Grupo Chaski

Grupo Chaski Comunicación Audiovisual

Grupo Chaski explicado por ell@s mism@s:

Somos una Asociación Civil sin fines de lucro que desde 1982 trabajamos en el campo de la producción y difusión audiovisual orientada al fortalecimiento de valores sociales y culturales.

Nuestra institución está conformada por un colectivo de cineastas, comunicadores sociales y audiovisuales comprometidos con la promoción del cine como una herramienta para el desarrollo cultural y económico de los países de la región latinoamericana.

Nuestra Historia

Los fundadores del Grupo fueron Fernando Espinoza, Alejandro Legaspi, Stefan Kaspar, María Barea y Fernando Barreto, quienes trabajaron arduamente por la difusión cinematográfica nacional e internacional en barrios alejados o marginales de Lima y en el interior del país.

Asimismo, nos hemos dedicado a la producción y realización de cortos y largometrajes destacando documentales como “Miss universo en el Perú”, “Perú ni leche ni Gloria”, “Caminos de liberación”, “Cucharita”, “Sobreviviente de oficio”, “Los niños que vinieron”, “Crisanto el haitiano”, “Encuentro de hombrecitos”, “Margot la del circo”, “El taller más grande del mundo”; y en ficción dos películas de gran impacto social que son: “Gregorio” (1984) y “Juliana” (1989), dos joyas del cine peruano ganadoras de numerosos premios en festivales alrededor del mundo y que han sido vendidas a más de 20 países.

Entre los más importantes reconocimientos obtenidos por los largometrajes se encuentran el premio otorgado por UNICEF en el Festival Internacional de Berlín (Alemania), el premio Colón de Oro en el Festival Iberoamericano de Huelva (España), cuatro premios en el Festival Latinoamericano de La Habana (Cuba), dos premios Catalina de Oro en el Festival Internacional de cine de Cartagena (Colombia).


Por otro lado, defendemos desde nuestros inicios una actitud y una metodología orientada hacia un cine responsable, inmerso en lo cotidiano, con personajes auténticos y con la experiencia social compartida de todos los días. Es allí donde se encuentran las bases de nuestra estética y de nuestros conceptos.

Finalmente, desde el año 2004, estamos desarrollando un proyecto de exhibición y distribución digital de películas con contenidos educativos y culturales a través de la construcción de una Red de Microcines en todo el país y Latinoamérica.

Nuestra Misión

"Rescatar, promover y difundir la riqueza audiovisual latinoamericana, produciendo películas que contribuyan a la educación y al desarrollo a través del entretenimiento sano y del fomento a la diversidad cultural para impulsar una nueva cultura audiovisual democrática y descentralizada".

Nuestra Visión

"Ser líderes en la construcción de un nuevo mercado audiovisual descentralizado, sostenible e independiente a través del uso de la tecnología digital".

 

Información de Microcines

EN EL GRUPO CHASKI estamos convencidos de que el cine es una poderosa herramienta  que contribuye a la educación, cultura y desarrollo de los pueblos. Por esta razón, construimos la Red Nacional de Microcines a través de la cual difundimos la variedad y riqueza del cine latino y del mundo.

LA RED NACIONAL DE MICROCINES asegura a sus afiliados una programación continua de películas de calidad y legalmente adquiridas para la exhibición pública.  Además, forma promotores culturales, brinda asesoría permanente, moviliza recursos de la zona y sensibiliza a la población generando un ambiente favorable para la gestión exitosa del Microcine.

EL MICROCINE es un espacio de encuentro y participación donde se exhiben películas que fomentan valores, reflexión y sano entretenimiento. Es gestionado por líderes de la comunidad que son capacitados para desempeñarse como promotores culturales que buscan la autogestión y la sostenibilidad.

Si deseas impulsar un Microcine en tu comunidad...


Proceso de un Microcine

FORMALIZACIÓN DE LA ORGANIZACIÓN PROMOTORA DE MICROCINE La organización presenta a  diez líderes de la comunidad y  firma un Convenio en el cual se compromete a apoyar al equipo de gestión en la implementación del  Microcine.

SELECCIÓN DEL EQUIPO DE GESTION DE MICROCINE

Se identificará a  los responsables de las áreas, teniendo en cuenta las características mencionadas en el documento Perfil del Equipo de Gestión del Microcine  La selección se realizará en estrecha coordinación entre la Organización Promotora del Microcine y el Grupo Chaski.

FORMALIZACION DEL EQUIPO DE GESTION DE MICROCINE

La formalización del Equipo de Gestión se iniciará con la firma de una Carta de Compromiso en la cual los integrantes aceptan la Beca de capacitación.  A partir de este momento serán acreditados como becarios del Taller de Capacitación para Promotores Culturales.

CAPACITACION  REALIZADA POR EL GRUPO CHASKI

La capitación realizada y coordinada por el Grupo Chaski se realizará durante 12 meses de manera teórico –práctica.

INICIO DE ACTIVIDAD CONTINUA DEL MICROCINE

El Microcine inicia sus actividades con una programación continua y sostenida

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Pequeña muestra del extenso material 

audiovisual del Grupo Chaski:

Pensamiento de Stefan Kaspar

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Ficción: 

Título original: Gregorio
País de producción: Perú
Género: Drama
Dirección: Fernando Espinoza, Stefan Kaspar, Alejandro Legaspi
Guión: Fernando Barreto, Fernando Espinoza, Stefan Kaspar, Alejandro Legaspi
Reparto: Marino León de la Torre, Vetzy Pérez-Palma, Augusto Varillas, Manuel Acosta Ojeda, Rafael Hernández, Julio Pacora, Oscar Huayta, Marco-Antonio Jaime, José Saavedra
Año: 1985
Duración: 83 min







El Grupo Chaski se preocupó por distribuir films no sólo suyos ni sólo nacionales en las zonas deprimidas del país. Retratos de supervivencia fue una de sus series de cortos que más destacaron. En ella se registra las imaginativas y a veces dolorosas formas que utilizan los peruanos para sobrevivir en la década del 80, en medio de una espantosa crisis económica y una violencia generalizada.

La intención de abordar un problema social en esta película del Grupo Chaski resulta sumamente obvia. Pero lo que no resulta tan obvio es que el problema social que aparentemente se aborda (los sufrimientos y peripecias que debe pasar Gregorio, un niño migrante, en la ciudad de Lima para adaptarse a ese nuevo mundo que se le presenta hostil y amenazador) es prácticamente sólo una excusa para abordar otro problema: la contradicción entre la cultura occidental y la andina.

La historia en su eje central no recurre a matáforas para ilustrar la dramática situación que viven los niños migrantes en Lima. Pero este referente directo sirve de metáfora a una problemática mucho mayor: la contradicción entre dos culturas, la citadina y la rural (la occidental y la andina), que en la película aparecen excluyentes y cargadas de contravalores y valores respectivamente.

En la película la ciudad está representada por (en orden de aparición) hacinamiento, soledad, ruido, inmovilidad, castellano, trabajo infantil, contaminación, estratificación social, niños abandonados, disputas, explotación, robos, enfermedad, desocupación, problemas de vivienda, engaño, desierto, represión, muerte, traición, sacrificio, violencia, aculturación, vitrinas, luces, infidelidad, tecnología, falta de respeto, pornografía, droga, alcoholismo, mendicidad, lujuria, golosinas, deserción escolar, y decepción. Todos estos datos pertenecen a la realidad del film, donde aparecen en imágenes o como narración de un hecho cierto. [...]
(José Luis Ramos Salinas )   
(texto completo en Patio de Butacas).

GREGORIO (PELÍCULA COMPLETA) from Chaski Comunicacion Audiovisual on Vimeo.

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Documental:  

Título original: Caminos de liberación
Dirección: Grupo Chaski

Premios: Primer Premio documental en el concurso Nacional de Cortometrajes del Festival Nacional de Cine, Lima - Perú 1985.  Premio al mejor sonido en el Festival nacional de cine, Lima – Perú, 1985.

Género: Documental - Cortometraje
Calificación: Mayores de 14 años
Año: 1985 
País de producción: Perú 
Duración: 20 min.

Caminos de Liberación presenta la teoría y la practica de la Teología de la Liberación, a través de entrevistas de las acciones en humildes parroquias de Pueblos Jóvenes de la ciudad de Lima.  Una fecunda labor de un sector de la iglesia católica comprometida con la problemática social.

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Miss universo en el Perú 1982

Refleja el enfrentamiento entre las distintas realidades de las mujeres en torno a un concurso de belleza donde más de 70 representantes de diferentes países del mundo se reúnen en el Perú, un país que sufre de hambre y miseria. Paralelamente al evento cientos de mujeres peruanas levantan su voz de protesta porque el gobierno ha invertido enormes sumas de dinero en este evento, en momentos en que el país vive una aguda crisis política, económica y social. Por otro lado, podemos apreciar la vergonzosa utilización de la mujer en la publicidad de productos de consumo y la dominación cultural norteamericana.

 

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Encuentro de hombrecitos

Título original: Encuentro de hombrecitos

Director: Alejandro Legaspi
Produce: Grupo Chaski

Premios: Premio Kukuli, otorgado por el Episcopado Peruano, Lima-Perú, 1988. Premio Preferencia del Público en el Festival Nacional de Cortometrajes, Lima- Perú, 1988.

Género: Documental - Cortometraje 
Calificación: Mayores de 14 años
País de producción: Perú
Año: 1987
Duración: 10 min.

Dos pequeños hombrecitos trabajan arduamente, todos los días, desde la madrugada hasta el anochecer, en un mercado mayorista de frutas. A pesar de su corta edad, estos dos niños de 9 y 10 años tienen una noción clara de su realidad, de la pobreza, de lo que significa el trabajo y del futuro al que aspiran en el Perú.  Forma parte de la Selección “Retratos de Sobrevivencia” realizados por el Grupo Chaski.

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 Margot la del circo

Título original: Margot la del circo
Director: Alejandro Legaspi.
Producción: Susana Pastor.
Fotografía: Pedro Novak.
Formato: 16mm, Color.
Género: Documental - Cortometraje
Duración: 10 min.
País: Perú
Año: 1987





Una mujer de sesenta años lucha por sobrevivir y rescatar sus sueños juveniles, llevando una tradición circense a los pueblos marginales del Perú, a pesar de las malas condiciones que esta actividad ofrece a ella y a su familia.


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El taller más grande del mundo

Título original: El taller más grande del mundo
Director: Stefan Kaspar
Género: Documental - Cortometraje
Duración: 10 min.
País: Perú
Año: 1987







Sinopsis: Don Lucho trabajó en lo que mejor supo hacer, ser mecánico. El buscó una salida creativa a la crisis económica, construyendo su taller de mecánica en un lugar que no le pertenece a nadie: la calle. Aunque está establecido informalmente, él ha logrado darse a conocer y ser muy visitado por los numerosos clientes que llegan a buscarlo y que además lo prefieren.  Forma parte de la Selección “Retratos de Sobrevivencia” realizados por el Grupo Chaski.

Premios: XVIII Certamen Internacional de Filmes Cortos Ciudad de Huesca Muestra de Cine de la Comunidad Europea. Premio Kukuli otorgado por el Episcopado Peruano, Lima - Perú, 1988. Premio Preferencia del Público y mención horrorosa de la Filmoteca de Lima en el Festival Nacional de Cortometrajes, Lima - Perú, 1988. Premio Caracol de la Unión Nacional de Escritores y Artistas Cubanos, XI Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana – Cuba, 1987.

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Ver la lista de reproducción del Grupo Chaski en el canal de Youtube de Naranjas de Hiroshima.
Documentales del Grupo Chaski en Vimeo subidos por ellos mismos.

Fuentes de Información: Grupo Chaski, Blog de Microcines del Grupo Chaski, Canal de Youtube de Grupo Chaski Perú, Facebook del Grupo Chaski, Canal de Scribd del Grupo Chaski - Stefan Kaspar, Documental Peruano.

El telón de azúcar

Título original: El telón de azúcar
Dirección: Camila Guzmán Urzúa
Producción: Richard Copans, Camila Guzmán Urzúa
Música: Omar Sosa
Fotografía: Camila Guzmán Urzúa
Montaje: Camila Guzmán Urzúa, Claudio Martinez
Sonido: Soto Mansilla, Jean-Jacques Quinet
País de producción: España, Cuba, Francia.
Distribuidora: Arte Cinema
Año: 2005
Duración: 90 min.

Camila Guzmán regresa a Cuba, su país de infancia, para hacer un documental acerca del pasado. ¿Qué ocurrió con el sueño socialista después de la caída de la Unión Soviética? El telón de azúcar es un relato personal y nostálgico acerca del ocaso una ideología y el desencanto de una generación. Cuba fue el país que acogió a Camila y a su familia, luego de que su padre, el cienasta Patricio Guzmán, se exiliara a causa del golpe de estado chileno. Corrían los años 70 y la revolución cubana estaba en pleno apogeo. En ese ambiente de optimismo, solidaridad y estabilidad económica creció la documentalista, quien actualmente reside en Francia. El telón de azúcar es un homenaje a aquellos años -que ella define de mucha felicidad- a la vez que un cuestionamiento al rumbo que tomó la revolución y a la precariedad económica en la que cayó el país luego del fin de la Unión Soviética.

El documental es un ejercicio de memoria, de volver a los espacios recorridos, de recordar los momentos vividos por ella y toda una generación educada en los ideales de la revolución. Hay constantes paralelismos entre lo que ellos vivieron, y el presente de los niños de hoy. "Seremos como el Che" recitan y recitaban entonces los estudiantes en los colegios. Los lemas se mantienen, pero en el presente parecen despojados de contenido.

El punto de quiebre es la caída de la Unión Soviética y la situación de orfandad en que queda la isla. Se acaba el apoyo económico y comienza el llamado Período Especial. Se abordan las típicas temáticas del empobrecimiento que ha sufrido a partir de entonces la educación, el transporte público, el problema de la falta de alimentos, y el surgimiento de una doble economía -una en moneda nacional y otra en dólares- lo que ha dado nacimiento a la desigualdad.

Las imágenes testimonian el proceso de decadencia. La cámara se pasea por las salas de clases, completamente degradadas, que dan cuenta del paso del tiempo y de una pobreza que se vuelve sistemática. Los ex compañeros de Camila, que ahora tienen alrededor de 30 años, recuerdan la abundancia de su época, en que la escuela los proveía de todo, incluso de una alimentación de lujo. En cambio, se nos muestra a los jóvenes en los comedores de hoy, con unas raciones muy controladas de lo poco que hay para comer. Vemos los textos escolares con los que trabajan, que no han podido renovarse ni actualizarse, desgastados de tanto uso, mudos testigos de un pasado mejor.

La técnica del documental es sencilla, pero muy efectiva a la vez. Hay un permanente uso de la cámara en mano, opción coherente con el deseo de hacer un relato personal, en que la propia realizadora registra los lugares y entrevista a sus amigos. Un novedoso elemento narrativo son los coloridos dibujos infantiles que aparecen a lo largo de la película, que correponden a ilustraciones que hizo la propia cineasta cuando pequeña. La voz de Camila está también presente a lo largo de todo el film, ya sea cuando pregunta, como cuando relata sus anécdotas, comentarios, o sensaciones.

De especial intensidad es la escena en que entrevista a su madre. Vemos a la realizadora reflejada en un espejo mientras conversa con la única integrante de la familia que se ha quedado en Cuba. Los padres se separaron y ambas hijas se radicaron en Europa, la madre sigue ahí, anclada al país que le permitió salir del horror de la dictadura chilena y encontrar un refugio de paz y esperanza, que ella hizo su patria.

El telón de azúcar es una historia íntima, sencilla y de una honestidad profunda, que analiza la realidad sin entregarnos una visión maniquea de Cuba. Indaga en los recuerdos y constataciones de una joven que pese a haber partido, recuerda con añoranza los buenos años, aquéllos de verdadera construcción revolucionaria en que se forjaba al hombre nuevo, a los hijos del Che.

Fuentes de información: Reseña por María José Bello públicada en Blog de Cine Latino, Documental Online por CinematecaCuba, descarga directa en Taringa.

Trailer:
 

 

 

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Título Original: Los Herederos
Dirección: Eugenio Polgovsky
Fotografía: Eugenio Polgovsky
Montaje: Eugenio Polgovsky
Producción: Tecolote Films
País de producción: México
Año: 2009
Duración: 90 min.
Web oficial: Tecolote Films

Tres niños caminan por un resbaloso y angosto sendero. Arrean a un burro. Luego cargan la mayor cantidad de leña que sus espaldas les permita. La atan al escuálido animal quien carga la madera de regreso a sus casas. La cámara nos muestra de cerquita las manos jalando la gruesa cuerda que es atada con destreza por el mayor de los niños. Tendrá unos 10 años. La cuerda produce un sónido áspero, tenso. La cámara los sigue a unos pocos metros. Ahora escuchamos los pies al pisar las hojas secas, los jadeos de los niños, los troncos que truenan. Este sonido se parece al de un machete cortando cañas. Así, de pronto, estamos en una secuencia en la que otro niño trabaja en la zafra. Luego en la que un niño hace ladrillos, cubierto de barro hasta las narices. Luego en la cosecha de jitomate. Luego en el nixtamal. En la navaja, el fuego o el azadón.

No tardamos en darnos cuenta que la película nos mostrará a partir de ese momento únicamente niños trabajando. (Y un par de ancianas que funcionarán como un efectivo contrapunto poético). Sin embargo, el tema del trabajo en los niños no sólo alcanza para hacer una enérgica denuncia, sino que gracias a la sensibilidad del director, da para generar reflexiones que no sólo abarcan un tema social local, sino que rebasan ese ámbito y nos llevan a pensar por ejemplo, como logra un niño jugar a darse marometas después de haber completado una jornada laboral de diez horas.

Porque si existe algo como mostrar el espíritu infantil, esta cinta lo logra a cada instante. Y lo logra con el recurso más puro y simple: la acción filmada tal cual es, apenas editada, sin montajes efectistas ni soundtracks de inducción.

En Los Herederos todo es cercanía e intimidad. Polgovsky y su cámara entra a las cocinas reducidas que escupen brasas ardientes, camina al lado de los personajes sobrevolándolos como una mosca, se escabulle entre las patas de un burro y se posa quieto, callado, frente a una niña que al mirar directo al lente nos hace formularnos mil preguntas.

Polgovsky se arriesga en la elaboración de su discurso cinematográfico y elimina muchos de los recursos de un documental tradicional. Aquí no hay voces que nos platiquen lo que debemos reflexionar. No hay diálogos que expliquen. No hay citas, ni datos, ni gráficas. No hay conclusiones. Sólo hay un tiempo capturado que es suficiente para crear una realidad que nos atrapa fácilmente.

En ese sentido, la cinta de Polgovsky, aunque inscrita en el género documental, contiene más elementos poéticos que, valga la redundancia, documentales. Y se encuentra más cerca de películas que se atreven a jugar con los límites del género.

Recomiendo unas cuantas:

A alma do osso de Cao Guimaraes, Les documents cinematographique de Jean Painlevé, The silent world de Jacques Cousteau, Our daily bread de Nikolaus Geyrhalter y Powaqattsi de Godfrey Reggio.

En el campo mexicano de Los Herederos la pobreza es contundente. Y también su belleza y su dignidad. Aquí no hay postales turísticas pero tampoco los regodeos en la miseria tan socorridos en el cine mexicano actual. El discurso de la cinta se sostiene por sí mismo con las imágenes, sin que exista una intención deliberada o manipuladora de llevarnos a juicios establecidos.

Polgovsky logra un cine directo, auténtico y bello. No es casual que él mismo sea el fotográfo, el director y el editor de su cinta. Y es que en esta manera de hacer cine se encuentra una de los grandes valores de la cinta: el de demostrar que más allá de la voracidad de los exhibidores, de la conformidad de los distribuidores, de la torpeza de los realizadores y de la pereza del público que se forma siempre en la cola más larga, el Cine sigue vivo y tiene aún la capacidad de afectar la mayor parte de los órganos del cuerpo (incluídas las uñas que uno se come y el cuello que uno se rasca).

Jorge Villalobos

Fuentes de información: Crítica de Jorge Villalobos publicado en Permanencia Voluntaria, Rodando Cine,

Ver en Ok.ru.

De Niños

Título original: De Nens
Dirección: Joaquim Jordà.
Guión: Joaquim Jordà, Laia Manresa.
Música: Albert Pla.
Fotografía: Enric Daví, Carles Gusí.
Montaje: Sergio Dies.
País de producción: España.
Año: 2004.
Duración: 188 min.
Producción: Massa D'or Produccions
Distrubución: Editada en DVD por Filmax

¿Cuándo te vino realmente la idea de rodar De Niños?

Joaquim Jordà - "Regresé a Barcelona después de mi infarto cerebral. Al salir del hospital en Madrid, vi, pese a que llevaba más de diez años viviendo, que había perdido la topografía de la ciudad, que se me había ido de la cabeza, que me perdí. Pensé que en Barcelona recuperaría una memoria antigua, más automática, aparte de que Barcelona es una ciudad muy geométrica, muy racionalista, y caí en este barrio que de racional no tiene nada. Pero estos azares de la vida que en realidad siempre la mejoran... Si a ti te hace el azar, es bueno, lo malo es enfrentarse a él. Así caí en este barrio, porque esta casa en la que vivo es de mi amigo Marcel·lí Antúnez. De vuelta de Madrid e instalado aqui percibí algo que estaba ocurriendo, un barrio que guardaba algo muy catastrófico, y de ese algo no se hablaba, había como misterios, como secretos y como miradas enfrentadas, veías que alguien no se hablaba con alguien, gente que vivía en la misma calle, o extrañas enemistades. Una ciudad dividida en dos, entonces apareció el libro de Arcadi Espada y acudí a su presentación. Vi al autor y a algunos de los personajes de la historia, y me impresionó el dolor con que contaban los hechos y pensé que podía ser un tema interesante para plantear una película."

El Caso Raval

El ninguneo sistemático al que suelen condenarse las obras de los autores underground (y Joaquím Jordà lo ha sido siempre) no se cebó especialmente con esta “De nens”, longevo documental que parte del enjuiciamiento del denominado “Caso Raval”, y que fue exhibido –un par de semanas- en un sala del cine Verdi Park de Barcelona, además de saludada por la práctica totalidad de los críticos como una obra imprescindible. Que lo es: durante tres horas -densas, tensas, fugaces-, la cámara de Jordà aborda sin complejos el tristemente célebre juicio ventilado ante la Audiencia Provincial de Barcelona por presuntos delitos de agresiones sexuales a menores; y con un irreductible afán investigador, escruta a fondo en los elementos y acontecimientos judiciales y extrajudiciales que sin duda concurrieron en (lo que todavía es, pero menos) aquella nebulosa definida por los mass media como “Caso Raval”.

Arquitectura narrativa

El filme pasa por ser una especie de segunda parte del libro “Raval. Del amor a los niños”, de Arcadi Espada, por cuanto retoma el curso de los hechos donde lo dejara la obra de sociólogo, que se centraba en el análisis de lo acontecido en los meses estivales de 1997, cuando se desencadenó el affaire y los medios de comunicación desplegaron sus distorsionantes ecos de resonancia. Conozco el libro de Espada, y puedo decir que esa correlación interdisciplinar no debe extenderse extramuros de la mera cronología de los hechos, en tanto que la propuesta del filme, amén de perfectamente cohesionada desde el punto de vista cinematográfico, contiene un discurso autónomo y sin fisuras, perfectamente comprensible sin necesidad de recurrir a cualesquiera antecedentes. El auténtico ejercicio caleidoscópico que Joaquím Jordà despliega en “De nens” se sitúa a tres niveles narrativos, que van intercalándose (y retroalimentándose) en una arquitectura narrativa de complejidad creciente: por un lado, el minucioso y ordenado seguimiento de las sucesivas sesiones del Juicio Oral; por otro, las diversas entrevistas a agentes periféricos, que participaron o conocieron a distintos niveles los acontecimientos urbanísticos que afectaron al otrora denominado barrio chino; y finalmente un tercer eslabón configurado a partir de diversas dramatizaciones –a cargo del grupo teatral “La vuelta”- que puntúan de forma lírica, y no siempre exenta de carga corrosiva, los diversos conceptos e ideas que el filme va desgranando (función ésta compartida con la partitura musical de Albert Pla, que aparece y desaparece de forma fragmentada en múltiples momentos del metraje, pero en todo caso con una finalidad narrativa evidente –no es baladí apuntar al respecto que una interpretación del cantautor de una de sus piezas clásicas, La nana de l’Antonio, le sirve a Jordà como introducción al retrato del enjuiciamiento de Xavier Tamarit, Jaume Lli, Antonio Durán, Nuria Martín y Josefa Guijarro, quienes compartieron el banquillo de los acusados).

La utopía de la justicia

De nens es, a la postre, una agudo retrato de los tiempos que corren, un candente testimonio de la impunidad del poder y sus mecanismos de consolidación en el tejido social. Es también un fundamental exponente del cine de juicios, emparentado más estrechamente de lo aparente con JFK, de Oliver Stone, otra obra de filiación documentalista, con la que comparte el cuestionamiento de la evidencia mediante la evidencia más evidente (y perdón por el retruécano). Una de sus muchas reflexiones versa sobre la utopía de la justicia, sobre la imposibilidad práctica de conocer la Verdad. Y ante esa imposibilidad, sobre cuáles son las verdades que prevalecen por encima de las otras, que son desechadas. Jordà no responde, no juzga, declina jugar a arrojar luz sobre la oscuridad. Pero su valentía estriba en recordarnos que nos movemos en esa oscuridad. Y eso ya es mucho.

Fuentes de información: Gracias de nuevo a Documaniático (info y video), Extracto de artículo pubicada en Voiceover's Blog, Miradas.net, Extracto entrevista publicada en DDOOSS, Cultivadores de Culto (info y descargas), Periodismo Gonzo (video online).

 

 

Ver parte 01 en Ok.ru

 

 

 

Ver parte 02 en Ok.ru

Ver en Youtube.Ver directamente en Veoh Parte 1.
Ver directamente en Veoh Parte 2.
También la puedes ver en Filmin, en SD por 2,95€.

La Espalda del Mundo

Dirección: Javier Corcuera
Guión: Elías Querejeta, Fernando León de Aranoa, Javier Corcuera
Producción: Elías Querejeta 
Productora: Elías Querejeta P.C., S.L.
Fotografía: Jordi Abusada
Edición: Nacho Ruiz Copillas, Iván Fernández
Música: Alfonso Arias
Sonido: Polo Aledo, Julio Recuero, Iván Martín
Intérpretes: Guinder Rodríguez, Mehdi Zana, Thomas Miller, Tomás Rangel
 País de producción: España
Año: 2000
Duración: 89 min.

Guinder Rodríguez tiene 11 años. Pertenece a una familia compuesta por padre, madre y tres hermanos más. Viven en una casa-chabola en Carabayllo, un pueblo de la periferia de Lima. Como sus amigos, Michael, Cuti, Raúl y Martín, Guinder trabaja como picapedrero e intenta compaginar trabajo y educación. De mayor quiere ser contable.

Leyla Zana estaba embarazada de su segundo hijo cuando encarcelaron a su marido Mehdi. Aprendió a hablar turco para poder visitarle en la cárcel. Luego empezó a estudiar y llegó a ser la primera mujer kurda elegida diputada por Diyarbarki.

Thomas Miller-El lleva desde 1986 en el corredor de la muerte de Texas (USA) acusado de robo y doble asesinato. Desde entonces ha conocido a 120 personas que han sido ejecutadas y ha tenido diez fechas de ejecución que no se llegaron a cumplir gracias a las apelaciones presentadas por su abogado.

Referencias

Primer largometraje del peruano Javier Corcuera, autor de varios documentales como Minuesa, una ocupación con historia (1994); Refugiados (1995); Perú, presos inocentes (1996) o Chiapas, hablan los rebeldes (1998).

El guión es del propio Javier Corcuera, Fernando León de Aranoa (director de Barrio y guionista de películas como Cha-cha-chá o Insomnio) y de Elías Querejeta, que también ha sido el productor.
El guión comenzó a gestarse en París, en los días en los que se conmemoraba el 50 Aniversario de la Declaración de los Derechos Humanos.


Fuentes de información: Zinema

 

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Promises

Dirección: Carlos Bolado, B. Z. Goldberg, Justine Shapiro.
Guión: B. Z. Goldberg, Justine Shapiro.
Fotografía: B. Z. Goldberg, Justine Shapiro.
País de producción: U.S.A.
Duración: 106 min
Año: 2001




















Dulce canto a la reflexión es el que aquí nos es presentado donde se nos replantea, para el espectador olvidadizo de hoy, la tesis de Rousseau "el hombre es bueno por naturaleza".

Promises es una bocanada de pureza, donde la inocencia de una mentes inicialmente abiertas se da de bruces con la intransigencia de los mayores. Hermosa sátira sobre la arbitrariedad e inutilidad de las fronteras, que afloran por un sentimiento de odio y soberbia hacia los demás cuando somos corrompidos por ideologías que, a parte de nublar nuestro pensamiento, nos separan de nuestros congéneres.

Saphiro y Goldberg preguntan al espectador quienes son más razonables, los niños o los mayores. La respuesta ,que inicialmente puede parecer obvia, se transgiversa al oír las opiniones conciliadoras, y la búsqueda de salidas pácificas al conflicto que tienen los más pequeños, donde muchos de ellos hacen un esfuerzo por comprender la posición del lado opuesto y ,sobre todo, por referir-se a la gente no como grupos ideológicos, sino por personas.

La revalorización del aspecto humano se hace candente en cada gesto hasta la ridiculización de lo que les separa.

Aunque no perfecta, la película cuenta con escenas de una gran maestría cinematográfica. Es impagable, la escena en la que la niña judía cuenta su futuro como ama de casa mientras intenta separar dos sillas de plástico.

La naturalidad en que expresan sus sentimientos es soberbia y llega a su máximo esplendor cuando el niño palestino rompe a llorar porque una vez acabado el reportaje, no podrá volver a ver a los gemelos judíos.

Le falta quizás una mejor elección en el material proyectado, ya que si bien algunas escenas rozan la perfección y sobrellevan al espectador inundado por la sutileza e inocencia de los niños, otras, aunque de alto valor narrativo, constituyen una contraposición de menor valor frente unas diez que de un altísimo nivel.

Construcción fantástica de una idea original y reveladora que encandila al espectador y despierta un sentido de comprensión y reflexión que le debería acompañar pasada la proyección del film.

Aunque inscrito en el conflicto israelí, la película nos habla de los temores que dividen al ser humano, la manipulación ideológica, y un original sentimiento de paz y amor. Cual será el futuro de estos niños?. Como muestra la secuencia final, una rueda encendida que vaga aleatoriamente sin destino quemándose hasta consumirse.

Fuentes de información: Aloha Criticon

 

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