Mujeres en pie de guerra

Título Original: "Mujeres en pie de guerra".
Dirección: Susana Koska .
Guión: Susana Koska .
Fotografía: Sergi Sampol, Stefan Nicoll, Lawrence Trees, Susana Koska.
Montaje: Xavier Burgos i Valencia.
Música: Loquillo .
Producción: José María Sanz "Loquillo" .
Duración: 75 minutos.
Nacionalidad: España.
Año: 2004.

El documental "Mujeres en pie de guerra" recoge la vida de seis luchadoras antifranquistas. No sólo se trata de un documental, también de un proyecto multimedia que recoge un libro, un disco, un montaje teatral y una exposición de obra gráfica sobre el testimonio de seis mujeres que combatieron al franquismo. El documental se adentra en los recuerdos de todas ellas.

Notas de la directora (extracto)

Para nosotras, las hijas y las nietas de las mujeres que fueron marcadas por el destino de la guerra civil española, hablar hoy de ellas es un deber de la memoria

.

En nuestras manos, lejanas en el tiempo ya revanchas y sufrimientos, es más fácil recoger el testimonial femenino, es como digo, un deber, un deber de urgencia histórica pues muchas de ellas octogenarias, están en el camino último de sus días.

Los testimonios orales de la contienda, de la represiva posguerra, del destino fatal que persiguió a los vencidos, es necesario para poder comprender los datos históricos que salen hoy a la luz.

No podemos dejarlos de lado, no debemos hacer la vista gorda a las batallitas del hambre, a las miserias dichas a media voz, es de ley recoger sus testimonios porque de su miedo y de su silencio digno se han hecho nuestras infancias.

Sin entrar en las ideas de género y sin juzgar machismos pasados de moda, es necesario crear espacios, fondos orales y testimoniales.

Necesario es para entender una época que se nos ha negado, borrada del mapa, enterrada en la amnesia y el olvido. Cuando yo era pequeña, mi madre y mi tía se reunían en verano, y era inevitable el recuerdo de los días del hambre, de las croquetas de aire, del frío de una ciudad de provincias desgarrada por la guerra, de las visitas al padre en prisión, del pan blanco del estraperlo y del día en que mis tíos volvieron de Francia, a punto de cerrarse las fronteras europeas, cuando en casa todavía no habían mantas y lo único que las protegía del frío eran los capotes militares que cosía mi abuela y que habían sido su única forma de subsistencia.

Leer texto completo publicado por la Filmoteca de Andalucia.

Fuentes de información: "Mujeres en pie de guerra", ChristieBooks, Filmoteca de Andalucia.

Mujeres en pie de guerra... Mujeres libres from odo on Vimeo.

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Critica de la separación - Guy Debord (1961)

Titulo original: Critique de la separation.
Dirección y guión (basado en libro propio): GuyDebord.
Año: 1961.
Nacionalidad: Francia
Idioma: Francés con subtítulos en castellano, en inglés, en italiano y en portugués.

Dentro de la agitada cultura francesa de la segunda mitad del siglo pasado, Guy Debord construyó su imagen rebelde y altanera desde una trinchera donde poder disparar con seguridad sobre el sistema establecido. Ladrillo a ladrillo, documental transgresor tras otro, poemas dadaístas acompañados de dibujos incendiarios… su militancia política le hizo ser uno de los partícipes del cacareado mayo sesentayochista, y erigirse como líder en la sombra de aquella izquierda francesa que absorbía todas las manifestaciones culturales para hacer campaña. El cinematógrafo no escapó a las pretensiones de Debord. Su obra se alejó por iniciativa propia de los amplios circuitos, para acabar hoy día, más de diez años después de su suicidio, en museos o hemerotecas apolilladas.

En 1957 realizó Crítica de la separación, película de escasa duración que se distancia del documental clásico y pretende ser una reflexión sobre el propio medio, su valor y ubicuidad en el contexto en que está realizado. La película se presenta como un doble relato: el que ofrece la imagen por un lado y la voz en off por otro. Dos orillas alejadas que encuentran el nexo de unión en momentos puntuales: puede ser el rostro de la enigmática mujer, que interpela a la cámara para interrumpir el discurso que oímos, o bien las últimas imágenes que París nos muestra y que la voz en off se empeña en destruir, advirtiéndonos que no tienen porqué ser las últimas escenas de la película, aunque a continuación llegue el fundido negro. Las convenciones quedan a un lado: el relato clásico aristotélico al que estamos acostumbrados está siendo destruido.

No hay linealidad narrativa: las imágenes (algunas de archivo) son aleatorias, al azar de lo que París expulsa, la voz fluye sobre ellas, desmontando su orden y veracidad, a veces subrayándolas, otras obviándolas, marginándolas… El término cine-ensayo que André Bazin acuñó pensando en el cine reflexivo de Chris Marker casaría perfectamente con esta propuesta. Y Debord se siente cómodo en este juego de descontextualización de imagen y audio que el cine permite, al igual que le ocurre al citado Marker o al Godard más ensayístico. Sólo parece incomodarle el bello rostro de la chica, que mira a la cámara quizás para perturbar al narrador.

La separación a la que alude le sirve para posicionarse lejos de la sociedad del espectáculo, perteneciente a los maniqueos gobernantes, y formular un discurso que le sitúa como una rara avis alejada del juego mediático. 

Pero además, esta separación podríamos asociarla a este doble relato auditivo-visual. La voz desmiente a la imagen, y viceversa. Y a la vez, es su necesario acompañante.  Una última advertencia. Esta profunda quiebra que esboza, a tantos niveles y sin cortapisas, puede quedar como un juego de niños ante el feroz ejercicio de dadaísmo que es Hurlements en faveur de Sade (1952). Siéntense ante esta película, véanla, y no piensen que les está fallando el reproductor.*1

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Fue en la sinopsis de su filme Crítica de la separación (1961)[1] donde Debord aportó la mayor precisión sobre esta cuestión del centro y sobre el uso que podía hacerse: «La única aventura, decimos, es contestar la totalidad, cuyo centro es esta forma de vivir, donde podemos hacer el ensayo pero no el empleo de nuestra fuerza».

 

Si se acepta que totalidad y mundo juegan, en la sociología situacionista, el mismo papel de valores dialécticos y pueden a veces ser sinónimos, se debe también aceptar que Debord hubiera podido escribir. La única aventura es contestar el mundo cuyo centro es esta manera de vivir...

 

La rama materna de mi familia es originaria de Chambon dans le Bery, a pocos quilómetros de Bruère Allichamp, considerado habitualmente como el centro geográfico de Francia. Con toda modestia pienso, pues, estar calificado por lo que respecta a las cuestiones de centro. Me permito pues avanzar los postulados siguientes, propios para prolongar el pensamiento del joven Debord: 

1) El centro del mundo no es sólo la manera como vivimos, es también la manera como nos vemos obligados a vivir. 

2) El centro del mundo no es sólo la manera como vivimos y la manera como nos vemos obligados a vivir, es también, sobre todo, la manera como aceptamos vivir. 

3) Por lo tanto, la disolución del centro del mundo sólo puede comprenderse como rechazo de la manera como vivimos y aceptarnos vivir. 

Me gusta esta hipótesis, sobreentiende que el centro del mundo no nos es del todo extranjero. Para disolverlo bastaría que cambiáramos nuestra manera de vivir. Puede decirse que el centro del mundo es la expresión de nuestra misión y que cualquier acción que podemos ejercer sobre nosotros es una acción contra el mundo y su centro. La lucha contra el centro no se plantea en términos de lucha de clases, como si el centro nos fuera extranjero, sino en términos de compromiso personal, en términos de desobediencia. 

A pesar de las apariencias, el mundo del que pensamos estar en la periferia no nos es de ninguna manera exterior, nos atraviesa. El cambio del mundo que puede parecer lejano, mismo improbable, está ya, en cierta manera, en nosotros, en nuestra capacidad potencial de disolver las maneras de vivir que nos desagradan. 

Debord, que alcanzaba entonces su máximo rendimiento intelectual, escribía en la misma sinopsis, con la bella simplicidad de las cosas bien concebidas (enseguida se perderá en un estilo paródico propio de cualquier decadencia intelectual): «Cualquier equilibrio existente es puesto en cuestión cada vez que hombres desconocidos intentan vivir de otra manera».*2

Fuentes de información: *1Artículo de Aurelio Medina Berlin 63 Berlin63  Cine más allá de las fronteras de la distribución, *2 Extracto de "Guy Debord y el "centro del mundo" de Yves Le Manach, extraído de Archivo Situacionista.

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Consume hasta morir - Un proyecto de contrapublicidad para la reflexión.

Consumehastamorir.com es una reflexión sobre la sociedad de consumo en la que vivimos, utilizando uno de sus propios instrumentos, la publicidad, para mostrar hasta qué punto se puede morir consumiendo.

Este proyecto, es un ejercicio de ironía que nos libera momentáneamente de la presión que los distintos medios de comunicación ejercen contínuamente sobre los ciudadanos intentando vendernos de todo. Aquí no vendemos nada, porque una mirada crítica debe ser gratis. Este eslogan, "consume hasta morir", un tanto tremendista, responde a una realidad social que llevamos tan inmersa en nuestro comportamiento que, a veces, ni nos damos cuenta de muchos hábitos de consumo que repetimos, día tras día, hasta, como queremos manifestar, el límite de nuestra existencia.

El consumo es, evidentemente, inevitable, pues en la sociedad en la que nos encontramos tenemos una serie de necesidades que, lamentablemente, no podemos satisfacer sin entrar en el circuito comercial que lleva funcionando siglos, consistente en una adquisición de bienes y servicios a cambio de un valor contable universal, el dinero, que permite realizar estas transacciones de un modo normalizado. Ni siquiera una vida natural de subsistencia, cultivando y criando lo necesario para vivir, está exenta de cierto nivel de dependencia del entramado comercial. Lo malo es que, en los últimos tiempos, este sistema comercial, sobre todo en la llamada sociedad capitalista occidental (que, por cierto, es casi de distribución universal), se encuentra en una fase de desarrollo tan grande que se convierte, muy a menudo, en una obsesión por vender y consumir y, en muchos casos, con una competencia brutal entre empresas (las hay con presupuestos mayores que los de países enteros, tan grandes como Rusia, por ejemplo), y un crecimiento desproporcionado de las diferencias entre países desarrollados (consumidores y explotadores de recursos) y los "en vías de desarrollo" (productores y explotados).

La publicidad se encarga, de mostrarnos una realidad deformada, tratando de que el ciudadano consuma sin límites, todo tipo de productos, sin reflexionar en los posibles impactos o perjuicios que puedan causarse a personas, al medio ambiente, a otras culturas, etc; el ciudadano feliz, desde pequeño hasta el final de sus días, ha de consumir todo tipo de productos; hoy se vende y se consume absolutamente de todo: viajes, votos, salud, cuotas de pesca, agua, felicidad, sexo, seguridad, inversiones, deportes, aventuras, derechos, niños (tema controvertido de las adopciones), patentes sobre la naturaleza ...

Así el consumo se convierte en consumismo, es decir, en un desenfreno por comprar bienes y servicios que, en muchos casos, se acumulan sin una utilidad concreta ni mucho menos necesidad por parte del usuario pero que se nos venden con el fin de conseguir esa felicidad y confort anhelados y, como ya hemos comentado, lleva aparejado un deterioro de los medios en los que vivimos (aire que respiramos, agua que nos da vida, suelos contaminados), un agotamiento de recursos y la explotación de personas.

Nuestro deseo es llamar la atención de los ciudadanos, en la medida de nuestras posibilidades, para que con un comportamiento adecuado en el día a día se consolide en nuestra sociedad una cultura de consumo responsable, crítico y justo de manera que, salvaguardando los valores humanos, sociales y medioambientales, consigamos entre todos un mundo más justo, un mayor respeto por la naturaleza y la vida, un reparto de bienes solidario (recordemos que el 84% de recursos es utilizado por el 16% de la población mundial) y un modo de vida basado en los valores que de verdad son los que nos proporcionan sentido a la misma. Para ello es necesario, en algunos casos, no muchos, un esfuerzo por parte de todos de modo que algunas veces nos resultará incómodo, incluso algo sacrificado, llevar a cabo esta conducta responsable ya que a nuestro alrededor todo se enmaraña para que no lo hagamos.

Valgan, para nuestro empeño en conseguirlo, estas imágenes manipuladas que persiguen despertar el interés en puntos concretos del entramado comercial y publicitario y que, a nuestro entender, son ejemplos cotidianos de lo que aquí hemos manifestado.

Consumehastamorir
Grupo de Trabajo de Consumo
Ecologistas en Acción

Gran Superficie

Titulo: GRAN SUPERFICIE
Duración: 52'
Año: 2005
País: España

“Gran Superficie” nos da a conocer, en siete capítulos, los aspectos del consumo menos aparentes y vistosos, analizando desde el punto de vista del consumidor en una gran ciudad la publicidad, las estrategias de venta, la estética y la alimentación y las grandes superficies.
Con opiniones especializadas que reflexionan sobre el impacto del comercio en nuestro modo de vida, este documental nos ayudará a tener una visión más crítica del consumo.

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Industria de la alimentación



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Jean-Luc Godard - Histoire du cinéma - Cap.1a

Dirección y Guión: Jean-Luc Godard
Año: 1988
Nacionalidad: Francia
Duración: 51 min
Idioma: Frances con subtitulos en castellano
Producción: Canal+, Centre National de la Cinématographie (CNC), France 3 Cinéma,
JLG Films, La Sept Cinéma, Société des Etablissements L. Gaumont, Vega Film Productions.
Distribución: En el Estado Español está distrubuida la colección completa, en formato cofre, con todos sus capitulos, y además del Film "2 x 50 años cine francés" dirigido por Jean-Luc Godard y Anne-Marie Miéville. Y más extras. Editado por Gaumont e Intermedio.


Histoire(s) du cinéma es una de las obras pilares del cineasta francés Jean-Luc Godard. Se trata de un video ensayo presentado en cuatro capítulos presentados a manera de una serie de televisión. Cada uno consta de dos partes, y su realización le tomó a Godard la módica cantidad de diez años: 1988 a 1998. Fue realizada para el canal francés Canal+, la red de televisión franco-germana ARTE y la productora francesa Gaumont —por cierto, la productora de películas más vieja del planeta. El estreno del primer capítulo se transmitió al aire simultáneamente en cinco canales europeos, mientras que los demás han sido mostradas en diferentes festivales de cine a lo largo del tiempo. La génesis de esta obra se encuentra en una serie de lecturas presentadas por Godard en Montreal, las cuales serían publicadas bajo el título de Introduction à une véritable histoire du cinéma, o Introducción a una Historia Verídica del Cine. Histoire(s) du cinéma, ambiciosa desde su concepción, es una obra a través de la que Godard, desde el mismo cine, plantea la pregunta ¿qué es el cine?, o con mayor precisión ¿qué era? Este cuestionamiento no es ni por asomo una novedad dentro de la trayectoria de Godard, quien desde los años cincuenta se ha ostentado no sólo como cineasta, sino como un crítico del cine y de su papel dentro de la historia. Baste revisar el papel que asumió Godard como comentarista cinematográfico desde tribunas como La Gazette du cinéma, Arts y Cahiers du cinéma.

Histoire(s) du Cinéma destaca en el catálogo de Godard no sólo por ser un magnífico resumen de su técnica, de su método cinematográfico; además esta obra encapsula la filosofía misma de Godard. El francés utiliza el recorrido histórico que Histoire(s) du Cinéma realiza para revisar uno de los imperativos principales del cine dentro de su propia visión : decir la verdad.

Por eso, en su recorrido no pueden quedar fuera algunos momentos históricos en los que el cine traicionó esta causa: la utilización del cine por parte de la maquinaria propagandística nazi, la construcción de un discurso hegemónico a través del cine por parte del monstruoso aparato hollywoodesco o incluso los propios tropiezos de la Nouvelle Vague, en cuyas referencias de origen e ideológicas siempre encontraremos a Godard.

Se trata de un montaje audiovisual de 270 minutos que incluye tomas de Godard editando, pintura, fotografías segmentos de noticiarios para cine, citas de múltiples fuentes impresas, pornografía y poesía, así como personajes de la talla de Julie Delpy o Hitchcock. A través de él, Godard echa mano de su manera de contar las cosas: una es diametralmente opuesta a la empleada por la “industria de la evasión”, que usa las tramas simplonas para mantener al mundo fuera real y a la humanidad fuera de la pantalla. Conforme avanza Histoire(s) du Cinéma, Godard complica la composición visual de las historias con citas o títulos superpuestos y fracturados en pantalla. El soundtrack no es menos espeso, con sus choques de música clásica, pop y jazz, diálogos, sonidos en reversa e incidentales grabados en el cuarto de edición. No son gratuitas las comparaciones que el crítico de cine norteamericano Jonathan Rosenbaum ha hecho entre Histoire(s) du cinema y Finnegans Wake de Joyce. Más allá de la impresión que generan —por su estructura narrativa— de situarnos en una Torre de Babel, ambas obras demandan al lector y al espectador realizar un trabajo de ensamblaje de historias, de unir los puntos, de completar la creación que va más allá del esfuerzo común que representan los libros y las películas convencionales. Ambas obras precisan ser revisitadas en diferentes momentos de la vida del lector/espectador, dado que es imposible capturar toda su información y detalles en una sola lectura o apreciación.

El título de la obra nos da varias pistas sobre su esencia. El cine como arte, el cine como historia y como Historia, el cine en la Historia y la Historia desde el cine. Según Godard, El séptimo arte debe, desde el siglo pasado, servir más eficientemente para la preservación de la memoria histórica, incluso más que los libros. Godard no deja de rendir tributo a las fuentes escritas pero asume la responsabilidad del quehacer cinematográfico en su diferenciación con respecto a las meras historias.

Asume la tarea como una construcción de Historia en la medida en que ordena y da sentido a la subjetividad personal combinada con la objetividad de la cámara. Al mismo tiempo, al estar pensada para la televisión, Godard trabaja aquí sobre la problemática del traslado del cine a la televisión. El fenómeno le inspira melancolía, pues admite que las imágenes del cine, esas que hacían estremecer a la gente proyectadas sobre una gran pantalla, ahora han perdido casi por completo su poder redentor, al estar enmarcadas en un era donde la televisión muestra de manera familiar, en imágenes pequeñitas, el horror real.

Info via: Revista Marvin
Más información en: Blogs&Docs


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También puedes visitar el canal en Veoh de Naranjas de Hiroshima, con documentales online.

Super Size Me

Dirección y guión: Morgan Spurlock.
Intervención: Morgan Spurlock, Ronald McDonald, Dr. Daryl Isaacs, Dr. Lisa Ganjhu, Alexandra Jamieson, Dr. Stephen Siegel, Bridget Bennett, Eric Rowley, John Banzhaf, John Robbins.
Producción: Morgan Spurlock.
Música: Steve Horowitz y Michael Parrish.
Fotografía: Scott Ambrozy.
Montaje: Stela Georgieva y Julie 'Bob' Lombardi.
Dirección artística: Joe the Artist.
País de producción: USA.
Año: 2004.
Duración: 96 min.

En torno al 37 por ciento de los niños y adolescentes estadounidenses tienen exceso de grasa y dos de cada tres adultos tienen kilos de más o son obesos. ¿Es un problema de autocontrol, o debemos culpar a las empresas? Spurlock se echó a la carretera y entrevistó a expertos de veinte ciudades de Estados Unidos, también Houston, la ciudad más obesa de América (ahora es Detroit). Directores de salud pública, profesores de gimnasia, cocineros, niños, gobernantes, legisladores, expusieron sus investigaciones, sus opiniones y las reacciones viscerales que despierta en ellos el constante aumento del volumen corporal del pueblo norteamericano. Por fin, Spurlock se embarcó en un experimento de características excepcionales: probó en carne propia los efectos de la comida rápida sobre el cuerpo humano. Durante treinta días consecutivos, Spurlock se alimentó a base de Cheeseburgers, Bic Macs y McNuggets, subsistiendo exclusivamente con productos del menú McDonald‘s. Debido al con-sumo de fritos y alimentos ricos en sodio aumentaron sus niveles de colesterol y sodio, y lo que empezó siendo un experimento di-vertido y desenfadado se convirtió en un problema grave para el hasta entonces envidiable estado de salud de Morgan Spurlock. A esta vorágine alimentaria de un mes de duración acompaña una serie de esclarecedoras y sinceras entrevistas con los mejores profesionales médicos y sanitarios, con ejecutivos de publicidad y ma-keting y con adolescentes norteamericanos. Los resultados son, cuando menos, pasmosos.

Web oficial: www.supersizeme.com
Info via: La Butaca
Video via: Vsg71



Ven en Youtube en V.O.S.E. en ok.ru.
Ver en Ok.ru doblado al castellano (españa).
Ver en Youtube doblado al castellano (españa).

Extras:



Además, añadimos un enlace para acceder a la lista del programa 30 Días de Morgan Spurlock, del que están disponibles las dos temporadas completas gracias a Vsg71 - Mi Granito de Arena

Género: Documentales / Sociedad
Nacionalidad: EE.UU
Duración: 45 minutos
Año: 2006
Director y productor: Morgan Spurlock
Productora: Reveille




Ver Capitulo 1 : 30 días 1x1 de 6; Salario mínimo.2005

Super Size Me 2

Título original: Super Size Me 2: Holy Chicken!
Año: 2017
Duración: 93 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Morgan Spurlock
Guion: Jeremy Chilnick, Morgan Spurlock

Música: Jeff Meegan, David Tobin
Fotografía: David Vlasits
Compañías:  Public Domain, Snoot Entertainment, Warrior Poets

 

 

 

 

    Morgan Spurlock reactiva la batalla contra la industria alimentaria, esta vez desde detrás del mostrador, abriendo su propio restaurante de comida rápida. (Filmaffinity)

Ver en V.O.S.E. en ok.ru

General idi amin dada

Título original: Général Idi Amin Dada: Autoportrait
Dirección  Barbet Schroeder
Escrita por: Barbet Schroeder
Fotografía: Nestor Almendros
Productora: Les Films du Losange / Mara Films / TVF / Rencontres / Figaro Films
País de producción: Francia
Año producción: 1974
Duración: 84 min

Documental sobre el dictador ugandés responsable de la muerte de 300.000 compatriotas suyos entre los años 1971 y 1979, y que saltó a la actualidad internacional cuando ordenó la expulsión del país de todos los habitantes de origen asiático. Con el beneplácito del propio Amin, la cámara le sigue en un safari, una competición de natación y otros eventos organizados para demostrar su popularidad, pero que en realidad dejan patentes su locura y paranoia.

Bug Daddy, el pequeño Calígula, el Mussolini africano, el Ubú negro, el Hitler ugandés....muchos fueron los apodos por los que se conocieron a uno de los más terribles, sanguinarios y megalómanos dictadores africanos de la historia. En 1974, Barbet Schroeder se desplazó hasta Uganda y se entrevistaría con el dictador pactando con él la colaboración y el permiso para el rodaje de este documental, ofreciendo como resultado la imagen de un hombre educado, encantador con la palabra y vehemente en sus gestos, sin poder ni querer ocultar la enorme y oscura figura que se escondía tras la máscara. Idi Amin colaboró en todo momento con Schroeder y su cámara, Néstor Almendros, pero condicionó tanto el montaje final que cuando se enteró que corría una versión más larga que él no había autorizado, encerró en un hotel a los 200 ciudadanos franceses que residían en su país y les dio el teléfono del realizador para que contaran su situación. Schroeder accedió a cortar los minutos que el dictador le había pedido amablemente hasta que tras su exilio, pudo recuperar el metraje mutilado y se completó el remontaje final disponible en esta edición.


Fuentes de información: Filmaffinity,

Ver en V.O. en VK.

Ver y/o descargar en V.O. en Uloz.to

Ver en V.O.S.E. en Filmin (España)

Ni Viejos Ni Traidores

Título original: Ni Vieux, Ni Traitres
Dirección: Pierre Carles,Georges Minangoys.
Producción:: Youssef Charifi y Pages et images.
Intervienen: Joëlle Aubron, Annie Desseaux, Jacques Garcin, Jean Halfen, Gilbert Roth, Jean-Marc Rouillan, Txus
Idioma: Francés con subtítulos en Castellano
País de producción: Francia
Año: 2005
Duración: 100 min.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Documental que gira en torno a una seria de conversaciones entre ex-miembros de los grupos de agitacion armada que fueron los MIL. GARI y Action Directe “Ni viejos, ni traidores” es un documental sobre los militantes de Action Directe. Nos muestra su trayectoria política y sus orígenes en Barcelona, el paso por el MIL, GARI y grupos autónomos y la lucha de los años setenta.

El documental se estrenó en París el año 2004 y se ha ido mejorando con la inserción de los debates en las diferentes presentaciones del film.

La inclusión de nuevos testimonios dentro del documental, "mise en abyme", le da una más fuerza y realidad. El espectador entra en el documental. La "mise en abyme" es una técnica muy francesa, de difícil traducción (puesta en profundidad). Es similar a las muñecas rusas, y consiste en la reproducción e inclusión de testimonios en el interior mismo de un primer documental. Rebelan una realidad que se va desdoblando y reproduciendo. La "mise en abyme" es una excelente técnica para añadir más veracidad y una extraña y cercana realidad a la mentira de los documentales, que pretenden mostrarnos realidades objetivas.

Info via: Rebeldemule Disponible en: Stage Vu. Gracias a Roig i Negre. y tambien en Christie Books, en Blip.Tv gracias a Accion Expansiva.

 Ver en V.O.S.E. en Youtube. 

Ver en V.O. en Youtube. 

Adios a Stage6

¡Hola a tod@s!

Como todo el mundo ya sabrá, hace casi ya un mes, que Stage6 dejo de proporcionarnos sus maravillosos contenidos. En los últimos meses, gran parte de nuestros artículos se basaban en archivos albergados en el citado servidor, para gran sorpresa y estupor de la mayoría de internautas, Stage6 cerro sus puertas por motivos técnicos y económicos.
¿Que va a pasar ahora? En cuanto a nosotr@s se refiere, sin duda nada sera igual (por ahora), en cuanto a poder disfrutar de vídeos en alta calidad, pero como siempre hay alternativas, mas que decentes, que pueden suplir esta gran falta.
Por motivos técnico y personales, nosotr@s, no hemos podido publicar nada en todo este tiempo, pero ya se están vislumbrando alternativas que pronto pondremos en marcha, además de los servidores ya conocidos, como Veoh, Brightcove, Dailymotion, GoogleVideo o TuTV, estamos en proceso de investigación para encontrar nuevas fuentes de difusión.
En breve, actualizaremos los post de los documentales que vayamos encontrando en otros servidores.
Mientras tanto, os recomendamos que no dejéis de visitar blogs y webs como "Mi granito de arena", "DocumentalesOnline", "DivxOnline", "Quamodo", "ChristieBooks", "DominiPublic" y por supuesto, no dejéis de visitar Naranjas de Hiroshima.

Nos seguimos viendo por aquí, con mas y mejores documentales.

P.D.: Parece que por un error de blogger, la barra lateral se va a abajo del todos los posts, si alguien sabe como solucionarlo, por favor, que informe, gracias.

Manda Bala (2007)

Titulo Original: Manda bala
Dirección: Jason Kohn
País(es): U.S.A., Brasil
Idioma Original: Portugués
Tipo: Color
Duración: 85 min.
Año de producción: 2007
Productora: Kilo Films
Guión: Jason Kohn
Producción: Jason Kohn, Jared Ian Goldman, Joey Frank
Fotografía: Heloisa Passos
Edición: Doug Abel, Andy Grieve, Jenny Golden
Sonido: Coll Anderson

Manda Bala es un ingenioso y vanguardista documental que conecta con habilidad algunos de los elementos que forman parte de la imagen de Brasil en el extranjero: maravillosas playas, lujuriosas selvas, vibrante cultura, políticos corruptos, secuestros, cirugías plásticas... en un examen del efecto dominó que afecta el rostro de un país y conforma toda una industria en función de la corrupción.

Una historia estremecedora sobre la corrupción y el crimen en este país, donde los secuestradores suelen comunicar a las familias que uno de sus miembros ha sido secuestrado enviando una bala o un trozo de su oreja o dedo.
El documental examina la corrupción y la lucha de clases en la complicada sociedad de Sao Paulo, donde habitan 20 millones de personas, algunas muy ricas y muchas muy pobres
En Brasil, una de las prácticas de extorsión que más cuerpo está tomando en las últimas décadas es la del secuestro. Hemos llegado al punto en el que la sociedad brasileña, tan radicalmente dividida entre ricos y pobres, se organiza alrededor de la posibilidad de un rapto. Esa es la realidad que retrata y denuncia Manda bala.

Info via: Portal del cine latinoamericano y caribeño
Video via: vidok71

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Canciones para despues de una Guerra

Guión y Dirección: Basilio Martín Patino con la colaboración de José Luis García Sánchez

Fotografía: José Luis Alcaine

Montaje: José Luis Peláez

Productor: Julio Pérez Tabernero

Año: 1971.

País: España.

Duración: 102 min.

Radiografía implacable, emotiva, lúdica, de aquel tiempo, aquella posguerra. Una propuesta original, en complicidad con el espectador, juego de ritmos, imágenes y sonidos, sutiles asociaciones mentales, sin necesidad de recurrir a ninguna convención argumental. La magdalena proustiana que activa sus mecanismos interiores consiste en un collage de signos naïf, rescatados de la escombrera del olvido: cantares de patio de vecindad, de exaltación patriótica, de devoción religiosa, de formación escolar o de tugurio; tebeos infantiles, anuncios radiofónicos; escenografías del hambre, del miedo, de la desolación. Y la más paradójica necesidad de cantar, llevados del impulso por sobrevivir.

Insólito y audaz espectáculo, libre, disidente respecto a toda normativa, académica o industrial, política o estética. Tuvieron que prohibirla durante años, inútilmente, hasta la muerte del dictador. Estremeció a cientos de millares de españoles de todas las edades y conformaciones. Es el ‘después’ de nuestra guerra, -de cualquiera de las guerras-, su reverso desmitificador que objetiva, tántos años después, los restos del naufragio.

Crónica de Madrid. Las Canciones. 

Con las canciones de los años 40 y 50, cuplés de la calle e himnos de guerra, canciones golfas y estribillos de la picaresca, ha hecho Basilio M. Patino una película estremecedora, Canciones para después de una guerra, que es el álbum vivo, sepia y doloroso de un puñado de años españoles.

(...) Quienes fuimos efectivamente, niños de la guerra, tenemos nuestra vida muy delimitada, nuestra biografía potenciada por una deflagración civil de la que arranca nuestra propia existencia. Basilio M. Patino, siguiendo una línea de fidelidad a sí mismo que iniciara poéticamente en Nueve cartas a Berta, ha escrito ahora las memorias de todos nosotros, ha filmado nuestras fotos familiares, los tebeos que leíamos, las películas que vimos, la pedagogía triunfalista y pintoresca en que fuimos forjados.

(...) Canciones para después de una guerra no es una película argumental. Patino libera en ella al cine español de la servidumbre argumental, que es una servidumbre heredada por el cine de la novela, una servidumbre burguesa.

La película de Patino viene a llevar esto a sus últimas consecuencias y, además de constituir unas conmovidas memorias generacionales colectivas, le abre al cine español la posibilidad de empezar a liberarse en alguna medida del imperativo alienante de un guión narrativo, de una filmación novelada.

(...) Canciones para después de una guerra es por fin, la película de toda la infrahistoria de España, la cinta que viene a redimirnos de tanto celuloide convencional, triunfalista, sonriente, casticista y chistoso. Patino ha metido en su película 20 o 30 años de vida española, y ha metido, sobre todo, el apretado haz de lo autobiográfico colectivo, poniéndole el corazón sepia de nostalgia y fácil de canciones, para terminar con aquellas estrofas dolientes e inolvidables: “Hojas somos en el viento que con giro raudo y lento van y vienen sin cesar”

Francisco Umbral. LA VOZ DE ASTURIAS. 21 noviembre, 1971

(...) Es difícil no reconocer detrás del burbujeante collage de Patino una crispada sesión de sofá de psicoanalista a nivel de colectividad. A mí me parece una sana terapia de reconciliación y si las risas y aplausos que se sucedieron en la noche de su primera presentación pública en Barcelona tienen algo que ver con el exorcismo, mejor que mejor.

J. E. Lahosa. TELE/EXPRES . 18 de septiembre, 1976

Información y página oficial: Basilio Martín Patino

Este documental se puede encontrar en casi todas las Videotecas del Instituto Cervantes que hay repartidas por el mundo, en el estado español esta editado por Suevia Films y se puede encontrar por 7euros.

Comienzo de la película, Canciones para despues de una guerra, de Basilio Martín Patino. La historia del franquismo mediante canciones. La película fue prohibida hasta la muerte de Franco.

Ver completo en VK.

Caudillo

Guión y Dirección: Basilio Martín Patino
con la colaboración de José Luis García Sánchez
Producción: Retasa
Fotografía: Alfredo F. Mayo
Montaje: José Luis Peláez
Jefe de producción: José I. Cormenzana
Documentación: Jesús Munárriz
Recitado: Héctor Alterio
Año: 1973.
País: España.
Duración: 105 min.

Primer trabajo de montaje sobre el Dictador. Desarrollando el método de trabajo puesto a punto en Canciones para después de una guerra, ahora ya en plena clandestinidad, el autor y su reducido equipo iniciaron una intensa búsqueda de imágenes y sonidos de archivo, en la que no pudieron contar esta vez con los fondos de organismos oficiales, al estar proscritos tras el conflicto suscitado en torno a su obra anterior, para organizarlos después de un modo particularmente imaginativo.

Arcángeles con espadas

Hace algunos años la prohibición de Canciones para después de una guerra condenó a Basilio Martín Patino a trabajar en la sombra. Hoy, cuando todos sus trabajos de esta época han podido al fin ver la luz, vemos cuán enriquecedor puede ser marginarse de una industria dirigida, manipulada, muerta.

Todo empieza como en un cuento, como en un sueño: “Hubo una vez un hombre enviado por Dios para salvar España...” Caudillo se abre con los primeros ascensos de Franco en la guerra de África y se cierra con su toma del poder. Ni siquiera llegamos a ver el final de la guerra civil. Patino trata de ser frío, distanciado, objetivo; de no cargar las tintas, de dar la visión de un lado y la del otro, de evitar maniqueísmos simples. Y lo consigue.

(...) Repleto de documentos inéditos, este film tendría un gran interés sólo por la recopilación que constituye. Pero Patino logra algo más. Logra apasionarnos y hasta divertirnos. (...) Secuencias como la de los poemas de Neruda “Madrid 1936” o “A las brigadas internacionales”, como la del entierro de Durruti, como la del escrito final de Unamuno, tienen un poder emotivo absolutamente inhabitual. Patino desmonta con ironía e inteligencia, con imágenes que hablan por sí mismas, todo el tinglado épico-imperial, de cruzadas, de arcángeles con espadas, que durante tanto tiempo fue la iconografía heroico-triunfalista y de cartón-piedra del franquismo.

Fernando Trueba. GUÍA DEL OCIO, 1977

Basilio Martín Patino ante la moviola 1971

Echar luz sobre la guerra civil

(...) Del sigilo y el cuidado con que se realizó Caudillo nace, precisamente, uno de sus alicientes, la utilización de material de archivo de cinematecas extranjeras. La película aporta un excelente material inédito sobre un periodo fundamental de nuestra historia. A pesar de su título, estamos ante un producto que se acerca más a un contexto que a un personaje. Patino no ha pretendido nunca hacer un análisis exhaustivo de los orígenes y de la personalidad de Franco, sino que ha querido ser testigo del horror de una tragedia que enfrentó a unos españoles contra otros. Por encima de todo, la sangre, la muerte y la destrucción. Para Patino, “una vez más una España se alzaba contra la otra invocando los más sagrados principios...”

(...) Lo que lleva a Patino, sin embargo, a no caer en el panfleto es su consideración del espectador y su convencimiento de que imágenes y textos –entre ellos poesías de Neruda y palabras de Unamuno- hablan por sí solos. (...)

A. Dopazo. INFORMACIÓN DE ALICANTE. 24 de noviembre, 1977

Información y página oficial: Basilio Martín Patino



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