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miércoles, 27 de junio de 2007

La Vieja Memoria - Jaime Camino



Dirección: Jaime Camino
Argumento: Jaime Camino
Guión: Jaime Camino y Román Gubern
Fotografía: J. L. Alcaine, Teo Escamilla, Roberto Gómez, Tomás Pladevall, Francisco Sánchez y Magi Torruella
Música: Xavier Montsalvatge
Montaje: Teresa Alcocer
Producción: Profilmes
Intervienen:: Personajes de la vida política española sobre la guerra civil española y sus consecuencias.
Año: 1976
País de producción: España
Duración: 175 min.












Sinópsis:
Filme que gira en torno a la Guerra Civil y a la posguerra española. Intercala imágenes de archivo con declaraciones de Abad Santillán, Raimundo Fernández Cuesta, Federico Escofet, Jose María Gil Robles y Dolores Ibarruri, entre otros.

"La idea inicial de La vieja memoria consistía en recoger el testimonio de personajes protagonistas de nuestra Guerra Civil (1936-1939), y que con el paso de los años peligraba con desaparecer. La mayoría de testimonios eran de personajes que, excepto algunos más jóvenes, frisaban los ochenta años de edad. Muchos de ellos vivían todavía en el exilio y no eran de fácil localización."

Jaime Camino es una de las pocas personas que ha tenido la oportunidad de conversar con los principales actores políticos de La República. sus entrevistas –recogidas en la película La vieja memoria– nos permiten comprender la visión de sus protagonistas y los condicionantes a los que tuvieron que hacer frente durante aquellos trágicos años de la Historia Española.

"Es un trabajo de artesanía que fue gestándose en un guión impensable previamente, que se convirtió en un encaje de bolillos y devino la obra final."


Fuentes de información: Juacko



Ver en Youtube.
Ver en Youtube en 2 partes.
Ver en Veoh.com
Ver en Youtube.

P.D.: Os presentamos tres cosas con este post, un magnífico documental, es increíble que a estas alturas no conociéramos la obra de Jaime Camino, nos hemos quedado impresionados por la calidad de las entrevistas y por el hermoso trabajo de archivo, ademas tratandose de un tema, al menos para nosotr@s tan emocionante e intenso, tenemos que investigar más sobre este hombre. Otro nuevo servidor de video online, Stage6, que nos recomendó Diego (muchas gracias!!!), a través de el Libro Naranja de Hiroshima, desde que lo probamos nos ha entusiasmado, por la cantidad de videos que alberga, por la rápida precarga y sobre todo por la calidad que el video puede llegar a tener, según sea el original; Eso si, no es video flash, con lo cual os pedirá instalar un plug-in, así que si no lo instaláis no podréis ver tampoco este documental, os animamos a probarlo y que comprobéis vosotr@s mism@s. Y y última, la creación del Foro Naranjas de Hiroshima, recibimos bastantes mails, además de comentarios en los post, pero muchas veces no contestamos a todos, o por falta de tiempo o por falta de organización, por eso hemos creado el foro, para que sea mas sencillo comunicarnos entre tod@s, esperamos que a través de él, podamos hablar, debatir, participar, compartir y todo lo que pueda dar de si un foro, así que os invitamos a usarlo cuando queráis.P.D.2.: Despues de Stage6, algunos usuarios se han migrado a Veoh, Juacko ahora es Gastonkhan, y los videos que antes tenia disponibles ahora estan tambien en Veoh.

Nanook of the North - Robert J. Flaherty


TITULO ORIGINAL Nanook of the North
AÑO 1922
DURACIÓN 55 min.
PAÍS Estados Unidos
DIRECTOR Robert J. Flaherty
GUIÓN Robert J. Flaherty
MÚSICA Película muda
FOTOGRAFÍA Robert J. Flaherty (B&W)
REPARTO Documentary
PRODUCTORA Revillon Frères

Aclamadísimo documental, pionero y modelo, que narra las duras condiciones de vida de una familia esquimal del ártico. La detallada realidad de esta raza, que vive en medio de un clima casi imposible para el resto de los humanos, es lo que plasmó el antropólogo, explorador y cartógrafo Robert J. Flaherty cuando fue a rodar la cotidianeidad del esquimal Nanook y de su familia, en la Hudson Bay (Bahía de Hudson) -Canadá-, a comienzos de los años veinte. Ya entre los años 1910 y 1920 Flaherty, que había sido contratado por el magnate del ferrocarril canadiense William Mackenzie para explorar dicha zona, había realizado varias incursiones en la vida de los esquimales. Alentado por Mackenzie para que se trajera un documento animado con "ese nuevo invento" llamado cinematógrafo, Flaherty filmó en uno de sus viajes miles de metros de película, pero casi todo se perdió en un desafortunado incendio. Animado por su reciente esposa Frances, Flaherty se decidió a buscar financiación (encontrándola en la empresa peletera Revillon Frères) para volver a la Hudson Bay con el único propósito de hacer una película sobre los esquimales. Allí convivió con ellos, cámara en mano, durante más de un año, rodando su modo de vivir, sobrevivir, amar y cazar en la fría tundra canadiense. De vuelta a la "civilización", el singular documental de Flaherty apenas obtuvo un nulo interés inicial en Estados Unidos, y sólo tras su éxito en Europa, gracias a la distribución por parte de la Pathé, alcanzó su reputada notoriedad. Ni siquiera existía el término documental como género cinematográfico en aquellos años, así pues resulta aún más sorprendente que "Nanook of the North", un asombroso y lleno de fuerza relato humano, pueda considerarse no sólo el primer largometraje documental de la historia del cine... sino también el mejor.

(Pablo Kurt: FILMAFFINITY)



P.D.: Sin duda uno de los que nos faltaba, el primero y maravillo Faherty, esta con los letreros en ingles, pero se entiende muy bien, si no, os cogéis un diccionario. Otra vez más gracias a Bibi, de Cinematografo, que lo ha resubido a petición nuestra. Muito obrigado de novo!!! Nos faltaría, creemos, un docu de Joris Ivens, para cerrar, al menos la primera parte de este ciclo de Orígenes del Cine Documental, porque tenemos un montón de material nuevo e interesante para poner. Esperamos estar un poco más prolíficos con los post, pero esta semana hemos estado muy liados. Además, ni que decir a tod@s, muchísimas gracias, justos este mes que hemos legado a los seis meses hemos superado las 10000 visitas, y la verdad, no lo esperábamos.

jueves, 21 de junio de 2007

Jean Vigo - A Proposito de Niza - Taris - Cero en Conducta - El Atalante

Jean Vigo

Jean Vigo (París, 26 de abril de 1905 - París, 5 de octubre de 1934) fue un director de cine francés.

Se le conoce sobre todo por dos películas que tuvieron una gran influencia en el desarrollo posterior del cine
francés: Cero en conducta (1933) y L'Atalante (1934).

Era hijo del militante anarquista español Eugène-Bonaventure de Vigo, de origen ítalo-francés, conocido con el sobrenombre de Miguel Almereyda(anagrama de "y a de la merde"), director del periódico Le Bonnet Rouge. Su padre fue arrestado y encerrado en la prisión de Fresnes, donde, en1917, fue hallado muerto, estrangulado con los cordones de sus propios zapatos. A causa de la reputación de su padre, Jean debió adoptar un nombre supuesto, Jean Sales. Entre 1918 y 1922 fue alumno en un internado de Millau, experiencia en la que se basó para rodar su película Cero en conducta.

Su primera película, el mediometraje mudo À propos de Nice (1930), es una especie de ensayo fílmico de tono satírico que explora las desigualdades sociales de la Niza de los años 20, lanzando una feroz diatriba contra los veraneantes burgueses. En el filme colaboró con él el director de fotografía ruso Boris Kaufman (hermano del director Dziga Vertov), quien intervendría después en todas las obras de Vigo.

En 1930, Vigo crea en Niza un cine-club llamado "Les Amis du Cinéma", donde programa, entre otras muchas, películas soviéticas. Su siguiente filme, de encargo, fue Taris, roi de l'eau (1931), un documental sobre el campeón de natación Jean Taris, destacable sobre todo por las tomas submarinas.

Cero en conducta (Zéro de conduite) es una obra mucho más personal. Rodado con bajo presupuesto, es un mediometraje de 45 minutos que narra la insurrección de los estudiantes de un internado contra sus estrictos profesores. Gran parte del argumento de Cero en conducta se basa en los recuerdos de Vigo, que pasó gran parte de su infancia en internados. El filme es un canto al anarquismo infantil, y tuvo una gran influencia sobre la ópera prima de Truffaut, Los cuatrocientos golpes, una de las películas clave de la nouvelle vague. Considerada antipatriótica, la película estuvo prohibida en Francia hasta 1945.

Al año siguiente, en colaboración con Boris Kaufman, produjo su obra maestra, L'Atalante (1934). En la película se cuenta la historia de amor entre un joven marinero sin objetivos y su joven esposa. La acción transcurre en un pequeño carguero, donde la pareja recién casada se ve obligada a convivir con un viejo piloto, interpretado por Michel Simon.

Jean Vigo falleció en París de tuberculosis, y fue enterrado en el cementerio de Bagneux, en la capital francesa.

Jean-Luc Godard le dedicó su película Les Carabiniers.

Jean Vigo
Filmografía


À Propos de Nice (1930)



El punto de vista documental de Jean Vigo sobre una ciudad donde el juego, el ocio y el carnaval contrastan intencionalmente con los desposeídos: la "Promenade des Anglais" opuesta a los lugares pobres de la ciudad.

Todo se encamina a la idea de la muerte, o si se prefiere a la muerte de los ociosos y de una clase social: una suerte de danza en medio del carnaval de Niza, con ridículas esculturas funerarias, un humor negro sarcástico gobernando esta lírica, violenta y subversiva polémica social llena de metáforas (los pies encerados, una mujer de pronto desnuda en un sillón), que ocasionaron su violenta prohibición en la época.

Utilizó en ocasiones la cámara oculta para conseguir interesantes tomas de los habitantes de la ciudad.




Ver en Youtube.

Ver y descargar en Archive.org



Taris (Taris, roi de l'eau) 1931 





Documental sobre Jean Taris, el nadador olímpico y 29 veces campeón francés. Estudia el estilo de natación del antiguo campeón del mundo explicando los mecanismos del arrastre, breaststroke y otras técnicas de la natación. Vigo emplea técnicas como la cámara lenta, fotografía subacuática y uso dramático de la iluminación subacuática. (FILMAFFINITY)







Zero de condutei (1933)



Zéro de conduite (en españolCero en conducta) es una película francesa de 1933 dirigida por el director francés Jean Vigo. Estrenada por primera vez el 7 de abril de 1933. Desde entonces, estuvo prohibida en Francia hasta el 15 de febrero de 1946.

Argumento

La película trata exhaustivamente las experiencias escolares de Vigo para retratar un sistema educativo burocrático y represivo en el que tienen lugar actos de rebelión surrealistas, producto de una lectura libertaria de la infancia. El título se refiere a la calificación que el chico obtendría y que le impediría salir en domingo. También muestra la influencia de la obra de teatro Ubu Roi, de Alfred Jarry.

Influencia

Aunque la película no tuvo un éxito inmediato, ha demostrado poseer una influencia duradera. François Truffaut rindió un homenaje a Zéro de conduite en su película de 1959 Los 400 golpes copiando, prácticamente fotograma a fotograma, la escena en la que una línea de escolares que corren por París va perdiendo uno a un sus miembros debido a las atracciones de la ciudad. La película If.... de Lindsay Anderson es en su totalidad una reinvención menos caprichosa de Zéro.






Ver en Youtube en V.O.S.Inglés.

L'atalante (1934)




L'atalante es una película francesa de 1934 dirigida por Jean Vigo (y protagonizado por Dita Parlo) que tras hacer algunos cortometrajes tan solo pudo realizar este largometraje porque murió muy poco después de terminarla. Su tema: el amor. Las imágenes que nos ofrece esta historia parecen sacadas de un sueño más que de la realidad, contándonos cosas sobre nuestra vida pero a través de un mundo de fantasía.




L'atalante from quartopotere on Vimeo.



Jean Vigo y el documental social

Pero yo querría hablaros de un cine social más concreto, y del que me hallo más próximo: del documental social, o dicho con más exactitud, del punto de vista documentado. En este terreno a investigar, afirmo que el tomavistas es rey o al menos presidente de la República. Ignoro si el resultado ser una obra de arte, pero de lo que sí estoy seguro es de que será cine. Cine, en ese sentido de que ningún arte, ninguna ciencia, puede desempeñar su función.

El señor que hace documentales sociales es ese tipo suficientemente flaco como para introducirse por el agujero de una cerradura rumana y capaz de filmar al salir de la cama al príncipe Carol en camisón, admitiendo que fuese un espectáculo digno de interés. El señor que hace documental social es este buen hombre lo bastante diminuto como para apostarse bajo la silla del croupier, gran dios del Casino de Montecarlo, lo que, podéis creerme, no es nada fácil.

Este documental social se diferencia del documental sin más y de los noticiarios semanales de actualidades por el punto de vista defendido inequívocamente por el autor. Este documental exige que se tome postura, porque pone los puntos sobre las íes. Si no implica a un artista, por lo menos implica a un hombre. Una cosa vale la otra. El tomavistas estará dirigido a lo que debe ser considerado como un documento y que, a la hora del montaje, ser interpretado como tal documento.

Fuentes de información: Wikipedia,  Kinoki (información y descargas), Archive.org (información y descargas), FilmAffinity,


Las Hurdes (Tierra Sin Pan) - Luis Buñuel


Dirección: Luis Buñuel.
Productor: Ramón Acín.
Argumento: Inspirado en un libro de Maurice Legendre.
Guión: Luis Buñuel, Pierre Unik y Julio Acín.
Fotografía: Eli Lotar.
Montaje: Luis Buñuel.
Música: Extractos de la 4ª sinfonía de Brahms (sonorizada en 1937).
Sonido: Charles Goldblatt y Pierre Braunberger.
Narrador: Abel Jackin (de la versión restaurada,Francisco Rabal).
Intervienen: habitantes de las Hurdes (Cáceres).
País de producción: España.
Año: 1933.
Formato: 35mm. B/N.
Duración: 27 minutos.





La idea de rodar un reportaje sobre la paupérrima región de las Hurdes en 1933 -que no, en 1932 como se creía hasta hace muy poco tiempo (tal y como subraya la tesis de Maurice Legendre)-, la concibió Luis Buñuel inspirado por "los estudios del Dr. Gregorio Marañón sobre la enfermedad del bocio en aquéllos parajes".

Las Hurdes, tierra sin pan es un homenaje a los habitantes de una región azotada por el hambre, la enfermedad, y la miseria. Los crucigramas nos dicen que la definición más ajustada del pan es la de alimento básico, y así nos lo recuerda el fragmento anterior. La enfermedad era, también, una de las principales características de la región. De hecho, eran habituales endemias como el bocio o el paludismo, causadas y agravadas por la inanición, y la insalubridad del lugar, respectivamente. Y por último, la miseria era connatural a esas gentes, que carecía de la educación necesaria. Las costumbres autóctonas son tan feroces como habituales en muchos pueblos de la España de la época. El narrador cuenta que "ante el pueblo reunido, los hombres más recientemente casados deben, cada uno, arrancar la cabeza de un gallo". El dramatismo de tal escena da la impresión de que el espectador asiste a un acto de barbarie exclusivo, cuando la realidad de la época nos enseña que costumbres como aquélla no eran muy diferentes de otras, de parecido calado.

Por otra parte, escenas tales como la un burro rodeado de abejas, a causa de cuyas picaduras, sufre un fatal desenlace; la de una niña enferma; la de los hombres que recorren a pie y descalzos distancias muy extensas para procurarse provisiones, o la de las muestras comparativas del mosquito anófeles (portador del paludismo), y del mosquito común; todas ellas dan una idea del sentido didáctico que Luis Buñuel quería conferir al documental.

Un burro agonizante es una muestra de las carencias inherentes a un pueblo marginal. La enfermedad se adueña de los más débiles, con más fiereza. El sacrificio, por su parte, se impone como una necesidad irrenunciable para combatir el hambre. Por último, el mosquito constituye una prueba fehaciente de la existencia de endemias.

Todas estas imágenes no están exentas, sin embargo, de artificios. P.ej.: La niña enferma estaba aquejada de un agudo dolor de muelas, pero la imagen de la dentadura que ausculta la cámara, corresponde a la de una anciana del pueblo. En otra secuencia, aparece una cabra despeñándose de un risco, aparentemente, de forma natural, cuando, en realidad, con un objetivo técnico, había sido abatida de un tiro.

Las Hurdes, tierra sin pan, de Luis Buñuel, no sólo es una crónica social de una crudeza sin parangón, en un país que no reconocía la existencia de lugares olvidados, sino también, un instrumento didáctico, que aunque alarmó a las autoridades, perseguía un buen fin.

Fuentes de información: Tomás Valero Martínez Publicado por: CineHistoria



Celovek´s Kinoapparatom (El hombre de la cámara)

Título original: Ruso: Человек с киноаппаратом (Chelovek s kinoapparatom), Inglés: The Man with the Movie Camera
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/34/Man_with_a_movie_camera.jpgDirección: Dziga Vertov
Fotografia: Mikhail Kaufman
País de producción: URSS
Año: 1929
Productora: VUFKU
Sonido: Muda, tiene difentes bandas sonoras compuestas a cargo: Pierre Henry, Nigel Humberstone, Konstantin Listov, Michael Nyman,The Cinematic Orchestra.
Duración: 66 min.
















El hombre de la cámara de cine está compuesta de cientos de escenas de la actividad cotidiana de San Petersburgo, la mayoría tomas callejeras pero también del trabajo y vida doméstica, unidas en una zaga donde la ciudad moderna y la cámara del cine comparten los papeles protagonistas. Trozos de la realidad tomados de improvisto (Vertov los llamaba kino-fraza, “frases fílmicas”) que alternándose unos a otros en una rápida sucesión trazan una especie de alegoría real que identifica el vértigo de la modernidad urbana y sus contrastes sociales y económicos, con el proceso mismo de la documentación y edición cinematográfica. Obsesionado con la movilidad y velocidad, y heredero de la fascinación tecnológica de los futuristas y constructivitas, Vertov puso en evidencia la relación entre el mecanismo del cine, la nueva intensidad de la productividad industrial y el ritmo enloquecedor que automóviles, trenes y tranvías impusieron a hombres y mujeres en el siglo XX.



Chelovek s kino-apparatom (El hombre de la cámara) es la película más representativa de Dziga Vértov, parte activa del cine de vanguardia ruso, y cuyas obras experimentales (como esta película) ofrecieron un nuevo modelo de documental.

Los hermanos Kaufman: Mikhail y David

El cine de Dziga Vértov adquiere su forma durante los años en los que estuvo trabajando para el Comité de Cine de Moscú tras la revolución (1918), y en donde coincidió, entre otros, con Lev Kuleshov, quien llevaba a cabo sus propios experimentos sobre el montaje en el llamado “Efecto Kuleshov”, demostrando la importancia que tenía este en el estado de ánimo del espectador y el propio texto de la obra. Este entorno se convirtió en el caldo de culto para el cine de Vértov, quien junto a otros dos cineastas (entre los que se encontraba su futura esposa, Yelizaveta Svilova), formaron el denominado grupo Kinoki, donde desarrollarían su teoría del Cine-Ojo, principal legado de Vértov, junto a la serie de noticiarios Kino-Pravda, o Cine-Verdad. El motivo principal de la teoría del Cine-Ojo es la de conseguir un cine totalmente objetivo, lo que supone un total rechazo del guión, escenografía o actores profesionales. Busca el cine en su estado más puro, alejado de la influencia del teatro o la literatura. La cámara capta más que el ojo humano (de ahí el nombre de la teoría) y utiliza el montaje para unir los fragmentos de realidad, sin ningún tipo de carácter emocional. Vértov buscaba, básicamente, la verdad de la realidad, conseguida a través de la cámara, que capta lo que el ojo no es capaz, y el montaje, como nexo de unión de esa realidad para forma un todo global.


Esa búsqueda de la verdad le llevó a realizar, a partir de 1922 una serie de noticiarios englobados en la serie Kino-Pravda, donde Vértov se dedicaba a grabar todo tipo de espacios públicos, en muchos de los casos acompañándose de cámaras ocultas y sin pedir permiso. En este contexto, y con la cercanía temática de una película tan importante como Berlín, sinfonía de una gran ciudad (Walter Ruttmann, 1927), Vértov presenta en 1929 El hombre de la cámara, donde nos muestra un día en la vida de la ciudad de San Petersburgo, desde el amanecer hasta el anochecer. Este documental urbano, en el cual Vértov se encarga de dejar claro lo real de las imágenes que podemos ver (en gran cantidad de planos vemos al operador de cámara filmando), transmite igualmente algunas ideas políticas del propio Vértov, como su marcado carácter marxista, o su interés por el futurismo, algo presente más bien a nivel ideológico. De igual forma, la fascinación de Vértov por el constructivismo queda patente en la obra.


Así, El hombre de la cámara es una especie de seguimiento a un operador de cámara que filma todo lo que le rodea, y que nos muestra a través de su objetivo (su ojo) la ciudad de San Petersburgo. En este punto, podríamos discutir la vigencia de la objetividad que perseguía Vértov, sobre todo relacionado con ese marcado acento marxista, algo, por otro lado, patente en la sociedad de su época. Pero, más allá de cuestiones políticas, la revolución que supuso la obra de Vértov y su legado (en los años sesenta, la vanguardia francesa, con Godard a la cabeza, fundaron el Dziga Vértov Group, por su cercanía ideológica con las teorías de este) está presente en gran parte del cine experimental posterior, y en diferentes teorías cinematográficas. Incluso se considera a esta película como el prmer videoclip de la historia. The Man with de Movie Camera (1929) es una película modernista, vigente todavía en muchas de sus propuestas, y en la que Vértov consigue plenamente sus objetivos. Una cinta indispensable para todo buen cinéfilo que se precie, y una película con la que abandonamos definitivamente los años veinte en Retroscopia, para introducirnos en la década de los treinta, que tantas grandes películas nos ofrece.*2



"...Soy un ojo fílmico, soy un ojo mecánico, una máquina que os muestra el mundo solamente como yo puedo verlo."

"Liberado de la tiranía de las 16-17 imágenes por segundo, liberado de la estructura de tiempo y espacio, coordino todos los puntos del universo, allí donde puedo registrarlos."

"Mi misión consiste en crear una nueva percepción del mundo. Descifro pues de una manera nueva un mundo desconocido para vosot@s."


martes, 19 de junio de 2007

Berlin - Sinfonia de una ciudad


Director: Walter Ruttmann
Guión: Karl Freund, Carl Mayer, Walter Ruttmann
Música: Edmund Meisel
Fotografía: Robert Baberske, Reimar Kuntze, László Schäffer, Karl Freund
Montaje: Walter Ruttmann
Idioma: Muda (existen diferentes versiones musicalizadas)
País de producción: Alemania, Weimar Republic
Año: 1927
Duración: 62 minutos














(Frankfurt, 1887-Berlín, 1941) Director de cine alemán. Fue pintor dadaísta antes de empezar a cultivar, a partir de 1922, el cine abstracto (Opus 1, 2, 3 y 4). Influido por las teorías de Dziga Vertov, rodó uno de los más ambiciosos e importantes documentales de la vanguardia europea: Berlín, sinfonía de una gran ciudad (1927), descripción impresionista y de brillante ritmo de una jornada berlinesa. En 1929 realizó La melodía del mundo, innovador ensayo de montaje audiovisual. Después de filmar el corto In der Nacht (1931), basado en la música de Schumann, dirigió en Italia su primer filme narrativo, Acero (1933), con guión de Luigi Pirandello. A partir de entonces se alejó paulatinamente de los experimentos de vanguardia, pasando a dedicarse casi exclusivamente al documental. De esta última etapa destacan su colaboración en Olimpiada (1936), de Leni Riefenstahl, y los documentales Mannesmann (1937) -sobre la industria metalúrgica- y Deutsche Panzer (1940) -sobre el avance de las tropas nazis hacia París-. Fue herido mientras operaba como camarógrafo en el frente del Este, y falleció en Berlín poco después.

Inspirado en el documental soviético “Cinesemana (Kino-Nedelia 1918)” de Dzige Vertov, Ruttmann realizo en 1927 un documental basado en la vida cotidiana de Berlín a lo largo de un día, contando con los mejores fotógrafos alemanes. El resultado es una película estéticamente hermosa, artísticamente innovadora, con ritmo vertiginoso, cual sinfonía musical, imprescindible para todos los amantes del cine.


Fuentes de información: Cinematografo

viernes, 15 de junio de 2007

Montaña de luz



Director: Rafael Solís, Alejandro Ramírez Anderson, Guillermo Centeno, Alejandro Gil
País: Cuba
Título original: Montaña de luz
Idioma original: Español
Categoría: Documental
Formato: DVCAM
Tipo: Color
Duración: 43 m.
Año de Producción: 2005
Productora: ICAIC
Guión: Guillermo Centeno
Productor: Francisco Álvarez
Fotografía: Oscar Valdés, Yamil Santana, Rafael Solís
Sonidista: Juan Demósthene, Jorge Luis Chijona, Elpidio Granguet
Editor: Ricardo Miranda

Director de Producción: Francisco Álvarez
Edición: Ricardo Miranda
Asesor Musical: José Galiño
Banda Sonora: José Galiño, Ricardo Miranda

Sinopsis

No lo impidieron los ríos desbordados de Guatemala ni las distancias casi infranqueables del desierto africano. Tampoco lo pudieron impedir los desastres naturales en Haití ni el calor intenso de las praderas de Namibia.

Hasta allí han llegado varios cineastas cubanos --bajo la dirección general de Guillermo Centeno-- para entregarnos su testimonio como corresponsales de guerra. Porque "Montaña de luz" es el testimonio de una guerra justa y permitida: aquella que desarrollan contra el hambre, la falta de asistencia médica y por la preservación de la vida, hombres y mujeres guiados por grandes sentimientos de amor.

No importan las diferencias de lenguaje ni de cultura: en su entrega mística (porque es humana) podemos avizorar ese otro mundo posible que emergerá, que ya está emergiendo --ahora y mañana, es decir, siempre-- en este mundo desigual e injusto de hoy.

Info via: CubaSi
Docu via: Enlace Socialista

jueves, 14 de junio de 2007

El lado oscuro de la Luna




Título alternativo: El lado oscuro de la Luna
Título original: Opération Lune (francés), Dark side of the moon (inglés)
País: Francia
Año: 2002
Duración: 52 minutos
Género: Docu-ficción
Realización: William Karel;
Coproducción: Point du Jour, ARTE France
















Basándose en imágenes de archivo reales sacadas de contexto, y mezclando hábilmente datos verdaderos y falsos, el documental analiza en clave paródica la posibilidad de que Richard Nixon, presidente de Estados Unidos en 1969, hubiese urdido una compleja trama para hacer creer a todo el mundo que la nave tripulada Apollo 11 había aterrizado en la Luna. El argumento del programa se hace creíble en un principio, ciertamente respaldado por la credibilidad de la productora, ARTE France, y el aspecto de documental bien realizado que ofrece. Además, cuenta con los testimonios de, entre otros, Donald Rumsfeld, ex-secretario de Defensa de Estados Unidos; Henry Kissinger, ex-secretario de Estado de EEUU; Richard Helms, ex-director de la CIA; la viuda de Stanley Kubrick, cineasta que presuntamente habría rodado las "falsas" tomas lunares; el astronauta Edwin Aldrin, su mujer y otros trabajadores de la NASA.

Todas estas personas al parecer no eran conscientes de la naturaleza del documental, y sus testimonios están sacados de contexto, como admite el director, William Karel, en la entrevista que reproducimos más abajo. El resto es sólo parte de un guión inventado, como queda claro al final del documental, momento en el que se ofrecen las tomas falsas de los participantes, en las que se les ve leyendo el guión previsto, riendo y equivocándose.




Las alusiones al presunto rodaje lunar de Kubrick, que por entonces acababa de realizar la magnífica película 2001: una odisea espacial (que, a pesar de contar con los mejores efectos especiales jamás vistos para la época, tiene evidentes fallos hasta para el ojo más inexperto), son meras invenciones. En el comienzo no parece tan obvio, pero a lo largo del documental hay pasajes ridículos en los que es fácil darse cuenta de que no pretende ser un programa serio (por ejemplo, en las escenas del poblado vietnamita, o cuando se afirma que las naves y los trajes espaciales fueron diseñados por la industria de Hollywood, o que Kubrick no salía de su casa por miedo a la CIA y que rodó sus últimas películas allí, etc.). Además, por si quedara alguna duda, como guiño a los cinéfilos, algunos de los personajes que van desfilando por la pantalla tienen en realidad nombres de protagonistas de películas de Kubrick: David Bowman (2001: una odisea espacial), Jack Torrance (El resplandor), Dimitri Muffley (el presidente estadounidense Merkin Muffley y su homólogo soviético Dimitri en ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú). De hecho, el documental ha sido emitido en varios países durante el Día de los inocentes.

Los argumentos mostrados como "prueba" del montaje en el documental, que muestra lo fácil que puede resultar engañar a un público crédulo y sugestionado, están sacados directamente de la teoría de la conspiración, pero son ridículos si se analizan con detenimiento (están tratados en el resto de secciones de esta página).




Artículo completo en : Intercosmos

Enlaces de interés sobre 'Operación Luna':
Comentarios sobre el 'documental inocentada' de La Noche Temática en La 2
Opération Lune, artículo de Javier Armentia, director del Planetario de Pamplona, sobre la curiosa reacción del público tras la emisión del documental en el II Festival de Cine de Peralta.
El lado oscuro de la Luna
Dark Side of the Moon, entrada en la Wikipedia sobre el documental (en inglés).
Opération Lune (en francés)

P.D.: Agradecemos enormemente a Pachekiller su aportación con este docu que no conocíamos.

domingo, 3 de junio de 2007

Grands Soirs et petits matins - El Espiritu de Mayo del 68


Grands Soirs et petits matins - El Espíritu de Mayo del 68 - Extractos de una pelicula que debió existir..

Cámara y Realización: William Klein
Sonido:Harald Maury
Montaje: Catherine Binet, Valerie Mayoux, Nelly Quettier, Ragnar
País: Francia
Duración: 98 min.
Año: 1968.








Mayo de 68. Los símbolos de la autoridad son discutidos por millones de huelguistas y de estudiantes. William Klein rueda al día a las asambleas, los debates improvisados, las manifestaciones, las barricadas, las grescas de calles, palabrejas, utopía en marcha, esperanzas, resignaciones, malentendidos.

" Grandes por Las tardes y pequeñas mañanas ", una apasionante crónica de mayo de 68. Los símbolos de la autoridad son impugnados por millones de huelguistas y estudiantes. William Klein rueda día a día asambleas, debates improvisados, manifestaciones, barricadas, trifulcas de calles, utopía en marcha, esperanzas, dimisiones. Rodado en blanco y negro, cámara al hombro, es el documento más preciso, mas exacto y más inquietante sobre la gran rebelión francesa del Siglo XX.

¡ Un gran momento de cine directo!

"El mejor documental que existe sobre mayo no se estrenó hasta diez años después. Lo primero que hizo el gran William Klein fue salir con su cámara a la calle y grabar todas las manifestaciones de los estudiantes y los trabajadores en huelga, así como las reuniones donde se pretendía coordinar el movimiento. Lo mejor es la sensación de cercanía de las imágenes de Klein, la urgencia de la búsqueda del plano más significativo y esas capturas de las discusiones dialécticas entre manifestantes y gaullistas en plena calle. Es el mejor retrato directo del momento y un documento audiovisual único."
Señor Toldo Dice




Ver directamente en Youtube.
Ver en Naranjas de Hiroshima Tv (en vodpod).

P.D.: Otro de los documentales imprescindibles que no esta editado en España y supongo que tampoco lo estará en Latinoamerica, si está editada en DVD en Francia, pero subtítulos en castellano tampoco hay. Así que hemos tenido que recurrir a un viejo VHS ripeado a DVD y a su vez pasado a divx. La calidad de imagen no es la mejor, pero no os deberías perder este documental por nada del mundo. Si lo pusieran en las escuelas o la TV cuando se habla de Mayo del 68 otro gallo nos cantaría. Podeís encontrar más material de este autor en el Especial de William Klein, que es de nuestros primeros post. Resubido gracias a nuestr@ nuev@ colaborador/ anomim@. Muchas Gracias!!!.

sábado, 2 de junio de 2007

El Universo Elegante - La Teoría de Cuerdas

Directores: Julia Cort, Joseph McMaster
Guión: Julia Cort basado en el libro de Brian Green
Año: 2003
País: USA
Producido por: Nova

Esta serie consta de 3 capítulos, en los que se aborda una de las ideas físicas más radicales: la teoría de cuerdas. Se repasará la historia de los intentos del hombre por encontrar una teoría que unifique nuestra visión del universo, así como los triunfos y los fracasos de la teoría de cuerdas, que clama conseguir eso.

Algunos físicos creen que la teoría de cuerdas puede unificar las fuerzas de la naturaleza.

Las partículas fundamentales del universo identificadas por los físicos –electrones, neutrinos, quarks, y demás - son las “letras” de toda la materia. Al igual que sus equivalentes lingüísticos, parecen no tener ninguna estructura interna.

La teoría de cuerdas proclama otra cosa. De acuerdo con ella, si pudiéramos examinar estas partículas con aún mayor precisión – una precisión muchos órdenes de magnitud mayor de la presente capacidad tecnológica - podríamos encontrar que cada una no es puntual, sino que consiste en un pequeño bucle unidimensional. Como una bada de goma infinitamente fina, cada partícula contiene un filamento vibrante, oscilante, danzante que los físicos han llamado cuerda.

Aunque de ninguna manera es obvio, esta sencilla sustitución de los constituyentes de la materia como partícula puntual por cuerdas, resuelve la incompatibilidad entre la mecánica cuántica y la relatividad general que, tal y como están formuladas en la actualidad, no pueden ser correctas simultaneamente. De este modo, la teoría de cuerdas desenreda el nudo Gordiano central de la física contemporánea. Es un tremendo logro, pero esto es sólo parte de la razón por la que la teoría de cuerdas ha generado tanta expectación.

Campo de sueños

En los días de Einstein, aún no se habían descubierto las fuerzas débiles y fuertes, pero él encontró la existencia de dos fuerzas distintas – la gravedad y el electromagnetismo - profundamente preocupantes. Einstein no aceptaba que la naturaleza se fundamentase en un diseño extravagante. Esto impulsó su viaje de 30 años en busca de la llamada teoría del campo unificado, que él esperaba que demostraría que estas dos fuerzas son realmente manifestaciones de un gran principio subyacente. Esta búsqueda quijotesca aisló a Einstein de la corriente principal de física, que, como es comprensible, estaba mucho más interesada en investigar el recién estrenado marco de la física cuántica. A comienzos de la década de los 40, Einstein escribió a un amigo: “Me he convertido en un viejo al que se conoce principalmente por no usar calcetines y a quien se exhibe como una curiosidad en las ocasiones especiales”.

Una teoría para terminar con las teorías

Por primera vez en la historia de la física tenemos un marco con la capacidad de explicar cada característica fundamental sobre las que está construido el universo. Por este motivo a veces se decribe a la teoría de cuerdas como la posible “teoría del todo” (theory of everything”, T.O.E.) o bien la teoría “última” o “final”. Estos términos tan grandiosos se proponen para significar la teoría de la física más profunda posible – una teoría que es la base de todas las otras, una que no requiere y ni siquiera permite una base explicativa más profunda.

Más Info: Astroseti

El Universo Elegante Parte 1: El sueño de Einstein



El Universo Elegante Parte 2: La clave está en la cuerda



El Universo Elegante Bienvenidos a la 11ª Dimensión




Docus via: YosoyUbik

viernes, 1 de junio de 2007

La guerrilla de la memoria


Dirección: Javier Corcuera.
País: España.
Año: 2002.
Duración: 67 min.
Género: Documental.
Interpretación: Esperanza Martínez, Remedios Montero, Florián García, Manuel Zapico, Eduardo Pons Prades.
Guión: Carlos Muguiro, Alberto Lorente, Javier Corcuera, Fernando León de Aranoa y David Planell.
Producción: Montxo Armendáriz y Puy Oria.
Fotografía: Jordi Abusada.
Montaje: Rori Sáinz de Rozas.












Documental sobre la guerrilla antifranquista. Tras la Guerra Civil española (1936-1939), hubo algunos combatientes que se negaron a aceptar la derrota y se echaron al monte para luchar contra el régimen. Fueron hombres y mujeres que, cuando escucharon el último parte de guerra emitido en Burgos el 1 de abril del 39, supieron que para ellos la lucha no había terminado. Detrás de los rostros y de los relatos de Esperanza Martínez “Sole”, Remedios Montero “Celia”, Florián García “Grande”, Francisco Martínez “Quico”, Manuel Zapico “Asturiano”, José Murillo “Comandante Ríos”, Eduardo Pons Prades “Floreado Barsino”, Benjamín Rubio, Angela Losadas y Emilia Girón, se pueden descubrir cientos de vidas rebeldes.




Fuentes de información: FILMAFFINITYQuamodo


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