domingo, 27 de abril de 2008

Critica de la separación - Guy Debord (1961)


Titulo original: Critique de la separation.
Dirección y guión (basado en libro propio): GuyDebord.
Año: 1961.
Nacionalidad: Francia
Idioma: Francés con subtítulos en castellano, en inglés, en italiano y en portugués.









Dentro de la agitada cultura francesa de la segunda mitad del siglo pasado, Guy Debord construyó su imagen rebelde y altanera desde una trinchera donde poder disparar con seguridad sobre el sistema establecido. Ladrillo a ladrillo, documental transgresor tras otro, poemas dadaístas acompañados de dibujos incendiarios… su militancia política le hizo ser uno de los partícipes del cacareado mayo sesentayochista, y erigirse como líder en la sombra de aquella izquierda francesa que absorbía todas las manifestaciones culturales para hacer campaña. El cinematógrafo no escapó a las pretensiones de Debord. Su obra se alejó por iniciativa propia de los amplios circuitos, para acabar hoy día, más de diez años después de su suicidio, en museos o hemerotecas apolilladas.

En 1957 realizó Crítica de la separación, película de escasa duración que se distancia del documental clásico y pretende ser una reflexión sobre el propio medio, su valor y ubicuidad en el contexto en que está realizado. La película se presenta como un doble relato: el que ofrece la imagen por un lado y la voz en off por otro. Dos orillas alejadas que encuentran el nexo de unión en momentos puntuales: puede ser el rostro de la enigmática mujer, que interpela a la cámara para interrumpir el discurso que oímos, o bien las últimas imágenes que París nos muestra y que la voz en off se empeña en destruir, advirtiéndonos que no tienen porqué ser las últimas escenas de la película, aunque a continuación llegue el fundido negro. Las convenciones quedan a un lado: el relato clásico aristotélico al que estamos acostumbrados está siendo destruido.

No hay linealidad narrativa: las imágenes (algunas de archivo) son aleatorias, al azar de lo que París expulsa, la voz fluye sobre ellas, desmontando su orden y veracidad, a veces subrayándolas, otras obviándolas, marginándolas… El término cine-ensayo que André Bazin acuñó pensando en el cine reflexivo de Chris Marker casaría perfectamente con esta propuesta. Y Debord se siente cómodo en este juego de descontextualización de imagen y audio que el cine permite, al igual que le ocurre al citado Marker o al Godard más ensayístico. Sólo parece incomodarle el bello rostro de la chica, que mira a la cámara quizás para perturbar al narrador.

La separación a la que alude le sirve para posicionarse lejos de la sociedad del espectáculo, perteneciente a los maniqueos gobernantes, y formular un discurso que le sitúa como una rara avis alejada del juego mediático. 

Pero además, esta separación podríamos asociarla a este doble relato auditivo-visual. La voz desmiente a la imagen, y viceversa. Y a la vez, es su necesario acompañante.  Una última advertencia. Esta profunda quiebra que esboza, a tantos niveles y sin cortapisas, puede quedar como un juego de niños ante el feroz ejercicio de dadaísmo que es Hurlements en faveur de Sade (1952). Siéntense ante esta película, véanla, y no piensen que les está fallando el reproductor.*1

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Fue en la sinopsis de su filme Crítica de la separación (1961)[1] donde Debord aportó la mayor precisión sobre esta cuestión del centro y sobre el uso que podía hacerse: «La única aventura, decimos, es contestar la totalidad, cuyo centro es esta forma de vivir, donde podemos hacer el ensayo pero no el empleo de nuestra fuerza».
 
Si se acepta que totalidad y mundo juegan, en la sociología situacionista, el mismo papel de valores dialécticos y pueden a veces ser sinónimos, se debe también aceptar que Debord hubiera podido escribir. La única aventura es contestar el mundo cuyo centro es esta manera de vivir...
 
La rama materna de mi familia es originaria de Chambon dans le Bery, a pocos quilómetros de Bruère Allichamp, considerado habitualmente como el centro geográfico de Francia. Con toda modestia pienso, pues, estar calificado por lo que respecta a las cuestiones de centro. Me permito pues avanzar los postulados siguientes, propios para prolongar el pensamiento del joven Debord

1) El centro del mundo no es sólo la manera como vivimos, es también la manera como nos vemos obligados a vivir. 

2) El centro del mundo no es sólo la manera como vivimos y la manera como nos vemos obligados a vivir, es también, sobre todo, la manera como aceptamos vivir. 

3) Por lo tanto, la disolución del centro del mundo sólo puede comprenderse como rechazo de la manera como vivimos y aceptarnos vivir. 

Me gusta esta hipótesis, sobreentiende que el centro del mundo no nos es del todo extranjero. Para disolverlo bastaría que cambiáramos nuestra manera de vivir. Puede decirse que el centro del mundo es la expresión de nuestra misión y que cualquier acción que podemos ejercer sobre nosotros es una acción contra el mundo y su centro. La lucha contra el centro no se plantea en términos de lucha de clases, como si el centro nos fuera extranjero, sino en términos de compromiso personal, en términos de desobediencia. 

A pesar de las apariencias, el mundo del que pensamos estar en la periferia no nos es de ninguna manera exterior, nos atraviesa. El cambio del mundo que puede parecer lejano, mismo improbable, está ya, en cierta manera, en nosotros, en nuestra capacidad potencial de disolver las maneras de vivir que nos desagradan. 

Debord, que alcanzaba entonces su máximo rendimiento intelectual, escribía en la misma sinopsis, con la bella simplicidad de las cosas bien concebidas (enseguida se perderá en un estilo paródico propio de cualquier decadencia intelectual): «Cualquier equilibrio existente es puesto en cuestión cada vez que hombres desconocidos intentan vivir de otra manera».*2




Fuentes de información:
*1Artículo de Aurelio Medina Berlin 63 Berlin63  Cine más allá de las fronteras de la distribución, *2 Extracto de "Guy Debord y el "centro del mundo" de Yves Le Manach, extraído de Archivo Situacionista.



Consume hasta morir - Un proyecto de contrapublicidad para la reflexión.

Consumehastamorir.com es una reflexión sobre la sociedad de consumo en la que vivimos, utilizando uno de sus propios instrumentos, la publicidad, para mostrar hasta qué punto se puede morir consumiendo.

Este proyecto, es un ejercicio de ironía que nos libera momentáneamente de la presión que los distintos medios de comunicación ejercen contínuamente sobre los ciudadanos intentando vendernos de todo. Aquí no vendemos nada, porque una mirada crítica debe ser gratis. Este eslogan, "consume hasta morir", un tanto tremendista, responde a una realidad social que llevamos tan inmersa en nuestro comportamiento que, a veces, ni nos damos cuenta de muchos hábitos de consumo que repetimos, día tras día, hasta, como queremos manifestar, el límite de nuestra existencia.

El consumo es, evidentemente, inevitable, pues en la sociedad en la que nos encontramos tenemos una serie de necesidades que, lamentablemente, no podemos satisfacer sin entrar en el circuito comercial que lleva funcionando siglos, consistente en una adquisición de bienes y servicios a cambio de un valor contable universal, el dinero, que permite realizar estas transacciones de un modo normalizado. Ni siquiera una vida natural de subsistencia, cultivando y criando lo necesario para vivir, está exenta de cierto
nivel de dependencia del entramado comercial. Lo malo es que, en los últimos tiempos, este sistema comercial, sobre todo en la llamada sociedad capitalista occidental (que, por cierto, es casi de distribución universal), se encuentra en una fase de desarrollo tan grande que se convierte, muy a menudo, en una obsesión por vender y consumir y, en muchos casos, con una competencia brutal entre empresas (las hay con presupuestos mayores que los de países enteros, tan grandes como Rusia, por ejemplo), y un crecimiento desproporcionado de las diferencias entre países desarrollados (consumidores y explotadores de recursos) y los "en vías de desarrollo" (productores y explotados).

La publicidad se encarga, de mostrarnos una realidad deformada, tratando de que el ciudadano consuma sin límites, todo tipo de productos, sin reflexionar en los posibles impactos o perjuicios que puedan causarse a personas, al medio ambiente, a otras culturas, etc; el ciudadano feliz, desde pequeño hasta el final de sus días, ha de consumir todo tipo de productos; hoy se vende y se consume absolutamente de todo: viajes, votos, salud, cuotas de pesca, agua, felicidad, sexo, seguridad, inversiones, deportes, aventuras, derechos, niños (tema controvertido de las adopciones), patentes sobre la naturaleza ...

Así el consumo se convierte en consumismo, es decir, en un desenfreno por comprar bienes y servicios que, en m
uchos casos, se acumulan sin una utilidad concreta ni mucho menos necesidad por parte del usuario pero que se nos venden con el fin de conseguir esa felicidad y confort anhelados y, como ya hemos comentado, lleva aparejado un deterioro de los medios en los que vivimos (aire que respiramos, agua que nos da vida, suelos contaminados), un agotamiento de recursos y la explotación de personas.

Nuestro deseo es llamar la atención de los ciudadanos, en la medida de nuestras posibilidades, para que con un comportamiento adecuado en el día a día se consolide en nuestra sociedad una cultura de consumo responsable, crítico y justo de manera que, salvaguardando los valores humanos, sociales y medioambientales, consigamos entre todos un mundo más justo, un mayor respeto por la naturaleza y la vida, un reparto de bienes solidario (recordemos que el 84% de recursos es utilizado por el 16% de la población mundial) y un modo de vida basado en los valores que de verdad son los que nos proporcionan sentido a la misma. Para ello es necesario, en algunos casos, no muchos, un esfuerzo por parte de todos de modo que algunas veces nos resultará incómodo, incluso algo sacrificado, llevar a cabo esta conducta responsable ya que a nuestro alrededor todo se enmaraña para que no lo hagamos.

Valgan, para nuestro empeño en conseguirlo, estas imágenes manipuladas que persiguen despertar el interés en puntos concretos del entramado comercial y publicitario y que, a nuestro entender, son ejemplos cotidianos de lo que aquí hemos manifestado.

Consumehastamorir
Grupo de Trabajo de Consumo
Ecologistas en Acción

Gran Superficie

Titulo: GRAN SUPERFICIE
Duración: 52'
Año: 2005
País: España


“Gran Superficie” nos da a conocer, en siete capítulos, los aspectos del consumo menos aparentes y vistosos, analizando desde el punto de vista del consumidor en una gran ciudad la publicidad, las estrategias de venta, la estética y la alimentación y las grandes superficies.
Con opiniones especializadas que reflexionan sobre el impacto del comercio en nuestro modo de vida, este documental nos ayudará a tener una visión más crítica del consumo.




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Industria de la alimentación



Para ver todos sus videos visita su canal en consumehastamorir.blip.tv

jueves, 24 de abril de 2008

Jean-Luc Godard - Histoire du cinéma - Cap.1a


Dirección y Guión: Jean-Luc Godard
Año: 1988
Nacionalidad: Francia
Duración: 51 min
Idioma: Frances con subtitulos en castellano
Producción: Canal+, Centre National de la Cinématographie (CNC), France 3 Cinéma,
JLG Films, La Sept Cinéma, Société des Etablissements L. Gaumont, Vega Film Productions.
Distribución: En el Estado Español está distrubuida la colección completa, en formato cofre, con todos sus capitulos, y además del
Film "2 x 50 años cine francés" dirigido por Jean-Luc Godard y Anne-Marie Miéville. Y más extras. Editado por Gaumont e Intermedio.


Histoire(s) du cinéma
es una de las obras pilares del cineasta francés Jean-Luc Godard. Se trata de un video ensayo presentado en cuatro capítulos presentados a manera de una serie de televisión. Cada uno consta de dos partes, y su realización le tomó a Godard la módica cantidad de diez años: 1988 a 1998. Fue realizada para el canal francés Canal+, la red de televisión franco-germana ARTE y la productora francesa Gaumont —por cierto, la productora de películas más vieja del planeta. El estreno del primer capítulo se transmitió al aire simultáneamente en cinco canales europeos, mientras que los demás han sido mostradas en diferentes festivales de cine a lo largo del tiempo. La génesis de esta obra se encuentra en una serie de lecturas presentadas por Godard en Montreal, las cuales serían publicadas bajo el título de Introduction à une véritable histoire du cinéma, o Introducción a una Historia Verídica del Cine. Histoire(s) du cinéma, ambiciosa desde su concepción, es una obra a través de la que Godard, desde el mismo cine, plantea la pregunta ¿qué es el cine?, o con mayor precisión ¿qué era? Este cuestionamiento no es ni por asomo una novedad dentro de la trayectoria de Godard, quien desde los años cincuenta se ha ostentado no sólo como cineasta, sino como un crítico del cine y de su papel dentro de la historia. Baste revisar el papel que asumió Godard como comentarista cinematográfico desde tribunas como La Gazette du cinéma, Arts y Cahiers du cinéma.

Histoire(s) du Cinéma destaca en el catálogo de Godard no sólo por ser un magnífico resumen de su técnica, de su método cinematográfico; además esta obra encapsula la filosofía misma de Godard. El francés utiliza el recorrido histórico que Histoire(s) du Cinéma realiza para revisar uno de los imperativos principales del cine dentro de su propia visión : decir la verdad.

Por eso, en su recorrido no pueden quedar fuera algunos momentos históricos en los que el cine traicionó esta causa: la utilización del cine por parte de la maquinaria propagandística nazi, la construcción de un discurso hegemónico a través del cine por parte del monstruoso aparato hollywoodesco o incluso los propios tropiezos de la Nouvelle Vague, en cuyas referencias de origen e ideológicas siempre encontraremos a Godard.

Se trata de un montaje audiovisual de 270 minutos que incluye tomas de Godard editando, pintura, fotografías segmentos de noticiarios para cine, citas de múltiples fuentes impresas, pornografía y poesía, así como personajes de la talla de Julie Delpy o Hitchcock. A través de él, Godard echa mano de su manera de contar las cosas: una es diametralmente opuesta a la empleada por la “industria de la evasión”, que usa las tramas simplonas para mantener al mundo fuera real y a la humanidad fuera de la pantalla. Conforme avanza Histoire(s) du Cinéma, Godard complica la composición visual de las historias con citas o títulos superpuestos y fracturados en pantalla. El soundtrack no es menos espeso, con sus choques de música clásica, pop y jazz, diálogos, sonidos en reversa e incidentales grabados en el cuarto de edición. No son gratuitas las comparaciones que el crítico de cine norteamericano Jonathan Rosenbaum ha hecho entre Histoire(s) du cinema y Finnegans Wake de Joyce. Más allá de la impresión que generan —por su estructura narrativa— de situarnos en una Torre de Babel, ambas obras demandan al lector y al espectador realizar un trabajo de ensamblaje de historias, de unir los puntos, de completar la creación que va más allá del esfuerzo común que representan los libros y las películas convencionales. Ambas obras precisan ser revisitadas en diferentes momentos de la vida del lector/espectador, dado que es imposible capturar toda su información y detalles en una sola lectura o apreciación.

El título de la obra nos da varias pistas sobre su esencia. El cine como arte, el cine como historia y como Historia, el cine en la Historia y la Historia desde el cine. Según Godard, El séptimo arte debe, desde el siglo pasado, servir más eficientemente para la preservación de la memoria histórica, incluso más que los libros. Godard no deja de rendir tributo a las fuentes escritas pero asume la responsabilidad del quehacer cinematográfico en su diferenciación con respecto a las meras historias.

Asume la tarea como una construcción de Historia en la medida en que ordena y da sentido a la subjetividad personal combinada con la objetividad de la cámara. Al mismo tiempo, al estar pensada para la televisión, Godard trabaja aquí sobre la problemática del traslado del cine a la televisión. El fenómeno le inspira melancolía, pues admite que las imágenes del cine, esas que hacían estremecer a la gente proyectadas sobre una gran pantalla, ahora han perdido casi por completo su poder redentor, al estar enmarcadas en un era donde la televisión muestra de manera familiar, en imágenes pequeñitas, el horror real.

Info via: Revista Marvin
Más información en: Blogs&Docs


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Para ver el video completro debes tener instalado VeohTV.

También puedes visitar el canal en Veoh de Naranjas de Hiroshima, con documentales online.

domingo, 20 de abril de 2008

Super Size Me


Dirección y guión: Morgan Spurlock.
Intervención: Morgan Spurlock, Ronald McDonald, Dr. Daryl Isaacs, Dr. Lisa Ganjhu, Alexandra Jamieson, Dr. Stephen Siegel, Bridget Bennett, Eric Rowley, John Banzhaf, John Robbins.
Producción: Morgan Spurlock.
Música: Steve Horowitz y Michael Parrish.
Fotografía: Scott Ambrozy.
Montaje: Stela Georgieva y Julie 'Bob' Lombardi.
Dirección artística: Joe the Artist.
País de producción: USA.
Año: 2004.
Duración: 96 min.










En torno al 37 por ciento de los niños y adolescentes estadounidenses tienen exceso de grasa y dos de cada tres adultos tienen kilos de más o son obesos. ¿Es un problema de autocontrol, o debemos culpar a las empresas? Spurlock se echó a la carretera y entrevistó a expertos de veinte ciudades de Estados Unidos, también Houston, la ciudad más obesa de América (ahora es Detroit). Directores de salud pública, profesores de gimnasia, cocineros, niños, gobernantes, legisladores, expusieron sus investigaciones, sus opiniones y las reacciones viscerales que despierta en ellos el constante aumento del volumen corporal del pueblo norteamericano. Por fin, Spurlock se embarcó en un experimento de características excepcionales: probó en carne propia los efectos de la comida rápida sobre el cuerpo humano. Durante treinta días consecutivos, Spurlock se alimentó a base de Cheeseburgers, Bic Macs y McNuggets, subsistiendo exclusivamente con productos del menú McDonald‘s. Debido al con-sumo de fritos y alimentos ricos en sodio aumentaron sus niveles de colesterol y sodio, y lo que empezó siendo un experimento di-vertido y desenfadado se convirtió en un problema grave para el hasta entonces envidiable estado de salud de Morgan Spurlock. A esta vorágine alimentaria de un mes de duración acompaña una serie de esclarecedoras y sinceras entrevistas con los mejores profesionales médicos y sanitarios, con ejecutivos de publicidad y ma-keting y con adolescentes norteamericanos. Los resultados son, cuando menos, pasmosos.

Web oficial: www.supersizeme.com
Info via: La Butaca
Video via: Vsg71



Ven en Youtube en V.O.S.E. en playlist.
Ven en Youtube en V.O.S.E. en playlist.
Ver en Youtube doblado al castellano (españa).
Ver en Youtube doblado al castellano (españa).

Extras, experimentos:



Además, añadimos un enlace para acceder a la lista del programa 30 Días de Morgan Spurlock, del que estan disponibles las dos temporadas completas gracias a Vsg71 - Mi Granito de Arena

Género: Documentales / Sociedad
Nacionalidad: EE.UU
Duración: 45 minutos
Año: 2006
Director y productor: Morgan Spurlock
Productora: Reveille




Ver Capitulo 1 :
30 días 1x1 de 6; Salario mínimo.2005


lunes, 14 de abril de 2008

General idi amin dada


Título original: General idi amin dada
Nacionalidad: Francia
Duración: 84 min
Año producción: 1974
Dirigida por: Barbet Schroeder
Escrita por: Barbet Schroeder
Fotografía: Nestor Almendros











Documental sobre el dictador ugandés responsable de la muerte de 300.000 compatriotas suyos entre los años 1971 y 1979, y que saltó a la actualidad internacional cuando ordenó la expulsión del país de todos los habitantes de origen asiático. Con el beneplácito del propio Amin, la cámara le sigue en un safari, una competición de natación y otros eventos organizados para demostrar su popularidad, pero que en realidad dejan patentes su locura y paranoia.

Bug Daddy, el pequeño Calígula, el Mussolini africano, el Ubú negro, el Hitler ugandés....muchos fueron los apodos por los que se conocieron a uno de los más terribles, sanguinarios y megalómanos dictadores africanos de la historia. En 1974, Barbet Schroeder se desplazó hasta Uganda y se entrevistaría con el dictador pactando con él la colaboración y el permiso para el rodaje de este documental, ofreciendo como resultado la imagen de un hombre educado, encantador con la palabra y vehemente en sus gestos, sin poder ni querer ocultar la enorme y oscura figura que se escondía tras la máscara. Idi Amin colaboró en todo momento con Schroeder y su cámara, Néstor Almendros, pero condicionó tanto el montaje final que cuando se enteró que corría una versión más larga que él no había autorizado, encerró en un hotel a los 200 ciudadanos franceses que residían en su país y les dio el teléfono del realizador para que contaran su situación. Schroeder accedió a cortar los minutos que el dictador le había pedido amablemente hasta que tras su exilio, pudo recuperar el metraje mutilado y se completó el remontaje final disponible en esta edición.

Esta última edición esta editada en España por Manga Films, para más información, ir a la pagina de la distribuidora.


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Para ver entero hay que tener instalado VeohTV, esta disponible para Windows y Mac, por ahora hay pruebas para Linux (pero no conseguimos hacerla funcionar).
Ver en V.O.S.E. en Youtube.
También ver en GoogleVideo. (gracias a Gontzal Sierra).

El Fascismo Ordinario


Título Original: Обыкновенный фашизм (Obyknovennyy fashizm)
Título traducidos: El Fascismo Cotidiano, El Fascismo Ordinario, Ordinary Fascism.
Dirección: Mikhail Romm
Guión: Yuri Khanyutin y Mikhail Romm.
País de producción: Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS).
Idioma Original: Ruso. Subtitulos en castellano.
Año: 1965
Duración: 138 min 














Mikhail Romm, discípulo de Eisenstein, logra hacer este magnífico documental basándose en materiales fílmicos provenientes de los archivos nazis y usando un magistral dominio del montaje. El fascismo ordinario se presenta como un documento histórico dividido en una serie de capítulos, en los cuales se analiza el surgimiento del fascismo en Alemania como consecuencia de la gran crisis del capitalismo a finales de los años 20 y el auge del nazismo apoyado por el capital financiero alemán. Romm analiza mediante en un relato ameno e impactante, y muy irónico, el carácter populista del fascismo y el efecto de la propaganda vulgar y ordinaria en la psicología de masas, que llegó a extremos tales de hacer del ser humano simples máquinas de matar. Un documental que nos lleva desde el nacimiento del nazismo hasta su derrota gracias al pueblo soviético que libro duras batallas contra el fascismo, pero que sobre todo dirige su atención sobre el enemigo, sobre el enemigo pasado y sobre el enemigo futuro de los pueblos y los trabajadores.




*1"En la película se han utilizado materiales de crónica confiscados de los archivos cinematográficos de la Alemania fascista, y del archivo fotográfico personal de Hitler, así como numerosas fotografías aficionadas incautadas a oficiales de las SS."

Así se abre el documental El fascismo cotidiano, que dirigió Mijail Romm en 1965 y en el que se analiza el régimen nacionalsocialista alemán, la sociedad alemana y el holocausto durante la Segunda Guerra Mundial.

Romm, que hace de narrador, estructura este análisis en 16 capítulos, a saber:


1. Capítulo Primero.
Introducción donde se presentan imágenes de niños y jóvenes de la época, en contraste con la de víctimas del holocausto y de los campos de concentración.


2. "Mein Kampf", o como trabajar pieles de ternero.
En donde se muestra la elaboración de una edición del libro de Hitler con páginas de piel de ternero y cubiertas de acero, para que permaneciera imperecedero.

3. Algunas palabras sobre el autor.
Se muestra el expediente policial de Hitler, su ingreso en el Partido Nacionalsocialista Obrero Alemán, su ascenso hasta führer del partido, su preparación hasta convertirse en un orador que apasionará a las masas, y su nombramiento como canciller del Reich.



4. Y en ese momento...
Donde se muestran imágenes de diferentes mandatarios de la época, o el asesinato en Sarajevo del rey Alejandro I de Yugoslavia y de Louis Barthou, quién preconizaba un frente antialemán de Francia con el Reino Unido, Italia y la URSS.

5. La cultura del Tercer Reich.
Subrayado con la frase de Adolf Hitler, "...cualquier sargento puede llegar a ser un profesor, pero no todos los profesores pueden llegar a ser sargentos."
Sobre la parafernalia de propaganda fascista, los desfiles con antorchas, la quema de libros de autores "indeseables"...


6. La gran idea nacionalista en práctica.
Sobre la instauración del ideal de la raza aria, la promoción de la "limpieza" de la raza aconsejando a las mujeres a procrear con el prototipo de hombre ario.

7. Un pueblo. Un Reich. Un Führer.
Donde se muestra como crece entre el pueblo la simpatía por el führer, la participación de éste en inauguraciones...

8. Sobre mí.
Subrayado con la frase de Adolf Hitler, "...mi madre era una mujer común, pero regaló a Alemania un gran hijo".
Dedicado íntegramente a la figura del führer, a su oratoria, su gestualidad... én contraposición a la de otro líder fascista, el italiano Mussolini.



9. Arte.
Subrayado con la frase de Adolf Hitler, "los actores y los pintores necesitan ser amenazados con el dedo día tras día".
Sobre la proliferación de pinturas y esculturas sobre Hitler, el grandiosismo del arte nazi, y la especialidad artística nazi: el desfile.

10. "Nosotros te pertenecemos".
Sobre la atracción de niños y jóvenes al ideario nacionalsocialista.


11. En verdad, había otra Alemania.
Donde se recuerda la Revolución de Noviembre de 1918 en Alemania y el asesinato de Karl Liebknecht y Rosa Luxemburgo, y la existencia de opositores al nazismo en Alemania.

12. "Con las masas hay que manejarse como con las mujeres".
Frase firmada por Hitler. En este capítulo se habla de las "emociones primarias" de las masas.

13. "Lo que el führer ha ordenado, nosotros lo cumplimos".
Subrayado con la frase de Adolf Hitler, "para el bienestar de pueblo alemán, debemos combatir cada 15 o 20 años".
Se habla del objetivo fundamental del nazismo, que se inicia con el bombardeo de Guernica, el posterior bombardeo de Varsovia, la invasión de Bélgica, Holanda, Francia, Dinamarca, los Balcanes...


14. El fascismo cotidiano.
Donde se muestran las fotos encontradas a oficiales nazis en las que se retrataban junto a civiles asesinados, de mujeres ultrajadas en Lvov, de los viajes turísticos al ghetto de Varsovia, de los campos de concentración y las cámaras de gas...



15. El fin del Tercer Reich.
Sobre la definitiva derrota alemana en territorio soviético y el avance soviético hacia Berlín. Donde se muestran imágenes de los oficiales nazis prisioneros en el hipódromo de Moscú, imágenes de mitines de Goebbels llamando a la guerra total...

16. Último capítulo, inconcluso...
Donde se muestran imágenes de los años 60 de niños y jóvenes de la RDA, de París, de la vida de esos años en la RFA, imágenes de Willy Brandt en un mitin instando a dejar de hablar del nazismo veinte años después del final de la guerra, de Oswald Mosley, fundador de la Unión Británica de Fascistas...
El cáncer había sido extirpado, pero permanecía las metástasis.

Mijail Romm 


Mijaíl Ilich Romm (Михаил Ильич Ромм, 24 de enero de 1901 - 1 de noviembre de 1971), cineasta ruso de origen judío y nacido en Siberia

Mijail Romm nació en 1901 en Irkutsk y falleció en 1971 en Moscú. Entre muchos galardones fue distinguido hasta en cinco ocasiones con el Premio Stalin, en los años 1941, 1946, 1948, 1949 y 1951.

En 1925 se graduó en e departamento de escultura de la Escuela Superior Técnico-Artística. Su debut como director de cine se produce en 1934, con el drama Пышка (Bola de sebo), a partir de la obra del mismo tíyulo de Guy de Maupassant. En 1935 dirige la cinta de aventuras Тринадцать (Treinta).

En 1937 realiza el film biográfico Ленин в Октябре (Lenin en Octubre), ambientado en la época de la Revoución Rusa, cinta que tendría su continuación en 1939 en Ленин в 1918 году (Lenin en 1918), con el trasfondo de la Guerra Civil posterior a la Revolución.

En 1941 dirige el drama social Мечта (El sueño), ambientado en el sur de Ucrania en los años 30, y protagonizado por su esposa Elena Kuzmina. Esta actriz protagonizará sus siguientes películas, el drama bélico de 1944 Человек № 217 (La persona nº 217), en 1947 el drama político Русский вопрос (El problema ruso), o en 1950 el drama de espionaje Секретная миссия (Misión secreta). En 1953 realiza el drama biográfico Адмирал Ушаков (El Almirante Ushakov), sobre el marino ruso de finales del s. XVIII y principios del s. XIX, cinta que tendría su continuación en 1953 con Корабли штурмуют бастионы (Los barcos asaltan los bastiones).

En 1956 dirige el drama Убийство на улице Данте (Crimen en la calle Dante), sobre una activista de la resistencia francesa. En 1962 dirige una de sus películas más importantes Девять дней одного года (Nueve días de un año), drama sobre los conflictos entre dos jóvenes científicos nucleares.

En 1965 dirige el documental El fascismo cotidiano. En 1971se estrena el documental И всё-таки я верю (Y, sin embargo, creo), finalizado después de su muerte por Elem Klimov, Marlen Jutsiev y German Lavrov.


Fuentes de información: Rebeldemule*1 Reseña por Joserb, publicada en CineRusia, FilmArjlover (información y descarga directa y en P2P, en ruso)