluía a Bresson, Bergman, Buñuel, Kurosawa, etc. No es arriesgado decir que Eliseo Subiela se embarcó dentro de los directores poéticos del cine, irrumpiendo con maestría y originalidad en el cine nacional.
Subiela nació en Buenos Aires en 1944, tuvo un fugaz paso por Filosofía y Letras y por la Escuela de cine de La Plata. La ansiedad por filmar lo llevaría a realizar su primer corto “Un largo silencio”(1963) a los 19 años.
Con este corto logra El Gran Premio al mejor cortometraje en el III Festival Internacional de Viña del Mar.
En esa época Leonardo Favio quería realizar su primer film como director y necesitaba ayudantes, sería María Vaner quien los relacionaría; de esta manera su primera experiencia como ayudante sería “Crónica de un niño solo”. La siguiente experiencia como ayudante fue “Esquiú, una luz en el sendero” de Ralph Pappier.
Luego en 1965 filmaría su segundo corto “Sobre todas estas estrellas”, que trataba sobre las expectativas de los extras de cine. Con este corto logra varios premios, entre ellos el entregado por el Instituto Nacional de Cinematografía , primer premio al Mejor Director de Cortometrajes.

Fuentes de Información: Eliseo Subiela, Patio de Butacas (info y descargas), Cine Nacional.

Un largo silencio (1963)


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Sobre todas esas estrellas (1965)

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Manifiesto - En defensa de los derechos fundamentales en Internet

Ante la inclusión en el Anteproyecto de Ley de Economía sostenible de modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de internet manifestamos nuestra firme oposición al proyecto, y declaramos que…

1.- Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.

2.- La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial -un organismo dependiente del ministerio de Cultura-, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.

3.- La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.

4.- La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.

5.- Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.

6.- Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.

7.- Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.

8.- Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.

9.- Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.

10.- En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

Este manifiesto, elaborado de forma conjunta por varios autores, es de todos y de ninguno. Si quieres sumarte a él, difúndelo por Internet.

Las estatuas tambien mueren

Título original: Les statues meurent aussi
Dirección: Chris Marker, Alain Resnais
Guión: Chris Marker
Operador de cámara: Ghislain Cloquet
Intervienen: Jean Négroni, François Mitterrand, Sugar Ray Robinson
Idioma: Francés con subtitulos en castellano.
Formato: 35 mm, B/N.
Formato copia: Dvdrip
Año: 1953
País de producción: Francia
Duración: 30 min.

Cuando los hombres están muertos, entran en la historia. Cuando las estatuas están muertas, entran en el arte. Esta botánica de la muerte, es lo que nosotros llamamos la cultura.” Así comienza este documental de controversia que cuestiona la diferencia entre el arte negro y el arte real; pero sobretodo la relación que tiene el Occidente con este arte, al cual apunta a destruir sin darse cuenta. *1

Un ensayo sobre el arte escultórico africano permite a Chris Marker y Alain Resnais denunciar el colonialismo francés, el racismo y el declive de una expresión artística que , por la demanda de los coleccionistas europeos, se convirtió en artesanía sometida a las exigencias comerciales. Los inteligentes y agudos comentarios de Marker, en la voz de Jean Négroni, acompañan las imágenes desnudas y de gran belleza formal. Un documental prohibido durante más de diez años y cortado por la censura francesa en un tercio de su duración original. *2

En Las estatuas también mueren Resnais y Marker filman estatuas africanas y sobre los planos combinan un discurso, hasta que en un momento llegan los hombres de África, luego los blancos, y el material de archivo y el registro de las estatuas culminan en una meditación lúcida sobre la finitud de la especie, o cómo el arte es un intento fallido pero sublime de conjurar la muerte. Este filme inaugura un estilo, y de esta obra maestra surgirán otras películas magistrales, entre ellas, Noche y niebla (1955). *3

Fuentes de Información: *1 Patio de Butacas (info y descargas), *2 Festival Internacional de Cali, *3 Ojos Abiertos, Wood S Lot.

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De Niños

Título original: De Nens
Dirección: Joaquim Jordà.
Guión: Joaquim Jordà, Laia Manresa.
Música: Albert Pla.
Fotografía: Enric Daví, Carles Gusí.
Montaje: Sergio Dies.
País de producción: España.
Año: 2004.
Duración: 188 min.
Producción: Massa D'or Produccions
Distrubución: Editada en DVD por Filmax

¿Cuándo te vino realmente la idea de rodar De Niños?

Joaquim Jordà - "Regresé a Barcelona después de mi infarto cerebral. Al salir del hospital en Madrid, vi, pese a que llevaba más de diez años viviendo, que había perdido la topografía de la ciudad, que se me había ido de la cabeza, que me perdí. Pensé que en Barcelona recuperaría una memoria antigua, más automática, aparte de que Barcelona es una ciudad muy geométrica, muy racionalista, y caí en este barrio que de racional no tiene nada. Pero estos azares de la vida que en realidad siempre la mejoran... Si a ti te hace el azar, es bueno, lo malo es enfrentarse a él. Así caí en este barrio, porque esta casa en la que vivo es de mi amigo Marcel·lí Antúnez. De vuelta de Madrid e instalado aqui percibí algo que estaba ocurriendo, un barrio que guardaba algo muy catastrófico, y de ese algo no se hablaba, había como misterios, como secretos y como miradas enfrentadas, veías que alguien no se hablaba con alguien, gente que vivía en la misma calle, o extrañas enemistades. Una ciudad dividida en dos, entonces apareció el libro de Arcadi Espada y acudí a su presentación. Vi al autor y a algunos de los personajes de la historia, y me impresionó el dolor con que contaban los hechos y pensé que podía ser un tema interesante para plantear una película."

El Caso Raval

El ninguneo sistemático al que suelen condenarse las obras de los autores underground (y Joaquím Jordà lo ha sido siempre) no se cebó especialmente con esta “De nens”, longevo documental que parte del enjuiciamiento del denominado “Caso Raval”, y que fue exhibido –un par de semanas- en un sala del cine Verdi Park de Barcelona, además de saludada por la práctica totalidad de los críticos como una obra imprescindible. Que lo es: durante tres horas -densas, tensas, fugaces-, la cámara de Jordà aborda sin complejos el tristemente célebre juicio ventilado ante la Audiencia Provincial de Barcelona por presuntos delitos de agresiones sexuales a menores; y con un irreductible afán investigador, escruta a fondo en los elementos y acontecimientos judiciales y extrajudiciales que sin duda concurrieron en (lo que todavía es, pero menos) aquella nebulosa definida por los mass media como “Caso Raval”.

Arquitectura narrativa

El filme pasa por ser una especie de segunda parte del libro “Raval. Del amor a los niños”, de Arcadi Espada, por cuanto retoma el curso de los hechos donde lo dejara la obra de sociólogo, que se centraba en el análisis de lo acontecido en los meses estivales de 1997, cuando se desencadenó el affaire y los medios de comunicación desplegaron sus distorsionantes ecos de resonancia. Conozco el libro de Espada, y puedo decir que esa correlación interdisciplinar no debe extenderse extramuros de la mera cronología de los hechos, en tanto que la propuesta del filme, amén de perfectamente cohesionada desde el punto de vista cinematográfico, contiene un discurso autónomo y sin fisuras, perfectamente comprensible sin necesidad de recurrir a cualesquiera antecedentes. El auténtico ejercicio caleidoscópico que Joaquím Jordà despliega en “De nens” se sitúa a tres niveles narrativos, que van intercalándose (y retroalimentándose) en una arquitectura narrativa de complejidad creciente: por un lado, el minucioso y ordenado seguimiento de las sucesivas sesiones del Juicio Oral; por otro, las diversas entrevistas a agentes periféricos, que participaron o conocieron a distintos niveles los acontecimientos urbanísticos que afectaron al otrora denominado barrio chino; y finalmente un tercer eslabón configurado a partir de diversas dramatizaciones –a cargo del grupo teatral “La vuelta”- que puntúan de forma lírica, y no siempre exenta de carga corrosiva, los diversos conceptos e ideas que el filme va desgranando (función ésta compartida con la partitura musical de Albert Pla, que aparece y desaparece de forma fragmentada en múltiples momentos del metraje, pero en todo caso con una finalidad narrativa evidente –no es baladí apuntar al respecto que una interpretación del cantautor de una de sus piezas clásicas, La nana de l’Antonio, le sirve a Jordà como introducción al retrato del enjuiciamiento de Xavier Tamarit, Jaume Lli, Antonio Durán, Nuria Martín y Josefa Guijarro, quienes compartieron el banquillo de los acusados).

La utopía de la justicia

De nens es, a la postre, una agudo retrato de los tiempos que corren, un candente testimonio de la impunidad del poder y sus mecanismos de consolidación en el tejido social. Es también un fundamental exponente del cine de juicios, emparentado más estrechamente de lo aparente con JFK, de Oliver Stone, otra obra de filiación documentalista, con la que comparte el cuestionamiento de la evidencia mediante la evidencia más evidente (y perdón por el retruécano). Una de sus muchas reflexiones versa sobre la utopía de la justicia, sobre la imposibilidad práctica de conocer la Verdad. Y ante esa imposibilidad, sobre cuáles son las verdades que prevalecen por encima de las otras, que son desechadas. Jordà no responde, no juzga, declina jugar a arrojar luz sobre la oscuridad. Pero su valentía estriba en recordarnos que nos movemos en esa oscuridad. Y eso ya es mucho.

Fuentes de información: Gracias de nuevo a Documaniático (info y video), Extracto de artículo pubicada en Voiceover's Blog, Miradas.net, Extracto entrevista publicada en DDOOSS, Cultivadores de Culto (info y descargas), Periodismo Gonzo (video online).

 

 

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También la puedes ver en Filmin, en SD por 2,95€.

Nadie escuchaba

Título original: Nobody listened
Dirección y guión: Néstor Almendros y Jorge Ulla.
Montaje: Gloria Pinero, Esther Durán.
Sonido: Phil Pearle.
Director de fotografía: Orson Ochoa.
Operadores de cámara: Peter Girolami (Estados Unidos), Tumasz Chichawa y Wilfrid Sempé (Francia), Christian Cascio, Brenda Feliciano y Fred Tutman (Cuba).
Ayudantes de operador: Carlos Muntaner, John Scotohdopole.
Formato: Película de 16 mm. hinchada a 35 mm. por Duart (Nueva York), Kodak y Fuji. Laboratorios de los negativos: Éclair (París), Precisión (Nueva York). Cámara Arri-BL de 16 mm. y Coutant-Éclair. Objetivo: zoom Angeniuex 12-120 mm. Formato: 1.33.
Duración: 157 min.
País de producción: U.S.A.
Produce: The Cuban Human Rights Film Project.
Productores asociados: Marcelino Miyares, Jorge A. Rodríguez, Albert E. Jolis.
Director de producción: José Huguez.
Documentación e investigación: Carlos Ripoll, Fausto Canel. Documentos visuales provenientes de Patrice Berrat-Gamma TV París, Hector Galán- La Raza, Televisión Española, CBS, Fox Movietone, Filmadora Dominicana, Pigeon Films- Panamá, Independent Central Television- Reino Unido, Guede Films, Puerto Rico.
Voces de narradores: Geoffrey Carey, Sandra Lee (versión inglesa); René Dávila, María Antonia Rey (versión española).
Música de los títulos finales: Ignacio Cervantes, interpretada al piano por Ivette Hernández. Testimonios ante la cámara de: Clara Abrahan, Sergio Bravo, Ricardo Bofill. Miguel Torres Calero, Esteban Cárdenas, Fidel Castro, Angel Cuadra, Guillermo Hernández Cuevas, Guillermo Estévez, Hilda Felipe, Alcides Martínez, Huber Matos, Eloy Gutiérrez Menoyo, Glenda Menes, Nimia y Marcelo Morgado, Roberto Martín Pérez, Luisa Pérez, Ana Lázara Rodríguez, Esturmio Mesa Schuman, Armando Valladares, Jorge Valls, René Tavernier, Jean-François Revel, Yves Montand.

Es significativo que Nadie escuchaba sea el título de un documental cinematográfico sobre la experiencia carcelaria en Cuba. Almendros comenta que “se han hecho películas contra las dictaduras de derecha pero contra Castro no. Su régimen ha tenido ese beneficio siempre, aunque algún día habrá películas estoy seguro, cuando esté muerto.” Esto se debe a que “nadie
escuchaba” los alegatos bien fundamentados contra las ejecuciones sumarias, los tratos crueles, inhumanos y degradantes ocurridos en Cuba. Almendros da varias explicaciones a ese silencio: el temor que sienten muchas personas por los dictadores, incluidas las víctimas, y la visión ingenua de quienes visitan a la Isla en plan de turismo revolucionario, con la disposición de entender a los “camaradas” cubanos a todo precio, con tal de no “hacerle el juego a la reacción.”

“Dirigí dos películas sobre Cuba –“Nadie escuchaba” y “Conducta impropia”- en las que he denunciado los abusos cometidos contra los derechos del hombre en Cuba. Es un país que me sigue interesando muchísimo, por supuesto. Lo que pasa es que soy persona “non grata” y no puedo ir y volver allí de una manera normal”.

Fuentes de información: El otro Testimonio: Literatura Carcelaria en Cuba de Rafael E. Saumell, I.E.S. Nestor Almendros.

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Conducta impropia

Título original: Mauvaise conduite
Dirección y guión: Néstor Almendros, Orlando Jiménez Leal
País de Producción: Francia
Año: 1983
Duración: 105 min.
Producción: Antenne-2, Les Films du Losange
Productor: Jorge Pupo
Productores ejecutivos: Michel Thoulouze, Margaret Menegoz, Barbet Schroeder.
Director de producción: Louis Argueta.
Montaje: Michel Pion.
Ayudantes de montaje: Allain Torteroix, Wilfrid Sempé.
Operador de cámara: Dominique Merlin. Ayudantes de realización: Luis Blat, Jean Louis Hym.
Documentación e investigación: Carlos Ripoll.
Voces de los narradores: Michel Dumoulin (versión francesa), Jeofrey Lawrence Corey (versión inglesa), José Miguel Ullán (versión española).
Entrevistas ante la cámara de: Reinaldo Arenas, Guillermo Cabrera Infante, Caracol, Fidel Castro, Carlos Franqui, Martha Frayde, Juan Goytisolo, Hernero Padilla, Susan Sontag, Ana María Simo, René Ariza, Armando Valladares, Gilberto Ruiz, Jorge Ronet, Juan Abreu y otros.
Formato Rodado: Rodado en París, Nueva York, Miami, Londres, Roma y Madrid. Película de 16 m. inchada a 35 mm, Eastmancolor 5247 y 5294. Laboratorios: Telcipro, París. Cámara Coutant-Éclair. Objetivos Angenieux, Zoom 12-120. Formato Copias proyección: 1.33. , 35mm, Color
Formato copia: VHS-Rip.
Distribución: Fué editada en VHS en varios países, pero que sepamos no esta editada en DVD.
Fuente del Video: GoogleVideo.
Premios: Gran Premio del XII Festival Internacional de los Derechos Humanos de Estrasburgo, 1984.

Este documental de Néstor Almendros y Orlando Jiménez Leal trata sobre la persecución de homosexuales e intelectuales en la Cuba castrista desde los inicios de la Revolución Cubana hasta los primeros años 80. En él se entrevista a varios nombres relevantes de la cultura cubana (Lorenzo Monreal, Reinaldo Arenas, Jorge Ronet, Luis Lazo, Rafael de Palet, Jorge Lago).

"El método seguido al filmar nuestros testimonios fue este: consideramos que la cámara cinematográfica, acoplada con grabación de sonido directo, es en cierto modo, un detector de verdades y mentiras. Esto, claro, a condición de que el lente capte la expresión de los rostros de una manera sencilla y total. Quiero decir de frente, no de perfil, no de tres cuartos. A condición de que la iluminación y los ángulos sean naturales y sin efectos. Si los ojos son el espejo del alma, el espectador tiene que ver bien los ojos de los entrevistados para conocer su verdad, casi como si se hubiese establecido un diálogo con el público. Durante la filmación emplazábamos a nuestros entrevistados ante fondos que, al mismo tiempo que documentaban sobre su nueva situación geográfica y social después del exilio, mantuviesen cierta neutralidad para no introducir un elemento de distracción, para que no se perturbase lo principal dentro del encuadre que era el rostro. Tratamos de que estos fondos o escenarios fuesen agradables (le pedimos a menudo a los entrevistados que sugiriesen un lugar de su predilección). Se creaba así una atmósfera tranquila propicia a la confidencia. A veces el paisaje estaba en total contradicción con el dramatismo de algunas narraciones. Pensamos que este choque dialéctico más bien enriquecería cada secuencia. El montaje fue presidido también por la ley de la sencillez: se respetó casi siempre la cronología. La única libertad que nos tomamos fue el abreviar las entrevistas o los documentos de archivos".

Fuentes de Información: Fragmento del libro de Juan Antonio García Borrero, Diez películas que estremecieron a Cuba, publicado en Cinecuba, Filmoteca Andalucia, I.E.S. Nestor Almendros.

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España vivirá (L’Espagne Vivra)

Título original: L’Espagne Vivra
Dirección: Henri Cartier-Bresson
Año: 1938
País de producción: Francia
Duración: 43 min
Voz en Off: Georges SadoulFormato: 35 mm, B/N.
Producción: Secours Populaire
Distribución: Editada en España, en el Pack Henri Cartier-Bresson (2 Dvd's), editado por Avalon.

El Socorro Rojo era una organización que canalizaba las ayudas que sindicatos, organizaciones obreras y partidos de izquierda de todo el mundo enviaban en apoyo a la República Española. Cartier-Bresson documentó la tremenda labor de ayuda a la población civil que desarrollaba la organización, cargado de ilusión y esperanza en la causa republicana.

Henri Cartier-Bresson (22 de agosto de 1908 - 3 de agosto de 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images a la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Édith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de Iósif Stalin.

Su obra fue expuesta, en el museo del Louvre, en París, en 1955.

Fue cofundador de la agencia Magnum.

Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en el año 2000 una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse. Falleció el 2 de agosto de 2004 en Céreste, al suroeste de Francia.

En 2003, Heinz Bütler dirigió la película suiza Henri Cartier-Bresson - Biographie eines Blicks, documental biográfico interpretado por el propio Cartier-Bresson además de Isabelle Huppert, entre otros.

Para algunos, Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como «el ojo del siglo».

En el año 1983 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad

Biografía

Nació en Chanteloup-les-vignes, a las afueras de París, el 22 de agosto de 1908.

Después de terminar sus estudios de pintura en 1927-1928 a cargo de André Lhote en Montparnasse y de frecuentar los círculos surrealistas parisinos, decide dedicarse a la fotografía. Es fotógrafo a sus 23 años en Costa de Marfil, cuando recogería sus primeras instantáneas con una Krauss de segunda mano. Publicaría su reportaje el año siguiente(1931). De regreso a Francia, en Marsella, adquirió una cámara Leica, la cual quedaría asociada con su persona. En 1947, él cofunda junto a Robert Capa, Bill Vandivert, David Seymour y George Rodger la agencia Magnum y a través de sus viajes por el mundo definiría la fotografía humanista: visitaría así pues África, México, y los Estados Unidos. En 1936 realizó un documental sobre los hospitales de la España republicana y se convertiría más tarde en el asistente del cineasta Jean Renoir.

Formado en la Escuela nacional superior de Bellas Artes, abandona finalmente la fotografía en1970 para dedicarse al dibujo. Un año antes de su muerte 2003, la Biblioteca Nacional de Francia le dedicaría una exposición retrospectiva, con Robert Delpire como comisario. Estos fondos son los que más tarde servirían para la apertura en el barrio parisino de Montparnasse de la fundación HCB, que asegura la buena conservación de su obra.

Filmografía

1937: (Victoria de la Vida) Victoire de la vie, Documental sobre los hospitales de España Republicana (49 min, Blanco y Negro)
1938: (España vivirá) L’Espagne Vivra, Documental sobre la guerra civil española y los años de postguerra (43 min, Blanco y Negro)
Segundo documental sobre la Guerra Civil española realizado por el equipo de Secours Populaire con comentarios de Georges Sadoul.
1945: (El Retorno) Le Retour, película sobre el retorno de los prisioneros después de la Segunda Guerra Mundial.

Fuentes de Información: Wikipedia, Guerra Civil Foro, RebeldeMule, Antonio Poveda (UCM),

 

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La Gran Batalla del rio Volga

Título Original: сражение реки Волга
Dirección y guión: 150 cinematógrafos
País de Producción: U.R.R.S.S.
Idioma: Oríginal en Ruso (Copía en Inglés con subtítulos en castellano)
Duración: 76 min.
Año: 1962.

Documental sobre uno de los episodios más dramáticos de la 2ª guerra mundial producido por 150 directores. Narra la batalla a orillas del Volga que en mucho predeterminó el desarrollo de la campaña contra la Alemania hitleriana. Los principales acontecimientos de la guerra dsurante el decisivo verano de 1942 tuvieron lugar en el flanco sur del frente soviético-alemán. El mando nazi, tras el revés sufrido en las cercanías de Moscú en diciembre de 1941, se concentró en la toma de Stalingrado y el control de las fecundas tierras del Don, Kubán, el curso bajo del Volga, y los accesos a las zonas petroleras del Cáucaso. La consecución de estos objetivos debía determinar el desenlace de la contienda en el Frente Oriental. Por tanto el epicentro de la lucha pasó a ser Stalingrado. La ofensiva nazi sobre la ciudad corría a cargo del grupo de ejércitos B, que contaba más de un millón de soldados. La batalla duró del 17 de julio de 1942 al 2 de febrero de 1943.

"La cobertura cinematográfica de las acciones de guerra dio lugar a leyendas. Más de cien camarógrafos soviéticos murieron en acción; los vacios dejados en sus filas fueron rápida y ansiosamente cubiertos. La academia cinematográfica estatal (fundada en 1919 en plena revolución) agregó a su programa la filmación de combates y así los camarógrafos obtuvieron distinciones por su acción en la línea del frente. Los camarógrafos de este tipo ganaron muchas recompensas. Durante un combate aéreo un camarógrafo dejo a un lado su cámara, tomó la posición de un artillero y derribó a un avión aleman de caza. esto le valió un premio al valor y una reprimenda de su estudio.
El conjunto de las tomas de guerra de un camárografo, Vladimir Sushinsky, se ofrece en la película "Camarógrafos en el frente" (Frontoj Kinooperator, 1946), compilada por Maria Slavinskaya y en la que muestra la muerte del propio camarógrafo. La película estaba en rodando en su camara cuando fue muerto de un tiro y podemos ver confusamente la toma en una espiral en el momento el camarografo cae. Otro lo vio caer y filmoo sus momentos finales; tambien este ultimo murió en acción de guerra.
La actividad fílmica de guerra sembró simientes para desarrollar relaciones de posguerra. Destacamentos polacos y de otras nacionalidades que luchaban junto a los rusos en su avance, tenían sus propias unidades documentales equipadas por los soviéticos. el equipo y los materiales cinematográficos se lanzaban en paracaidas para que los recogieran guerrilleros yugoeslavos. (...)
las películas de guerra soviéticas hicieron un fuerte impacto en Estados Unidos. (...) Después de Pearl Harbour, los filmes soviéticos llegaron a ser una importante fuente de material para realizar los filmes de guerra del gobierno norteamericano."

Fuentes de información: Extracto del libro "Documental, Historia y Estilo", de Erik Barnouw pag. 139-140 (publicado en España por Gedisa), RebeldeMule (info y descargas), PCOE (video e info),

http://www.veoh.com/collection/cinematecaPCOE/watch/v11627869277DG4Nx

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Que viva Mexico - La destrucción de Oaxaca

Título Original: ¡Que viva México! (Да здравствует Мексика!)
Dirección: Sergei M. Eisenstein
Producción: Kate Crane Gartz, S. Hillkowitz, Otto Kahn, Mary Craig Sinclair, Upton Sinclair
Guión: Grigori Aleksandrov
Música: Juan Aguilar, Francisco Comacho Vega
Fotografía: Eduard Tisse, Gabriel Figueroa
Montaje: Sergei M. Eisenstein
País de Producción: U.R.R.S.S., México
Año: 1932.
Duración: 103 min.
Formato: 35mm / B/N.

¡Que viva México! (en ruso: Да здравствует Мексика!) fue un proyecto fílmico inconcluso de Serguéi Eisenstein. La producción estuvo marcada por dificultades y finalmente abandonada. Jay Leyda y Ziba Voynow lo denominan su plan de filme más grande y su tragedia personal más grande. Eisenstein llega a México en diciembre de 1930, patrocinado por Upton Sinclair y su esposa Mary Kimbrough Sinclair.

El material original nunca fue montado. El material filmado ha sido reconstruido por otros bajo los títulos de Thunder Over Mexico, Eisenstein in Mexico, Death Day y Time in the Sun. En 1979 Grigori Aleksandrov, a partir de los storyboards originales de Eisenstein, compiló Da zdravstvuyet Meksika!, una aproximación al montaje que éste planeaba.

La estructura del filme, en la reconstrucción de Aleksandrov es de cuatro episodios, más un prólogo y un epílogo. El prólogo presenta imágenes alegóricas al México prehispánico. El episodio "Sandunga" recrea los preparativos de una boda indígena en Tehuantepec. "Fiesta" desarrolla el ritual de la fiesta brava, mientras que "Maguey" escenifica la tragedia de un campesino victimado por rebelarse en contra de su patrón. "Soldadera" (episodio no filmado) presentaría el sacrificio de una mujer revolucionaria. El epílogo, también conocido como "Día de muertos", se refiere al sincretismo de las distintas visiones que coexisten en México alrededor del tema de la muerte.

La gran pregunta sobre qué hubiera sucedido realmente si Eisenstein hubiese terminado la obra, quedará para la historia. Se trata de una gran ilustración que, por ser representada de una manera artística, hizo de las costumbres mexicanas una obra de arte a la mexicana. El prólogo de la película explica cuál fue la situación y por qué no se terminó la obra, y cómo es que ha sido construida basándose en los datos que dejó Eisenstein, tratando con ello de conservar el estilo de dicho director.

Tiene un hilo conductual muy interesante, va ligando al espectador los aspectos y características de los mexicanos, le lleva de una historia a otra entrelazándolas con las costumbres. Una escena muy interesante que ejemplifica la forma de enlazar las escenas es cuando la tehuana por fin compra su collar de monedas de oro y se lo pone, luego hay una disolvencia para continuar en donde el joven está en la hamaca, pero con la forma del collar. La manera en que enlaza las escenas y las formas artísticas que representa, es sorprendente. Refleja la gran planeación que se tuvo para realizar la película, el gran esfuerzo y la dedicación por parte de todo el equipo que la realizó.

En cuanto a las tomas y ángulos que se hicieron durante la película, Eisenstein dejó claro cómo representa la divinidad, las tomas que hizo de los sacerdotes y al altar de la virgen fueron en contrapicadas, dejando en claro que esas imágenes tienen un significado y una representación de autoridad. La construcción simétrica es impresionante, siempre buscaba dejar las cosas centradas, o que las tomas tuvieran mucha calidad, muy buena fotografía. Además del uso del montaje, hace uso del close up, tomas detalladas, es como si como fuera un documental de la vida mexicana. La representación que hacen de la unión íntima entre los matrimonios con la toma de los pájaros.

El audio va acorde con las imágenes, deja una sensación, representa el momento. La capacidad de producir una película así muestra el resultado de un gran esfuerzo, ¿que hubiera sido realmente si la hubiera concluido Eisenstein? es la duda de los grandes cineastas y críticos, pero aunque no la terminó por las injusticias que se cometieron, su esencia queda presente. Teniendo en cuenta que la cultura mexicana es muy conservadora y en la película vienen algunas tomas que pueden considerarse como indecentes, son tratadas con arte, con una gran estructura y una fotografía, podría decirse, perfecta.

Ver entero y/o descargarlo en diferentes formatos en Archive.org
Ver en Youtube subtitulado al castellano en 9 partes:
1ª Parte, 2ª Parte, 3ª Parte, 4ª Parte,
5ª Parte, 6ª Parte, 7ª Parte, 8ª Parte,
9ª Parte,
Ver de una parte en Veoh (necesitas tener instalado VeohPlayer)

Título original: La destrucción de Oaxaca
Año: 1931
País de Producción: México
Dirección: Sergei Eisenstein
Guión: Grigori Aleksandrov;Sergei Eisenstein.
Duración: 11min.

Cortometraje sobre las consecuencias del terremoto que sacudió a buena parte de la región sureste de México la noche del 14 de enero de 1931.
Casualmente Eisenstein y su equipo se encontraban rodando ¡Que viva México! en la región por lo que pudieron realizar este corto documental.
También conocido como La destrucción de Oaxaca.

Ver en Youtube en 2 partes: 1ªParte, 2ªParte
Ver entero en Tudou (es un servidor Chino)


Fuentes de Información: Wikipedia, Patio de Butacas (info y descargas), Archive.org, Taringa (info y filmografia completa para descargar).

Violencia Domestica

Título original: Domestic Violence.
Dirección y guión: Frederick Wiseman.
Año: 2001.
País de Producción: U.S.A.
Formato: 16 mm/VHS, Color.
Duración: 196 min.
Idioma: Inglés con subtítulos en castellano.
Producción: Zipporah Films.

Domestic Violence, una de las 10 mejores películas de 2002 según el Boston Globe, The Village Voice, Slate Magazine y The New York Free Press, fue rodado en Tampa, Florida. Frederick Wiseman es uno de los directores de documentales más prolíficos. Sus películas abordan los aspectos más variados de la sociedad noteamericana. Él mismo denomina sus obras reality fiction (ficciones reales). No incluye nunca un narrador sino que nos presenta imágenes y diálogos que nos invitan a pensar y a hacernos preguntas.

En Domestic Violence 1 y 2, Wiseman presenta diferentes aspectos del mismo problema. En la primera, combina dos vías de información: por un lado, el espectador acompaña a la policía cuando esta acude a casas particulares en respuesta a las llamadas telefónicas por violencia doméstica. El espectador es testigo de la intervención policial, su rutina diaria y los intentos de los agentes de policía de resolver la situación inmediata al tiempo que entra en las casas y conoce personalmente a las víctimas y a los perpetradores en situaciones y conversaciones reveladoras. Por otro, visita el centro de acogida The Spring. Las secuencias incluyen la atención del servivio telefónico del centro, visitas, secciones de terapia y conversaciones entre los residentes. También presta atención a los niños, la gran mayoría de los residentes, y las mayores víctimas del problema.

Primera parte (101'):

http://www.megavideo.com/?v=9QLMMTPF

Segunda parte (95'):
http://www.megavideo.com/?v=AFIE5DAA

Fuentes de Información:Zipporah Films., agradecimientos a Carlos Peréz.

En la deuda confiamos

Título original: In debt we trust (America before the bubble bursts)
Dirección: Danny Schechter
Año: 2006
País de Producción: U.S.A.
Guión: Danny Schechter
Productor: Danny Schechter
Productor ejecutivo: Steve Green, Rory O'Connor
Montaje: Linda Hattendorf
Duración: 52 min.
Idioma: Original en Inglés (copia doblada al castellano).
Formato copia: TV-Rip.

En los primeros días de EEUU, había fiestas para construir graneros en las cuales los vecinos se ayudaban para ampliar sus granjas. En la actualidad, en algunas iglesias, existe la liquidación de deudas, en las que los feligreses colaboran para liberarse entre ellos de las crecientes deudas de tarjetas de crédito que conducen a las familias americanas a la bancarrota y la desesperación.

EN LA DEUDA CONFIAMOS es la última película de Danny Schechter, "The News Dissector", director del internacionalmente premiado "WMD: Weapons of mass deception" (Armas de Engaño masivo), donde expone el papel de los medios de comunicación en la Guerra de Iraq. El ganador del Emmy para ABC News y CNN realiza un nuevo e incisivo documental que investiga el por qué tantos americanos están siendo estrangulados por la deuda. Es una confrontación periodística con lo que el antiguo consejero de Reagan, Kevin Phillips, llamó "Financialización" - "la poderosa aparición de la deuda y el crédito en el complejo industrial."

Mientras muchos americanos pueden agotar el tope de sus tarjetas de crédito, hay una historia más profunda: el poder está cada vez en menos manos ..... con consecuencias espantosas.

EN LA DEUDA CONFIAMOS muestra cómo los Centros Comerciales han sustituído a las fábricas como el motor económico dominante de América y cómo enormes bancos y empresas de tarjetas de crédito compran a nuestro Congreso y nos conducen a lo que un antiguo economista bancario llamó la servidumbre moderna. Los americanos y nuestro gobierno deben billones en deuda de los consumidores y deuda pública, una gran parte de ella a importantes bancos [...].

LOS EXPERTOS ESTÁN DE ACUERDO: un alto funcionario del gobierno compara a los EEUU de la actualidad con la Roma antes de su caída y advierte que la burbuja podría reventar. Un antiguo fiscal dice que muchos de estos préstamos son peores que los de mafia. Un antiguo ejecutivo de tarjetas de crédito explica como las campañas publicitarias son deliberadamente engañosas y confusas.
ROBIN HOOD o ROBBING THE HOOD (juego de palabras que debe significar "ayudar a los pobres o robarles hasta la capucha"): un experto de bienes inmuebles informó que decenas de miles de millones de dólares están siendo transferidos de los bolsillos de los pobres a las grandes bóvedas de los bancos, los cuales utilizan grupos y filiales para camuflar su asociación con este timo de préstamos y el cobro de desorbitadas tasas de interés.
SOLDADOS ESTAFADOS: visitamos una base militar para ver cómo los soldados que regresan de Iraq están siendo víctimas en masa de prestamistas 'payday' (préstamos hasta el siguiente día de paga).

CONGRESO: COMPRADO Y VENDIDO: En Washington vemos cómo el dinero y los grupos de presión impiden que el gobierno y los políticos puedan regular estos usureros tipos de interés o detener el aburguesamiento en comunidades pobres en las cuales miles de familias pierden sus casas por estas implacables hipotecas, estafas de mejora del hogar y posterior ejecución hipotecaria.

CRÉDITOS UNIVERSITARIOS: visitamos un campus donde los estudiantes están siendo obligados a pagar altas tasas de interés y dónde la mayoría se gradúa debiendo más de 20.000 dólares en préstamos. El autor de "La nación de la Tarjeta de crédito" Robert Manning explica la crisis.

EL BLUES DE LA BANCARROTA: y luego oímos hablar sobre la vergüenza y el dolor de la bancarrota cuando el Congreso aprueba una ley que hace más difícil para los ciudadanos americanos conseguir una segunda posibilidad e inhabilita a las víctimas del huracán Katrina de poder aliviar sus deudas.

UNA LLAMADA A LA ACCIÓN: la Economía es llamada "la ciencia funesta," aúnque esta película es todo menos eso; expone prácticas con las que estamos familiarizados porque nos afectan a todos nosotros, añade Schechter. La película también habla de como podemos contraatacar.

Más profunda que las noticias, vertiginosa, incriminatoria y profundamente informativa, EN LA DEUDA CONFIAMOS es una llamada a la acción: rodada desde el enfado y de amplio alcance informativo.

Fuentes de Información: Texto original: IndebtWeTrust, DocusElrond (info y descargas),
DocumentalesSatOnline (video online y descargas).



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