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viernes, 22 de mayo de 2009

Ilha das Flores - La Isla de las Flores


Título original: Ilha das Flores
Año: 1989
Duración: 13 min.
Idioma: Portugués (Brasileño), doblado al castellano.
Formato: 35 mm, Color.
País de Producción: Brasil
Dirección: Jorge Furtado
Producción Ejecutiva: Monica Schmiedt, Giba Assis Brasil e Nora Goulart
Guión: Jorge Furtado
Dirección de Fotografia: Roberto Henkin, Sérgio Amon
Dirección de Arte: Fiapo Barth
Música: Geraldo Flach
Dirección de Producción: Nora Goulart
Montaje: Giba Assis Brasil
Asistente de Dirección: Ana Luiza Azevedo



La isla de las flores empieza como una clase de economía para niños: ¿qué es un tomate, qué es un hombre, qué es el dinero? Con cada nueva palabra, Jorge Furtado presenta una definición mediante animaciones humorísticas. De esta manera el espectador sigue la historia de un simple tomate, su cultivo, embalaje y envío hasta su llegada a la isla de las flores. A partir de ahí, la comedia se transforma en crítica. Mediante esta mezcla de documental y ensayo poético-político, el director descompone de manera sencilla los mecanismos de la globalización. Una película indispensable, divertida, mordaz.

“Sin duda alguna, los 12 minutos más potentes del cine brasileño. (…) El texto está dirigido en tono irónico por Jorge Furtado a ’extraterrestres’ – que desconocen todo sobre los seres humanos, su planeta, sus sistemas económicos, sus creencias, sus prioridades, su concepto de libertad. En el fondo, Jorge Furtado y equipo (el grupo de la Casa de Cinema de Porto Alegre) promueven densa reflexión sobre el destino del hombre pobre, aquél que no conquistó sus derechos de ciudadano, y por eso disputa la basura con cerdos.”
Maria do Rosário Caetano, Jornal do MEC, Brasília, outubro/1998

"La mejor película del Festival de Gramado dura menos de 20 minutos y narra la trayectoria de un tomate. Después de la exhibición de 'Isla de Las Flores', el Cine Embaixador oyó la mayor aclamación de este año. Todos los otros cortometrajistas que esperaban llevarse el trofeo Kikito de mejor película se quedaron cabizbajos (...) No hay duda: 'Isla de Las Flores' es una obra prima. Después de él, el documental nunca más será lo mismo."
Artur Xexéo, Jornal do Brasil, Rio de Janeiro, 17/06/1989

"Desarma con originalidad y vigor creativo el discurso paternalista que fundamenta la mayoría de los documentales brasileños (...), con una narrativa ingeniosa que sigue en un creciente de dejarnos sin aliento. (...) ISLA DE LAS FLORES es el resultado de una alquimia muy especial, donde todo sale bien. Es un corto bien humorado, sin que con eso transforme la desgracia (...) en materia de risas. Jorge Furtado inventa así el documental de crueldad."
Maria do Rosário Caetano, Correio Braziliense, Brasília, 17/06/1989

"El tomate, plantado por el señor Suzuki, cambiado por dinero al supermercado, cambiado por el dinero que Doña Anita cambió por los perfumes extraidos de las flores, rechazado para la salsa del cerdo, tirado a la basura, rechazado por los cerdos como alimento, está disponible ahora para los seres humanos de la Isla de las Flores, y todo por no tener dinero, ni dueño.
"
La Ilha das flores. Cortometraje Jorge Furtado. 1989. Brasil

Fuentes de Información: Monjes, El Proyecto Matriz.
Descarga Directa del Video: Taringa, Monjes.



Ver en Versión Original con subtítulos en Inglés. Parte 1. Parte 2.

Hace ya mucho que queríamos publicar este documental aquí, en Naranjas, pero entre unas cosas y otras lo fuimos retrasando, justo hoy, en un comentario nos pidieron mas información sobre este documental y la forma de conseguirlo, pues aquí esta. Recomendamos, otra vez, instalar el plug-in Download Helper, para el navegador Mozilla Firefox, te permite descargar cualquier video online o mp3, de un solo click.

domingo, 17 de mayo de 2009

Workingman’s Death

Año: 2005
Nacionalidad: Austria / Alemania
Director: Michael Glawogger
Productores: Pepe Danquart, Mirjam Quinte
Guión: Michael Glawogger
Fotografía: Wolfgang Thaler
Música: John Zorn
Duración: 122 minutos.
Formato: 35mm / 1:1,85 / color
Producción: Lotus Film GmbH/Vienna and Quinte Film/Freiburg Producido por: Lotus Film GmbH / Viena y Quinte Cine / Friburgo con arte GEIE con arte GEIE
Web oficial: Working Man's Dead.






"El pesado trabajo manual esta desapareciendo o se trata sólo de convertirse en invisible?
¿Dónde podemos encontrar todavía en el siglo 21?
El trabajo puede ser muchas cosas. A menudo, es apenas visible, a veces, difícil de explicar, y en muchos casos, imposible de describir.
Esta es la razón por la que a menudo pienso que se trata del único trabajo real. "

Cinco obreros de entre Nigeria, China, Ucrania, Pakistán e Indonesia, muestran el durí­simo trabajo al que se enfrentan cada dí­a desguazando petroleros manualmente, transportando azufre desde el cráter de la cima de una montaña, despedazando más de trescientos animales al dí­a y siempre enfrentados a la precariedad laboral. Todos los dí­as afrontan la posibilidad de morir sepultados, envenenados o sufrir caí­das de hasta ochenta metros por un pequeño paso en falso. La cruda realidad. El octavo largometraje del realizador Michael Glawogger (Megacities), director internacional cuyos trabajos han paseado por los festivales de medio mundo, tiene por objetivo mostrar la crudeza a la que se ven sometidos obreros de todo el mundo, apartados de las condiciones laborales del trabajador medio del tecnológico siglo XXI. Un himno de alabanza a estos cinco héroes que representan a millones de personas de todo el mundo en esta cinta de producción austro-alemana.

Una de las características de Workingman's Death que puede causar rechazo o incomprensión es la indisimulada perfección formal con la que están construidas sus imágenes. La película se presenta como un documento sobre la situación de algunos trabajadores de diferentes latitudes del planeta estructurado en seis episodios: 1- Héroes: Las minas de carbón de Donbass (Ucrania). 2- Fantasmas: Las minas de sulfuro de Kawah Ijen (Indonesia). 3- Leones: El matadero de Port Harcourt (Nigeria). 4- Hermanos: El cementerio de barcos de Gaddani (Pakistán). 5- Futuro: El complejo siderúrgico de Liaoning (China). 6- Epílogo: El Leisure Park de Duisburg (Alemania).

Si bien las condiciones del rodaje fueron extremas y no poco peligrosas, el cineasta Michael Glawogger cuida mucho las imágenes del film, impactantes y reveladoras de la fascinación y el respeto que el realizador siente hacia los hombres que retrata en su película. Empero, esta armonía formal puede plantear dudas en el espectador sobre hasta qué punto el trabajo de Glawogger pueda estar pensado para hacer más digerible o comercial el material fílmico que maneja. Para discernir esta cuestión es necesario prestar atención al sutil trasfondo intencional que plantea Glawogger con su estructuración episódica, la cual ya había sido ensayada por el austríaco en su anterior Megacities (1998), doce historias sobre marginados sociales emplazadas en La India, México, Rusia y Estados Unidos.

Fuentes de información: Kinoki, Culturalia, Tren de Sombras, Workingman's Death, Cultivadores de Culto, RebeldeMule.






Ver directamente en Amara, con subtítulos en castellano.

Hay quien tuvo la suerte de poder verla a pantalla gigante tanto como en el cine, pero por desgracia, a pesar de haber ganado innumerables premios, incluidos Londres , Leizpig , San Francisco, el Oscar, no parece estar editada en DVD por estos lares, y eso que la hemos buscado, pero por suerte siempre nos quedaran rincones para poder verla a alta calidad con el de Cultivadores de Culto o RebeldeEmule.

sábado, 16 de mayo de 2009

Nobody's Business


Dirección: Alan Berliner
Guión: Alan Berliner
Producción: Alan Berliner
Fotografía: Phil Abraham, Alan Berliner, David W. Leitner
Montaje: Alan Berliner
Sonido: Bill Seery, Alan Berliner, Stephen P. Robinson
País de Producción: E.E.U.U.
Año: 1996
Idioma: Inglés con subtítulos en castellano.
Duración: 57 min 












El cineasta neoyorquino asume aquí hallazgos y vías de investigación que había explorado en anteriores trabajos, profundizando en su apuesta por una historia familiar –la de su padre Oscar– que apela a un espectador universal.

El despliegue formal remite a sus anteriores trabajos, a la vez que cuenta con un tono propio, requerido por el propio filme. Berliner se vuelve a mostrar especialmente apto para utilizar materiales visuales preexistentes, desde filmes de archivo (relacionados con los judíos) y material de origen desconocido (las escenas del combate de boxeo) hasta fotos y películas domésticas y materiales rodados por él mismo en un tiempo anterior (la boda de su hermana y quizá la celebración del cumpleaños de su padre). A estos materiales, Berliner añade las entrevistas a sus familiares, la visita a Polonia y a Lake City, las imágenes de las rutinas diarias de su padre y la entrevista con su padre que sirve como eje de todo el filme. En este caso la banda sonora no presenta una diversidad de fuentes tan amplia como la banda visual, pues básicamente está compuesta por la “conversación” entre padre e hijo y en menor medida por declaraciones de diversos familiares.

La principal novedad que presenta el tratamiento de estos materiales reside en el modo con el que los protagonistas del filme (padre e hijo) se acercan a ellos, con una autoconsciencia o reflexividad que supone una clara evolución respecto a los anteriores filmes. En The Family Album, Berliner se había acercado a esos materiales desde una posición de aparente observador, con un interés casi etnográfico.

Esa dimensión reflexiva está reforzada además por las referencias directas al espectador que se hacen en la conversación entre padre e hijo, que nos introducen en el presente de ese intercambio y en cierto modo nos obligan a tomar partido. Además, esa reflexividad también está reforzada por la dimensión irónica que causa el tono distante y escéptico de Oscar Berliner hacia el mismo proyecto. En este sentido el final del filme resulta paradigmático de la condición reflexiva-irónica del discurso fílmico: mientras aparecen los títulos de crédito, se oye en off la última discusión del filme, en la que el padre vuelve sobre la inutilidad del proyecto y le amonesta por no haber hecho nada de provecho en su vida (sólo ha hecho películas) y por vivir de limosnas (o sea, de becas). 

Con todos esos materiales y ese nuevo enfoque, Berliner articula un filme que ahonda en temas que ya habían ido tomando cuerpo en sus dos películas anteriores, en relación con la historia familiar, la historia de personas anónimas y el valor de los registros domésticos para recuperar esas historias.

Nobody’s Business supone un nuevo paso en la investigación de Berliner acerca de su historia familiar, construyendo así un nuevo argumento a favor de la Historia de la gente ordinaria, ajena a los grandes acontecimientos de la Historia universal. 


martes, 5 de mayo de 2009

Law and Order - Ley y Oden


País de Producción: U.S.A.
Año: 1969
Duración: 81 min.
Formato: 16mm B/N
Dirección y Montaje: Frederick Wiseman.
Idioma: Inglés con subtítulos en castellano.


Aprovechando que esta mañana he estado en el encuentro que ha habido con el señor Wiseman dentro de la retrospectiva que está dedicando Documenta Madrid 09 a Frederick Wiseman, que además empieza hoy, vamos a volver a reseñar uno de sus documentales, ya que en uno de nuestros primeros post hicimos una especie de selección de su obra, de los tres documentales que os hablamos entonces solo ha quedado uno online, casualmente uno de los mejores y uno de los que no ha programado Documenta Madrid 09, así que os animamos a echarle un vistazo, y a aprovechar los pases que aun quedan por ver esta semana en Madrid, si da la casualidad que vivís o estáis por aquí, toda una oportunidad, ya que la anterior ocasión en que se programó su obra se remonta al ciclo que le dedicó la Filmoteca Española en 1978 y que además no hay nada, nada, de este hombre editado en nuestro territorio, ni en VHS, DVD o parecidos.

Fuentes de Información: Extracto de Articulo de Fran Araujo para Documenta Madrid 09 ,

Con treinta y cinco documentales y numerosos premios, entre los que destacan tres Emmy, Frederick Wiseman es uno de los documentalistas más importantes, más vistos y más prolíficos de la historia. Tomadas en su conjunto, sus obras pueden entenderse, como afirma él mismo, como “una misma película de 50 horas de largo, como piezas de una gran sinfonía”.

De todos los directores del llamado cine directo norteamericano, Wiseman es el que, con más rigor y coherencia, ha desarrollado una filmografía con rasgos propios. Se advierte en su obra una unidad temática y formal con un objetivo común: la elaboración de una historia natural de los Estados Unidos.

La mayoría de sus documentales tienen como protagonista una institución. Para él son una materia prima excepcional que le permite profundizar en la sociedad norteamericana debido a su fuerte carácter metonímico, ya que representan microsociedades que traducen los mejores y peores valores norteamericanos. Dentro de ellas los personajes personifican roles determinados que enfatizan las relaciones dialécticas de poder.

Wiseman siempre ha querido mostrarse al margen de ideologías: “Personalmente le tengo horror a producir propaganda que pertenezca a cualquier ideología diferente de mi punto de vista”. Desde una profunda convicción democrática, siempre ha luchado en pos de un espectador más informado, más plural y activo. En sus películas, genera la distancia necesaria para que el espectador pueda ejercer el análisis del comportamiento humano en un contexto social. En lugar de transmitir un mensaje claro y directo, Wiseman obliga al espectador a crear el sentido oculto detrás de la estructura, lo enfrenta a una lucha con el material: “Tiene que decir: ‘¿qué demonios me está intentando decir con esto?’. Deben pensar a través de su propia relación con lo que están viendo”.



Como extra os dejamos un enlace para ver en version original en inglés sin subtítulos otra obra maestra de Wiseman, Titicut Follies.

Ver Titicut Follies en V.O. en Youko.

lunes, 4 de mayo de 2009

Night Mail

Titulo Original: Night Mail.
País de Producción: U.K.
Año: 1936
Duración: 25 min.
Idioma: Ingles sin subtítulos.
Director: Basil Wright & Harry Watt
Productor: Basil Wright & Harry Watt
Supervisor de producción: John Grierson
Compositor: Benjamin Britten
Director de fotografía: Robert J. Flaherty
Edición: Basil Wright/R.Q. McNaughton
Night Mail recoge el servicio de un tren especial en su recorrido desde Londres a Glasgow. El proceso es mostrado y explicado desde la carga y clasificación, hasta su traslado y distribución. Al margen de la voluntad de enseñar a los británicos como funciona su servicio de correos, Night Mail tiene una estructura poética y, en sus escenas finales, un esquema formal semejante al que usara el propio Vertov.


Grierson inaugura un modelo que reaparecerá con frecuencia en el futuro, empezando por el Office National du Film Canadien cuya creación supervisó él mismo (1939). Este modelo llegará a influir en las futuras televisiones de servicio público. Porque Drifters también es fruto de la implicación del gobierno británico a través de dos organismos oficiales: el EMB, Empire Marketing Board, que tutela el comercio de las colonias y, luego, a partir de 1933, el GPO, General Post Office. Gracias a este excepcional apoyo financiero, Grierson levanta un verdadero taller de producción que se ocupa desde la formación de técnicos a la distribución de las películas. En diez años se producen más de cuatrocientos filmes sobre los más variados ámbitos de actividades (industrias, agricultura, higiene, etc.), sin llegar a entrar, no obstante, en los circuitos comerciales. La gran mayoría de ellos se distribuye a través de redes no comerciales (fábricas, colegios, asociaciones) , que pese a todo implican a un amplio público. En este sentido, las propias películas pasan a ser vínculo entre los hombres, unen ciudades y clases igual que el tren correo une Inglaterra y Escocia, como cuenta el hermoso filme de Basil Wright y Harry Watt, Night Mail (1936), una de cuyas escenas aparece escandida por un poema de W. H. Auden. Industrial Britain (1933), de Flaherty (invitado por un Grierson a la vez fascinado y contrariado por el tiempo que el maestro tarda en realizar el filme); North Sea (1938), de Harry Watt (sobre el guiado por radio de los bous) son algunas de las cintas más representativas de esta idea de una comunidad de los hombres, de una interdependencia general.
Nos hallamos aquí en la encrucijada entre exigencia política e inquietud estética. La voluntad de ir al encuentro del mundo real, de dar una imagen de los seres anónimos que constituyen la vida cotidiana de un país, toma finalmente los acentos de una exhortación a la unión nacional.

Jean Breschand.- El documental: la otra cara del cine.- "Los orígenes del documental" (Págs. 20 y 21)

Fuentes de Información: DocumentaWeb,

Ver en 3 partes en Youtube:
Parte 1

Parte 2
Parte 3

Ver en Youku en 2 partes:
Parte 1
Parte 2